29 jun. 2011 0 comentarios

Los diez años de El Salsero (el "papá" del blog)


En el Blog y La Radio de El Salsero llevo casi dos años y medio procurando ofrecer música y noticias del mundo de la Salsa, inquietud que, sin embargo, no empezó ahí sino muchos años atrás.

Después de haber hecho radio en los 90s vía Radio La Crónica con Carlos Jiménez en “Hipocampo, La Cuna del Son” (además de otras “aventuras” y colaboraciones que bien pueden ser motivo de otra nota) y de haber participado, por espacio de año y medio, en la Sección Juventud del diario El Comercio, me vino la idea de hacer una publicación escrita (tal vez llamarla “Revista” sea un exceso) que ofreciera noticias y artículos (propios y recopilados) sobre la Salsa.

Esto ocurrió exactamente diez años atrás. El nombre que elegí fue El Salsero “Publicación de Música” que apareció por primera vez el 29 de Junio del 2001 y del cual se editaron trece números (el último salió el 10 de Abril del 2002).

En El Salsero “impreso” se publicaron muchas notas, entrevistas, semblanzas, coberturas y especiales. Estaban también secciones como “Sonido Nuevo” que presentaba lo último en discos y colaboraciones varias, entre ellas las de Enrique Vigil, Alex Pereda, Ñiko Estrada Jr., Javier Querevalú y “Tito Buenavista”.

Como siempre, el apoyo de la Familia hizo posible la materialización de esta publicación casi "artesanal" en su producción y confección.

La distribución de El Salsero se hacía a través de los amigos que se dedicaban a la venta de música, algunos de los cuales nos apoyaron también con publicidad.

Cerrada la aventura de El Salsero “impreso” vendría el internet y mis participaciones en Peru Salsa (el primer portal de Salsa que apareció en el país, propulsado por Andy Peña), Mambo-inn y La Conga hasta que el año 2009, como escribí al inicio, empecé esta aventura actual de El Salsero “on line”.

Como dicen que una imagen vale más que mil palabras, acá están las trece carátulas del “papá” del blog. Recordemos a El Salsero 2001-2002.

























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Rubén Blades anuncia publicación de su primer libro de poemas

Fuente: Agencia EFE

El cantante panameño escribió más de 360 poemas en un año y ahora está en búsqueda de un editor.

PANAMÁ.- El cantante panameño Rubén Blades dijo hoy que prepara la publicación de su primer libro de poemas que escribió "día a día" con "observaciones emocionales" de todo un año.

El reconocido y múltiples veces ganador del premio Grammy afirma que el libro de poemas ya está terminado y que sólo le falta contactar con algunos amigos suyos que son escritores para que le ayuden a corregirlo y a buscar quién lo edite.

Blades señaló que la factura de estos versos es distinta a sus composiciones musicales, pero que quizá es "un poco presuntuoso llamarles poemas" y que más que todo son "observaciones diarias".

"Lo que hacía era que todos los días escribía algo que tenía que ver con emoción, observación emocional, todos los días por un año, empezando de enero 1 hasta diciembre 31 y al final tengo 360 y fracción de observaciones que no todas tienen que ser buenas", indicó el autor del tema musical "Pedro Navaja".

Blades reconoció que aunque no ha leído mucha poesía sí tiene influencias claras del compositor, poeta y músico brasileño Vinicius de Moraes, así como del vate austríaco George Trakl, considerado uno de los pioneros de las vanguardias y el expresionismo literario.

El artista y exministro de Turismo de Panamá adelantó que piensa hacer "una edición en español y otra en inglés, pero en Panamá y darle el trabajo a la gente aquí", apuntó.
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Se sigue especulando sobre la salud de Joe Arroyo


Fuente: El Heraldo, Colombia

La familia del cantante cartagenero Álvaro José ‘Joe’ Arroyo negó que el artista se encuentre delicado de salud y que esté hospitalizado.

La salud del cantautor de salsa colombiano se mantiene en reserva y tanto su familia como representante negaron cualquier versión sobre una recaída y que por el contrario está en su casa.

Versiones confirmadas a esta redacción, indican que el artista fue ingresado nuevamente a la Clínica La Asunción y que incluso está en UCI. Además que su familia no había autorizado a este centro asistencial a revelar nada sobre su estado.

‘Joe’, de 55 años de edad, fue dado de alta en mayo pasado tras una recaída en su salud que lo mantuvo en cuidados intensivos, antes de que se estrenara la novela sobre su vida que marca los primeros lugares de sintonía en Colombia.

Aún convaleciente, al cantante se le vio entregando declaraciones y entrevistas a diferentes medios de comunicación e incluso este mes de junio en Bogotá, donde recientemente recibió un homenaje por parte de artistas y cantantes de salsa.
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Un par por Héctor

Hoy 29 de Junio nuestra programación en el Blog y la Radio de El Salsero va para él. Y de una manera especial.

Conmemorando el 18 aniversario de la partida física de Héctor Juan Pérez Martínez les presentaremos dos especiales:

El primero es "un hallazgo". La edición del programa radial "Hipocampo, La Cuna del Son" del 30 de junio de 1993, en La Crónica. Emitido al día siguiente de la muerte de El Cantante, el espacio radial que hacíamos (justo 18 años atrás) con Carlos Jiménez fue dedicado a Lavoe y tuvo varios invitados, entre ellos Agustín Pérez y Eloy Jaúregui. Escuchen cómo se vivió la noticia de la partida de El Rey de la Puntualidad. Todo un documento.

El segundo es el especial de El Rincón Caliente de Manuel Paredes. Cuatro horas con música y recuerdos sobre Héctor en otro programa de colección.

La programacion va desde la 1:00 p.m. con presentaciones rotativas de Hipocampo, antes y después de El Rincón Caliente, que irá desde las 6:00 p.m. Y por supuesto la música del Jíbaro de Ponce como protagonista.

Este par de especiales es para Lavoe. Héctor, ¡salud por ti!
27 jun. 2011 0 comentarios

Sonido nuevo para un sello clásico

El álbum reintroduce la Fania a otra generación
Por Luis Rafael Trelles / Especial para El Nuevo Día, Puerto Rico

Hay sellos musicales que representan géneros enteros y también los trascienden. Para muchos, la Fania ocupa ese espacio en términos de salsa y música tropical.

Héctor, Willie, Celia; éstos son nombres que no necesitan apellidos. Los clásicos que grabaron en los 70 perduran en el imaginario popular y en las ondas radiales.

La disquera Fania que sacó este catálogo estelar no descansa sobre sus logros pasados.

Con la idea de reintroducir un sonido clásico para una nueva generación contactaron al reconocido DJ y productor neoyorquino de origen puertorriqueño Joaquín “Joe” Claussell para darle un giro moderno a unas grabaciones consagradas.

El resultado es “África Caribe”, un álbum doble que remixea una selección de canciones de la Fania, para darles una bienvenida al siglo 21.

A la raíz

Con una larga trayectoria remezclando éxitos para artistas reconocidos, Joe Claussell admite que cuando la Fania le hizo el acercamiento tuvo que pensarlo dos veces.

“Ésta es la música de mi herencia cultural, por eso también es un proyecto muy intimidante”, comentó en conversación con El Nuevo Día.

“Ellos (la Fania) confiaron en mí. Fue un gran privilegio trabajar con una música y una producción que son inmemoriales”, dijo mientras se preparaba para su set de DJ en el lanzamiento puertorriqueño del álbum, que se llevó a cabo en el espacio de Condado El Barril el pasado miércoles.

