MUSICA Y NOTICIAS DEL MUNDO DE LA SALSA
29 jun. 2020 0 comentarios

El entierro de Lavoe


Hoy, 29 de junio, conmemoramos veintisiete años de la partida de Héctor Lavoe.

A manera de recuerdo, compartimos la nota que fue publicada, en 1993, en el diario El Nuevo Día de Puerto Rico informando el traslado de sus restos mortales hacia el cementerio St. Raymond de New York. La nota fue escrita por el periodista Jaime Torres Torres, quien publicaría más tarde el libro Cada Cabeza es un Mundo.

Años después, Lavoe fue trasladado al Cementerio Municipal de Ponce, en Puerto Rico.

16 may. 2020 0 comentarios

Rinden homenaje a Tommy Olivencia



Fuente: Noticel, Puerto Rico. Por: Omar Marrero

¿Qué razón pudiera existir cuando veteranos cantantes salseros como Gilberto Santa Rosa, Pichie Pérez, Sammy González, Paquito Acosta, Carlos Alexis, Viti Ruiz, Mel Martínez y Lalo Rodríguez se unen para cantar en un mismo tema?

Para los conocedores de la música tropical, la respuesta pudiera ser sencilla: están haciendo un homenaje al director de orquesta que alguna vez les dio la oportunidad de cantar con una de las orquestas más prestigiosas en la historia del género.

Efectivamente, el tema se titula “Mi querido viejo”, una grabación que se realizó para reconocer el legado de Ángel Tomás “Tommy” Olivencia, cuya orquesta -fundada en mayo de 1960- cumple esta semana 60 años de trabajo ininterrumpido.

Este viernes, 15 de mayo de 2020, también se cumplieron 82 años del natalicio de Olivencia, quien falleció en septiembre de 2006.

La orquesta de Olivencia, conocida como La Primerísima, es dirigida ahora por su hijo "Tomito", quien encargó el tema al compositor Jerry Ferrao y al arreglista Tito Rivera.

“Se hizo difícil coordinar la participación de tantos cantantes para ese tema, pero lo logramos. Todos esos cantantes pertenecieron a La Primerísima en algún momento. Paquito Guzmán no pudo estar por su condición de salud y Simón Pérez tampoco está en este tema, pero sí lo tenemos en otro tema de la producción”, explicó Olivencia Jr. a NotiCel.

Para acompañar el audio, el director de la orquesta también grabó un video, que marca otro momento histórico porque es el primero que graba esa orquesta en sus 60 años.

“Luego hicimos el video, el primero de esta orquesta. Papi nunca grabó videos, no sé por qué. Lo filmamos en Villa Palmeras (Santurce). La cámara fue de Julio Merced, hijo de Julio ‘Gunda’ Merced. También logramos reunir a todos esos cantantes, excepto Viti Ruiz, que lo hizo por celular”, dijo Olivencia Jr. quien también es el timbalero de la agrupación.

El homenaje a Olivencia, padre, es parte de la producción “Planté bandera de nuevo”, que busca abrirse paso en la radio de América Latina. Es una producción de alta calidad que reconoce el legado de varias personas que contribuyeron al éxito de la orquesta de Tommy Olivencia a través de los años.

“Esta producción la había ideado mi papá antes de que falleciera. Él quería agradecer y rendir homenaje a gente como Tite Curet, Chamaco Ramírez y Frankie Ruiz. Ya teníamos el homenaje a Tite y lo había escuchado ya. Y había encargado el tema dedicado a Chamaco Ramírez cuando la muerte lo sorprendió”, recordó el músico.

“Así que me dediqué a cumplir su sueño y a terminar el trabajo que él había empezado y para eso Jerry Ferrao me ayudó al escribir cinco temas más”, agregó.



El tema dedicado a Curet es “Un legendario de pueblo”, composición de Ferrao y arreglo de José Pujols con la voz de Mel Martínez, uno de los mejores soneros de la actualidad.

“A Chamaco” también es de Ferrao con arreglo del legendario Luis “Perico” Ortiz y en la voz de Rubén Román.

En cuanto al homenaje a Frankie Ruiz, se seleccionó el tema clásico “Vuelvo a nacer”, de Miriam Valentín, un tema que se dio a conocer luego de la muerte de Ruiz en agosto de 1998 y en el que era evidente la decadencia en la voz del cantante boricua.

“Esa idea surgió en el estudio. El ingeniero Vinny Urrutia quería hacer ese tema con otro grupo. Le surgió la idea de dármelo cuando estábamos grabando y aprovechamos que Frankie Junior estaba de promoción en Puerto Rico y lo grabamos. Entendimos que sería una buena idea que los hijos de Tommy y Frankie grabaran algo juntos en homenaje a sus padres”, manifestó Tomito.

