27 feb. 2017 0 comentarios

Libro sobre Ray Barretto se presentará en Puerto Rico




El libro "Ray Barretto - Fuerza Gigante" llega a Puerto Rico.

Escrita por el periodista colombiano Robert Téllez Moreno, la obra literaria dedicada a reapsar la vida de "El Rey de las Manos Duras" se presentará el próximo viernes 17 de Marzo en un actividad a realizarse en el Museo de la Salsa que dirige el coleccionista Robert Padilla en la Isla del Encanto.

La presentación tendrá como protagonistas, además de Téllez y Padilla, a Hiram Guadalupe (quien actuará como moderador del evento), Elmer González (investigador musical que escribió el prólogo del libro), Julio Costoso (autor de la fotografía que figura en la portada del libro) y el gran pianista Ricky González, quien fuera integrante de la orquesta de Barretto en la década del 80.

“Esta no es un biografía, es un documento periodístico que articula de manera cronológica la  trayectoria de Barretto, que imagino puede llegar a originar futuros estudios sobre su carrera”, afirma Téllez, fundador de la muy reconocida revista Sonfonía , actual conductor de "Conversando la Salsa" (que se emite en Radio Nacional de Colombia) y autor del libro que consta de ocho capítulos.

"Ray Barretto - Fuerza Gigante" ya fue presentado en diciembre pasado primero en Miami y luego en la Feria de Cali y ahora llegará a Puerto Rico en la previa al 34 Día Nacional de la Zalsa.

Gracias a la gentileza del autor, comparto con Ustedes el prólogo escrito por Elmer González y que sirve como "sabroso aperitivo" a la obra literaria de Robert Téllez Moreno.

Rober Téllez, autor de "Ray Barretto - Fuerza Gigante"


Prólogo para el libro “Ray Barretto – Fuerza Gigante”

El Caribe es tierra de tamboreros. Las Antillas Mayores y los países hispanos circundantes han sido la cuna de percusionistas extraordinarios que se desplazan a través del tiempo y el espacio marcando los ritmos asociados a está región geográfica entre las dos Américas.

Durante el siglo XX, los ritmos populares afrocubanos fueron los más influyentes en la región. La clave, el bongó y las tumbadoras, de origen cubano, se convirtieron en instrumentos emblemáticos para identificar la naturaleza rítmica de la música caribeña.

Quizás el tamborero más famoso hasta el día de hoy lo es el habanero Luciano "Chano” Pozo. Con una vida marcada por la violencia, un puñado de composiciones con letras y estribillos de poca monta y un estilo bien básico de ejecutar la tumbadora, Chano alcanzó el nivel de “leyenda del tambor” después de su asesinato en Nueva York el 2 de diciembre de 1948.

Su figura es el tema principal de varias composiciones del repertorio afrocaribeño. Sus composiciones se siguen grabando. Además, durante muchos años se consideraba como el sello distintivo entre el jazz afroamericano y su variante “latina” a partir de sus trabajos con el trompetista Dizzy Gillespie. Fue la combinación Gillespie-Pozo la que determinó el futuro de un recluta del
ejército norteamericano destacado en Alemania durante la segunda mitad de la década de 1940. Con menos de veinte años de edad Ray Barretto escuchó el tema “Manteca” en el que se juntaban los elementos del Be-Bop con los toques de la tumbadora.

Desde ese momento, Barretto descubrió que sus dos pasiones musicales como melómano podían estar juntas: el jazz y los ritmos afroantillanos. El resto es la historia, su historia. Una vida de aprendizaje continuo llena de logros, tropiezos y satisfacciones.

Con las tumbadoras como su instrumento, Barretto lideró desde Nueva York una de las bandas más apreciadas y de mejor sonido durante los mejores años del movimiento salsero.

Como miembro de las Estrellas de Fania en la década de 1970, el “Rey de las manos duras” se convirtió en el conguero oficial de la salsa. Aunque había buenos congueros para esa época en los Estados Unidos, ninguno tuvo el destaque de Barretto quien pareció romper con el monopolio de tamboreros cubanos como Mongo Santamaría, Julito Collazo, Cándido Camero, Patato Valdés y Francisco Aguabella, entre otros.

Tuvo mayor éxito comercial como salsero que como jazzista. Pero cabe preguntarse si fue un jazzista que tocaba salsa o un salsero que tocaba jazz. En la opinión del que suscribe estas líneas Barretto fue primordialmente un jazzista. El jazz fue su Alpha y Omega. Su principio y el fin de su carrera. Quizás su mundo entre esas dos corrientes musicales le permitió desarrollar un sonido netamente bailable con pinceladas de jazz y una banda progresiva de jazz con aroma a rumba y clave. Chano Pozo nunca se enteró de cuán importante fue en la formación musical de Barretto. Tampoco el gigante de la sonrisa de niño supo a cuantos jóvenes inspiró y motivó que hoy forman parte de la legión de  tamboreros en el Caribe.

Barretto murió el 17 de febrero de 2006. Su cuerpo fue cremado y sus cenizas esparcidas en el mar frente a las murallas del Viejo San Juan en su querido Puerto Rico.

Fue maestro de maestros. Un ídolo musical para miles de entusiastas. Se dice que los “ídolos no mueren porque alcanzan niveles de deidades”. Pero si, podrían morir en la memoria colectiva si no se les recuerda y se mantiene su presencia en la sociedad. Chano Pozo sigue “vivo” porque varios músicos se han encargado de mantener su presencia en grabaciones y composiciones.

En esa dirección de perpetuar el recuerdo del autor de “Indestructible”, elinvestigador musical y radiodifusor colombiano Robert Téllez se dio a la tarea de conseguir valiosos testimonios de quienes conocieron a Barretto y registrar en estas páginas información biográfica del artista que tanto Téllez admira.

Las grabaciones son los documentos infalibles para conocer el alma musical de Barretto. Es por eso que parte de esta publicación recoge una discografía parcial del tamborero.

En Puerto Rico se dice que “Colombia es la memoria de la salsa”. Gracias Robert.

Elmer González
Productor de “Son del Caribe” y “Son de Cuba”
Radio Universidad de Puerto Rico
25 feb. 2017 0 comentarios

Lo nuevo de Rafu Warner tiene que funcionar



Fuente: Agencia EFE, Puerto Rico

Rafael "Rafú" Warner, excantante de la orquesta de Bobby Valentín, promociona su nuevo disco, "Tiene que funcionar", en el que por primera vez en su carrera de casi 40 años incluye temas de su autoría.

Warner sostuvo que el sonido de su nueva producción es de "salsa tradicional", o sea, más bailable, descartando así la posibilidad de evolucionar en el género caribeño.

"Estamos dándole música a los nuevos bailarines para que tengan esa cadencia y elegancia con la salsa clásica, algo así como más 'afincao' -abrazado-", enfatizó Warner, también conocido como "El chef de la salsa", ya que además de dedicarse a la música es cocinero profesional.

En este nuevo álbum, el primer disco después de cinco años sin grabar, Warner incluyó tres canciones de su autoría: "Tiene que funcionar", "Rema" y "María del Carmen".

"Me he sentido más inspirado en escribir", afirmó Warner, quien explicó que el tema "Tiene que funcionar" es un bolero. Lo produjo de esta manera "para salir de la rutina de la salsa", género musical en el que empezó a destacarse a finales de la década del 70 con la Orquesta de Pipo Rosario y La Traviesa.

"Rema", por su parte, trata sobre el optimismo de las personas y el seguir hacia adelante a pesar de las circunstancias, mientras que "María del Carmen" relata la historia de una mujer dulce, "pero cuando tiene otro carácter y se pone fiera, no te deja salir a la calle", explicó el artista.

Este es el cuarto disco como solista de Warner, después de publicar "Úsame", "Entrégate" y "A mis amigos".

Anteriormente, cantó con Bobby Valentín, con quien estuvo desde 1979 a 1988. Durante esos nueve años, Warner, natural de Santurce, participó en seis discos, en los que grabó 16 canciones, entre ellas, posiblemente su mayor éxito, "Amor a medio tiempo".

Dicho tema, grabado en 1986, es una versión al castellano del éxito del mercado anglosajón del legendario pianista estadounidense Stevie Wonder, titulado "Part-Time Lover".

Warner recordó esa época en la orquesta de Valentín, en la que compartió interpretaciones junto a otros cantantes boricuas como Cano Estremera, Johnny Vázquez y Luisito Carrión.

"Fue una época muy buena y bien sabrosa. Había bailables todos los meses. Eso, lamentablemente, no regresa", lamentó.