La primera parte del proyecto tuvo que ver con la selección: Fania abrió su catálogo de más de 3,000 álbumes para que Clausell hiciera un escogido.

Así fue como terminó trabajando con grabaciones de Ray Barreto, Mongo Santamaría, Ismael Miranda, Celia Cruz y Willie Colón con Rubén Blades, entre otros.

“Estaba bregando con leyendas”, mencionó cándidamente Claussell con el acento de Brooklyn que lo caracteriza. “Yo acepté de plano la grandeza de estos artistas y me dediqué a expandir la riqueza del sonido”.

El primero de los dos discos en “Africa Caribe” ofrece una mezcla continua de unos 72 minutos, que lleva al que la escucha en una travesía sonora de una fluidez ininterrumpida.

“Las mezclas nuevas se hacen para conseguir una audiencia más joven. Sin embargo, respeté la integridad de la música. Quería contar una historia, llevar al que escucha en una travesía que empieza en África y termina en Nueva York, por medio del Caribe”.

En el segundo disco, que presenta sencillos remezclados, Claussell acepta que se vio “confrontado con los grandes de uno a uno. En el proceso de cocinar este proyecto regrabé ciertos instrumentos, ya que en las pistas originales habían quedado un poco opacas”. Para eso colaboró con su hermano, José Claussell, un percusionista que toca actualmente con Eddie Palmieri.
26 jun. 2011 0 comentarios

"Juventud del Presente": la U es Campeón (Sub-20) de América




Fueron muchas las cosas que pasaron por mi mente. Una de ellas fue imaginarme a mi papá echado en su cama viendo CMD, como solía hacer los domingos por la tarde durante sus últimos años. ¿Habría gozado? A su estilo, seguro que sí. Total, él fue quien me enseñó a querer esa camiseta crema.

También imaginé cómo lo habría vivido si hubiese decidido ir al estadio. Y vino a mi mente esa noche de Diciembre del 2003 en el estadio de la UNSA en Arequipa cuando gocé de ese triunfo del Cienciano sobre el River Plate por la Sudamericana (curioso que hoy los dos equipos más populares del fútbol argentino empataron pero perdieron, siendo “histórico” lo del descenso del River).

El jueves por la noche, después de ganar el Clásico lo pensé, mas este domingo almorzamos en familia y vi el partido por televisión desde el segundo tiempo. Suficiente para gozar a mi manera, porque los que me conocen saben que soy poco “efusivo” cuando veo fútbol por TV.



Uno crece con esa frase que dice “… la Copa Libertadores es mi obsesión…” y lo que parecía algo muy improbable, considerando el bajo nivel que en general tiene nuestro fútbol, pues pasó. Claro, no faltará quien diga: “pero esto es un campeonato nuevo, Sub-20, juvenil, no es la Libertadores de verdad”. El típico pensamiento del “palo encebado” que querrá desmerecer lo de hoy.

En 1972 (yo tenía un año de nacido) Universitario de Deportes había sido finalista de la Libertadores de entonces. Perdió con Independiente de Argentina, pero fue el primer equipo peruano, y “del Pacífico” en llegar a esa instancia. Hoy, 26 de junio del 2011, a mis cuarenta años de edad, pude ser testigo del primer título internacional y oficial de la U, ganando la primera edición de la Copa Libertadores de América Sub-20 en definición por penales (sí, por penales también vale) frente al “mítico” Boca Juniors de Argentina. Fue una tarde-noche histórica, alegre, para el recuerdo.




Como para el recuerdo quedan estos nombres, la "Juventud del Presente" de la U: Cáceda, Dávila, Schuler, Duarte, Ampuero, Vargas, Romero, López, Flores,, Polo, Conde, La Torre, Mimbela y Franco; lo mismo que el de Javier Chirinos, el exjugador y hoy entrenador de este grupo de campeones que ya están en la historia del fútbol peruano.

Papá, hoy campeonamos. Dale Campeón, Dale “U”.
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Agenda salsera en Lima


Agenda salsera para la semana que viene...

Luisito Carrión en Orula Disco (Av Arica 1748 – Breña). Martes 28

Tony Vega en Discoteca La Ley. También el martes 28

Ray Sepúlveda celebrando el 12 aniversario de Marco Salazar y Los Duros de la Salsa. Será en el Retablo Park de Comas, el 28. También estará el próximo fin de semana en Tacna.

Van Lester, el 1 y 2 de Julio en La Isla del Paraíso

Luisito Carbajal y Orquesta el viernes 1 de Julio en el Jazz Zone (La Paz 646- Miraflores)

24 jun. 2011 0 comentarios

Niño Rivera: del tres montuno a la gran escena



Por Jorge Petinaud Martínez (Prensa Latina)

La Habana (PL).- En cualquier relación de los más relevantes e influyentes creadores de todos los tiempos en la historia de la música popular cubana debe figurar por derecho propio Andrés Perfecto Eleuterio Goldino Confesor Echevarría Callava (Niño Rivera).

Reconocido como el rey del cordófono nacional, la guitarra de tres pares de cuerdas denominada tres, la evocación de este artista, su obra y su ejemplo obligan a meditar en la deuda de honor y gratitud de la cultura cubana con su memoria.

Inició su carrera artística en la infancia como integrante del septeto Caridad, en su natal Pinar del Río, cuya dirección asumió antes de cumplir los 10 años.

Nacido el 18 de abril de 1919 en una sociedad caracterizada por toda forma de discriminación, este músico de origen pobre, guajiro y negro brilló, talento y esfuerzo mediante, en la cumbre del arte nacional, latinoamericano y universal, sin renegar jamás de su linaje social y musical, lo cual demostró hasta sus últimos momentos.

Inolvidable testimonio (Subtitulo)

En una de las muchas conversaciones que sostuvimos en su casa de la calle Josefina, en el reparto Sevillano, en La Habana, ya en la recta final de su existencia, me confesó que aprendió a tocar el tres antes de tener uso de razón.

Su primer juguete fue un bongó que creó a los cuatro años con dos laticas de leche vacías. En ellas percutía incesantemente, imitando los golpes del bongosero del Septeto Caridad y los que escuchaba en las actuaciones radiales del Septeto Habanero. Después descubrió el encanto del tres, instrumento de su tío, Meno Callava, director del Caridad, quien alternaba esa función con su oficio de carpintero.

Vigilaba al tío y, cuando este partía hacia la carpintería, se auxiliaba de un taburete para descolgar el tres de una pared, se escondía bajo una cama, y allí, acostado, imitaba las melodías y tumbaos del hermano de su mamá.

Cuando Meno Callava descubrió los progresos de aquel niño, lo incorporó al septeto, y ya a los nueve años decidió dejarlo como tresero y director musical mientras él se ocupaba de otros asuntos de la agrupación, muy popular ya en Pinar del Río. Así nació el nombre de "Niño Rivera".

En el ocaso de la vida, el artista sonreía feliz y nostálgico cuando confesaba que en aquella etapa nació su preferencia por orquestar, empíricamente, según las exigencias de los bailadores de casi todo el territorio pinareño, donde solía actuar con el Caridad y con una charanga de acordeón, en la cual se integraban este instrumento, guitarra, tres, contrabajo, timbal y guiro.

Con 15 años de edad llegó a La Habana en los inicios de la década del 30, etapa en la que irrumpió el cine sonoro en la vida nacional. Este adelanto tecnológico ejerció una influencia decisiva en el desarrollo de la música y los músicos populares cubanos, según afirmaba.