El veterano Simón Pérez tiene a cargo el tema “Cosas de verduras”, una composición de Justi Barreto que tocaba la orquesta a fines de los años 70 pero nunca fue grabada. “Esa canción la cantaba Gilberto Santa Rosa, pero papi nunca la grabó. Como nunca se había grabado decidí hacerlo con el arreglo original que le había hecho Louis García. Un día, en un Día Nacional de la Salsa se lo comenté a García y me dio el permiso para usar el arreglo”, recordó Olivencia Jr.

La producción presenta otros temas en las voces regulares de la orquesta como Osvaldo Díaz (“Estoy aquí”), Mel Martínez (“Planté de nuevo”) y Japhet López (“El último helado” y “Evelio por 4ta vez”)
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Las flautas de Maraca


Orlando "Maraca" Valle y José Luis Cortés, dos grandes de la flauta cubana


Fuente: Granma, Cuba. Por: Pedro de la Hoz

Cuando en 1988 Chucho Valdés fichó a Orlando Valle, Maraca (La Habana, 1966), para la banda Irakere, tuvo en cuenta los promisorios horizontes de un muy joven flautista no solo dado al virtuosismo individual sino también a la comprensión de diversos estilos, la interpretación fluida, la capacidad improvisatoria y la ductilidad para satisfacer las exigentes demandas del genial pianista y compositor. Esto lo supo antes Bobby Carcassés, vocalista, multinstrumentista y hombre espectáculo del espectro jazzístico insular, que alguna vez lo sumó a su colectivo, y el pianista Emiliano Salvador, cultivador de una vertiente muy personal en la música instrumental.

Poco tiempo después de la decisión de emprender su propia ruta como líder de Otra Visión, el legendario flautista Richard Egües (1923-2006), quien aportó uno de los sellos distintivos de la orquesta Aragón, dijo de Maraca: «Aunque soy un hombre del siglo que termina (el xx), no puedo dejar de mirar lo que viene por delante y allá veo, y quisiera escuchar, lo que va a pasar con Maraca; ya es, y será mucho más a medida que pasen los años, el flautista más completo de Cuba para adentrarse en el siglo xxi».

Esa flauta resume las cualidades que advirtió Chucho en el veinteañero Maraca  y cumple la lúcida premonición de Richard. Lo hace en grado sumo e instalado en el cenit de la madurez. Se trata de un disco, en el cual Maraca no solo pone la pauta sino invita a que lo hagan otros, producido por la Egrem, puesto en circulación el pasado fin de semana en las plataformas digitales iTunes y Spotify, y visible también, mediante un concierto, el próximo 15 de mayo por el canal YouTube de la casa discográfica.

Este es un viaje entre las más logradas fusiones estilísticas que dan cuenta del estado presente del lenguaje jazzístico y las especies musicales cubanas, de arraigado linaje popular, donde la flauta ha desempeñado históricamente un papel protagónico.

Metafóricamente cabría definir el recorrido como un viaje a la semilla que, sin embargo, no queda en eso, sino por el contrario, ramifica con vigor y originalidad en cada propuesta. Porque el danzón, el chachachá, el son y los restantes géneros que aborda el flautista con sus músicos no están asumidos desde la perspectiva de un esquema cerrado sino, por el contrario, como vías de desarrollo de palpitante actualidad.

Maraca se permite sonear, guarachear, jazzear y descargar. Para entender la pertinencia de estos dos últimos términos debe entenderse  la diferencia entre el discurso del mainstream  del género, incluso del que corresponde a los códigos del llamado jazz afrocubano, y el que nace de la improvisación usual entre los músicos cubanos hacia la medianía del siglo pasado. Es decir, la diferencia entre la jam session y la descarga.

El flautista se mira en el espejo de Fajardo y Arcaño, del inolvidable Richard, pero a la vez invita a la audiencia a mirar la imagen de un Maraca que cuando suena se sabe él mismo. Generoso comparte espacio con colegas a quienes adeuda y admira, como José Luis Cortés (El Tosco), René Luis Herrera y Guillermo Pedroso; compañeros de entrañables faenas como el saxofonista César Alejandro López, de la época de Irakere, y el contrabajista Lázaro Rivero, El Fino, y el baterista Juan Carlos Rojas, El Peje; apela al ritmo básico del güiro de Enrique Lazaga; convoca voces que le son familiares y cercanas –como su hermano Moisés, Yumurí, uno de los soneros más vitales de esta época, Carlos Calunga y Alain Pérez, sorprendente también en la percusión– y hasta desprejuiciadamente inserta el soporte de un pinchadisco o dj. Tradición y contemporaneidad es la dialéctica de esta entrega. Richard tenía razón: Maraca es la flauta cubana del siglo xxi.
15 may. 2020 0 comentarios

Muralista peruano decora La Perla



Fuente: Omar Marrero. Noticel, Puerto Rico

El pasado 8 de marzo, el artista peruano Alexis Villanueva Puente llegó a Puerto Rico con un doble propósito: asistir por primera vez al Día Nacional de la Salsa y pintar unos murales en la barriada La Perla.