Warner arrancó su carrera musical con la agrupación La Traviesa, luego pasó a formar parte de la orquesta Impacto Crea, con la producción, "Impacto Crea 1981".

Warner, por otra parte, agradeció a todos los productores colombianos desplazados en Europa que se han dedicado a contratarle para presentaciones musicales.

El año pasado, según contó el cantante boricua, logró actuar en Londres, Italia, España, así como en Colombia, Venezuela y en varias ciudades de Estados Unidos.

"Esto es muy positivo, pues ahora mismo no hay productores puertorriqueños en Nueva York que te llamen para presentarte y los que te llaman son los colombianos. Le doy gracias a ellos porque auspician nuestra música", enfatizó.
24 feb. 2017 0 comentarios

Isidro Infante y el abrazo musical de Cuba y Puerto Rico




Ya está por salir al mercado el nuevo trabajo del Maestro Isidro Infante que presenta a varias de las más importantes voces cubanas de la actualidad interpretando nuevas versiones de clásicos salseros.

El disco se titula Cuba y Puerto Rico Un Abrazo Musical Salsero del cual ya hemos podido escuchar el corte "Déjame Soñar", interpretado por Yumurí, Mayito y El Indio y el disco promete.

Muy pronto estará a la venta
22 feb. 2017 0 comentarios

Premian en Puerto Rico a los mejores discos del 2016



Fuente: Fundación Nacional para la Cultura Popular. Por Jaime Torres Torres

La excelencia no conoce límites, fronteras ni edades.

El Museo de Las Américas en el Cuartel de Ballajá en el Viejo San Juan fue escenario del reconocimiento a las 20 producciones discográficas más sobresalientes de 2016, según el criterio de la Fundación Nacional para la Cultura Popular y su director ejecutivo, el periodista Javier Santiago.

Dos generaciones, representadas por los veteranos Willie Rosario y Bobby Valentín, y los noveles JoseMa Lugo y Carlitos D’ Castro, fueron reconocidas por la calidad de sus recientes trabajos discográficos.

El pasado 1 de enero la Fundación reveló, durante un programa de tres horas por Radio Isla 1320 AM, la lista de los 20 discos, que encabeza la cantante iLe, con la producción ‘iLevitable”.

Cabe destacar que tanto iLe como el fenecido José M. Lugo, director de Guasábara Combo, recientemente fueron galardonados con el Grammy americano, lo que en cierto modo ratifica los criterios de evaluación de la Fundación Nacional para la Cultura Popular.

Los maestros de ceremonia, los cantantes Linda Santana y Josué Barreto, presentaron los 20 artistas de 2016. No asistió Andrés Jiménez, quien no envió representación para recibir el certificado, contrario a Humberto Ramírez, Miramar, Little Johnny Rivero y Juan Pablo Díaz, que delegaron en otras personas, con la salvedad de que éste último, que llegó tercero con “Fase II”, transmitió un mensaje en vídeo. Al igual que ellos, el cantautor Obie Bermúdez envió un mensaje cibernético el cual no se pudo transmitir en sala por dificultades técnicas.

El acto de reconocimiento comenzó con el anuncio del diseño gráfico discográfico más original de 2016, honor otorgado al cedé “Fase II” de Juan Pablo, tras la evaluación de los artistas Andrés Quiñones Candal, Rafael Rivera Rosa, Shirley Padilla y Mariángela López Vilella del Museo Las Américas.

“Tuvimos la ardua tarea de seleccionar la carátula que representaba de mejor manera la interpretación que íbamos a encontrar en el disco. La de Juan Pablo Díaz fue la ganadora desde su técnica hasta la limpieza del diseño y el mensaje que llevaba”, dijo López Vilella.

El primer talento de los 20 de 2016 reconocido en el Museo de Las Américas fue la dj Carmencita Otero, cuyo cd “Mi pasión” ocupa la vigésima posición.

“Esto para mí es muy grande porque mi orquesta favorita es la del señor Willie Rosario, que está entre el público y también fue reconocido”, dijo emocionada.


Una de las sorpresas de 2016 se registró con Puerto Canción y su propuesta “Como la marea”. El cantautor Eduardo Cautiño recibió el premio a nombre de sus compañeros Sammy y Alix.

Otro reconocimiento inesperado fue el de la Banda Acústica Rodante, cuyo cedé “Querido Rafael”, dedicado en vida al patriota Rafael Cancel Miranda, marcó el debut discográfico del grupo integrado por los cantautores Mikie Rivera, Nore Feliciano, Walter Morciglio, Tito Auger y Rucco Gandía.

“Este tipo de premiación provoca la calidad de las producciones”, dijo Mikie al presentar a Walter para que explicara el concepto de “Querido Rafael”.

Uno de los discursos más elocuentes y contundentes de la ceremonia de reconocimiento fue articulado por la pianista Carmen Noemí de Cafézz, cuyo álbum “Sol boricua” es el segundo –de sus dos lanzamientos- que es premiado por la Fundación.

“[…] Estamos en una crisis económica. Estamos en un país, en el que quizás nos sentimos pobres. Pero no somos un país pobre, somos grandes en riqueza musical y en cultura. La mayoría de las producciones que están aquí son independientes. Son personas que decidieron cambiar el viaje, el carro o el lujo para aportar por la música […]. Una producción captura un momento histórico y un momento social. Los museos preservan obras y los discos lo que fue la sociedad musicalmente”, expresó Carmen al dedicar el reconocimiento a tantos talentos musicales auténticos que viven en el anonimato en Puerto Rico.

Por segundo año consecutivo, Carlitos D’ Castro celebró otro éxito en su tributo a los Mambo Kings, Tito Rodríguez y Tito Puente. Al Rey del Timbal le dedicó la producción “Legend”.

Carlitos agradeció a Dios, a su familia y a la dirección de la Fundación Nacional. Citó a Séneca y sus enseñanzas sobre la brevedad de la vida, en contraste con la longevidad del arte, que personifican todos los artistas presentes en el Museo.

Desde Seattle, Washington, el productor Steve Guasch viajó a San Juan para recibir la distinción en representación de Joshua de Jesus & Buena Vibra Sextet, premiados con el disco “Hecho a mano”, que evoca la era de los sextetos. En un aparte con este periodista, Guasch dijo que para él el reconocimiento de la Fundación es más importante que un Grammy por la credibilidad de la institución sin fines de lucro y su compromiso con la cultura popular.

También viajó desde Kentucky el joven guitarrista Hermelindo Ruiz Mestre, que se agenció la novena posición con “Vital”. El joven, premiado en 2015 por el disco “Danzas puertorriqueñas: Juan F. Acosta”, agradeció a los artistas presentes por “el milagro que hacen con la música”, que evidentemente es una de sus prioridades fundamentales en la vida.

En la séptima posición arribó el legendario maestro Willie Rosario con el cedé “Evidencia”, un homenaje al bailador. Mr. Afinque dedicó el honor a Dios y a su amigo de toda la vida Bobby Valentín, productor y director de “Evidencia”.


“Cuando llamé a la oficina para que me enviaran la factura, me dijo eso no vale nada”, recordó Willie, quien también dedicó la distinción a los músicos que participaron en la grabación y póstumamente a José M. Lugo, cuyo primer arreglo lo grabó la orquesta de Mister Swing.

El Rey del Bajo, Bobby Valentín, por su parte, celebró una vez más su quincuagésimo aniversario con el reconocimiento de “Mi ritmo es bueno”, que llegó en el quinto lugar.

“Muy contento y agradecido por el apoyo del público en mis 50 años como productor. Y agradezco al de Arriba que es por quien uno logra todo esto”.


Mientras, Luis Amed Irizarry recibió el reconocimiento de la Fundación en la segunda posición por el especial del Banco Popular “De Puerto Rico al mundo”, un saludo nostálgico a la diáspora o patria extendida en Estados Unidos.

El año pasado ocupó el primer puesto de la lista de las 20 producciones más sobresalientes con la banda sonora del especial “Cuba y Puerto Rico son”.

Irizarry resaltó el trabajo de sus compañeros en el estudio Pasillo Sonoro, Antonio Caraballo y José David Vélez.

“Nosotros siempre estamos haciendo música genuina y entre amigos. Y así mismo lo hacemos en el estudio, impulsando el trabajo creativo ante todo”, sostuvo Vélez.

La presentación en Ballajá culminó con la premiación de iLe, consagrada como solista con el lanzamiento de “iLevitable”. La ex vocalista de Calle 13, Ileana Cabra, aceptó el reconocimiento junto a Ismael Cancel y Bayoán Ríos Escribano.