Carentes de la oportunidad de asistir a escuelas de música y leer partituras o adquirirlas, en el cine sonoro creadores como Félix Chappottín, y Eliseo Silveira -junto a Niño Rivera- encontraron en las salas cinematográficas de los barrios habaneros la posibilidad de estudiar las bandas sonoras, sobre todo de las películas estadounidenses.

De esa forma autodidacta, me contaba, pudo conocer orquestaciones de George Gerswing, Irving Berling, Benny Goodman, Artie Shaw, Duke Ellington y otros grandes de la composición.

Influido por esas sonoridades, Andrés Echevarría, por su parte, experimentaba en su instrumento combinaciones de acordes y escalas en busca de una mayor riqueza armónica, sin perder el sabor montuno del tres.

Creó así un estilo inconfundible, considerado entonces el más avanzado de su época. Fue uno de los primeros treseros cubanos que extrajo de su instrumento escalas de múltiples acordes, según afirma el doctor en música Efraín Amador.

Esa etapa coincidió con la presencia de Niño Rivera en el Septeto Bolero de 1935, de gran éxito en los bailables de la playa de Marianao, y particularmente en un espacio radial que se originaba en una emisora habanera, donde Tata Guitérrez interpretaba en 6 por 8 los cantos abakuá que Niño Rivera orquestaba con avanzados conceptos.

Sin proponérselo, Niño Rivera se sumó a los innovadores del pentagrama popular cubano en los años 30, al igual que Arsenio Rodríguez, Antonio Arcaño y los hermanos Orestes (Macho) e Israel (Cachao) López, propulsores de una modernización de extraordinaria trascendencia para la cultura cubana, caribeña, hispanoamericana y mundial.

Orquestador del feeling y del conjunto Casino (Subtitulo)

En 1942, con más experiencia como músico y libre de la lógica timidez del joven provinciano recién llegado a una urbe, fundó su conjunto Rey de reyes y logró importantes éxitos en la capital.

Fue en esta década cuando se sumó como uno de los fundadores del movimiento conocido como feeling (nueva canción de aquellos tiempos), al cual llegó junto a Jorge Mazón, Ñico Rojas, José Antonio Méndez, Jorge Zamora y Arístides Casas, casi todos procedentes del reparto capitalino de Los Pinos.

Al influjo de esa corriente musical compuso joyas indiscutibles de la cancionística como Fiesta en el cielo, Eres mi felicidad, Carnaval de amor y Amor en festival, y trasciendió, además, como uno de sus artífices fundamentales junto a Frank Emilio Flynt, al orquestar obras de José Antonio Méndez, César Portillo de la Luz, Rosendo Ruiz Quevedo y otros creadores .

El autor del Diccionario Enciclopédico de la Música cubana, Radamés Giro, me confesó y me demostró con una guitarra cómo Niño Rivera incorporó lo que él denomina armonía inversa en su canción Amor en Festival. Esta dificultad creativa la retomó Pablo Milanés en una de sus primeras obras, Tú, mi desengaño, advierte Giro.

Musicólogos y musicógrafos reconocen con justeza a Severino Ramos como el artífice del timbre de la Sonora Matancera. A Niño Rivera corresponde este mérito -no siempre resaltado con la adecuada visibilidad- en relación con el inolvidable conjunto Casino, que sonó diferente después que él definió el sello sonoro de la agrupación.

Resulta meritorio su afán de superación como alumno de los maestros Vicente González (Guyún), Félix Guerrero, González Mantici, Frank Emilio, Bebo Valdés, Pedro López y sus hijos Orestes e Israel, con quienes se convirtió en uno de los más originales y solicitados arreglistas de toda la historia de la música cubana.

Por todo esto fue el primer tresero invitado a participar en un disco de descargas jazzísticas en la década del 50 del siglo XX; convocado en 1978 para participar en el irrepetible proyecto histórico Estrellas de Areíto y ocho años antes, en 1970, escribió el primer método para la enseñanza del tres en las escuelas de arte, sueño que en aquellos momentos no recibió comprensión ni apoyo y por tanto se frustró.

Sus aportes resultaron de utilidad en los años 90 al maestro Efraín Amador para graduar en la academia a los primeros treseros y treseras del país.

Pocos días antes de su muerte, entregué a Niño Rivera varios lápices que en medio del llamado período especial -cuando la economía de la isla se deprimió- logré reunir tras una larga búsqueda, así como varias páginas de papel pautado que me pidió.

Soñaba concluir lo que consideraba la obra más importante de su vida: el concierto para tres y orquesta sinfónica. Añoraba que algún día fuera ejecutado por Pancho Amat, a quien consideraba su más virtuoso continuador.

Si el piano nació en Europa, se desarrolló en los salones aristocráticos y en Cuba se elevó a la categoría de imprescindible en los conjuntos de sones, el tres, nacido de las manos de los humildes soneros, merece un espacio en las grandes salas de concierto, me dijo en relación con su más cara ilusión.

Días después, un sábado triste, la radio trajo la noticia de su muerte.

Ojalá que algún día su memoria reciba honores a la altura de sus aportes. Sus honras fúnebres resultaron escasamente concurridas en la funeraria hbanera donse de velaron sus restoa, al igual que el sepelio bajo una débil llovizna en el cementerio Cristóbal Colón, de La Habana, después de las improvisadas palabras del timbalero Elio Revé.

En la gloria, donde por derecho propio debe ocupar un trono, Niño Rivera debe estar recordando las notas de El Jamaiquino que, guitarra en mano, cantó ese día a manera de despedida ante su tumba Eugenio Rodríguez (Raspa), actual director del Septeto Nacional Ignacio Piñeiro, mientras que Emilio Moret, cantante y compositor del Septeto Habanero, acompañaba con su tres y hacía la segunda voz.
23 jun. 2011 0 comentarios

Este sábado un Homenaje a Héctor Lavoe en Perú


Nuestro amigo Danny Dueñas nos invita para este homenaje a Héctor Lavoe. Este sábado 25 de Junio, desde las 9:00 p.m.
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Jerry Rivera entre la Salsa y la nostalgia


Fuente:Primera Hora, Puerto Rico. Por:Rebecca González Pérez

“Me pongo a pintarte y no lo consigo, después de estudiarte lentamente termino pensando que faltan sobre mi paleta colores intensos que reflejen tu rara belleza. No puedo captar tu sonrisa, plasmar tu mirada, porque poco a poco sólo pienso en ti, sólo pienso en ti, sólo pienso en ti, sólo pienso en ti….”

¿Quién no recuerda este éxito en la voz de Guillermo Dávila? Ahora esta melodía sonará al ritmo de salsa en la voz de Jerry Rivera.

Pues ya es un hecho que la canción Sólo pienso en ti, que fue el tema de la telenovela venezolana Ligia Elena en el 1982, es el primer sencillo que se desprende del nuevo disco de Jerry Rivera.

El salsero, quien confesó lo difícil que es escoger temas para sus producciones, entiende que esta canción es “un tema sencillito en términos de la letra y la melodía, fáciles de absorber y es una melodía mágica. Es un tema que muchas generaciones lo conocen y se presta para que los jóvenes también lo entiendan porque es muy lindo”.

El intérprete de 37 años se remonta a sus años de infancia con este nuevo sencillo y recuerda cuando su madre lo cantaba.