Casi dos meses después, no ha podido regresar a su país debido a la emergencia mundial causada por el coronavirus y que ha provocado el cierre de aeropuertos y la cancelación de vuelos internacionales.

Extraña a su familia, pero su extendida estadía en la Isla la ha recibido como “una bendición”.

“Tengo tres niños que son menores. Me comunico con ellos todos los días para que estén tranquilos. Allá también están en cuarentena. Pero es algo que le está pasando a mucha gente que quiere regresar y por ahora no puede”, dijo el artista a NotiCel.

“Pero estar aquí ha sido una bendición. Cuento con el apoyo de mi amigo Raúl Figueroa. Eso me hace sentir bien y me da tranquilidad. No me ha hecho falta nada. Me da tranquilidad para esperar que todo esto pase”, indicó.

Su tiempo en Puerto Rico lo ha ocupado pintando murales de leyendas salseras en las paredes de La Perla. Ya ha pintado los rostros de Héctor Lavoe, Ismael Rivera, Chamaco Ramírez, Marvin Santiago, Tite Curet, Sammy Marrero, Paquito Guzmán y Frankie Ruiz.


Villanueva no es nuevo en este arte ni en su relación con la salsa.

“En el Perú yo empecé el muralismo en el 96 en un barrio que se llama Puerto Nuevo, pero le dicen Puerto Rico. Empecé luego a pintar en otros barrios como en Atahualpa. Les llamé 'Las caras del Callao'. Esa corriente ha estimulado a otros artistas jóvenes que ahora también tienen demanda de ese tipo de trabajo”, recordó.

“Empecé pintando a salseros, pero con los enfrentamientos entre barrios rivales, también pinté las caras de personas asesinadas. Eso me concientizó a crear proyectos en el muralismo en pos de la integración social. Esas fiestas que se hacen en torno a los murales integran y reúnen a barrios distintos. Eso ha servido mucho para la integración en el Callao”, contó Villanueva.

Su relación con la salsa empezó con Lavoe

En el Callao la salsa es un ritmo “casi folklórico”, asegura Villanueva.

“Mi pasión por el género fue a partir de la muerte de Héctor Lavoe. Esa noche se confirmó en Perú por un comentarista radial. Ese día yo, un adolescente, me impactó la importancia que tenía ese cantante; me preguntaba por qué la gente lloraba y por qué la radio tocó tanto sus canciones ese día. Tres años después logré pintar el primer mural de su cara y a partir de ahí seguí. Luego Celia Cruz, Ismael Rivera y otros”, relató.

“El arte y la música me rescataron de la calle. No tenía mucha técnica, pero se reconocían las caras. Y hasta ahora es lo que me ayuda a mantener a mi familia”, confesó.

Por eso -aseguró- estar en La Perla es estar como en su barrio. “Es un gran honor estar en esta tierra”.

Para su trabajo muralista en la barriada sanjuanera, realizó un acercamiento sentimental “más cercano” a las figuras que pintaría.

“Fui a visitar sus tumbas antes de empezar a pintar. Por eso (los murales) vienen recargados de algo cercano que me conecta con este país. No sé por qué pienso que en otra vida pude haber sido boricua”, reveló el artista.


¿Cuál es su técnica?

“La técnica que uso es aerografía. Es un mini soplete que funciona con presión de aire. La vengo desarrollando desde hace años. Yo empecé con el grafiti, pero me reinventé con la aerografía. Utilizo lo que aquí le dicen pintura de aceite, que yo le digo 'de esmalte'. Los murales que hice aquí son en blanco y negro, pero también uso color”, manifestó en la entrevista.

Así que mientras Villanueva espera que los vuelos internacionales se renueven y pueda volver a su país, a su barrio y a su familia, sigue recorriendo las calles de La Perla en busca de paredes a las cuales darle vida salsera. “Más que un trabajo, es un compromiso. De hecho, ya planificamos para venir el año que viene a pintar otros murales”, adelantó.

