MUSICA Y NOTICIAS DEL MUNDO DE LA SALSA
22 abr. 2018 0 comentarios

Cándido Camero cumple 97 años


El Padre de la Conga Moderna, Cándido Camero de Guerra ha cumplido hoy, 22 de Abril, 97 años de edad.
Con tal motivo, presentamos una nota de la Agencia EFE, de Noviembre 2016, dedicada al legendario conguero cubano

Miguelito Valdés, Cándido Camero, Frank Grillo "Machito" y Marcelino Guerra


Cándido Camero, ‘manos de fuego’ se retira de los escenarios a los 95 años
Fuente: Agencia EFE. Por: Ruth Hernández Beltrán

NUEVA YORK 
Con 95 años de edad y ocho décadas de carrera exitosa, el percusionista cubano Cándido Camero se ha despedido de forma “oficial” de los escenarios, pero aseguró que “seguiré tocando mis tres congas hasta que Dios diga hasta aquí, porque es mi gran pasión”.

Una pasión que le ha llevado alrededor del mundo con figuras de diversos géneros musicales que como él, han hecho historia en la música: Charlie Parker, Miles Davis, Dizzy Gillespie, Tito Puente, La Lupe, Celia Cruz, Duke Ellington, su gran amigo Tony Bennett, Dinah Washington, Gloria Estefan o Billie Holiday, son sólo algunas de esas estrellas cuyos nombres y fechas recuerda con mucha precisión pese a su edad.

De Holiday recuerda que era “muy humilde, muy sociable, respetuosa, todo el mundo la quería” y lamenta que no haya podido terminar su carrera “como debía haber sido”.

Considerado el padre de la percusión moderna que introdujo el uso de las tres congas o tumbadoras, que llevó al jazz, atesora esas ocho décadas en las que compartió con diversas estrellas, momentos que ha recopilado en un álbum de fotos que mostró a Efe, en las que está con figuras como Billie Holiday, el director de orquesta Xavier Cugat, Elvis Presley o los actores John Wayne y Marlon Brando, entre otros.

Pero que lo que guarda con más cariño son los recuerdos de sus inicios en Cuba. “Nací un viernes 22 de abril de 1921 en La Habana, Cuba, en el Barrio El Cerro”, dijo para agregar que “tenía cuatro años y quería ser músico”.

“Mi padre me preguntó qué instrumento quería tocar y le dije que el bongó. Me dijo que no tenía dinero para comprármelos, que me los haría. Cogió dos latas de leche vacía y le puso cuero” y así tuvo su primer instrumento de percusión, cuyo tío le enseñó a tocar, indicó.

“Cuando venía de la escuela me ponía a tocar en la mesa y mi mamá me decía ‘te van a doler las manos, eso es madera, no cuero' pero mi abuelo le decía ‘déjalo, que algún día será famoso' y tenía razón”, recordó.



Camero, un hombre alto, sencillo, de sonrisa fácil, siempre elegante y manos suaves, pese a sus años dedicado a la percusión, también aprendió con su padre a tocar el tres y de su abuelo el bajo, instrumento con el que debutó profesionalmente a los catorce años.

“Mi padre sólo me dejaba poner pantalones largos los fines de semana (para las presentaciones). El resto de la semana tenía que ser cortos porque él decía que no tenía 21 años todavía”, dice entre risas al recordar ese momento. Las congas las comenzó a tocar en la década del 40 con orquestas de jazz en su país.

El 4 de julio de 1946 marcó su llegada a Nueva York, para acompañar la presentación de los bailarines Carmen y Rolando en el Club Habana Madrid, “donde las estrellas del show eran Dean Martin y Jerry Lewis”, destaca.

Poco después comenzó a tocar con el pianista Billy Taylor, con el primero que grabó un disco, y otros músicos del jazz.

“La idea de las tres congas me surgió de la orquesta sinfónica porque siempre me fijaba en el timpanista (timbal) que tocaba tres timpani. Desde entonces hasta ahora me ha dado resultado y me gusta porque nadie espera oír melodías en tres congas”, afirma.

“La conga está supuesto a ser un instrumento rítmico acompañante pero no solista”, dijo el recipiente en 2009 del Jazz Master Award que concede la National Endowment for the Arts y a quien la Academia Latina de la Grabación también rindió tributo ese año.

Asegura estar orgulloso de las nuevas generaciones de percusionistas “porque la tradición de las tres congas continúa”.

Como muchos otros cubanos que se establecieron en Nueva York vivió el encuentro de la música afrocubana y el jazz y de la amistad entre músicos de ambos países, que siempre estuvieron abiertos a aprender nuevas formas y estilos.

“Dizzy Gillespie, Duke Ellington, Charlie Parker, Lionel Hampton, Randy Weston, Billy Taylor, Machito y sus Afrocuban, la de Chico O'Farrill, o Marco Rizo…siempre hubo intercambio, respeto y admiración mutua y eso me ha gustado mucho”, afirmó y atribuye el éxito de la música cubana a que “es contagiosa, es para oír y bailar”.

El productor y amigo de Camero, Iván Acosta, destacó su gran legado. “Ha tenido influencia en el jazz americano, ha grabado más de 600 discos. Hoy en día es normal ver la percusión afrocubana en cualquier orquesta de jazz, grande o pequeña”.
17 abr. 2018 0 comentarios

Chucho Valdés, recordando a Irakere en su aniversario 45



Fuente: El Nuevo Herald, USA. Por: Olga Connor

“Irakere es la banda que marcó el cambio histórico de la música cubana, del jazz latino o afrocubano y la música bailable”, ha declarado el eminente pianista y director musical Chucho Valdés, que ha ganado seis Grammys y tres Grammys Latinos, en su ascendente carrera, y está recorriendo el mundo con su banda, que incluye algunos de los integrantes originales de Irakere. Han estado celebrando aquella otra banda legendaria, con motivo de los 45 años de haberse fundado, en 1973. Aquí se presentan en el Adrienne Arsht Center bajo la rúbrica de “Cubismo! Chucho Valdés: Irakere 45”.