“Mi madre siempre se pasaba cantándolo y en mi barrio, todas las muchachitas cantaban esa canción, era como los amores de colegio y eso es lo que recuerdo de esa época. De Guillermo Dávila te puedo decir que es un ser humano tremendo e increíble actor. Su boom fue tremendo y no sé por qué razón no se le ha hecho algún reconocimiento, él es muy polifacético”.

Rivera confesó que para su nueva producción discográfica titulada El amor existe, que será lanzada el 26 de julio, los temas fueron seleccionados de acuerdo a los gustos del cantante ya que contendrá varios covers y sólo dos canciones inéditas.

“Escogí dos temas de Guillermo Dávila porque nunca se le ha hecho ese reconocimiento y en lo personal entiendo que él estuvo bien posicionado en Puerto Rico y en latinoamérica. Tambien grabé temas de Ricardo Montaner y Franco de Vita”, expuso.

El llamado “Cara de niño”, siempre se ha caracterizado por cantarle al amor, pero subrayó que los temas de despecho también tienen su toque especial.

“Todos hemos sufrido en el amor y la gente se identifica; le trae emoción y tristeza, pero siempre se le encuentra una salida. El despecho siempre tiene la ventaja sobre los temas de amor. A mí me gusta cantar ambas cosas, pero hay un refrán que dice, que hay que sufrir para valorar hay que sufrir para vivir, el que no sufre no vive. Tú tienes que perder para saber lo que tenías. A mí me gusta el despecho, pero también tener un balance con lo romántico”, dijo Rivera.

El intérprete de Amores como el nuestro, procura siempre mantener una línea romántica, pero con respeto hacia la sociedad.

“A mí no me gusta cantar temas que sean faltas de respeto hacia el público; yo quiero cantar temas que los puedan escuchar, desde una niña de tres años, hasta las abuelitas que tengan 90 años. Al igual que cuando le pido una canción a algún artista, tienen que ser temas que yo los haya vivido o que lo haya visto en personas cercanas. Para mí, la historia tiene que tener un peso, aunque sea una canción conocida”, finalizó.

El vídeo de Sólo pienso en ti, se estrenó ayer y cuenta con escenas de algunas de las novelas popularizadas por Guillermo Dávila.

En la secuencia, el salsero boricua aparece acompañado por la modelo y actriz venezolana Maritza Bustamante.
22 jun. 2011 0 comentarios

Choco Orta y su Swing


Fuente: Agencia EFE

Nueva York, 22 jun (EFE).- Los temas del nuevo disco de la puertorriqueña Choco Orta están "cosidos a la medida" del público bailador, aseguró la cantante, que rinde tributo en este proyecto a las mujeres que se han abierto paso en el mundo de la salsa.

"Choco Swing" es el título del álbum de producción independiente de Chocolocochón Bolsillo Productions, el que según la intérprete, percusionista y actriz, marca la ruta de cómo empezó su carrera en la música y que sometió a consideración del Grammy Latino el pasado abril, cuando salió al mercado "a ver si es nominado".

"Este disco restablece el norte de lo que es la salsa real, la de los años 70" en los inicios de ese género con la que ella se dio a conocer, señaló a Efe la artista, autora del tema "Homenaje a las soneras".

La canción rinde tributo a féminas, que al igual que ella, se han destacado, ayer y hoy, en ese género tropical, comenzando por las cubanas Celia Cruz, Guadalupe Yolí "La Lupe", Celeste Mendoza, Omara Portuondo y Graciela Pérez, mientras que de Puerto Rico incluyó a Milta Sylva, Sophy, Fe Cortijo y Yolanda Rivera.

De Nueva York a Brenda K. Star y Cita Rodríguez; de Colombia a Mimí Ibarra, Son de Azúcar y Carolina Lao y por Venezuela a Canelita y Trina Medina, entre otras.

"En el mundo del disco no ha habido un álbum que le rinda homenaje a las mujeres que de alguna u otra forma han cantado en el género de la salsa", afirmó.

"Tengo en la lista a otras 30, porque son muchas más las que han estado en la industria y que no han tenido el reconocimiento que se merecen", señaló la intérprete, en cuyo disco anterior, que grabó en Puerto Rico producido por el sonero Gilberto Santa Rosa, rindió tributo a Graciela Pérez y La Lupe.

La artista manifestó su interés de que otras cantantes se interesen en rendir tributo al resto de mujeres que permanecen en la lista.

Orta indicó además a Efe que su nuevo proyecto musical fue producido por Reynaldo Peña, con quien ha trabajado por varios años, y de quien dijo "conoce mi estilo, agresividad, la transparencia o fortaleza para mover al bailador".

Agregó que Gino Meléndez escribió tres temas para ella "que definen mi personalidad", entre estos el que da título al disco "Choco Swing" en el que destaca un solo de congas de la intérprete.
La puertorriqueña incluyó en su cuarto disco el tema "Lo que no sirve se bota" de la autoría de Raúl Marrero así como el conocido éxito de la mexicana Paquita la del Barrio, "Rata de dos patas" compuesto por Eduardo Manuel Toscano, que grabó a ritmo de salsa con arreglo de Carlos Torres.

Choco Orta se manifestó complacida por la acogida que ha tenido su disco, el primero que produce bajo su compañía.

"Estoy orgullosa porque le envío el mensaje a las mujeres de que con poco dinero se puede hacer mucho", argumentó la cantante, que este año ha tenido una cargada agenda de trabajo con presentaciones en las que ha compartido escenarios con estrellas del género tropical, entre ellas el músico dominicano Johnny Pacheco y la Orquesta Aragón de Cuba.
21 jun. 2011 0 comentarios

India graba con Juan Gabriel


THE ASSOCIATED PRESS. POR: NATALIA CANO

MEXICO -- Próximo a cumplir 40 años de carrera musical, el cantautor mexicano Juan Gabriel ya trabaja en la producción de su álbum número 36, en el que contará con la participación de La India, "La Princesa de la Salsa".

Mientras tanto, el "Divo de Juárez" otorgó recientemente algunas canciones inéditas a La India para el próximo disco de la puertorriqueña, "Más que amigos".

"Puedo decirle a todos los fanáticos de Juan Gabriel que nuestro ídolo está cantando mejor que nunca, sus canciones le llegarán al pueblo, y al mundo entero. La verdad es sorprendente e increíble ver y escuchar a alguien a los 61 años cantando mejor que nunca", dijo el lunes La India a The Associated Press, en entrevista telefónica.

La cantante reveló que para el nuevo álbum de Juan Gabriel, éste le pidió grabar coros operísticos, y que ha elegido artistas de México, Brasil y España para que participen en su nueva producción discográfica, que todavía no tiene una fecha de estreno.

"Yo le enseño mis colores como cantante. Tuve el honor de colaborar con algunos fragmentos de ópera muy lindos, él me trepa en unos registros de soprano, y le gusta sacarme esos colores, a lo que él llama 'el sonido campana', como dice él, de primavera", señaló La India.

La intérprete agregó que Juan Gabriel, cuyo nombre de pila es Alberto Aguilera Valadez, se encuentra muy bien de salud y que en el plano espiritual también pasa por un buen momento.
"Es un hombre muy activo y tiene canciones suficientes como para tres discos inéditos más, además de muchas cosas en sus archivos. ¡Hay Juan Gabriel para rato!", afirmó.

La Princesa de la Salsa recordó que desde los siete años de edad, solía escuchar a Juan Gabriel, en compañía de su madre, en su natal Puerto Rico. Pero no fue sino hasta 1997 que el acercamiento a la música del Divo de Juárez fue más grande, luego de haber grabado el tema "Costumbres", de la autoría del mexicano y que fue popularizada por la fallecida española Rocío Dúrcal.