Por ideas no peca: Rafael Ithier, Pellín Rodríguez, Raphy Leavitt, Tommy Olivencia, Roberto Roena… Aún no sabe cuáles rostros pintará en la próxima ronda, pero sí sabe que su relación con Puerto Rico y la salsa se profundizó gracias al coronavirus.
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Muere Jorge Santana



Fuente: Infobae

Jorge Santana, músico y hermano menor del guitarrista Carlos Santana, falleció la tarde del jueves 14 de mayo por causas naturales a la edad de 68 años.

El deceso fue confirmado por el representante de Jorge, John Regna, al sitio de noticias TMZ, donde informó que ocurrió por causas naturales.

El guitarrista Carlos Santana también se pronunció sobre el tema en su cuenta de Facebook, donde publicó una fotografía de su hermano menor y le dedicó un emotivo mensaje para despedirse.

“Trascendió al reino de la luz que no arroja sombra. Los ojos de mi corazón lo ven claramente entre nuestra gloriosa y magnífica madre Josefina y nuestro padre José... (quienes) Están acariciando su rostro y besando sus manos duchándolo con luz y amor. Nos encanta apreciar y honrar tu alma MEMO”, escribió el músico de 72 años.

“Nosotros tomaremos el tiempo para celebrar el magnífico espíritu de nuestro amado hermano Jorge”, añadió en su red social.

Jorge Santana nació el 13 de junio de 1951 en Autlán, Jalisco, y 10 años después se mudó con su familia a San Francisco, en California, Estados Unidos, donde vivió hasta el día de su muerte.

Jorge perteneció a una familia de músicos, ya que su padre formó parte en la década de los 50 de un grupo de mariachis establecido en Tijuana, así que sus pronto lo siguieron en la vocación por hacer carrera en la industria musical.

El primero en aprender a tocar un instrumento fue Carlos y después Jorge siguió sus pasos a la edad de 13 años cuando conoció los primeros acordes para tocar la guitarra.

Así los dos hermanos comenzaron su historia en la música y aunque emprendieron una carrera por separado, también tuvieron la oportunidad de colaborar.

Fue en los años 60, cuando Jorge Santana formó, al lado de sus amigos de la secundaria, la banda The Malibus, la que años después cambió su nombre a Malo, la cual es más conocida.

Junto a Malo alcanzó el éxito con el tema Suavecito, el cual es considerado como un “Himno Nacional Chicano” en el área de la Bahía de Estados Unidos.

Junto a este grupo lanzó cuatro álbumes hasta que decidió abandonarlo para buscar nuevos retos. Jorge Santana declaró en 2018 a Stafmagazine sus motivos para dejar la banda con la que comenzó su historia musical.

“Decidí continuar con mi carrera y prepararme más con la guitarra. El motivo era encontrar ese breve instante que todos buscamos en el escenario para expresarnos de un modo que sea lo máximo sin ser conscientes de lo que estamos haciendo”, dijo.

Su carrera musical continuó en The Fania All-Stars, con la que incursionó con la música tropical: “Sabía pocas cosas de ese sello y de la orquesta, pero sí que era consciente de que tocaban salsa. Nunca olvidaré cuando nos conocimos. Llegué a las 6:30 de la mañana a Nueva York y esa tarde a las 16:00 horas hicieron el primer ensayo. Realmente no imaginaba la magnitud de Fania, de sus artistas y que cada uno era jefe de un grupo. Había mucho talento ahí”.



También tuvo la oportunidad de lanzar dos materiales discográficos en solitario que son: Jorge Santana y It’s all About Love.

De estos destacaron los éxitos: It’s all about love, Darling I Love You, Love The Way y Sandy.

Al lado de Carlos Santana también hizo algunas presentaciones y colaboró en la organización de sus eventos.

Hace un tiempo, según TMZ, se reunió con su banda de la juventud, así que al lado de Malo volvió a interpretar el famoso e icónico tema Suavecito.

6 may. 2020 0 comentarios

Una anécdota con José Lugo


Hoy quiero recordar, con una anécdota, a uno de los "hermanos mayores" que la salsa me regaló, José Lugo, que hoy cumpliría (cumple) 60 años.

El 15 de enero de 2016 José sacó al mercado su CD Donde Están?, de cual me había enviado, por mail, sus 12 temas.

Apenas terminé de escucharlo, lo llamé para felicitarlo y decirle que el track 11 ("Cumpleaños Feliz") me caía preciso porque al día siguiente era mi cumpleaños. Después de saludarme "por adelantado" me dijo: "espera que ahora mismo te envío los artes del CD. Ahí te tengo una sorpresa".

Cuando me llegó el mail no lo podía creer. En la sección de Agradecimientos del disco estaba mi nombre como "uno de los amigos de la radio mundial".