Chucho Valdés fue el director de Irakere, y al saxo actuaba Paquito D’Rivera como director asistente. Pero muchos más han sido los músicos extraordinarios que participaron en aquel experimento, que al separarse de la banda o dejar la isla de Cuba, se han destacado como solistas, entre ellos, Arturo Sandoval, Carlos Averhoff y el propio D’Rivera. Este grupo usó para tocar el jazz -que era lo que les gustaba- una mezcla de los instrumentos usados en el jazz americano con los tambores batá, abakuá y arará, chequerés, maracas, claves, cencerros, bongó, tumbadoras y güiro, típicos de la música afrocubana. Fue una integración extraordinaria.

N.H.: Para comenzar, coméntanos por favor lo que has declarado en una entrevista, que "Irakere fue el fenómeno más completo que se ha dado en la historia de la música cubana". Pero el Trío Matamoros, con el son, fue un fenómeno; la Sonora Matancera con la guaracha de Celia Cruz, fue un fenómeno; Pérez Prado con el mambo, fue un fenómeno; y la orquesta Aragón con el cha cha cha también fue un fenómeno. ¿En qué les superó Irakere?

Ch.V.: No he dicho que es el fenómeno más completo, sino que es un fenómeno diferente en su género. Para mí cada una de estas orquestas mencionadas han sido un fenómeno insuperable en cada una de sus especialidades, y yo pienso que en su especialidad [el jazz], Irakere ha sido un fenómeno insuperable, por las individualidades y por el colectivo y la fusión de estilos.

N.H.: ¿Qué reminiscencias agradables y anecdóticas nos puedes contar de Irakere en los días cuando comenzó?

Ch.V.: Los primeros conciertos, ya que ahí medimos que podía ser un éxito; la primera fiesta bailable y, después, la presentación en el Festival de Jazz de Newport, NY, le dio reconocimiento mundial a la banda.

N.H.: Eso fue en en 1978, cuando Chucho Valdés e Irakere aparecieron sin ser anunciados previamente en ese escenario mundial, traídos por Columbia Records, y fueron una sensación, según el crítico John S. Wilson de “The New York Times”. ¿Qué guarda tu banda hoy de Irakere, cuáles son los avances, las diferencias, desde tu punto de vista?

Ch.V.: Todos los avances son generacionales, aunque hay músicos de Irakere que no están en la banda y en mi opinión no han sido superados. Las diferencias pueden estar en que ha evolucionado la rítmica cubana y no es la misma de los comienzos y que yo he madurado como compositor y arreglista y tengo más experiencia.

N.H.: Tu primer maestro fue tu padre, el gran pianista, compositor y director Ramón Bebo Valdés. A los tres años ya tocabas las melodías que oías en la radio en el piano, usando las dos manos y en cualquier clave. ¿Cómo influyó tu padre en ti, y en qué quisiste diferenciarte?

Ch.V.: Mi padre fue una influencia en mí en todos los sentidos. Musicalmente fue mi primer maestro y un día me dijo que buscara a Chucho y a través del tiempo poco a poco lo fui encontrando. Es difícil ser hijo de una leyenda de la música cubana y encontrarse uno mismo.

N.H.: ¿Qué piensas de las nuevas músicas en Cuba que tienen influencia del Caribe?

Ch.V.: Pienso que el Caribe es una familia de islas, algunas con las mismas raíces, y tanto ha influido la música cubana en géneros de otros vecinos, como las de ellos en la de Cuba.

N.H.: ¿Puedo repetir el programa que me enviaron los promotores de tu concierto como lo que van a interpretar, o lo modificas?

Ch.V.: Quizás no pueda hacer todos los temas que se listan -por cuestiones de tiempo- porque aparte tengo varias sorpresas para esa noche.

Y ese programa que se anuncia es que su banda de nueve miembros, los Afro Cuban Messengers, con dos trompetas y dos saxofones más, junto con Chucho Valdés, ofrecerán una retrospectiva de su trabajo de décadas. Se podrá ver también la evolución del jazz afrocubano, porque el programa incluye clásicos de Irakere como “Misa Negra”, “Estela va a estallar”, “Juana 1600” y “Bacalao con pan”, que fue la primera canción grabada con tambores batá. Esa la interpretará la admirada y premiada pianista y cantante Aymee Nuviola, como invitada, además de “Lágrimas negras” y sus boleros favoritos. El concierto tendrá también nuevos arreglos de las más recientes composiciones, “Yansa” “Abdel” y “Lorena’s Tango”.

“Cubismo! Chucho Valdés: Irakere 45”, viernes 20 a las 8 p.m., Knight Concert Hall, Adrienne Arsht Center, 1300 Biscayne Boulevard. Entradas: $45 a $125
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Rita Montaner, a 60 años de su fallecimiento


Fuente: Prensa Latina, Cuba

Artistas cubanos conmemoran este martes 60 años del fallecimiento de Rita Montaner, a quien el pueblo de su país natal denominó "la Única" y cuya impronta trascendió las fronteras nacionales.

Alumnos de la Academia de Canto Mariana de Gonitch, junto a su director, Hugo Oslé, realizarán una peregrinación hasta la tumba de la diva, situada en el Cementerio de Colón, de La Habana, la ciudad donde nació en 1900 y donde se le recuerda como una de las mejores intérpretes de Cecilia Valdés, zarzuela distintiva de Cuba.

Más tarde, la entidad brindará un concierto en la Casa de la Cultura de Plaza para evocar algunos de los éxitos de artista en temas como Siboney, Facundo, Angelitos Negros, Júrame, y la propia Cecilia Valdés.


Protagonista de varias leyendas de la cultura cubana y quizás uno de sus personajes más pintorescos, Montaner incursionó en el teatro, la radio, el cine y la televisión, dentro y fuera de Cuba, con triunfos irrefutables.


Baste solo decir que actuó en el Teatro Olimpia, de París, y fue contratada para sustituir a la actriz española Raquel Meller, en el Palace.


Fascinada por ella, la mismísima vedette Josephine Baker la invitó a participar en uno de sus espectáculos, y después recorrió escenarios de Estados Unidos, España, Argentina, Venezuela y México.


Aunque tuvo una esmerada educación en piano y hasta ganó una medalla de oro por su desempeño en ese instrumento, a los 13 años de edad, esta mujer de gran carácter no apostó por la música sino por las artes en general.