“La música y el arte no se miden por números ni premios ni nada. Todos lo que estamos aquí trabajamos desde la parte más profunda de nosotros. La Fundación es un espacio necesario para el País. Es un lugar para instruirnos sobre lo que es la cultura puertorriqueña”, expresó iLe, que dedico el certificado a su abuela Flor Amelia de Gracia y al inolvidable Cheo Feliciano.
0 comentarios

En Marzo la discografía completa de Pablo Milanés





Fuente: Página Oficial de Pablo Milanés

Pablo Milanés publicó en 2015 su álbum número 50. Para celebrar este acontecimiento su Oficina Artística, en colaboración con Artex y la casa discográfica Bis Music, presentan la más completa colección del artista, que reedita todos los álbumes, desde su primer fonograma en 1974.

La colección “Pablo Milanés Discografía”, compuesta por 50 títulos numerados y ordenados cronológicamente, atesora, en 53 discos de audio y 5 DVDs, más de 600 canciones y 7 horas de video. 

En esta ocasión se rescatan todas las cubiertas originales, notas discográficas, fichas técnicas, fotos y datos de los archivos de grabación. Cada disco incluye, además, todas las letras de canciones corregidas y editadas.

La compositora, guitarrista e intérprete cubana Marta Valdés prestigia esta reedición con sus valiosas palabras introductorias que encabezan una guía impresa de 88 páginas donde se resume toda la producción discográfica del artista con la información fundamental de cada disco: Título, año, artistas participantes, temas, autores e intérpretes.

Una caja contenedora resguarda estos 50 discos en formato jewell case y muestra en su interior una línea de tiempo con los integrantes del grupo de Pablo Milanés y sus publicaciones discográficas. 

La colección, así como los discos de forma individual, estarán disponibles en las tiendas de Artex de Cuba desde los primeros días de marzo de 2017.


0 comentarios

Vivo el legado de José Lugo

JoseMa Lugo junto a Carlos D'Castro, premiados entre los 20 mejores discos del año 2016 de Puerto Rico


Fuente: Fundación Nacional de la Cultura Popular, Puerto Rico. Por: Omar Marrero

La presencia espiritual del José Lugo era notable en la actividad de reconocimiento a las veinte producciones más sobreslientes de 2016, no solo porque su nombre fue mencionado muchas veces sino por el agradecimiento hacia él que mostró cada uno de los que lo mencionó.

Lugo, pianista fundador del Guasábara Combo que falleció de cáncer en junio pasado, estuvo tan presente como los demás artistas que fueron reconocidos por la Fundación Nacional para la Cutura Popular (FNCP) en la vigésima edición de la premiación de las 20 mejores producciones discográficas del año.

La producción del Guasábara Combo titulada “¿Dónde están?” fue premiada como una de las mejores 20 del 2016.

Allí estuvo su hijo, el cantante JoseMa Lugo, quien agradeció en nombre de su familia la distinción concedida. “Me siento muy honrado y agradecido porque fuimos considerados entre tantos músicos selectos”, dijo Lugo hijo, en lo que fue su primera aparición ante los medios luego de haber recibido el prestigioso premio Grammy por el mejor álbum tropical latino.

“Mi familia agradece a la Fundación por este reconocimiento y les aseguro que hay Guasábara Combo para rato”, afirmó entre aplausos y vítores.

La producción “¿Dónde están?” alcanzó el cuarto lugar entre los más destacados del 2016. En el 2008, su producción “Guasábara” fue seleccionada la mejor del año.

Destacados salseros como Willie Rosario, Bobby Valentín, Juan Pablo Díaz y Carlos D’Castro, entre otros, tuvieron palabras de elogio para Lugo. “Le dedico este reconocimiento a José Lugo”, manifestó el cantante Juan Pablo Díaz en un mensaje grabado escuchado hoy en la actividad.

Por su parte, el veterano director de orquesta Willie Rosario resaltó el legado de Lugo en la salsa y recordó que el primer arreglo musical de salsa que el fenecido pianista hizo en su vida fue para la orquesta de Rosario. “Felicito al Guasábara Combo por su premio y a la Fundación por tenerlos en cuenta”, indicó.

Josema Lugo fue uno de los artistas más procurados por la prensa especializada tanto para entrevistas como para fotos. Fue difícil llegar a él también por la larga fila de artistas que querían saludarlo o fotografiarse con él.

De hecho, la foto más esperada del día se dio cuando Josema e Ileana Cabra se saludaron y abrazaron. Ambos cantantes hacían su primera aparición ante los medios puertorriqueños luego de ganar sus respectivos premios Grammy, de la academia anglosajona, hace un par de días.

Se hizo obvio y era el comentario en los pasillos del Museo de las Américas del Viejo San Juan que la FNCP se adelantó a los Grammy en el reconocimiento a estos dos artistas.

El protagonismo espiritual de José Lugo fue natural y a nadie le molestó. No hubo egos ni exigencias de artistas y el compartir entre ellos fue tan sencillo y abierto que predominaron la risa, los abrazos y los halagos mutuos. Lugo se hubiese sentido como pez en el agua.
0 comentarios

Aspiran que el changüí sea Patrimonio de la Cultura Mundial

Fuente: Granma, Cuba

GUANTÁNAMO.—La aspiración de los guantanameros de declarar al changüí como Patrimonio de la Cultura Mundial fue calificada de legítima por Miguel Barnet, integrante del Comité Central y presidente de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba (Uneac), al intervenir en la asamblea de miembros de esa organización en la provincia.

Al referirse a una propuesta al respecto, realizada por el investigador musical José Cuenca, Barnet expresó el apoyo de la organización que dirige y recomendó que en el camino hacia esa pretensión primero se presente el expediente para declarar al contagioso ritmo, oriundo de esta provincia, como Patrimonio de la Cultura Cubana.

El changüí es una música de origen rural o montuno. Surgió a fines del siglo XIX en los municipios de Yateras, El Salvador, Manuel Tames y Guantánamo. Se deriva del Nengón y hoy es cultivada en varias provincias del país y otras regiones del mundo.

En la jornada de debate y reflexión uno de los temas que más intervenciones generó fue el éxodo de bailarines, músicos y otros artistas guantanameros hacia el sector turístico, la capital y otras zonas del país.

Eldys Baratute, presidente de la Asociación Hermanos Saíz, señaló que los artistas emigran por las pocas opciones de contratación y giras que tienen en la provincia, además de los bajos ingresos y hasta de los impagos. Puntualizó que esta situación, específicamente en el caso de la danza, pone en peligro el presente y el futuro de esa manifestación cultural.

Iván Quindós, director del trío Los Amantes, lamentó el significativo descenso de esa expresión en el territorio: «Hubo un momento en que en Guantánamo existían 17 tríos en plantilla y hoy solo quedan dos, el que encabezo y Madrigal, entre otras causas por la emigración hacia otros lugares».

A pesar de esas y otras dificultades tengo la convicción de que Guantánamo está entre los territorios de mayor solidez en el trabajo cultural en el país, reconoció Abel Acosta, viceministro de Cultura.

Acosta resaltó la transformación experimentada en el municipio de Baracoa, particularmente en sus instituciones culturales, después de las afectaciones causadas por el huracán Matthew. De las 27 instalaciones dañadas, todas están recuperadas y mejoradas respecto a como estaban antes del paso del meteoro, recalcó.

La asamblea rindió homenaje póstumo a los fallecidos locutores Fidelia Paz Román y Pedro Pérez Olivares, reconoció al humorista Miguel Moreno (La Llave), integrante del grupo Komotú y premio de actuación masculina en el concurso Caricato, a la cantante Paula Villalón y a Jorge Núñez por su desempeño al frente de la Uneac en la provincia.

Asistieron al encuentro, además, Denny Legrá Azahares, integrante del Comité Central y primer secretario del Partido en Guantánamo, así como Rafael Núñez, funcionario del Comité Central, entre otros dirigentes.
21 feb. 2017 0 comentarios

Comienza el Festival de la Salsa 2017 en La Habana


Haila y su Grupo rompieron fuegos en la primera fecha del segundo Festival de la Salsa en Cuba


Fuente: Granma, Cuba

La segunda edición del Festival de la Salsa 2017 comienza hoy martes 21 y se extenderá hasta el 27 de febrero, según se informó en conferencia de prensa efectuada hace dos días en el centro cultural Submarino Amarillo, de Artex. El evento, que preside el joven y talentoso músico cubano Maykel Blanco, director de la agrupación Maykel Blanco y su Salsa Mayor tendrá por sede al Parque Metropolitano y como subsede al hotel Comodoro, ambos en la capital del país.