Era la primera vez que un músico (y vaya qué músico!) me mencionaba en la carátula de un disco de la música que amo. Por si fuera poco, ese disco se ganó el Grammy al Mejor Album Latino Tropical 2016, el cual no pudo recibir pues falleció en junio de ese año.


Sin duda, Luguito, Gilberto y George fueron muy generosos en incluirme en esa lista. No tenían porque hacerlo, no creo que haya sido ni necesario ni merecido, pero les estoy agradecidos para siempre.

Guasábara sigue vivo, en las manos y el arte de JoseMa, y en todos aquellos que seguimos escuchando sus discos, los anteriores y los nuevos.

José no se muere ná! HBD pa'l cielo.
29 abr. 2020 0 comentarios

El Trío Matamoros, para creer en el hermoso mañana



Fuente: Granma, Cuba. Por: Guille Vilar

Pocas veces he quedado tan dramáticamente impresionado como la primera vez que escuché Lágrimas negras por la personalísima versión del cantante Diego el Cigala junto al maestro Bebo Valdés en el piano. Es tan espectacular la interpretación del conocido tema de Miguel Matamoros a cargo del músico flamenco, que me hace recordar a Alejo Carpentier, cuando alude a que nuestras cosas, vistas desde el extranjero, nos pueden hacer comprender más que nunca el valor del tesoro popular.

Es que hablar de Matamoros, en cualquier parte del mundo, representa uno de los paradigmas del arte clásico universal, pero, además, para los cubanos figura entre los componentes fundacionales de nuestra identidad. Por lo tanto, al celebrar este año el aniversario 95 de la creación del Trío Matamoros, por Miguel junto a Siro Rodríguez y Rafael Cueto, no solo resulta imprescindible honrar el legado de la agrupación más famosa de ese tipo en Cuba durante la primera mitad del siglo pasado, sino también por la necesidad de desmontar su organicidad en un intento de explicarnos las razones que conservan la vigencia del mito al cabo de tanto tiempo.

No queda de otra, pues cualquiera de nosotros, sin saber cómo ni cuándo, nos aprendimos estos estribillos para, con la mayor naturalidad, sumarnos al coro de «Aunque tú me has dejado en el abandono, aunque tú has muerto todas mis ilusiones…» o el de «Aunque quieras olvidarme, ha de ser imposible porque eterno recuerdo tendrás siempre de mí…» y, por supuesto, que incluimos esa especie de himno cuya letra dice: «¿De dónde serán?, ¿Serán de La Habana?, ¿Serán de Santiago? Tierra soberana…». Es que, tanto en estas canciones, como sucede con La mujer de Antonio, El paralítico o El que siembra su maíz, si las comparamos como enormes bloques que soportan la estructura piramidal de nuestro patrimonio, nada más que de quitarles el pesado fardo del abandono, descubrimos el inmenso caudal de interconexiones temporales que fluyen por las cubanas venas de hoy día, debido a la gracia inigualable del sabor matamorino.

De ahí nos viene la preferencia por el entorno picaresco del doble sentido, a partir de un contagioso estilo musical, marcado por la sencillez del ingenio que brota desde las mismas entrañas del pueblo. Desde la movida dinámica social que en su momento motivaron las piezas interpretadas por el Trío Matamoros, nos percatamos de la absoluta espontaneidad de este fenómeno cultural, que años después se reiterara de nuevo en el gran Benny Moré. El hecho de que Matamoros haya compuesto más de 200 obras, principalmente entre sones, boleros y bolero-son, además de ser un excelente guitarrista prima, y que su voz empaste acopladamente con la segunda de Siro, arrobado todo esto a su vez por el criollo tumbao de Cueto como guitarrista acompañante, es lo que provoca sentirnos justamente maravillados al disfrutar de esta fábula musical, como si fuera de hace tan solo días. Precisamente, en estos momentos que necesitamos de tanta fe en nosotros mismos, tenemos la certeza de que la leyenda del Trío Matamoros es una de las fuerzas espirituales con que contamos para creer en el hermoso mañana que nos espera.
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Un día para el jazz cubano


Fuente: Granma, Cuba. Por: Pedro de la Hoz

La celebración entre nosotros del Día Internacional del Jazz no debe pasar inadvertida. Cinco razones, por lo pronto, se me ocurren para que se tenga en cuenta.

Una: la presencia consustancial de ese complejo musical en la identidad cultural cubana.
Dos: los aportes históricos de nuestros maestros al enriquecimiento de los códigos jazzísticos en todas partes.
Tres: la formación y práctica académica que involucra a sucesivas generaciones.
Cuatro: la creciente cultura jazzística de un significativo sector del público.
Cinco: el encauzamiento de un gesto solidario hacia otros colegas del mundo, particularmente con los sudafricanos, impedidos de ser, como lo fue Cuba en 2018, sede principal de los actos convocados por la Unesco y el Instituto Herbie Hancock, cancelados debido a la pandemia.