Montaner fue la primera voz femenina de la radio cubana y compartió escenario con prestigiosas figuras de la cultura de Cuba y otros países.

Algunos de los mejores compositores de su época escribieron partituras especialmente para ella, como Moisés Simons con El manisero, Eliseo Grenet con Ay Mamá Inés, Ernesto Lecuona con El cafetal y Gonzalo Roig con Cecilia Valdés, aunque le cediera el estreno a una cantante de inferior tesitura.


También, se destacó como actriz en la gran pantalla, así que la historia del cine cubano tampoco puede ignorarla pues incluso encabezó el reparto de una de sus películas más taquilleras durante décadas, El romance del palmar (1938).


La vida le jugó una mala pasada, Montaner perdió uno de sus instrumentos más poderosos: su preciada voz, a consecuencia de un cáncer, enfermedad que le ocasionó la muerte, el 17 de abril de 1958.




Fuente: Granma, Cuba. Por: Delfín Xiqués Cutiño

Se llamaba Rita Aurelia Fulceda Montaner Facenda. Su nombre artístico, Rita Montaner, pero sus admiradores y el pueblo le decían cariñosamente Rita, la única, para reconocerle sus extraordinarias cualidades artísticas.

Con diez años de edad Rita inició sus estudios de música en el Conservatorio de Música y Declamación de La Habana Eduardo Peyrellade, solfeo, teoría de la música, armonía, piano, y canto, graduándose con Medalla de Oro.

Años después, en Nueva York recibió lecciones de canto del profesor italiano Alberto Biomboni.

Mucho se ha escrito y se escribirá sobre la popular soprano cubana, pero lo cierto es que ella poseía un talento extraordinario basado en la versatilidad para moverse por los distintos géneros de la música cubana

Fue en el teatro Regina (hoy cine Jigue), la noche del 27 de septiembre de 1927, cuando estrenó el sainete Niña Rita o La Habana en 1830, de Ernesto Lecuona y Eliseo Grenet, donde representa el personaje de José Rosario, calesero, e interpreta el, después famoso , tango congo ¡Ay!, Mama Inés.

Rita se presentó en teatros de América Latina, Estados Unidos y Europa, y en cada una de sus actuaciones cautivó a un público que le hacía repetir sus inigualables canciones.

Actuó en el filme Sucedió en La Habana, en 1938; en María La O, basada en la zarzuela de igual título de Ernesto Lecuona, que se rodó en México en 1947. También trabajó junto al actor azteca Pedro Infante, en el filme Angelitos Negros, en 1948, donde interpretó a la negra Mercé.


Luego seguiría su presentación en los filmes Anacleto se divorcia, Al son del mambo, y Ritmos del Caribe, todos rodados en 1950. Y al siguiente año, Víctima del pecado y Negro es mi color, junto a la actriz mexicana Marga López, entre otras cintas.

Se dice que el periodista cubano Augusto Ferrer de Couto, fue el que le puso La única, y Rita a su vez, fue la que popularizó el Bola de nieve, de Ignacio Villa, quien fuera su pianista acompañante.

Rita actuó el 1 de marzo de 1956, en la opera del compositor italo-norteamericano Gian Carlo Menotti, La Medium, presentada en la sala-teatro Hubert de Blanck.

Su última actuación fue en la comedia británica Fiebre de primavera, de Noel Coward, bajo la dirección de Rubén Vigón, puesta en julio de 1957 en la habanera sala Arlequín.

Rita Montaner: la única, falleció en La Habana, el 17 de abril de 1958. A su sepelio acudieron cientos de personas conmovidas por la sensible pérdida de la genial artista cubana.

Esta fue la última foto de estudio de La Unica, Rita Montaner
16 abr. 2018 0 comentarios

Marcos Barraza y Roberto Delgado recuerdan a Bush



Esta madrugada falleció Francisco Buckley "Bush", uno de los músicos panameños más populares en la Salsa y quien ganó fama continental con su hit "La Chola Caderona"

Escuchen a Marcos Barraza, quien fuera el cantante de aquel éxito, y a Roberto Delgado, el director musical de Rubén Blades, quienes recuerdan al famoso percusionista y director musical.. ¡Que en Paz Descanse Bush!




15 abr. 2018 0 comentarios

Con Anniversary, el nuevo disco de Spanish Harlem Orchestra, el swing del Barrio está de vuelta



Anniversary (Artist Share, 2018) es el sexto disco de la Spanish Harlem Orchestra (SHO), precedido de títulos como Un Gran Día En El Barrio (2002), Across 110th Street (2004), United We Swing (2007), Viva La Tradición (2010) y Spanish Harlem Orchestra (2014).

En estos tiempos que parecen correr apresurados, el Maestro Oscar Hernández no se apura. Sabe que “la cosa no es como antes”, cuando el mercado del disco tenía otros estándares y los músicos, orquestas y cantantes procuraban ofrecer un “top seller” por año al público que compraba LPs o CDs. En su caso, cada una de las seis entregas de SHO son el fruto de la madurez de un pianista y arreglista que por más de cuatro décadas se ha nutrido al lado de nombres grandes en la industria: Manny Oquendo, Rubén Blades, Ray Barretto o Paul Simon (solo por citar algunos), experiencia que nos permite afirmar, con seguridad y sin exageración, que su “Hispánica del Barrio” es una de las mejores orquestas de Salsa del presente siglo.

Hace pocas semanas, la SHO había lanzado “La Media Vuelta” como “abre bocas” del disco nuevo. La oferta completa es sabrosa y sustanciosa y basta escuchar los tres primeros temas para darse cuenta de la excelencia musical que Anniversary trae: “Esa Nena”, “Yo Te Prometo” y “Dime Tú” (con arreglos de Angel Fernández, Gil López y el propio Hernández, respectivamente) son apenas el inicio de un recorrido de trece canciones ejecutadas con arte y maestría por músicos reconocidos que, desde hace ya varios años, son parte de la banda.

Marco Bermúdez, del Ecuador, y Carlos Cascante, de Costa Rica, se mantienen no solo como parte de los soneros de la Spanish Harlem Orchestra sino que también aportan su talento como compositores, cada uno de dos temas. A ellos se suma un joven y talentoso músico y cantante: Jeremy de Jesús Bosch, quien merece un párrafo aparte.