Organizado por la Empresa de Carnaval y la Dirección Provincial de Cultura de La Habana, con el apoyo de un grupo importante de instituciones y de las máximas autoridades capitalinas, incluye talleres de música y baile, desfile de las comparsas los Guaracheros de Regla y los Componedores de Batea, conciertos y espectáculos variados, así como la presentación de Djs cubanos y de Estados Unidos, Argentina e Inglaterra, entre otras actividades.

A partir del jueves 23 el Parque Metropolitano de La Habana abrirá sus puertas desde las 5:00 p.m., reservando para las 9:00 p.m., el inicio de los conciertos, donde actuarán para el público cubano y extranjero agrupaciones como Los Van Van, Paulo FG y su Élite, Anacaona —que están celebrando su aniversario 85—, Lazarito Valdés y Bamboleo, Adalberto Álvarez y su Son,  Alexander Abreu y Havana D´ Primera, Pupy y los que Son Son, El Noro y 1ra. Clase, El Tosco y NG la Banda y Tania Pantoja y su orquesta, entre otras.

El festival, aseguró May­kel Blanco, además de potenciar la música popular bailable ofrece al público cubano la posibilidad de bailar con las mejores orquestas del género y compartir su alegría con bailadores de otras partes del mundo. A la primera edición del Festival de la Salsa en La Habana, realizada el pasado año, dijo, asistieron 400 participantes extranjeros.

En la medida en que el festival vaya ganando mayor posicionamiento en el panorama musical cubano y fuera del país, Maykel y los organizadores de este evento esperan contar con la presencia de agrupaciones salseras foráneas y de otras provincias cubanas.
18 feb. 2017 0 comentarios

Procuran que Lucho Cueto viaje a New York a seguir tratamiento médico


Lucho Cueto con Papo Lucca, solo a cuatro manos en "Ramona" en el Chimpun Callao del año 2009


Tras el derrame cerebral que sufrió en Agosto del año pasado, el pianista peruano Lucho Cueto ha venido recibiendo tratamiento médico que le ha permitido una parcial mejoría.

Al día de hoy, el objetivo de quienes lo tienen a su cuidado es que Cueto se traslade a los Estados Unidos en procura de seguir con las atenciones a su salud y que en los meses que vienen pueda restablecerse de la mejor manera.

Con ese propósito mañana Domingo 19 habrá una pollada en favor de completar los fondos para el viaje. La misma tiene un costo de quince soles y se realizará en el Jr. San Carlos 653 desde el mediodía.

Esperamos que el objetivo se concrete y muy pronto escuchemos buenas nuevas en torno al gran pianista peruano.
0 comentarios

Homenaje a Papo Lucca en el Rímac



Esta tarde el Municipio del Rímac rindió un homenaje especial al reconocido pianista Papo Lucca, quien impregnó las huellas de sus manos en el flamante Paseo de la Música, ubicado en el Jr. Hualgayoc de dicho distrito.


Papo es el primer músico que impregna sus huellas en esta remodelada calle del tradicional distrito limeño. Para este evento estuvo acompañado del Alcalde del Rimac Enrique Peramás y de los cantantes de la Sonora Ponceña Darvel García y Jorge Nicolai. También estuvo presente el promotor Ralph Cartagena.



Papo Lucca y la Sonora Ponceña serán la atracción principal en las celebraciones, esta noche, del 97 aniversario del Rímac a realizarse en el Club El Revolver
12 feb. 2017 0 comentarios

Carta para José Lugo



Hola José,

Te escribo estas líneas con la certeza que podrás leerlas allá donde estás. Con ellas quiero decirte que estoy redondamente feliz y orgulloso por el Grammy de esta tarde. Y aunque este premio no era necesario para demostrar tu genialidad, siento que era merecido para validar una vez más todo lo grande que hiciste por la música. 

Míranos acá, lo felices que estamos todos tus amigos con este galardón. Sabemos que con Grammy o sin él, tu aporte a la música latina ya tiene un lugar especial, pero es lógico que lo celebremos. Déjanos sentir tu premio como si también fuera nuestro.

Gracias por todos los momentos de alegría que tu música me dio y me sigue dando. En especial por ese detalle el día de mi cumpleaños 2016 que nunca olvidaré. 

Confío en que JoseMa y el Guasábara Combo seguirán el camino que iniciaste. Para ellos también va mi saludo y felicitación. Este premio debe ser un aliciente para que ellos sigan en la brega. No es fácil pero se puede. Tú lo sabes.

Me despido reiterándote mis felicitaciones por tu Grammy. Lo de hoy ha sido una “pastilla de alegría”…. #Sabemijo... 

Se te extraña Luguito.....

Tu amigo, Eduardo
0 comentarios

Fallece trompetista Ralph Castrello



Esta mañana, a través de su página de FB, Larry Harlow informó que anoche falleció el trompetista Ralph Castrello.

Castrello aparece en muchos de los discos de Orquesta Harlow, desde los inicios de la banda y en la década del 70. "Mi mejor amigo por más de 60 años, que tocaba trompeta y hacía coros conmigo ahora está libre de dolor en una vida mejor. Era un hombre maravilloso y peleamos muchas batallas juntos. Le echaré mucho de menos"

¡Que Descanse en Paz!
11 feb. 2017 0 comentarios

Richie Ray: "Quería tocar como El Gran Combo pero se me salía Chopin"



Fuente: El Heraldo, Colombia. Por: Leonardo Carvajalino

Richie Ray se sienta en un sillón junto a una mesa que le llega a la altura de las rodillas en una sala del Hotel del Prado. ‘El rey de la salsa’, como algunos lo llaman, mueve ambas manos constantemente para hablar, tal y como si tocara el piano que lo ha llevado desde Brooklyn, Nueva York hasta a escenarios a todas partes del mundo con su “Sonido Bestial”

Más de medio siglo de carrera lo ha traído nuevamente a Barranquilla y al Carnaval de las Artes que se celebra hasta este domingo. En la entrevista que le concedió el reconocido tecladista a EL HERALDO, recuerda ante una taza de café y con una sonrisa constante, sus comienzos en la música y el origen de algunas de sus canciones más populares.

P. Richie, ya van 54 años de carrera. ¿Qué recuerda de esos inicios?

R.
Éramos jovencitos y sonaban los Beatles y los Rolling Stones. Yo nací en Nueva York, de familia Puertoriqueña. Pachanga, mambo, chachacha, guaracha y música clásica que fue lo que yo estudié. Empezamos a bregar y de ahí salió, primero el boogaloo y luego la salsa. Recuerdo que éramos los nenes en el ambiente de unos gigantes: Eddie Palmieri, Tito Puente, Tito Rodríguez, Joe Cuba. No nos hacían mucho caso, pero nosotros estábamos ahí con nuestra cuestión. Hicimos un poquito de ruido con el boogaloo. Después todo el mundo empezó a meterse en el boogaloo y dijimos tenemos que hacer otra cosa y ahí le cogimos un ritmo prestado al Gran Combo que se llama el Jala jala. Y ese si pegó bien grande y ahí arrancamos.

P. ¿Cuál fue la influencia de la música clásica, que estudió en Julliard, a la hora de hacer salsa?

R.
No fue a propósito. Yo lo que quería era tocar como El Gran Combo pero no me salía. Quería hacerlo pero se me metía algo de Chopin, de Beethoven. También salían cosas del rock & roll. Por ejemplo, los acordes de la canción Jala Jala son de rock & roll. Esa parte del estribillo, también.  Así se fueron colando esas cositas. Después me di cuenta que eso era lo nuestro y fuimos haciendo un estilo propio.

P. ¿Cómo era la dinámica en aquel entonces para que el público escuchara su trabajo?

R.
Para aquel tiempo no había internet. Algo nos iluminó para bregar con el mercadeo. Teníamos un fanclub de 500 personas y hacíamos reuniones como Hitler con los nazis (risas). “Aquí están los teléfonos van a llamar y a fustigar a estas emisoras para que suenen nuestra canción”, les decíamos.
Además éramos muy amigos de todos los disk-jockeys y les traíamos regalos, whiskey, ron y hasta mujeres. Teníamos también la táctica de mencionar en todas las canciones a Richie y a Bobby, y después a todos los músicos.
Nos decían los de la disquera “están vendiendo aquí un montón de nombres famosos”. Tratábamos de estar en lo último de la moda, utilizábamos esos pantalones bota de campana y las camisas. Hicimos todo lo que nos viniera a la mano, pero la principal era la música, nos matábamos ensayando.

P. Su carrera ha tenido una transición de cantarle a la “bestia”, ahora le cantan a la luz. ¿Cómo fue ese proceso de cambio?