"'Costumbres' fue la canción que me trajo la suerte para conocer 11 años después a Juan Gabriel. Siempre que viajo a México, le dedico mi versión en vivo de ese tema a nuestro querido ídolo. La verdad nunca me imaginé que lo conocería, la vida es extraña, menos pensé que lo conocería y que él ahora me produciría un disco", dijo La India.

En 2009 La India, Linda Viero Caballero, participó en un homenaje realizado al Divo de Juárez en el hotel Mandalay Bay de Las Vegas, en el que también cantaron David Bisbal, Franco De Vita, Jas Devael, Shaila Dúrcal, Luis Fonsi, Juanes, Nathan Pacheco, Laura Pausini, Playa Limbo, y La Quinta Estación.

"A partir de ahí se dio un acercamiento más próximo con Juan Gabriel. Después del homenaje en Las Vegas, lo pude conocer en persona y luego le comentaron que yo quería grabar con él. Pero le advirtieron que yo era una mujer que le canta fuerte a los hombres, y él dijo: 'por eso quiero trabajar con ella, me gustan esas hembras difíciles", recordó bromista la intérprete.
La India reveló que el nombre tentativo para su nuevo álbum, que incluirá canciones inéditas del mexicano, es "Más que amigos".

"Hay muchas canciones de Juan Gabriel que nunca han salido, así que él hizo una búsqueda en sus archivos de muchos años, hay canciones como 'Señor Sol' que me hizo regrabar para mi disco. Otras como 'Gracias a Dios', 'Mañana, mañana'. Cambió el contexto de las letras y las melodías cambian, él ve diferentes colores, le fascina innovar y es muy versátil", dijo la cantante.

"Lo que él siente cuando hace música es algo que él trae desde que estaba en el vientre de su madre", añadió.

La India, una de las cantantes más conocidas en la escena de la música tropical, adelantó que viajará en julio próximo a Cancún, México, para reunirse con el autor de "Querida" y dar continuidad a la grabación de su nuevo álbum.

Juan Gabriel ha vendido más de 100 millones de discos alrededor del mundo. Su producción discográfica anterior, "Juan Gabriel Boleros", fue lanzada a finales del 2010 y es el número 35 dentro de la carrera del cantautor, cuyos temas son considerados patrimonio de la cultura popular mexicana.
20 jun. 2011 0 comentarios

Don Quique, el papá de Papo


Fuente: Vocero, Puerto Rico. Por: Zenaida Ramos Ramos

PONCE – La admiración y el amor son evidentes entre don Kike Lucca y su hijo Papo. Además del lazo paternofilial , la música es el enlace principal entre ellos, y La Sonora Ponceña ha sido durante 57 años la vida de ambos.

Enrique Lucca Caraballo, conocido como don Kike, es “el ser más maravilloso de este mundo y más importante de nuestra familia y de la familia extendida que es la orquesta. Yo creo que reconocen la calidad humana de él y saben que no es fácil ser como él”, expresó Papo, cuyo nombre de pila es Enrique Arsenio.

El pianista y director de La Sonora Ponceña reveló que admira la calidad humana y el tesón de su padre de 98 años de edad, porque ha sabido superar los golpes de la vida. Por eso contestó sin reparos que le gustaría ser como él en ese aspecto.

“En esto pasan cosas que te hacen desear quitarte de estos menesteres, pero él se levantó de cada golpe y echó pa’ lante. Él va más allá del deber. Inclusive, a veces, tiene esa capacidad de perdonar a quienes han tratado de hacerle daño, cosa que no es fácil para mí entender. Por eso me gustaría algún día tener yo esa capacidad”, indicó el arreglista musical.

Papo nació para la música sin él pedirlo. “Yo estoy oyendo música desde el primer día de nacido”, dijo; y su papá mencionó que la primera vez que su hijo oyó música fue un martes santo.

“Eso fue el 10 de abril de 1946. Por la noche salí con unos cuantos amigos a dar serenatas y aproveché y le di una en el Hospital de Distrito de Ponce (donde nació Papo), en la calle Victoria”, narró don Kike quien admira el talento natural que tiene su hijo para tocar cualquier instrumento musical.

Cuando Papo tenía 5 años de edad, el Conjunto Internacional, formado en 1944, estaba ensayando el tema de Tito Puente, “Ran Kan Kan”; y el niño prodigio comenzó a tocar unas congas admirablemente. En esa ocasión, don Kike comprobó la habilidad de su primogénito y luego lo matriculó en la Escuela Libre de Música Juan Morel Campos de Ponce. Después completaría estudios en el Conservatorio de Música de Puerto Rico.

En 1954, don Kike desunió el Conjunto Internacional para dedicarse a otro trabajo con mejor remuneración para mantener a su familia. Su hermano Pellín, le dio la idea de organizar una orquesta que llamaron La Sonora Ponceña.

Desde entonces, don Kike ha estado al mando de una de las primeras orquestas de Puerto Rico. En 1957 entró Papo a La Sonora Ponceña y a los 13 años asumió la dirección musical de la orquesta, cuando el director Carmelo Rivera decidió irse con Cortijo y su Combo.

Son muchas las vivencias y anécdotas que han compartido padre e hijo, quienes recuerdan con cariño las primeras presentaciones en la Isla y en el exterior. Entre ellas rememoraron cuando en la década de los 80 tocaron por vez primera en Colombia ante casi 47,000 espectadores.

Aunque ya don Kike no puede viajar con La Sonora Ponceña, no se pierde ni una presentación en su país porque para él, la música es una terapia. “Si no lo llevo, él va. Uno está consciente de que eso es lo que lo mantiene a él”, dijo Papo.

Don Lucca Caraballo reconoce que no puede llevar la vida agitada de antes por sus dolencias en su sistema cardíaco, la artritis y diabetes. Sin embargo, lo único que lo revive es su orquesta. “Ahora mismo si yo fuera otro, no saldría a tocar afuera. Estoy enfermo. Los otros días, yo creía que no podría hacerlo. Cuando subí (a la tarima) se me quitó to’. El día en que yo deje la música, dejo el pellejo”, expresó sonriente.

Papo, padre de tres varones y cuatro mujeres, agregó que su padre se cuida extremadamente. “Sigue al pie de la letra lo que dice el médico. El entierra a unos cuantos y se queda fresco”.

El 12 de diciembre, don Kike cumplirá 99 años de edad y tiene planes de continuar con su orquesta de salsa que “es buena para bailar y para disfrutar oyéndola. Si hay que tocar un merengue, un danzón se tocan; si hay que tocar un bolero, un tango se tocan”. Con firmeza le dice a su hijo que cuando él no esté, “tiene que seguir. Uno vive de esto; no lo puedes dejar”.
19 jun. 2011 0 comentarios

La historia musical de Fruko

Fuente: El País, Colombia. Por: Meryt Montiel y Gerardo Quintero

1. ‘Salsíbiri’ a lo Fruko

“¡Oye, te hablo desde la prisión!” es un lamento salsero inmortal, el grito de guerra de ‘El Preso’, que cuando la escuchan los ‘puertorros’ en sus festividades de San Juan y Nueva York creen que proviene de alguno de sus legendarios artistas. Lo que muchos olvidan quizá es que el dueño de ese canto herido es un negro de voz visceral, con un ‘tarro de trueno’, ‘tumba tarimas’, Wilson Manyoma. Un hijo del barrio El Troncal, al nororiente de Cali y descubierto por un grande de la salsa, pero colombiano, Julio Ernesto Estrada, más conocido como ‘Fruko’.