Nacido hace 28 años en el Barrio Tejas en Las Piedras, Puerto Rico, Bosch fue becado por el Berklee College of Music y, además de ser cantante, es un flautista y compositor cuyo aporte le da un aire fresco al grupo. Ya lo habíamos escuchado en el reciente disco de Doug Beavers (co-productor de Anniversary) y aunque su propuesta personal parece abarcar no solo a nuestro género, creemos que la Salsa ha ganado una nueva figura que dará mucho que hablar en los próximos años. Escuchen “Soy el Tambor” y me darán la razón.

Las palabras pueden estar demás, puesto que en Anniversary la música habla por sí sola. O como dice el coro de otro de sus cortes “echa pa’lante, ponle el ritmo y verás”.


Usted puede escoger: el sofisticado despliegue musical de “Goza el Ritmo” o las nuevas versiones de “Y Deja” (el tema de Piloto y Vera que Willie Colón y Rubén Blades grabaran en Canciones del Solar de los Aburridos) y “Guaracha y Bembé” (nuevo homenaje a Cheo Feliciano y Joe Cuba, uno de los grupos favoritos de Hernández en su juventud).

Si queremos una pausa romántica escuchemos la versión a tres voces de “Tres Palabras”. Si buscamos Latin Jazz está “Somos Uno”, que trae al trompetista Randy Brecker de invitado. Románticos pero con swing y afincado son los arreglos de “Como Te Quise” y “Canción Para Ti”.

Converso con el propio Oscar y, al otro lado del teléfono, lo escucho satisfecho y orgulloso del trabajo realizado. Él sabe que con este disco no solo celebra merecidamente quince años de su gran orquesta sino que demuestra que, en medio de tanta medianía o conformismo, la excelencia musical es posible. “El swing del Barrio ha vuelto”… gocémoslo.


Listen to "Soy El Tambor-Spanish Harlem Orchestra (Anniversary,2018)" on Spreaker.
14 abr. 2018 0 comentarios

Fallece el cantante peruano César Gonzales



A través de FB de nuestro amigo Manuel Paredes, hemos recibido la noticia de la muerte del cantante peruano César Gonzales.

La gran mayoría de aficionados a la Salsa coinciden que Gonzales fue uno de los vocalistas peruanos más versátiles, que se lucía no solo en los bailable sino que también fue uno de los grandes en el bolero.

Gonzales grabó con muchos grupos desde la década del 60 del siglo pasado, incluso con su propia orquesta. Sin embargo "pasó a la inmortalidad" por ser el cantante del tema "Margot" que grabara la Sonora de Lucho Macedo.

Don César tenía 84 años de edad y, lamentablemente, como otros tantos pioneros de la música tropical en el Perú nunca recibió el reconocimiento que se merecía.

Su velatorio tendrá lugar en el local del CAFAE de MININTER (entre las avenidas República de Chile y Arenales), a partir de las 4 de la tarde.
¡Que en Paz Descanse Don César Gonzales!


13 abr. 2018 0 comentarios

En la Salsa, el camino es más difícil para las mujeres



Fuente: Primera Hora, Puerto Rico. Por: Rosalina Marrero-Rodríguez

Las mujeres no venden discos en la salsa. Esto es una teoría que ha corrido por mucho tiempo en la industria de la música y llegó a tomar tanta credibilidad que se convirtió en el mayor escollo para las voces femeninas que se interesan por el ritmo afrocaribeño.

Es algo que el cantante Gilberto Santa Rosa critica, reconociendo que el género salsero es esencialmente machista. “Esa es una teoría que alguien echó a correr y quizás en ese caso, las mujeres -la mayoría, porque hay quienes todavía están batallando duro, como India, Choco Orta, y una serie de cantantes y músicos-, se intimidaron y no participaron más”, opinó El Caballero de la Salsa en una entrevista reciente con este diario.

India enfrentó esa realidad cuando en el 1992 dio un giro a su carrera artística abandonando la música freestyle dance para probarse en la salsa, motivada por figuras legendarias como la misma Celia Cruz, Tito Puente y Eddie Palmieri.

“Tuve que ser fuerte”, reconoció la “Princesa de la Salsa”. “Te cierran las puertas antes de entrar. Eso era lo que decían antes, pero ahora es que las mujeres no venden y que la salsa ya no es popular”.

La voz de los ya clásicos Mi primera rumba, Dicen que soy y Vivir lo nuestro admite que sin el apoyo de esos grandes nombres su trayectoria quizás no hubiera alcanzado los 30 años que celebra hoy día en el estilo musical que también defendieron y defienden otras artistas, entre ellas, La Lupe, Sonia López, Fe Cortijo, Choco Orta, Albita Rivera, Aymée Nuviola y Yolanda Rivera.

“Teníamos a la reina Celia Cruz y veía también las discriminaciones que le hacían a la reina, de que ella no vende (discos), ella vende presentaciones nada más, y ella tuvo que con su trayectoria demostrar que todavía tenía para dar. Ya a lo último le demostró a la industria, cuando dio el palo con La negra tiene tumbao, que ella vendía y ahora vende más”, expuso India.

“Yo veía lo que tenía que pasar Celia y ella me abrió las puertas a mí, y como ella me abrió las puertas a mí, aconsejo a las muchachas que aman lo que están haciendo, las salseras, que den lo mejor que tienen, que es el talento, y sigan pa’ lante y no dejen que nadie les diga que no pueden lograrlo. Las mujeres somos importantes y sí podemos lograr metas y en la salsa todo lo que necesitamos es apoyo”, reiteró.

El camino no ha sido distinto para la excantante de La Sonora Ponceña, Yolanda Rivera, que en sus 45 años de trayectoria en las tarimas locales e internacionales, ha tenido que “guapear” con sus pares masculinos para ganarse su espacio y reconocimiento. “Pero no ha sido fácil”.

Situaciones como horarios de presentaciones en la madrugada, cuando el ambiente se torna tal vez más hostil por el consumo de bebidas alcohólicas entre el público, trampas en los contratos y pagos a destiempo son algunas de las que han tenido que enfrentar estas artistas, o de lo que se han tenido que proteger para evitarlo.