R.
Eso de la bestia nos causó un problema cuando nos convertimos. Decían, “adoran a la bestia”, pero nada que ver. Lo del Sonido Bestial salió de un chiste, de otras cosas, tú sabes (risas). Íbamos en un vehículo, con una hielera llena de ron y cerveza en un viaje de una ciudad a otra en Puerto Rico.

Nos burlábamos de uno de los músicos porque comía como bestia y entonces otro dijo, “y nosotros tocamos como bestias” y todos estábamos arrebatados y comenzamos a hacer la canción. Si notas la letra dice, tu que decías que ya no salía, era que nos estábamos mudando de Nueva York a Puerto Rico.

Y alguna gente de los medios decía, van de lo grande a lo más chiquito, cómo es posible. Oye sonar las trompetas, oye los cueros sonar, estamos diciendo dónde quiera que estemos la música va a hablar, va a decir el mensaje. Richie habla de Stravinski, de estrabancao, y una loquera. Yo le metí un pedazo de una pieza de Chopin que le voló la cabeza a todo el mundo y Chopin se vomitó en su tumba.

P. ¿Cómo está Bobby Cruz?

R.
El 15 de febrero cumplo 72 años, y Bobby el 2 de febrero cumplió 79 pero sigue igual. Cuando empezamos él no sabía la técnica de cantar, y sobre el camino fuimos aprendiendo juntos cosas. Hoy hace unas vocalizaciones y unos menjurjes con miel y jugo de limón y cuando vamos a cantar llegamos una hora antes.
Él se mete en un baño y comienza a hacer sus ejercicios y grita como un loco, después sale como una bala a hacer su show, Dios lo bendiga. El siempre hizo artes marciales, entonces él hombre está bien. Tiene un poquito de diabetes y cositas, tu sabes que 79 años pero está bien y para adelante. Esta vez no pudo venir pero en este viaje, el trabajo de Bobby Cruz lo van a hacer cinco cantantes, imagínate tú.



P. Siempre han tenido mucha fama en Colombia. En Cali les arrancaban las chaquetas, en Bogotá rompieron record de taquilla. ¿Cómo recuerda esa acogida en Barranquilla?

R.
Barranquilla fue el primer lugar donde nosotros entramos en Colombia en 1966. Tuvimos un recibimiento que nunca esperábamos, y cambió nuestras vidas porque empezamos a conocer al pueblo colombiano. Gente que le gusta la comida y la música y bailar. Siempre que vengo acá tengo un sentimiento y la gente no falla, viene a los conciertos cada vez más. Volvemos ahora a final de mes, así que nos volveremos a ver pronto.

P. Están de moda las colaboraciones entre los artistas. ¿Con quién le gustaría hacer una canción?

R.
Me gustaría hacer algo con Marc Anthony que es posiblemente la persona con más éxito en la música latina. Hemos estado cerca de hacer algo con Jennifer López. Imagínense un dúo de Jennifer con Bobby. Si ella está bailando, no sé si podríamos concentrarnos (risas).


La primera vez que Richie Ray & Bobby Cruz llegaron con su jala-jala a Barranquilla
Fuente: Revista Latitud de EL HERALDO

Crónica del carnaval de 1968, el año en que Barranquilla apreció por primera vez en vivo la Orquesta de Richie Ray & Bobby Cruz y su inigualable sonido.

El próximo miércoles 22 febrero de 2017 se cumplen 49 años de la primera presentación de la Orquesta de Ricardo Ray & Bobby Cruz en tierra colombiana, iniciando así el viaje musical con destino al corazón de todos los colombianos.

Richie Ray arribó a la ciudad de Barranquilla para el carnaval de 1968, exactamente un jueves, antes del sábado de Batalla de Flores, a inspeccionar y acordar con un empresario cómo serían sus actuaciones en esta fiesta carnestoléndica, a realizarse de sábado a martes en la tercera semana de febrero.

Su presencia en la ciudad fue el fruto de una conversación que el señor Fuad Saade, propietario de un salón de bingo y restaurante llamado El Manara, tuvo con Richie Ray en las Islas Canarias, luego de una de sus impresionantes actuaciones. Veía allí maestría e innovación musical. Le propuso hacerse presente en el Carnaval de Barranquilla. Y logró con él un acuerdo mínimo y de palabra, sin ningún contrato obligante de por medio, de que vendría al Carnaval. Estando ya en Colombia procedió a realizar las diligencias correspondientes para su presentación, con el empresario Arturo López Viñas, quien fue el contratista responsable de su actuación. La Orquesta de Richie Ray sería la orquesta internacional invitada a las fiestas de carnaval en el salón de baile Veracruz.

Richie Ray y su orquesta llegaron a Barranquilla con dos días de anticipación, y en ese lapso se acordó con el empresario Arturo López Viñas, además de sus actuaciones en el Salón Veracruz, cuatro presentaciones adicionales y gratuitas en diferentes espacios públicos de la ciudad, mostrando Richie gran interés en promocionar su orquesta.

Pepsi Cola fue el patrocinador de estas presentaciones que contaron con una asistencia multitudinaria y que según investigación documental y de prensa de la época, realizada por el investigador barranquillero Néstor Emiro Gómez Ramos, ocurrieron así: “El día sábado actuó en el llamado Parque de los Locutores ubicado en la calle 45 (Murillo) con la carrera 41 (Progreso). El día domingo en el Boulevard del barrio Recreo (conocido en su momento como El Monumento a las Madres). El lunes se presentó en una plazoleta anexa a la Piscina Olímpica, en el barrio Montecristo (un playón donde luego se construiría el Teatro Amira de la Rosa).

Y el día martes estuvieron en las instalaciones del Salón Manara, en la calle 72”. La orquesta también desfiló el sábado 24 de febrero en la Batalla de Flores.

 La Orquesta de Richie Ray vino entonces a Barranquilla con todas sus grandes estrellas, entre las que se cuentan: Bobby Cruz, en la voz principal; Ricardo Ray, piano y coros; Russell Skee Farnsworth, en el bajo; Pedro Rafael Chaparro, primera trompeta solista; El Indio Cherokee, Doc Cheatham, segunda trompeta solista; Jackie Dillomis, El Conde, en la tumbadora y conga; José Cándido Rodríguez, en los timbales, y el bongó de Harry Rodríguez.

 Las presentaciones gratuitas fueron muy exitosas y contaron con una concurrencia especialmente juvenil, no ocurrió así con las realizadas en el Salón Veracruz, donde se exigía un pago y hubo poca asistencia. Se atribuye esta ausencia de público a que el grupo social que solía asistir a estas fiestas, que tenía la capacidad para pagar, gustaba de una música más tradicional, como la de La Billo’s y Los Melódicos.

Richie Ray & Bobby Cruz en una de sus primeras visitas a Colombia. En la foto aparece al centro el periodista colombiano Heriberto Fiorillo


Queda en la memoria de las ocho actuaciones que tuvo la Orquesta de Richie Ray en Barranquilla, su sonido compacto y magistral, y muy especialmente los fantásticos solos de trompeta de Doc Cheatham, un virtuoso y reconocido jazzista en la sombra de los ambientes neoyorquinos. En su carrera jazzística, antes de hacerse presente en las fiestas de carnaval, había pasado por prestigiosas bandas como: Chick Webb, Sam Wooding, Cab Calloway, Teddy Wilson, Benny Carter, Machito y Benny Goodman.

Tardíamente, a los 70 años, se le reconoció como uno de los grandes improvisadores solistas de trompeta en el mundo del jazz. También llamó mucho la atención en estas presentaciones, la posición inmóvil, pero cargada de swing en sus pregones, del cantante Bobby Cruz. Estuvieron también presentes en sus actuaciones dos agraciadas bailarinas que se esmeraban por enseñarle a bailar el boogaloo al público asistente.

Como una anunciación del encuentro especial que los barranquilleros habrían de tener con la orquesta de Ricardo Ray & Bobby Cruz en fiestas de carnaval, otros hijos de la ciudad, los hermanos Char y uno de sus primos, se encontraron casualmente con la banda en 1966, en una fiesta celebrada en el Hotel Taft de la ciudad de Nueva York. Allí los descubrieron y los escucharon con atención , alternando con las orquestas de Pacheco y Charlie Palmieri. Esa noche, seducidos por su perfección y el espíritu juvenil de su música, invitaron a Richie y a Bobby a compartir su mesa y les hablaron de su gente pidiendoles al final que compusieran una canción dedicada a Colombia, por supuesto mencionando en ella a la ciudad de Barranquilla.