Chucho Valdés estuvo entre los primeros en pronunciarse artísticamente desde el forzado y necesario confinamiento.

En una primera entrega –no la única-, a piano solo, versionó el segundo movimiento del Concierto para guitarra y orquesta, de Joaquín Rodrigo, como para recordarnos cuando en el lejano otoño de 1978, en el teatro Karl Marx, en alianza con Leo Brouwer, materializó uno de los memorables registros de Irakere: tras Aranjuez, una inmensa cuota de cubanía, Con poco coco, de Bebo.

A propósito de Chucho, lancé la idea de que un hermoso homenaje por el Día Internacional del Jazz podría consistir en estimular versiones de un clásico de nuestro compositor y pianista, Mambo influenciado, y de otra de las piezas que se halla en el origen mismo de la movida jazzística cubana, Blen blen, de Chano Pozo. No tiene por qué ser de ahora para ahorita la iniciativa; es solo una pauta para desarrollar a propósito de la jornada.

En los primeros momentos, al menos recibí dos reportes: el periodista y guionista José Dos Santos, cuyo compromiso con la promoción del género  resulta admirable, reprodujo el mensaje en su página D’Cubajazz; y desde Italia, la notable compositora cubana Ailem Carvajal rescató el testimonio audiovisual de una versión de la obra interpretada por el propio Chucho al frente de un septeto en el que figuraban, entre otros, el percusionista puertorriqueño Giovani Hidalgo y el trompetista brasileño Claudio Roditi.

Si llamé la atención sobre Blen blen es porque antes de que Chano Pozo indujera a Dizzy Gillespie a montar Manteca, en 1947, había intuido la senda del jazz con acento cubano en obras como la mencionada.

Una grabación de 1941, a cargo de la orquesta del Hotel Nacional, bajo la dirección de Orlando Estivil y en la voz de un juvenil Tito Gómez, da la medida de que Chano se hallaba a las puertas del jazz, por no hablar de la mucho más elaborada que tuvo a Miguelito Valdés como protagonista.

Ese filón fue advertido por Edesio Alejandro, con plena comprensión de la fusión del jazz, el rock y la música popular cubana, en una ofrenda que califica entre las mejores de su larga y pródiga cosecha.

En las transmisiones que el Ministerio de Cultura y el Instituto Cubano de la Música promueven por las redes sociales y el canal Clave a las 4:30 p.m. entre semana, el jazz ha asomado.

Entre los recitales que pude ver y escuchar, destacaría el del pianista Alejandro Falcón y el quenista argentino aplatanado Rodrigo Sosa.

¿Será mucho pedir que, en torno al Día Internacional del Jazz, propuestas como estas se hagan sentir con mayor intensidad?
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Pancho Amat, un joven de 70 años



Fuente: Granma, Cuba. Por: Pedro de la Hoz

Grandes treseros ha habido en Cuba, cada cual con su estilo. Pero donde ha llegado Pancho Amat no lo ha hecho casi nadie. Con él la ejecución del tres no solo ha alcanzado un grado insospechado de virtuosismo, sino también una plena libertad y apertura hacia universos sonoros nunca antes explorados por los intérpretes del instrumento. Todo ello sin perder ni un ápice de cubanía, ni de dejar de responder, en la mayoría de los casos, a los rasgos identitarios del complejo del son. Debido a esa cualidad es que a Pancho, con absoluta legitimidad, se le compara con los más creativos exponentes del jazz latino.

Con Pancho muchos de sus admiradores, aquí o allá, celebramos el pasado 22 de abril sus siete décadas de vida, comprometida con la música, puesto que desde que abrió los ojos –y los oídos- en Güira de Melena, por mucho que le regalaban juguetes que tenían que ver con la música, terminó colocando sus manos en un tres.

La carrera profesional despegó en 1971, cuando un grupo de jóvenes, entre los que se encontraba, viajó al Chile de la Unidad Popular. Del tres al charango, del son y el punto guajiro a cuecas, huaynos y zambas. De la Nueva Trova cubana, en estado de despegue, a la Nueva Canción Latinoamericana. Pancho fue puntal del grupo Manguaré, que asimiló y compartió faenas con Quilapayún y Víctor Jara.