“Es importante para la mujer tener personas alrededor en las que uno pueda confiar”, dice India, quien aun sin manejador procura orientarse en sus pasos profesionales, además de llevar la batuta en lo que respecta a su carrera, incluido el discurso femenino empoderado. 

“Creo que he sido bien dominante y bien precavida con la música. Yo tengo que sentir la canción, yo tengo que tener el control de lo mío, sea la portada del disco, la ropa que me voy a poner, el que me maquilla, cómo van a escribir mi nombre, las canciones que voy a cantar, el mensaje que tengo para dar”, expone.


La orquesta Canela, originada en Cali, Colombia, está conformada completamente por mujeres. Todas dirigidas por María Fernanda Múnera y que, al igual que Rivera, será parte de la oferta musical del Día Nacional de la Zalsa el 29 de este mes.

El inicio de la agrupación fue igual de cuesta arriba: no les creían que tuvieran talento para el género dominado mayormente por hombres. Pero eso ha ido mermando a través de los años, afirma Múnera.

“Hoy en día es más sencillo porque encuentras mujeres músicos por doquier, pero cuando empezamos no había mujeres en la trompeta, mujeres en la conga, en los cueros, que son instrumentos donde uno se maltrata mucho las manos”, destaca la salsera, con 26 años de presencia artística.

“Hemos sido bien tratadas a nivel de empresarios o de espectáculos, pero de pronto en los medios (de difusión masiva) ha sido fuerte, porque un tema de una mujer no se ve tan fácil como de un artista masculino, lo cuestionan más, lo estudian más, y es que es otro estilo, porque hay que decirlo, es otro estilo, por más que estemos en el mismo medio, las bandas de hombres tienen otra fuerza”, afirma Múnera.

India, ni Yolanda Rivera ni la voz líder la Orquesta Canela han tenido experiencias de acoso, o en las que se les hayan hecho algún tipo de ofrecimiento desleal a cambio de un beneficio para sus respectivas carreras. Han tenido, por el contrario, la fortuna de contar con la amistad y el respeto de sus pares masculinos.

“El machismo siempre va a existir, pero yo estoy tranquila, no tengo problemas con nadie. Yo amo a todos los muchachos, a todas las leyendas que tenemos en la isla, a Gilberto (Santa Rosa), a Víctor Manuelle, la lista es grande”, puntualiza India.
24 mar. 2018 0 comentarios

25/7: Víctor Manuelle celebra 50 años de edad y 25 de carrera musical



Fuente: AARP. Por: Ernesto Lechner

Víctor Manuelle llega a los 50 años de vida y 25 años de carrera artística.

Desde el principio de su carrera en los años 90, el cantante puertorriqueño Víctor Manuelle supo triunfar en el género de la salsa romántica sin olvidar las raíces auténticas de la música afrocaribeña. El intérprete —que este año cumple los 50— celebra 25 años de carrera con un flamante disco: 25/7, que incluye colaboraciones con Gilberto Santa Rosa y Juan Luis Guerra, entre otros. En los últimos años, Víctor Manuelle se convirtió en un apasionado portavoz de la enfermedad de Alzheimer, que afectó a su padre durante mucho tiempo. Don Víctor falleció en enero de este año, provocando en el cantante nuevas reflexiones sobre las complejidades inevitables de lidiar con esta enfermedad.

- Tu nuevo disco aparece unos meses después del fallecimiento de tu padre. ¿Cómo estás manejando un proceso tan difícil?

- Llevo trabajando dos años en esta producción por lo importante que era y por las colaboraciones que contiene. Cuando mi padre falleció en enero, la etapa creativa ya había pasado. Pero sí me da nostalgia porque durante estos 25 años de carrera es la primera vez en la historia que saco un disco y no voy a tener a mi héroe conmigo. Mi papá fue el fanático número uno de mi música, algo que menciono en la dedicatoria.
Como algo personal, te cuento que Papá Dios me fue preparando. Yo había traído a mis padres a vivir conmigo, desde que en Puerto Rico sucedió lo del huracán, por la situación con la electricidad y todo eso. Estos últimos cuatro meses fueron de un compartir mucho más intenso. Estaba preparado para disfrutar de esa compañía, porque en algún momento iba a pasar lo que pasó. Llegaba de una gira, subía al cuarto de mis padres, me acostaba en la cama con mi mamá y hablábamos sobre mi papá, que estaba ahí. Me siento satisfecho porque hice todo lo que tenía que hacer en vida. Siento esa tranquilidad que es el dolor, pero sin cargo de conciencia.

- Tu madre y tu familia pasaron mucho tiempo ayudando a Don Víctor con su enfermedad. ¿Cómo enfrentan ellos el vacío que dejó su muerte?

- Es la parte más difícil para mi madre y hermano, que fueron sus cuidadores directos. Ha cambiado su rutina, porque hace muchos años que mi hermano no tenía papá, y mi madre no tenía un esposo. Tenían un bebé al que era necesario hacerle todo. Para ellos levantarse en la mañana significaba ver si mi papá estaba bien, cambiarle el pañal, darle de comer. Esa rutina es la parte más fuerte de todo esto. En los últimos años, mi padre estaba totalmente inconsciente, casi como un vegetal. Empiezas a pensar que no es la calidad de vida que se merece. Es contradictorio, porque uno no quiere que se vaya nunca. Pero cuando lo ves tan delgadito y deteriorado, le preguntas a Dios, “¿No crees que ya cumplió su misión? Ya te lo puedes llevar, para que esté bien”.

- Cumplió su misión y ahora tú cumples la tuya. Veinticinco años de carrera es un hito importante para cualquier músico. ¿Qué sientes al celebrarlos?

- Es muy emotivo. El tiempo pasa volando cuando uno está haciendo lo que le gusta, y no te das cuenta. Yo mismo no lo puedo creer. Mucha gente tiene la oportunidad de hacer música, pero tener una trayectoria y seguir vigente a través de las décadas es un privilegio que te lo da el público. No me pertenece a mí. Lo que más me sorprende es que la gente me sigue viendo como alguien mucho más joven que mi carrera. Quizás por las colaboraciones que realizo con artistas del género urbano. Todavía me perciben como uno de los jóvenes de la salsa.