La solicitud sorprendentemente fue acogida y una canción dedicada a Colombia aparece en el siguiente LP de Richie, Jala jala y Boogaloo, grabado con el sello Alegre en 1967, producción musical que tuvo una mejor grabación en estudio que las anteriores, y que le catapulta a la fama. La canción dedicada se titula: Colombia’s Boogaloo, un cover de una composición cubana de Ramón Cabrera de nombre Palma Soriano, donde la pareja salsera manifiesta y asegura su presencia en nuestro país: “Voy pa’ Colombia, me voy pa Colombia, mi hermano. Voy pa’ Colombia con alegría, llevo intenciones de cumbanchar, ahí siempre hay fiestas de noche y día, en Barranquilla y en Bogotá. Cuando yo llegue a Colombia, hermano, voy a cantarles con emoción, un guaguancó, un mambo un bolero, porque me sale del corazón… Y ahora, Colombia, yo le traigo, hermano, el nuevo ritmo del boogaloo, pregúntale a todos si se enteraron, Colombia tiene su boogaloo… Boogaloo, boogaloo ye ye... Mira que en Barranquilla bailan boogaloo, hasta Bolívar baila boogaloo. Pregúntale a todos si se enteraron, Colombia tiene su boogaloo”.

Seguramente este encuentro casual de los Char con Richie contribuyó a despertar la ilusión y afianzar el compromiso de visitar a Barranquilla, según lo acordado de palabra, con el dueño de El Manara, el señor Fuad Saade. Esta canción no era la primera donde Richie menciona el nombre de nuestro país, lo había hecho ya en el tema El montuno de hoy (“Para ti Colombia, Colombia! … Para los colombianos les traigo yo… Y que si toco en Colombia o en Nueva York”), que aparece en el LP A gozar with Ricardo Ray en tercera dimensión, sello Fonseca 1965, que es la tercera producción que saca a la luz Richie, en el mismo año en que aparece su primera producción discográfica, Ricardo Ray Arrives, 1965, también con Fonseca Records.

 Los temas musicales que más se escucharon de Richie en Barranquilla, antes de su presencia en las fiestas de carnaval, fueron la Pachanga Medley y Comején, del primer LP, y los temas Bomba Camará, Colombia´s Boogaloo, del LP Jala Jala, su última producción antes de llegar a la Arenosa.

Estos temas no se escuchaban en ninguna de las estaciones radiales de mayor sintonía de Barranquilla, con excepción de un programa dirigido por el señor Pedro Juan Meléndez, identificado como La Tómbola Musical, que estrenaba muchas novedades salseras, pero sí tronaba con furor en los nacientes picós que sonaban en las verbenas de colegio, como también en el célebre Jardín Águila, que en su buen momento fue un elegante establecimiento al estilo de otros que habían estado de moda en La Habana, Cuba, con tres pistas de baile, construido por el reconocido arquitecto cubano Manuel Carrerá.

También esta música se escuchaba en pequeños reductos de la rumba como La Cien, que en aquellos tiempos solo era una modesta tienda. En las presentaciones realizadas por Richie en Barranquilla, nunca faltaron los temas que se venían gozando, junto a otros como Viva Richie, Pa’ chismoso tú, Yenyeré, Las caraqueñas y El mulato.

Cuando Richie debuta en Barranquilla, tres años después de lanzar su primera producción, había grabado 8 LP y tenía dos temas publicados en un LP grabado en vivo en una de sus actuaciones en el nightclub Village Gate, uno de los mejores sitios de descarga de salsa y de jazz de Nueva York, situado en la esquina de Thompson and Bleecker Streets, creado en 1958 y cerrado en 1994:

 1965
1. ‘Ricardo Ray Arrives’. 1965. Fonseca Records
2. ‘On the Scene/Ricardo Ray Orchestra’. 1965. Fonseca Records
3. ‘A gozar with Ricardo Ray. 3 Dimensions’. 1965. Fonseca Records

1966
1. ‘Richie Ray Introducing Bobby Cruz A-Go-Go-Go’. 1966. Fonseca Records
2. ‘Sings for Lovers & Swingers’. 1967. Mirabel Records
3. ‘Se soltó / On the Loose’. 1966. Tico / Alegre Records

1967
1. ‘Bobby Cruz Fiesta Navideña’. 1967. Fonseca Records
2. ‘Richie Ray Jala Jala y Boogaloo Vol. 1’. 1967 Alegre Records
3. ‘Descarga at the Village Gate Live! Vol. 3’. 1967. Tico/Alegre (LP de artistas varios)

 Antes de estas grabaciones y de venir a Barranquilla, Richie Ray & Bobby Cruz ya habían participado como estrellas invitadas en el primer concierto de Las Estrellas de la Fania realizado en el Red Garter Club, situado en el otrora barrio bohemio de Greenwich Village de Nueva York. Las producciones discográficas de este concierto de 1967 aparecen luego: Live at the Red Garter, Vol.1 (1968) y Live at the Red Garter, Vol.2 (1969).

Cuando la Orquesta de Richie Ray llega a Barranquilla, Ricardo Maldonado Morales, Richie, quien había nacido el 15 de febrero de 1945 en Brooklyn, New York-USA, acababa de cumplir 23 años. Roberto Bobby Cruz Feliciano, quien nació un 26 de febrero de 1937 en Hormigueros, Puerto Rico, y cumpliría sus 31 años en pleno Martes de Joselito Carnaval. La pareja de músicos se conoció a mediados de los años cincuenta cuando la familia de Bobby se traslada a vivir a los Estados Unidos. En el Carnaval de Barranquilla de 2017, 49 años después de haber llegado a Colombia por primera vez, Bobby Cruz cumplirá 80 años.



Richie Ray, Barranquilla y Cali, un amor de juventud

El encuentro de barranquilleros y caleños con la música de Ricardo Ray/Bobby Cruz fue un acercamiento alucinado y de asombro, un amor fanático, un amor a primera vista.

Cuando las juventudes de los años sesenta de estas dos ciudades colombianas escucharon a Richie por primera vez fueron sintonizadas de inmediato por el eco rebelde de otras músicas que desde allí les llegaban a sus vidas adolescentes.

Tanto en Cali como en Barranquilla, su singular sonido, donde se mezclaban y contrastaban diferentes ritmos latinos con los anglosajones, capturó la atención juvenil y les despertó de su quietud, hasta lanzar frenética a las pistas de baile a la población joven de entonces. Esta propuesta musical, una vez hizo su aparición en verbenas, grilles y estaciones radiales, tocó una sensibilidad de época en los jóvenes, capaz de desbordarles en su delirio y adueñarse de su espíritu rebelde.

Su música estaba impregnada de una diversidad de ritmos modernos que iban desde la música latina, hasta el go-go, el jazz y el rock´n roll. Eran los tiempos de muchas propuestas procedentes de la naciente salsa, como también de otras músicas habladas en inglés, que tentaban las preferencias juveniles.

Pero si esa sintonía producida desde la audición en los equipos de sonido les invitaba al baile desbordado, cuando tuvieron la ocasión de tener la experiencia de escuchar la orquesta en vivo lo que sintieron fue el asombro.

Su perfección, su belleza interpretativa, su armonía y su revolución sonora invitaron a sus oyentes a dedicarse a su audición. Así lo han referido como hecho en común las audiencias juveniles de Barranquilla y Cali que tuvieron la vivencia de asistir a sus primeros conciertos en Colombia en 1968.

Pasados 49 años, cuando tendremos presente de nuevo a Ricardo Ray el 10 de febrero en el XI Carnaval Internacional de las Artes, en un conversatorio musicalizado con el Embajador del Piano, esa juventud fanática de tiempos pasados que les recibió y les abrió su corazón, aún sigue manteniendo su culto e idolatría por una música y su orquesta, que hoy es de todos los colombianos.

Muchos se han preguntado por qué esta banda llegó al corazón de los salseros de nuestro país, y muchas conjeturas se han tejido. Se ha dicho que ese sonido brillante de las trompetas, que distingue al músico colombiano, fue lo que a todos nos conectó, y hasta el bajista de Richie Ray, el norteamericano Russell Skee Farnsworth, se aventuró a responder alguna vez: «Porque su música tiene la cumbia».

 Hoy ya Richie y Bobby son ciudadanos con nacionalidad colombiana, y forman parte de la historia musical y salsera de este país. En el próximo Carnaval de Barranquilla, cuando estará de visita Richie, se cumplirán 49 años de haber empezado junto a Bobby Cruz la conquista musical de todos los colombianos.

Ya izaron su bandera, y esa bandera colombiana es nuestra también.
0 comentarios

Murió Enrique "Nené" Alvarez, ícono del son cubano



El cantante, arreglista y compositor camagüeyano Enrique “Nené” Álvarez, director y cantante del Conjunto Soneros de Ca­macho, murió el pasado martes 7 a los 90 años en Camagüey, indicó el Instituto Cubano de la Música.