Como tenía que ser, Manguaré nutrió cada vez más su repertorio de música cubana por el costado de una rejuvenecida tradición. Y Pancho con su tres contribuyó a que ese territorio recuperado emergiera con mayor distinción. Y que el tres acrecentara su jerarquía

Al explicar este proceso, afirma: «Cuando el son nació, el tres era protagonista, el único instrumento que daba sonido era el tres, todo lo demás era percusión. Pero cuando comenzó a trabajar con otros instrumentos con mayores posibilidades como el contrabajo, la guitarra, las trompetas y el piano, se fue acorralando el tres. Además, fue quedando en manos de treseros que eran iletrados. Entonces para qué tener un hombre que no me puede leer una partitura en un instrumento paupérrimo, si tengo un instrumento completo como el piano, con un hombre que además es arreglista y lee partituras. Se dio el caso que la gente no contrataba a los treseros y ellos se dieron cuenta de que no había espacio para ellos. Claro, existieron grandes treseros, como Isaac Oviedo, El Niño Rivera, Arsenio Rodríguez, Luis Lija en Puerto Rico, Neneíto de Marianao y Chito Latamblé. En mi tiempo al tres le venía bien un nuevo impulso».

Por  modestia no lo dice, pero para Pancho, el tres es mucho más que un instrumento. Él es de los que diferencia al músico que solo hace música, del que sabe qué hacer con la música. Pancho se cuenta entre estos últimos.

Al salir de Manguaré, colaboró con la orquesta de Adalberto Álvarez durante unos cuantos años, hasta que con el nuevo siglo encabezó su propio proyecto, El Cabildo del Son, sin que por ello dejara de acudir al llamado de destacados músicos cubanos y de otros países que deseaban ficharlo para sesiones de estudio, espectáculos y giras internacionales. De ahí que su nombre figure junto a Joaquín Sabina y María del Mar Bonet, Silvio Rodríguez y Frank Fernández, Oscar D’ León y Papo Lucca, Cesaria Évora y Dave Valentin, John Parsons y Andy Montañez; lo mismo un piquete que una sinfónica. Lo que se dice, un músico todoterreno y absolutamente convincente. Un músico imprescindible. 
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Día Internacional del Jazz #EnCasa


Bobby Carcasses, uno de los grandes del jazz cubano


Fuente: Granma, Cuba. Por: Ricardo Alonso Venereo

Este 30 de abril el mundo está conmemorando el Día Internacional del Jazz. Con pesar la fecha no se podrá celebrar como en años anteriores a causa de la COVID- 19, lo que no significa que este día no podamos disfrutar de la escucha en nuestras casas, por ejemplo, de increíbles grabaciones como la de Manteca, a cargo de su autor, el cubano Chano Pozo y el estadounidense Dizzy Guillespie o de las más recientes creaciones de toda una pléyade de jóvenes de la Isla, graduados de nuestro sistema de enseñanza, muchos de ellos ganadores de las distintas ediciones del Concurso de Jóvenes Jazzistas, Jojazz, cuyos discos vieron la luz en el último Festival Internacional de Jazz de La Habana, que tuvo lugar en enero de este mismo año.

Precisamente, el llamado «padre» de los Festivales de Jazz de La Habana, el showman de Cuba, Bobby Carcassés, ofreció a Granma, algunas consideraciones acerca del género y su experiencia personal de la celebración del Día Internacional del Jazz que tuvo por sede a nuestra capital en abril de 2017.

«El jazz, realmente nació en África, dijo, producto del sentimiento de destierro forzado de aquellos negros convertidos en esclavos, desarraigados de todo: su cultura (artes, credos, familias), que lograron, por el mismo hecho de haber perdido sus instrumentos ancestrales y música litúrgica, crear, transformando los cantos religiosos que se le imponían, deviniendo estos en los Góspels, Ragtimes, Espirituals, Los Blues, hasta el Jazz, que ha demostrado ser no solo un género o una música con un ritmo, sino toda una filosofía. La filosofía de la libertad, el amor y la verdad.

 «Hace tres años se celebró en Cuba el sexto Día Mundial del Jazz. Entre las grandes figuras foráneas que nos visitaron, venía nada menos que uno de los genios históricos del jazz. Herbie Hancock. En el concierto antológico del teatro Alicia Alonso, celebrado el 30 de abril de 2017, se expresó de esta manera: «Cada año el Día Internacional del Jazz destaca el poder de este arte como fuerza de libertad y creatividad, promueve el diálogo intercultural a través del respeto y la comprensión, y une a personas de todos los rincones del mundo. A los ciudadanos de La Habana y de toda Cuba les expreso mi profundo agradecimiento y aprecio por su cálida hospitalidad y por darnos la bienvenida a su hermoso país. Gracias por su colaboración y su enorme apoyo al Día Internacional del Jazz».