Este disco ha marcado tanto la vida del director de Los Tesos que hoy lo conserva en su ‘ringtone’, como para que no olvide nunca sus inicios. Gary Domínguez, propietario de la taberna la Casa Latina, en Alameda, no duda en afirmar que Fruko fue un precursor de la salsa nacional y el primero que se atrevió a incursionar en el ritmo arrebatador que en los setentas sólo hacían los músicos puertoriqueños y ‘newyorquinos’.

Es que aunque este ‘todero’ de la música (productor, compositor, bajista, cantante, corista, arreglista) comenzó tocando tropical con los Corraleros de Majagual en 1965, su golpe musical quedó marcado cuando, en un viaje a la Gran Manzana, fue contagiado en el Bronx Latino por las descargas que tronaban de la mano de Richie Ray, Willie Colón, Ray Barretto, Eddie Palmieri y otros grandes del género.

Fue en ese momento, recuerda el musicólogo caleño Richard Yori, que Fruko comienza a experimentar musicalmente y en sus producciones aparecen como marcas de ADN el ‘Jala Jala’ de Richie y las descargas de Nelson y sus Estrellas (con ‘Payaso’ y ‘Forastero’, temas que interpretó Fruko con Joe en la voz).

Estrada saca su primer ‘long play’ en 1969 y lo bautiza ‘Tesura’, pero no logra conectar con un público, sobre todo el de su tierra, Medellín, más acostumbrada a Lucho Bermúdez, La Billos Caracas y Los Melódicos. Es allí cuando Fruko se da cuenta que tiene que proyectar su música, descender de la montaña y buscar el Valle. “Tuvimos un padrino muy especial en Cali que fue José Pardo Llada, él nos ayudó mucho con sus comentarios”, recuerda el pionero de la salsa colombiana.

Pero sólo fue a mediados de los setenta cuando Fruko llega a su consagración musical y crea lo que el escritor y gran conocedor de la salsa y música antillana, Medardo Arias, denomina la Fania Colombiana. Sí, Fruko encuentra, tal vez sin proponérselo, una fusión perfecta de lo mejor del Caribe y del Pacífico representado en las voces de Álvaro José ‘Joe’ Arroyo, Edulfamit Molina Díaz ‘Piper Pimienta’ y Wilson ‘Saoko’ Manyoma.

Pero es en Cali, en la capital de la rumba, donde explosiona ‘el salsíbiri’, ese ritmo que impone Fruko, y comienza a despuntar una historia musical que tendrá en ‘El Preso’, cantado por Manyoma, uno de sus íconos. El Escondite, Honka Monka, Las Vallas, Sol de Medianoche y el Abuelo Pachanguero, famosos grilles de la época, conocen el talento de la orquesta colombiana, donde alterna con ‘caballos’ como Héctor Lavoe.

Jorge Hernán Tello, imberbe rumbero en los setenta, recuerda que “la orquesta de Fruko tenía que competir muy duro en Cali, porque aquí llegaba música de muy buena factura. Nuestros oídos estaban acostumbrados a las descargas de Richie, a la voz de Héctor, a la magia de Ismael Rivera... Le tocó duro, pero en los grilles sonaba y se bailaba ‘El Ausente’, ‘Tania’, ‘El Caminante’”.

Wilson ‘Saoko’, una de sus voces principales, recuerda que Fruko era un hombre muy estricto, tanto que acepta que tuvo que salir de la orquesta por algunos problemas de indisciplina. Pero reconoce que su música lo dejó a los pies de los principales escenarios de América Latina y EE.UU. Con su banda y al ritmo de ‘Oriza’, ‘Manyoma’, ‘Tania’, ‘El Preso’ y ‘A la Memoria del Muerto’, Fruko ‘la rompió’ en el Madison Square Garden y recibió el premio de la Revista Record World a la mejor Orquesta Tropical de América.

Hoy, con 60 años y 42 álbumes en su historia, Fruko, como en sus comienzos, sigue rompiendo esquemas. “Ahora estamos en un proyecto que se llama Fruko Sinfónico, es otra dimensión. Serán 70 músicos en escena, con arreglos sinfónicos de nuestras obras, entonces allí vamos cumpliendo y satisfaciendo gustos”, dice Estrada con el mismo sabor que imprime en las tarimas.

2. Cocínalo Fruko

Lo expulsaron del colegio cuando niño porque privó a varios compañeros con sus fuertes puños. Por eso, “tuve que ponerme a trabajar desde los 11 años”, dijo. A esa edad llegó a Discos Fuentes como utilero. Su buen oído y disciplina lo llevaron a ser ascendido a los seis meses: se convirtió en el grabador de artistas de la talla de Julio Jaramillo Jaramillo y Los Diplomáticos.

Fue Lisandro Meza quien lo apodó Fruco, así lo confirmó el artista costeño a El País: “Es que a él, cuando niño, le faltaba un diente y a mí se me parecía a la muñequita insignia de las conservas Fruco y le dije: tú te pareces a esa muñeca y él enseguida se tapó la boca. Todo el mundo muerto de la risa y desde ese día se quedó ‘Fruco’”. Fue el maestro Estrada quien, tiempo después, cambió la letra C por la K para diferenciarse de la marca de las salsas.

Lisandro Meza fue además, el hombre que lo llevó a Los Corraleros de Majagual “porque nos faltaba un timbalero. Qué suerte: A la semana, ya estaba con nosotros en Nueva York”.

El experto en salsa Ley Martin lo califica como un “genio de la música”, Meza lo califica igual, “un músico superdotado, que toca lo que sea, le saca música hasta a un tubito de papaya”.

El director de los Tesos, que en verdad toca 25 instrumentos, hoy es un hombre enamorado de la ginecóloga Rosa Garzón, “una mujer espectacular”, con quien mantiene una relación hace diez años. Su primer matrimonio, explica, acabó porque “como me fui para EE.UU. fue perdiendo toda aquella magia del amor”.

En su nuevo hogar, se convierte todos los días en el ‘Cocinero mayor’, desde las 5:00 a.m. “Le cocino a la esposa que se va a hacer sus cirugías, cocino desayuno, almuerzo y comida. Pero luego me dedico a hacer canciones; como tenemos los estudios de grabación también a atender a los artistas y como cienciólogo, a darles clases y a atenderlos como pacientes”.

A los 60 años, cuando aún parte un coco de un solo golpe con una técnica de yoga, quiere seguir en su oficio, porque como él mismo dice, “Fruko y sus Tesos tienen una salud extraordinaria que les permite seguir viajando con su música por más de 70 países”.
3.Fruko, ‘El Bárbaro’

El maestro Fruko se mostró complacido de responder la entrevista para El País, porque “quiero congraciarme con el Valle del Cauca, al cual le debemos mucho la Orquesta de Fruko y sus Tesos porque nos catapultó a la fama y hay un gran cariño por este departamento y su cultura”.
Su vida da para una telenovela o un libro. ¿Nunca le han hecho una propuesta de ese tipo?

Claro que sí, los mismos de RCN me han hecho la propuesta, pero vamos a esperar a que se desarrolle ésta porque yo tengo muchas cosas para contar. Son más de 8000 canciones en las que me ha tocado participar: O soy intérprete, músico, productor, arreglista, ingeniero de sonido, entonces tengo una historia extensa.
En Cali Fruko y sus Tesos tuvieron total aceptación desde sus comienzos...