La mayor parte de su vida la dedicó a la música cubana, está considerado uno de los cultivadores profesionales más activos del son y un defensor incansable de la música tradicional que expresaba a través de su voz y la dirección del Conjunto Soneros de Ca­macho, considerado un baluarte de la identidad musical cubana.

Este gran artista, padre de varios músicos como Adalberto Alvarez, Enrique Álvarez, Román Alvarez cuidó con mucho celo la identidad sonora propia de la orquesta. Sus arreglos le otorgaron mayor riqueza al conjunto imponiéndose a ritmos foráneos que invaden el mercado; defendiendo así los valores genuinos identitarios e hizo vibrar los corazones de muchos cubanos.

Colocó el repertorio de los años 1940 y 50 con un lenguaje más contemporáneo de manera tal que llegaba a todas las generaciones con temas como Dónde tú irás, Paran pampam, Igualita que tú, Con amor todo se olvida, Plazos traicioneros, Cienfuegos y Cómo suena el cuero.

Sonriente y vital, este gran músico dejó un legado musical no solo en sus arreglos musicales sino también en la vida.

0 comentarios

Onagi no autoriza show con Grupo Niche y Zaperoko


Pasado el mediodía de hoy, el Facebook de la Municipalidad de Surco publicó la Resolución 0159-2017 en la cual desestima la solicitud de Garantías inherentes al orden público para realizar el evento social a desarrollarse hoy 11 de febrero del 2017,  partir de las 21:00 horas hasta las 01:00 horas del día siguiente en el Jockey Club del Perú - Explanada Tribuna.

El show presentaba al Grupo Niche de Colombia y a la orquesta peruana Zaperoko.

Emitida esta desestimación, son la Municipalidad de Surco y la Policía Nacional del Perú las entidades que deben confirmar o cancelar la realización del show.
0 comentarios

Guasábara ya se siente ganador aunque no se gane el Grammy


Mañana cuando dé inicio la emisión de la gala de premiación de los Grammy, muy probablemente ya se sabrán los nombres de los ganadores latinos. Entre los nominados en esas categorías figura el disco ¿Dónde están?, última grabación del pianista y arreglista José Lugo con su Guasábara Combo.

Lugo falleció de cáncer en junio pasado a los 56 años. Tres meses después, la producción destacaba entre las nominaciones al Grammy Latino con postulaciones en las categorías de Álbum del año y Álbum de salsa. Y en diciembre pasado, la Academia de las Artes y Ciencias de la Grabación lo volvieron a honrar con una nominación a los llamados Grammy anglosajones en la categoría de Mejor disco tropical.

“Para nosotros ha sido bien emotivo, porque nos hubiese gustado que el patrón, el fundador y el que nos llevó a lo que somos como grupo y familia ahora estuviese con nosotros para celebrar esto, porque para esto se trabajó. Para esto trabajó él. Él lo dejó claro y en varias entrevistas lo llegó a decir, que el color que él estaba buscando y la madurez del Guasábara Combo la encontró en este disco y así ha sido. Los premios lo han dicho, las nominaciones lo han dicho. Gracias a Dios, el afecto del público también”, expresó Josema Lugo, hijo del fundador de Guasábara y cantante de la agrupación.

JoseMa Lugo, el actual líder del Guasábara Combo


Para Josema y los muchachos del combo, la mera nominación es por sí misma un reconocimiento al trabajo que forjó el  pianista y arreglista.

“Para nosotros es un honor y un privilegio que la Academia de la Grabación nos haya considerado entre grandes talentos como lo es el Grupo Niche y Los Van Van de Cuba, entre otros, en estas nominaciones a los Grammy americanos”, reiteró Lugo.

Y es que quienes conocieron al también director musical entienden que la nominación es más que merecida.

“El que lo conoce (a José Lugo) sabe el tremendo arreglista que era, la excelente persona que era y, aparte de todo, lo más primordial el gran ser humano que era. Lugo era un pana y el trabajo (¿Dónde están?) sí lo logré escuchar y casualmente, él y yo teníamos un promotor en común, el señor Gilberto Cárdenas, de Colombia, y Gilberto fue el último que trabajó su producción a nivel de todo Centro y Suramérica. Lo de la nominación es como Dios honrándolo aunque no esté ya con  nosotros. Está siendo reconocido su trabajo”, afirmó el cantante Tony Vega, quien coincidió con él en la orquesta de Willie Rosario.

“Lugo era una leyenda. Estaba bien adelantado a su época. Recuerdo de arreglos que yo canté de él cuando estaba en la orquesta del maestro Willie Rosario, estamos hablando de los 80 y los 90, y ya  estaba bien alante. Estoy súper contento. Me alegro de esta nominación y ojalá se la gane, porque la verdad es que más que merecida está”, reiteró Vega.

Con el vocalista coincidió el bajista y director musical Bobby  Valentín, con quien también trabajó Lugo.

“Comenzó conmigo en su juventud, en la época de principios de los 80. Estuvo como de cinco a siete años conmigo. Fue un muchacho bien talentoso y aportó muchísimo para mi orquesta durante ese tiempo. Fue un tremendo arreglista. Tremendo ser humano. Como empezó jovencito conmigo, a él yo lo considero como si fuera un hijo mío”, manifestó quien también destacó la calidad humana del pianista.

“Fue una persona conmigo desinteresada. Todo lo que aportaba lo hacía con mucho amor y cariño y pasión por lo que hacía”.

Valentín, sin embargo, lamentó que el reconocimiento a José Lugo por su proyecto Guasábara Combo llegara tras su fallecimiento.

“Me alegro mucho de que haya sido nominado, pero a veces después que uno muere es que se le dan los reconocimientos cuando se lo pudieron haber dado mucho antes por su talento, por su calidad como músico, productor, artista, pero lamentablemente es así“. Sucede muchas veces que después de que uno se muere es que comienzan a darle premios a uno, reconocimientos”, expresó.

Su legado

José Lugo creó el proyecto de Guasábara Combo con la intención de poner a la disposición de músicos y la audiencia su experiencia y madurez musical, según dijo en diferentes ocasiones.

“Yo entiendo que este proyecto él lo hizo con la intención de mezclar la veteranía con la juventud, porque él siempre decía: ‘¿Qué vamos a hacer cuando no estemos? Tenemos que dejar juventud en esto y hay talento’. De eso se trata el Guasábara Combo, de unir la veteranía con la juventud de este negocio para refrescar la cosa un poquito, siempre respetando lo tradicional de la salsa”, expuso Josema, para quien esa intención se honra en la tarima.

“Tocando su música nosotros le rendimos homenaje todos los días a él”.



En tarima


Y así, sobre el escenario, Guasábara Combo festejará mañana el  hecho de que tanto la Academia Latina como la Anglosajona hayan reconocido la calidad y valía del disco gestado por José Lugo.

“Nosotros vamos a estar este domingo (mañana) en el Carnaval del Plata, en tarima en la plaza pública de Dorado, a las 10:00 p.m. A esa hora ya sabremos si ganamos el Grammy o no. Como quiera lo estaremos celebrando, porque para nosotros es un honor que la Academia nos haya considerado entre la elite de músicos del mundo. Lo celebramos igual ganemos o no porque ya estando nominados ganamos. Ese día lo vamos a celebrar con todos y están invitados a celebrar con nosotros ese día”, terminó Josema.
10 feb. 2017 0 comentarios

Grupo Niche recibe homenaje de Zaperoko


Johnny Peña, de Zaperoko, entrega placa recordatoria a los cantantes del grupo Niche


El Grupo Niche continúa celebrando su 35 Aniversario y, con tal motivo, regresa a nuestro país para realizar desde hoy tres presentaciones.

Hoy viernes 10 estarán en la discoteca Frozen de Cusco, mañana sábado 11 realizarán una “Serenata al Amor” en el Jockey Club de Lima y el domingo 12 cerrarán su mini-gira peruana con su actuación en El Andén de Puente Piedra.

En los show de Lima y Puente Piedra Niche alternará con Zaperoko, la exitosa orquesta peruana que acaba de llegar de una gira por Europa. Johnny Peña, el director de esta agrupación se siente muy emocionado de poder alternar con una de las bandas más representativas de Colombia y con tal motivo les brindó un pequeño homenaje con la entrega de una placa recordatoria durante una conferencia de prensa realizada ayer en Lima.

El director musical de Niche es José Aguirre y su actual frente de cantantes está integrado por Elvis Magno, Yuri Toro y Arnold Moreno, quienes conversaron unos instantes con El Salsero.