- Siempre fuiste astuto para adaptarte a las nuevas tendencias de la música latina. ¿Crees que esto tiene que ver con tu vigencia?

- Me alegra que lo menciones, porque ha sido una de mis preocupaciones. Obviamente soy exponente de la salsa, un género de raíces tradicionales. Pero también tengo la tendencia de correr muchos riesgos, quizás ganándome las críticas de algunos puristas del género. Veo una tendencia urbana muy fuerte en el público más joven y por eso adopté sonidos diferentes para cautivar a esa generación. Les propongo una salsa con una modalidad más moderna.

- Si tú quisieras podrías sonear como Héctor Lavoe o Ismael Rivera. El piano de tu último sencillo, “Amarte duro”, es un tumbao clásico de salsa dura. ¿Cómo generas ese balance tan delicado entre lo tradicional y la salsa romántica?

- Crecí y me desarrollé escuchando a la Fania, Cheo Feliciano, la Sonora Ponceña, pero no puedo repetir lo que hicieron ellos. Eso ya está hecho. La salsa de los 70 era el sonido de los jóvenes latinos de esa época. Hoy existe una tendencia urbana y no podemos luchar contra eso. A través de mis colaboraciones con artistas como Farruko y Yandel [quiero] que la salsa no le pase desapercibida a los muchachitos de hoy. Que entiendan que el género no ha pasado de moda. No quiero que mi música se transforme en objeto de nostalgia. Los fanáticos la buscamos porque nos apasiona, pero no podemos pretender que tenga ese efecto en un joven de 14 años.
Sin embargo, en este nuevo disco quise incluir un tema, “Cuando me escuchen”, que preservara la estética tradicional de los años 70. Tiene temática un poco fuerte, evocando la arrogancia que existía en ese entonces entre los cantantes. Tito Rivera hizo el arreglo, y la grabamos en cinta de dos pulgadas y con la orquesta en vivo, como se hacía en esos tiempos. Ismael Miranda y Gilberto Santa Rosa me ayudaron en los coros. Este tema lo hice precisamente para darle ese balance al disco. Fue una experiencia increíble para todos.


19 mar. 2018 0 comentarios

Samuel Formell sueña con que Los Van Van toquen con Santa Rosa y El Gran Combo en Cuba



Fuente: El Nuevo Día, Puerto Rico. Por: Noel Algarín Martínez

Todavía falta poco más de un año, pero la celebración del aniversario número 50 de Los Van Van no podía comenzar de mejor forma: con su debut en la edición número 35 del Día Nacional de la Zalza, la cita más importante de este género musical.

Nunca antes una orquesta con base en Cuba había tocado en el festival que organiza anualmente la emisora Z-93 y que este año se celebra el 29 de abril en el estadio Hiram Bithorn de San Juan.

“Es una satisfacción, es una placer grandísimo, un orgullo tener la posibilidad de que con tantas veces que hemos visitado Puerto Rico nunca hemos tenido la oportunidad de participar en el Día Nacional de la Zalza. Para Puerto Rico es algo grande, algo significativo por su música y para nosotros ser invitados en esta edición es algo bien, bien especial e inolvidable”, expresó en entrevista telefónica desde La Habana, Samuel Formell, director de la legendaria agrupación cubana que fundó su fenecido padre, Juan Formell, en 1969.

“Vamos a ir (al Día Nacional de la Zalza) con un recorrido de los 50 años que cumplimos el año que viene. Llevando temas que siempre han sido temas clásicos para los puertorriqueños y a través de este repertorio tocaremos, mínimo, dos temas de la nueva producción llamada ‘Legado’. Pero es imposible dejar de trabajar los temas de los 70, 80 y 90”. dijo Formell, quien se presentó en Puerto Rico junto a Los Van Van tan reciente como en agosto de 2017.

De acuerdo al reconocido percusionista, “Legado” fue lanzado a finales de diciembre de 2017 y es una producción trabajada con esmero, pensando en el bailador.

“Legado es un disco hecho con tranquilidad y una conciencia al cien por ciento de buscar un disco bailable y que al público cada tema le gustara, le enganchara. Es un disco para mí muy profesional, muy de peso, un disco que va a caminar mucho. No solo lo siento, sino que ya me está pasando. En dos meses nos hemos disparado en Europa y América, están pidiendo que vayamos a tocar ya… En Europa principalmente, el disco, como decimos, está pega’o… Pega’o, pega’o. Ha sido una explosión en Europa que siempre ha sido un mercado muy bueno para nosotros por más de 30 años”, indicó Formell sobre el disco que incluye temas como “Yo no soy un mango”, “Al paso”, “Culpable de Nada”, “Hecho pa’ Bailar” y “Legado”.


Además de tocar por primera vez en el Día Nacional de la Zalza, Formell adelantó que ya afina los planes para la celebración en 2019 de medio siglo de carrera de la agrupación formada por su padre, fallecido en 2014.

“Vamos a hacer un DVD y vamos a hacer una producción doble donde va a haber invitados nacionales e internacionales tocando  música de Los Van Van desde el año 70. Además, vamos a hacer por primera vez el festival Juan Formell, “Fiesta Formell”, que sería en una locación al aire libre aquí (en La Habana), donde tenemos el récord de asistencia, casi 280,000 personas, que es el Malecón. Este festival, que se llevaría a cabo en agosto, sería el primer festival internacional donde Formell invita y, bueno, si la vida nos permite que la agenda de otros artistas internacionales puedan asistir a Cuba, sería algo grande. Y uno de ellos es Gilberto Santa Rosa”, explicó el también arreglista que comparte en la orquesta con dos de sus hermanos, el bajista Juan Carlos y la cantante Vanessa.

De otra parte, Formell indicó que más temprano que tarde le encantaría cumplir un sueño viejo de realizar un concierto, en La Habana y en San Juan, con El Gran Combo de Puerto Rico.