Claro, Cali fue plataforma porque ha sido una ciudad tan conocedora de los ritmos antillanos, de Tito López, de La Charanga, la Orquesta Aragón, La Sonora Matancera, de Pérez Prado. Gracias a la comunicación y a los discos que se recibían desde Buenaventura la gente se hizo muy conocedora y ahorita es la capital mundial de la salsa.
¿Cuándo se terminó la orquesta Fruko y sus Tesos, por qué dejamos de saber de Fruko?

No, hay una mala información, nosotros siempre hemos estado, en este momento estamos activos, desde el 2000 estamos activos, claro, yo me fui a vivir a California a representar La Sonora Dinamita que también es una de mis creaciones. Del 86 al 2000 permanecimos viviendo en Los Ángeles y allí interpretábamos con La Sonora Dinamita, luego, por efectos de manejo de terceros, la gente ha tenido la idea de que Fruko no existe y nosotros estamos tan vivos y con una salud extraordinaria gracias a Dios, que tenemos presentaciones por más de 70 países, creo que nuestro arte está más internacional.
¿Qué ha sido de Los Tesos, está con los mismos compañeros de antaño o se ha ido renovando?

Nuestra Orquesta es una institución. Como una universidad, va doctorando a cada estudiante, van saliendo de la agrupación y van entrando unos nuevos. El asunto es que yo no soy un gerente de una empresa, no solo manejo el consorcio, sino la creatividad, soy el arquitecto o el ingeniero de los sonidos que se presentan no solamente en Fruko y sus Tesos sino en The Latin Brothers, Sonora Dinamita, La Bocana, Afrosound, Wanda Kenya, son incontables las grabaciones que se hacen.
¿Por qué cree que se le tendrá más presente en la historia de la música colombiana: como ojo avizor de talentos, como primer director de la primera orquesta de salsa que tuvo Colombia, como director de sonido, músico o todas las anteriores?

Es un compendio de todas. Yo fui alumno de don Antonio Fuentes y adquirí un proceso de relaciones públicas en la cual podía comunicarme fácil con la gente de todo el país y fue así como del Valle del Cauca pudimos sacar muchos elementos que contribuyeron a la existencia de Fruko y sus Tesos como ‘Piper Pimienta’ que es del Cauca pero vivió en el Valle del Cauca, Wilson Manyoma que salió del barrio Alameda.
Aparecerá en la telenovela al final. ¿Ya grabó? ¿Cómo se sintió en el papel de actor?

Los productores de la novela nos pusieron a actuar con Richie Ray, Bobbie Cruz, Joe Arroyo para el cierre de la novela. Nosotros sabemos que los actores que nos han interpretado son jóvenes muy talentosos que han hecho su papel tan bien que cautivan a la audiencia. Y felicito a RCN por estar mirando hacia nuestro país, dentro de nuestras historias, para darles importancia, para que las nuevas generaciones se sientan contentas, buscando datos de nuestra música, por ejemplo. Le damos así valor a lo que hacemos los colombianos. Ojalá que pronto sepamos del Mono Núñez, de Peregoyo, de esos grandes personajes que han hecho la vida musical y la alegría de este país.
¿Cómo fue su relación con Piper, Saoko, Joe, una vez que ya no pertenecieron a Fruko y sus Tesos?

Con Piper Pimienta alguna vez tuvimos una diferencia porque una vez se fue a presentar al Ecuador con el nombre de Fruko y sus Tesos, cosa que no nos gustó porque cada cosa en su puesto. Él recibió la información que nosotros no estábamos de acuerdo, se fue para Nueva York y allí grabó con la Colombia Star y con un señor Carvajal amigo mío que era el guitarrista de Peregoyo y su Combo y grabaron un éxito muy bonito: Cañaveral.

Como los músicos hemos sido personas que guardamos el equilibrio y estamos para la bondad, Piper Pimienta regresó, conversamos y ahí fue cuando reactivamos la amistad y allí fue cuando hicimos el himno de Cali, Las Caleñas son como las Flores, del compositor bogotano Arturo J. Ospina y Piper le puso su interpretación sonora inolvidable con la agrupación prima de Fruko que fue Los Latin Brothers. Después hicimos Buscándote, también fue un himno de la música.

Después tuvimos la información de que Piper sufrió una trombosis, lo llamamos, lo acompañamos, estuvimos en sus terapias y cuando me fui para Estados Unidos ---ya sabemos que Piper cumplió trece años de fallecimiento—sentimos mucho la desaparición de este gran compañero de la música. Incluso con su señora Ana tuvimos muy buena comunicación, primero le ocurrió que falleció un hijo y luego que Piper murió asesinado. Me dolió mucho esa situación.

Hablando de Wilson Manyoma es un gran cantante, ingresó a la orquesta, no como dicen en la telenovela nada de eso. A Medellín me lo arrimó Dagoberto Gil, un agente del F2 en esa época amigo mío, hermano de Luz Marina Gil, una admiradora de Los Corraleros de Majagual. Me dijo, mirá, aquí te traigo este muchacho del barrio Alameda que es un buen sonero. Él canta estilo Ismael Rivera. Entonces su primera canción se llama Tú Sufrirás, una canción compartida, en letra y música entre Wilson y mi persona.

La relación y la participación de este acompañamiento tuvo como resultado crear el himno de la salsa colombiana que se llama El Preso. Pasaron los años, por asuntos de disciplina dejamos de trabajar, él dijo ciertas cosas, no hubo ninguna pelea, por mutuo acuerdo dejamos de laborar hace como diez años, le deseamos lo mejor a él y a su familia, entre otras cosas su hermano Hermes es un cantante de mucha fama.

Hablando del Joe Arroyo no es como dicen en la novela, que yo lo fui a buscar a Barranquilla, que para quitar a ‘Piper’. No, nada de eso. A mí me lo trajeron de Barranquilla el señor Mike Char, porque él trabajaba allá con la Orquesta La Protesta y cuando hicimos Fruko y sus Tesos recibimos la ayuda de las emisoras y de la Costa Norte y de la Costa Pacífica me fueron llegando estos buenos talentos para ponerlos al servicio de la música colombiana con Fruko y sus Tesos.

Con Joe siempre he tenido comunicación, y nuestra comunicación ha sido que él me dice te quiero Julio y yo le digo te quiero Joe. Y hasta el momento ha seguido bastante bien, gracias a Dios.
¿Piper Pimienta era así de incumplido como lo muestran en la telenovela?

No, él fue una persona muy tranquila, muy sobria, muy amante de su trabajo, yo creo que tan disciplinado como él, es difícil de encontrar, permanecía siempre haciendo sus ejercicios guturales, de sonidos espectaculares y también era un campeón del velillo, era un atleta completo. No sé por qué le llegó la trombosis, fue un atleta magnífico.

Y él comía tanto que nos preguntábamos ¿dónde se lo guardaba? Porque era bien delgado y comía como nadie. Uno decía, pero bueno, ¿dónde le cabe tanta comida a este señor? Una vez hicimos una apuesta en Bogotá en un sitio donde se tomaba cerveza y se tomó dos garrafas de cerveza de un solo tirón, ¿dónde le cabía tanta cerveza? ‘Piper’ definitivamente era un fuera de serie, un cantante que brindó todo su cariño para el Valle del Cauca.
¿Cuál considera fue su época de oro con Fruko y sus Tesos?

No quiero situarme en una época. Creo que nuestra carrera no ha tenido ningún pare, hemos estado a la altura tecnológica y a veces nos desaparecemos de aquí pero aparecemos en otros lugares. Por ejemplo, la mejor clientela nuestra está en Ciudad de México, allí muchas canciones que no se conocen acá son éxitos allá. Además, hay muchas cosas ocultas.