Para Arnold Moreno sentirse parte de Niche es un sueño y a la vez una lucha constante ya que ser parte de la agrupación exige mucha disciplina y ser un músico integral.

Yuri Toro siente que ser cantante del grupo es una “labor de inteligencia”, ya que requiere de mucha entrega y compromiso no solo para mantener ese legado que Jairo Varela definió sino también para intentar superarlo. 

Elvis Magno, Yuri Toro y Arnold Moreno, cantantes de Niche, junto a Johnny Peña de Zaperoko


Elvis Magno ya tiene ocho años en Niche, viajando por el mundo y, según él, aprendiendo cada día a ser no solo mejor cantante sino también mejor ser humano. Recuerda mucho que Varela le dijo “entrar a Noche es dar un paso adelante”

Elvis, Yuri y Arnold son conscientes del afecto que el salsero peruano le brindó al grupo desde aquella histórica primera visita (que incluyó el legendario concierto en el Campo de Marte) y están seguros que este fin de semana la gente responderá a las convocatorias. “Niche sabe a Perú”.
7 feb. 2017 0 comentarios

Hablan sus actuales directores: "No queríamos estancarnos en la nostalgia, creemos que la marca Fania tiene que evolucionar"



Fuente: Semana, Colombia

Aunque el legendario sello de salsa ya no suena tanto como antes, su director, Michael Rucker, y director editorial, Pablo Ahogado, afirman que Fania pasa por una etapa de reinvención, y que entre sus planes está convocar a nuevos artistas colombianos. Semana.com habló con ellos.

Semana.com: ¿Cómo explicarle a alguien joven lo que fue Fania y su importancia en la historia de la música latina?

Michael Rucker: Cuando inmigrantes latinos de Puerto Rico, Cuba, República Dominicana y otros países de Latinoamérica llegaron a Nueva York en la década de los años 1960 y 1970 fue un momento mágico de la historia musical porque por primera vez pudieron compartir y mezclar los distintos sonidos y ritmos musicales. La economía en Estados Unidos estaba muy mal y particularmente en Nueva York la vida era muy dura para los inmigrantes latinos. Estos usaron la música para contar sus luchas diarias, sobre todo en los barrios East Harlem y el Bronx, y también para celebrar, bailar y olvidar los malos momentos. Así nació lo que hoy conocemos como “Salsa”. Fania en ese momento representaba lo mejor y más innovador de la música latina, desde el latin jazz hasta el boogaloo y la salsa. En los 1960 y 1970 la Fania lanzó las carreras de íconos musicales como Willie Colon, Rubén Blades, Ray Barretto y Celia Cruz, entre muchos otros nombres. Hoy en día, el significado del catálogo musical de Fania y sus sellos subsidiarios (Tico, Cotique, Vaya, Alegre Records) representa la historia musical de la salsa y el latin jazz.      

Michael Rucker, actual director de Fania


Semana.com: ¿Por qué cree que Fania ya no es tan famosa como antes?

M.R.: Los fundadores de Fania, Johnny Pacheco y Jerry Masucci, tenían muy poca experiencia en la industria musical y les tocó nadar contra la corriente para introducir el nuevo género que era la salsa en ese entonces. Además, en aquella época la industria musical en Estados Unidos no estaba interesada en aceptar ni en apoyar música hecha por inmigrantes latinos. En la década de los 1990, Jerry Masucci quedó como único dueño del sello y después de su muerte, la compañía quedó en el limbo por todo tipo de conflictos legales. Tristemente por casi 10 años el sello no tuvo ningún norte, hasta que en el 2005 Emusica (ahora Codigo Music), compañía radicada en Miami, compró todos los derechos del catálogo de Fania y rescató este legado de la música latina.

Semana.com: ¿Con su llegada a la dirección de Fania cambió de alguna manera el enfoque del sello?

M.R.: Cuando llegué, en el 2006, quise reconectar la música de Fania con su público original y por eso remasterizamos y publicamos una gran cantidad de álbumes, entre ellos compilaciones, box-sets y álbumes que nunca habían sido publicados en formatos distintos al vinilo. En el 2014 la Fania cumplió 50 años de fundado, y para celebrar organizamos 50 eventos en Nueva York: conciertos con Roberto Roena e Ismael Miranda, fiestas de música electrónica mezclando los sonidos de Fania, instalaciones de arte que celebraban las carátulas de nuestros mejores álbumes, rodajes de películas Fania, etc. Decidimos usar ese año como un punto de inflexión para celebrar el pasado y al mismo tiempo iniciar la evolución hacia un sello disquero del futuro. A partir del 2014, nuestra misión ha sido llevar esta marca a un público joven sin olvidar el peso y tradición de Fania.

Semana.com: ¿En qué está hoy Fania en Latinoamérica?

Pablo Ahogado: En Latinoamérica hemos colaborado con artistas importantes como Bomba Estéreo (Colombia), Dengue Dengue Dengue (Perú) y Timothy Brownie (México). La idea es seguir enfocándonos en países como Colombia, donde creemos que hay una escena musical independiente, muy fuerte e innovadora. También estamos produciendo proyectos audiovisuales como los YouTube Fania Sessions, donde nuevos artistas interpretan en vivo arreglos de los clásicos de Fania. En el 2016 se grabaron episodios en Nueva York, Miami y Ciudad de México, y este año vamos hacerlo en Colombia.



Semana.com: ¿De qué manera específica quiere llegar el sello a Colombia?

P.A.: La idea es tener una presencia cada vez más fuerte en Colombia. La primera banda colombiana con la cual vamos a trabajar en esta nueva etapa es Puerto Candelaria, una banda innovadora que ha logrado ser lo que es sin la ayuda del establishment musical o radio comercial. Tenemos otros artistas en la mira para establecer alianzas, pero no puedo dar más nombres todavía porque no hemos finalizado los acuerdos. Sí puedo decir con certeza, sin embargo, que Colombia es de nuestros mercados más importantes y parte esencial de nuestra estrategia para los años que vienen. Queremos firmar nuevos compositores a nuestra editora. Queremos llevar los eventos de Armada Fania (fiestas electrónicas, pop-up stores, exhibiciones de arte, etc.) a ciudades fuera de Estados Unidos, como Bogotá y Medellín. Y este año filmaremos en Colombia una nueva producción de los Fania Sessions con cinco artistas emergentes haciendo sus propias interpretaciones de canciones de Fania.

Semana.com: ¿Qué otros géneros se han vuelto importantes en el sello?

MR: Durante los últimos años nos hemos enfocado en varios subgéneros de música electrónica, como el global bass y el deep house. No queríamos estancarnos en la nostalgia de la música de Fania porque ese público se acabará con el tiempo y creemos que la marca de Fania tiene que evolucionar.

P.A.: También vale la pena mencionar que la historia de Fania no está limitada a la salsa. Fania y sus sellos subsidiarios (Alegre Records y Tico Records) lanzaron álbumes muy importantes de boogaloo y latin jazz como I Like It Like That, de Pete Rodríguez, y Sofrito, de Monguito Santamaria.

Pablo Ahogado, director editorial de Fania


Semana.com: ¿Ya entró el reggaetón a Fania? ¿Consideran que, en general, este género ha desplazado hasta cierto punto a la salsa en la contemporaneidad?

M.R.: Con excepción de un álbum homenaje a Héctor Lavoe que lanzamos en el 2007, no hemos querido meternos en el género del reggaetón. No creemos que haya desplazado la salsa, simplemente es el resultado de una evolución natural de sonidos y expresiones.

Semana.com: ¿Cómo se ha adaptado Fania a los cambios radicales que ha sufrido la industria musical por cuenta de los nuevos modos de consumir y comprar música?

M.R.: Hemos visto estos cambios radicales como una oportunidad y no como un obstáculo. Fuimos uno de los primeros sellos en hacer el cambio de producto físico (CD) a digital, y luego a streaming y contenido audiovisual.

Semana.com: En una entrevista Rucker dijo: “En este momento nadie tiene la capacidad de poner a una banda de gira o en el estudio”. ¿En qué consiste entonces el trabajo y el modelo de funcionamiento del sello hoy?

M.R.: Sostener orquestas de aproximadamente 15 personas es algo muy costoso, muy pocos sellos tienen la capacidad de financiarlas. Nuestro modelo es vernos como una compañía de entretenimiento y no únicamente como un sello musical. Por eso estamos diversificando nuestros proyectos, por ejemplo, fiestas de Armada Fania, musicales teatrales, contenido audiovisual y documentales como We Like It Like That: The Story of Latin Boogaloo.