«Ese día, nos contó Bobby, fue un grandísimo honor y privilegio para mí compartir aquella noche gloriosa con músicos y actores de la talla de Quincy Jones, Regina Carter, Kurt Elling, Esperanza Spalding, John Beasly, Will Smith, Chucho Valdés, Gonzalo Rubalcaba, César López, Maraca, Yasek Manzano, Julio Padrón y otros de la misma talla.

«Hoy, debido a esta rara y complicada situación en que vivimos, nos vemos imposibilitados de unirnos físicamente, pero como hablamos antes de la importancia del espíritu, estaremos unidos todos los jazzistas del planeta, este 30 de abril, de forma mágica y divina, por medio de esa enorme fuerza de amor y luz que se llama Jazz, a la vez que lamento que este año África no pueda acoger la celebración como lo hicimos entonces nosotros».

 Entre los discos de jazz que este jueves 30 de abril podemos escuchar en nuestras casas, por solo citar algunos de ellos, sobre todo porque algunos están a cargo de la nueva generación de jóvenes jazzistas cubanos, se encuentran títulos como Mi otro Yo, de Jorge Luis Pacheco (Pachequito), de la Egrem y Grecolandia, de El Greco, de Bis Music. También este día se puede disfrutar de los dvds Juntos otra vez, de Janio Abreu con el saxofonista estadounidense Víctor Goines, de Bis Music y Benny Moré un siglo después, de Héctor Quintana; Te estoy llamando, de Rodrigo García y Ceda el Paso; y Los 80. Homenaje a la Aragón, de Orlando Valle (Maraca), todos de Unicornio de Producciones Abdala.

Igualmente, este 30 de abril, como parte de los conciertos que está trasmitiendo la televisión cubana en alianza con el Instituto Cubano de la Música y el Ministerio de Cultura, a través del Canal Clave, Radio Progreso, canal Youtube del Ministerio de Cultura y el enlace de cien páginas Facebook, en una trasmisión conjunta de conciertos on line, a las 4:30 p.m., se podrá ver al joven percusionista Degnis Bofill, ganador del Primer Premio en la categoría de Mayores en el Festival Jojazz 2016, y su grupo Golpes Libres.

Y por supuesto, nos queda la posibilidad también de recurrir a los archivos personales de cada cual y con solo un repaso de vista escoger la obra de un Chucho o Bebo Valdés, de Herbie Hancock o Wynton Marsalis o del propio Bobby Carcassés.
26 abr. 2020 0 comentarios

Pachanga entrevistará a Gilberto Santa Rosa



Sin duda que la música resulta muy importante para acompañarnos en estos tiempos de cuarentena en los que debemos permanecer en casa.

Una de las alternativas más atractivas para los aficionados salseros resultan ser las transmisiones en vivo, a través de las redes sociales como Facebook e Instagram, en las que distintos músicos comparten con nosotros sus experiencias profesionales.

Desde hace algunas semanas Andres Díaz "Pachanga" está a cargo de una de las secuencias más interesantes en la red, via Facebook, en la cual realiza entrevistas a varios de nuestros héroes musicales.

Andrés ha conversado con figuras de la talla de Bobby Valentin, Ray de La Paz, Domingo Quiñones, Tony Vega o Jeremy Bosch y para esta noche ha preparado una entrevista con Gilberto Santa Rosa.

Los invitamos a que sintonicen su pagina de Facebook, desde las 8pm (hora de Perú y Colombia) y disfruten de la charla de Gilberto con "Pachanga".

13 abr. 2020 0 comentarios

Música en tiempo del coronavirus


Tiempos difíciles que nos obligan a sacrificios temporales. El modo más importante para combatir la actual pandemia del coronovirus es la "cuarentena" o distanciamiento social.

Viene ocurriendo en muchos lugares del mundo y viene afectando a millones de personas, incluidos los músicos, muchos de los cuales (motivados por la situación) han venido utilizando las redes sociales y el internet para realizar transmisiones en vivo, donde comparten sus recuerdos y comentarios, tocan o cantan en "conciertos virtuales", realizan entrevistas e incluso continúan grabando música nueva.

Sobre este último punto, presentamos a continuación solo algunos de los temas nuevos que se han grabado y lanzado al mundo en las últimas cuatro semanas.

Es apenas una selección que demuestra la especial importancia que tiene la música en situaciones como las actuales. Disfrutemos...


Rubén Blades & Carlos Vives - No Estás Solo: Canción Para Los Enfermos




Orquesta Zaperoko La Resistencia Salsera del Callao: Yo Me Quedo en Casa




Gerardo Rivas feat. Carlos García: La Canto




Havana D'Primera: Quiero Verte Otra Vez




Gilberto Santa Rosa - Charlie Guzman - Maelo Ruiz - Marcial Isturiz: Quedate en Casa




Marcial Isturiz: Quédate en Casa