“Cada año trabajamos juntos en Colombia, en la Feria de Cali, y de hecho tenemos un concierto el 9 de junio juntos. Tocaremos en el Estadio Nacional de Lima (Perú), que también es un festival de salsa gigante, grande. El Gran Combo nunca ha tenido la oportunidad de trabajar en La Habana. Hay mucha gente que sueña con este proyecto, lo presenté y Rafael Ithier me dijo ya hace tiempo, y también Gilberto (Santa Rosa), ‘Si yo voy a Cuba, yo voy a tocar, pero con Los Van Van’. Es algo que quisiéramos lograr y es un sueño tanto de allá como de aquí”, expresó el director de la orquesta conocida también como el Tren de Cuba.
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José Luis Cortés recibió Premio Nacional de Música en Cuba


José Luis Cortés improvisa en la flauta al lado de Orlando "Maraca" Valle


Fuente: Granma, Cuba. Por: Michel Hernández

El flautista, compositor y pedagogo José Luis Cortés (El Tosco), uno de los instrumentistas más notables de la música cubana, recibió el pasado sábado el Premio Nacional de Música 2017 por sus contribuciones al desarrollo y la expansión de la música cubana.

En una ceremonia celebrada en el Museo Nacional de Bellas Artes, el líder y fundador de NG La Banda, nacido en 1951 en Santa Clara y graduado de la Escuela Nacional de Arte en la especialidad de flauta, recibió el premio de manos de la presidenta del Instituto Cubano de la Música, la musicóloga Marta Bonet, y la viceministra primera de Cultura, María Elena Salgado.

Entre los homenajes El Tosco recibió también un cuadro del pintor Eduardo Roca Salazar (Choco).

El jurado, integrado por Digna Guerra, Adalberto Álvarez, César Pedroso, Beatriz Márquez y Juan Piñera, reconoció en El Tosco los valores de una extensa trayectoria marcada por su virtuosismo, su dedicación a la enseñanza y sus aportes a la universalización de la música cubana.

El Tosco fue uno de los precursores de la timba cubana durante los años 90 y con NG La Banda ha defendido una sonoridad llena de complejidades rítmicas que expandió los límites de la música cubana y puso de relieve el talento y la imaginación de un núcleo de jóvenes creadores que comenzaban a renovar la escena de la música popular bailable, influidos por el legado de agrupaciones como Irakere y Los Van Van.

El Tosco, tras recibir el galardón, llamó a los medios a promover una programación más diversa y a prestarle sobre todo mayor atención a la música cubana para permitirle al público escuchar las orquestas y las sonoridades que identifican  a Cuba en el mundo.

18 mar. 2018 0 comentarios

Rubén Blades, historia de un documental



Fuente: La República, Perú. Por: Raúl Mendoza

El cineasta Abner Benaim recuerda que hace unos años estaba conversando con Rubén Blades en su casa cuando de pronto el músico se paró, sacó una grabadora tipo Walkman de algún sitio, puso rewind para retroceder una cinta -esta chirrió un buen rato- y le dijo: "Escucha esto. Es Lou Reed tocando la guitarra y cantando conmigo". Benaim le dijo que ya no adelantara o atrasara la cinta, que la podía dañar. Se trataba de un registro valioso.

"Cada vez que nos sentábamos a hablar Rubén me echaba esas historias increíbles y yo le decía: Rubén soy cineasta, estas cosas no se pueden quedar sin grabarlas", cuenta Benaim a través del hilo telefónico. Entre esas historias increíbles de las que Benaim habla está, por ejemplo, el hecho de que alguna vez Blades le ha cantado o mostrado a él los temas inéditos de un disco por salir.

"Ese tipo de cosas yo no me las quería quedar para mí. Quería compartirlas", dice. Así nació la idea para el documental Yo no me llamo Rubén Blades, un acercamiento a la música, a la vida del artista y a la influencia que su obra -sus letras, su música, su temática social- ha tenido en tantas generaciones. Pronto se cumplirán 50 años desde que el salsero panameño grabó su primer disco.

El mismo Benaim ha sido un fanático de Blades desde que era adolescente. Por esas épocas tenía un aparato CD Player que podía tocar e intercambiar hasta cinco CDs y lo llevaba consigo a todos lados, incluso cuando ingresó a estudiar a la universidad. "De los cinco discos, uno, el álbum Siembra, de Rubén, se quedó siempre en el equipo durante los cuatro años de universidad. Lo tocaba siempre para empezar el día", cuenta.

No fue fácil convencer a Blades para filmarlo, seguirlo, pero Abner Benaim lo conocía hace ya buen tiempo. Esa amistad nació en 2009 cuando el cineasta culminó su película Chance -una comedia- y le mostró el trailer a Blades, que en ese entonces era ministro de Turismo de Panamá. Él cantante le pidió ver toda la película y para ello lo invitó a su casa.

"Esa vez nos quedamos conversando como seis horas. Y con el tiempo se fue a Nueva York, así que nos veíamos cuando él venía a Panamá o yo pasaba por Nueva York. Y siempre tenía esas historias sorprendentes", cuenta. "Un día le dije 'déjame grabarte' y lo convencí. El proyecto nació hace tres, cuatro años, pero la filmación la empezamos hace dos años", agrega.

Yo no me llamo Rubén Blades- Trailer (eng. subs) from Apertura Films on Vimeo.

Ha sido un trabajo largo y paciente. Han tenido sesiones de grabación en Panamá y Estados Unidos y lo han seguido en conciertos presentados en México, Colombia, Puerto Rico. Incluso lo siguieron en el set donde Rubén graba la serie Fear the Walking Dead, en Rosarito, Tijuana. También debieron viajar a Milán, Italia, para entrevistar a Sting, quien es su amigo hace varios años y colaboró en un disco con él.

"¿Fue difícil conseguir la participación de estrellas de la música en el documental?", pregunto. "Fíjate que no. La gente más famosa es muy seria y profesional con su trabajo. Por ejemplo, cuando tuve que entrevistar a Sting, me hicieron el contacto, mandé unos e-mails y finalmente me dijeron: ¿puede venir el 17 de marzo a grabar a Milán? Llegué en esa fecha y ahí estaba Sting esperándome", cuenta.

Cuando recién planeaba el documental, Abner le pidió a Rubén una lista de amigos a quienes pedir testimonio sobre su obra musical y sobre su amistad. Esa lista incluyó a monstruos como Paul Simón, con quien trabajó en un musical de Broadway y quien confiaba mucho en su oído. Simón le contó a Benaim que alguna vez le había cantado a Rubén todas las canciones de un disco suyo que estaba próximo a salir al mercado.

Letras de Rubén

Más allá de una vida con muchas historias, a Abner Benaim le interesa entender el porqué del impacto de las letras y la música de Blades en tantas generaciones. "Es algo realmente fuerte. El miércoles estuvimos en una charla y la mayoría de asistentes eran jóvenes de 20, 25 años. Se van a cumplir cincuenta años desde que grabó su primer disco y sus canciones siguen calando en la mente de cada latinoamericano", reflexiona Benaim.

El propio Rubén Blades hace lo mismo en el documental sobre una imagen de jóvenes coreando sus temas en multitudinarios conciertos: "Me sorprende que se hayan aprendido las letras de las canciones y no solo eso, sino que estas hayan sobrevivido al tiempo". Tremendo mérito si consideramos que sus letras cuentan historias, lanzan mensajes comprometidos, filosofan sobre la calle, la esquina, el barrio, Latinoamérica. Y son crónicas largas como Pedro Navaja o experimentales como Agua de Luna, que contiene temas inspirados en la obra de Gabriel García Márquez.

Con su documental Benaim quiere responder preguntas que le rondaban hace tiempo: ¿Quién es este tipo? ¿De qué sensibilidad salen estas letras que calan tan hondo? Ha descubierto a un artista que se ha movido en los niveles más altos de la música. Blades ha trabajado con Paul Simon, Lou Reed, Sting, tradujo incluso la única canción que Michael Jackson grabó en castellano -Todo mi amor eres tú- y lo entrenó sobre cómo cantarla.

"Blades se encerró tres días en un estudio de grabación con Jackson y el superproductor Quincy Jones, pero sobre eso no hay una sola foto", cuenta Benaim. Con Jackson, Rubén también tiene una gran anécdota: tiempo después de esa colaboración el Rey del Pop lo invitó a ver una película en su rancho, pero Blades ya tenía otro compromiso, así que no fue pero preguntó quien más estaba invitado. "Solo una persona más, Marlon Brando", le respondió Jackson. "Cosas así le han pasado a Rubén", cuenta Benaim, de manera risueña.

El director del film, Abner Benaim, al lado del protagonista, Ruben Blades


Yo no me llamo Rubén Blades tuvo su estreno mundial el 10 de marzo pasado en el Festival South by Southwest uno de los más importantes encuentros de cine y música de Estados Unidos. El miércoles pasado también fue presentado en dos festivales de México, y en abril estará en el Festival de Panamá y en el Bafici de Argentina.

En el tráiler que ya está en internet se puede ver la cercanía de Blades con sus seguidores y hasta cómo unos fans le cantan Pedro Navaja a trío mientras recorre un mercado en Nueva York. Además de las estrellas de la música que hablan de su talento musical, en el tráiler se puede ver a René Pérez, "Residente", del dúo Calle 13, diciendo que creció escuchando la música de Rubén. "Es inteligente, te cuenta historias y es accesible", explica.

"A mí me ha pasado que he estado caminando con él y de pronto se le acerca una persona y le pide un autógrafo o una foto. O también que alguien se le acerca y le cuenta una historia conmovedora. Pasó con un muchacho de unos 25 años que se le acercó, le dijo 'Rubén te puedo dar un abrazo, no sabes lo que ha significado tu música para mí'. Era un chico que había tenido una infancia dura pero sus canciones lo alentaron a superarse", hace memoria Benaim.

En otros pasajes del filme Blades muestra su arte, su cercanía con la gente, el origen de algunas de sus mayores creaciones. Le dio amplio acceso al documentalista y el resultado ha sido un retrato íntimo. "Nunca me dijo: de esto no se puede hablar. Me ha dado libertad como artista y no se ha metido en nada. Ha sido muy abierto y tranquilo", explica Abner. En alguna parte del filme dice Blades: "Yo tengo mi testamento hecho. Mi música es parte de ese testamento".
17 mar. 2018 0 comentarios

Falleció Eduardo Ramos, fundado de la Nueva Trova Cubana



El compositor, arreglista, contrabajista y guitarrista Eduardo Ramos ha fallecido ayer por la madrugada en La Habana, víctima de una penosa enfermendad.

Ramos nació en La Habana el 20 de octubre de 1946 y estudió en la Escuela de Superación Profesional Ignacio Cervantes. Fue fundador del Movimiento de la Nueva Trova y y del Grupo de Experimentación sonora del ICAIC, dirigido por Leo Brouwer. Es autor de alguna de las canciones más difundidas que representan ese movimiento artístico y musical. Entre las más conocidas están “36 peldaños”, “Canción de los CDR”, “Su nombre es pueblo”, “Y siempre dimos más”, "Siempre te vas en las tardes".

También destaca en su trayectoria su etapa como director musical del grupo de Pablo Milanés, en el que, además, se desempeño como bajista y arreglista.

Sobre él ha dicho Silvio Rodríguez recordando los días en que se conocieron:

"Eduardo ya escribía canciones con unas armonías muy particulares y llegó a desarrollar uno de esos estilos tan peculiares que son únicos. Sus temas me fascinaban, tenían unas atmósferas oscuras, con giros armónicos y melódicos inhabituales, y estoy seguro de que, en aquellos años en que yo me formaba, me sirvió de mucho la honestidad de un autor como él, para completar mi conciencia exigente respecto al arte de la canción"

El periodista y poeta Víctor Casaus lo evoca de este modo tras conocer su muerte:

"Como compositor Eduardo dejó canciones que forman parte de la memoria histórica y popular como la dedicada a los CDR. Como instrumentista fue un músico creativo y disciplinado al mismo tiempo. Así lo recuerdan Silvio y otros integrantes de aquel dream team formidable de la música cubana. En cada cuadra se le pudiera/debiera recordar hoy por su aporte silencioso, sistemático y valioso a la música nuestra y a la cultura cubana en general"

Pablo Milanés por su parte dijo:

"Ha fallecido un hermano, y siento el dolor de perder aquel muchachito que empezó conmigo, con Rey Montesinos, con Martín Rojas etc., a principios de los años 60, a tratar de cambiar el mundo de la Canción Cubana"


Ramos será cremado el 19 de marzo en horas de la mañana por decisión expresa de la familia, y sus restos sepultados en la necrópolis de Colón de La Habana.