Yo, por ejemplo, soy el director arreglista de Los Tupamaros, que tiene canciones como Tu Ausencia, La Chica Gomela, y en muchas figuras yo estoy ahí, detrás del telón, de grandes grupos de Colombia y me siento muy contento.

En La Sonora Dinamita, una orquesta fastuosa, la reina de la cumbia, yo estoy ahí; estoy en la salsa, en la cumbia y gracias a Dios todos los días tengo trabajo con artista nacionales, internacionales, a veces hasta grabamos música popular. Ser intérprete y estar de artífice de la música es algo muy bonito.
¿Cómo lo ha beneficiado la cienciología?

Yo soy católico cienciólogo y no quiere decir que yo sea apóstata, ha sido muy importante para mí, para mi literatura, mi manera de revisar gramaticalmente lo que escribo, lo que leo, lo que digo. En la Universidad de Los Ángeles son más de 200 temas que conocemos para poder darle, ilustrar a las otras personas, a las nuevas generaciones sobre cuestiones de la ética y el protocolo.

Eso me ha beneficiado de tal manera que yo soy ‘clear’, siendo ‘clear’ que significa claro dentro del departamento de la tecnología mental, ha tenido gran satisfacción mi ser de comprobar de que todo se puede organizar y llevar a un mejor nivel de existencia que es efímera y que tenemos que aprovechar, que si tenemos los talentos hay que organizar y salir delante de la mejor manera.

Entonces vivimos la música, la sentimos, nos concentramos, tenemos tiempo para nosotros, no somos perfectos porque tampoco estamos dispuestos a ser santos, pero sí hombres de calidad social que le brinde a los demás y a los hijos y los herederos una buena recordación y participación ciudadana.

Yo estudié con mucho sacrificio en el Celebrity Center de Los Ángeles, allí llegué a comunicarme con uno de los maravillosos músicos contemporáneos, Chick Corea. Es un privilegio conocer a este señor y ya hemos llegado a tocar a cuatro manos el piano, cosa que nos satisface y tenemos proyecto de grabación con los cuales los conocedores van a estar contentos cuando se presente esta oportunidad.
Ha sido un hombre generoso. Tengo entendido que no sólo ayudó a Alfredito de la Fe a recuperarse sino que también lo hizo con Joe en una calamidad doméstica...

Doña Ángela (mamá del Joe) tuvo una enfermedad y como el Joe apenas estaba empezando en el asunto de la orquesta entonces vendí una trompeta Yamaha y le pasé el dinero al Joe para que se fuera a arreglar el problema de salud de su madre. Todos somos generosos de una manera, yo creo que colaboro con la felicidad del país sin distingos ni racismos. He sido parte fundamental para que el 20% del país de raza afrocolombiana tenga sus distinciones. Ahí está el premio del Joe Arroyo: La Leyenda.
¿Por qué lo llamaban Joselito?

En esa época, año 1965, había un actor que se llamaba Joselito que cantaba en las películas más famosas, como ‘Joselito, Pan y Vino’, el mejor cantante niño que existió, no hay otro ahorita que haga lo mismo que él, era espectacular la voz de este niñito. Y a don Antonio se le ocurrió decirme Joselito, tenía yo como 13 años: ‘llámenme a Joselito ahí’.

Primero fue Joselito hasta que llegó el apodo que entre otras cosas, resalta el nombre de una fábrica de conservas, de Cali, que tenía una insignia, una muñequita, entonces decían que yo me parecía a esa muñequita y me pusieron el apodo de Fruco. Nosotros le pusimos la K para diferenciarlo de la marca de las conservas.
¿Es cierto que toca 25 instrumentos?

Uno se va especializando en el estudio de grabación. Mi primer instrumento fue el timbal, después la batería, luego la percusión completa: conga, bongó, campana, clave, güiro, luego la parte armónica, piano, órgano, sintetizadores, bajo, guitarra, cuatro y así, uno llega el momento de que se pone juicioso y comprende los instrumentos.
¿Por qué los sacaron de un cementerio?

Aaah, es que cuando hicimos una canción irreverente que fue el primer éxito de Fruko y sus Tesos que se llamó ‘A la Memoria del Muerto’ había que pensar estrategias, buscar algo bien llamativo. Conseguimos unas camisas africanas, y nos fuimos para el cementerio, sentados al lado de las cruces y reflejar lo que decía la canción: el muerto al hoyo y el vivo al baile en la voz de ‘Piper Pimienta Díaz’. Entonces llegó la policía y nos preguntó que qué estábamos haciendo ahí, les dije, no, pues tomándonos unas fotos. Y nos sacaron de ahí, porque era algo muy irreverente en ese momento.
¿Todavía parte cocos de un solo golpe?

Sí, señora, todavía. El misterio es de la siguiente manera: se recibe la orden espiritual que lo puedes hacer; la orden pasa al cerebro y el cerebro le da la orden al cuerpo y así es como se ejecuta, una técnica yoga, además, sino se parte el coco, se parte la mano (risas).
¿Pero a usted nunca se le ha partido la mano, no?

No, nada, porque tengo la técnica. Eso me evita, con la potencia que tengo, el deseo de tal vez pegarle a otra persona.
El Preso es uno de sus temas consentidos porque oigo que es el ringtone de su celular. ¿Hay algo en particular que lo haga consentido por usted?

El Preso es una plegaria, una canción que ha llegado a ser uno de los himnos de la música salsa y la salsa es universal, la bailan los rusos, los japones, italianos, franceses, entonces El Preso, una canción de Álvaro Velásquez en su composición, fue nuestra carta de presentación, interpretación de Wilson Manyoma, arreglos de Luis Carlos Montoya y la fuerza de Fruko y sus Tesos que la hace impactante. A todas las generaciones les gusta esa canción, hasta los niños la cantan.
Diego Vásquez, el actor que encarna a Fruko en la telenovela ‘Joe, La Leyenda’

Diego Vásquez quiso conocer al maestro Julio Ernesto Estrada en persona, para eso viajó a Medellín: “Yo necesitaba que él me conociera y me diera su bendición”, dice el ibaguereño que para alimentar su personaje estuvo mirando muchos videos de la Orquesta Fruko y sus Tesos en You Tube.

Durante todo un día estuvieron hablando, conociéndose. En ese primer acercamiento él “se abrió completamente, me habló de su vida, me abrió su corazón, me contó muchas anécdotas de su infancia”.

Le narró, por ejemplo, que él, a los puños, en el colegio, defendía a los niños más pequeños, pues los grandes les arrebataban lo del recreo y por eso “les daba durísimo”.

A los 16 años entró a Los Corraleros de Majagual y tiempo después habló con Antonio Fuentes, propietario de Discos Fuentes para organizar su propio grupo, así nació Fruko y sus Tesos. También le habló de cómo se fue convirtiendo en una figura paternal para los miembros de su agrupación por su madurez y la exigencia de la disciplina.

El actor se siente “muy orgulloso” de representar a un hombre ejemplar, responsable, comprometido con la música, a un hombre tan bueno, amplio, generoso. “No le importa deshacerse de las cosas que tiene para brindarle a otro una oportunidad”.

Lo describe también como un hombre de un humor blanco, “es simpatiquísimo, raya en la inocencia. Nunca hace chistes despectivo. Lo hace en un tono que hace que nadie se sienta agredido”.

Cuando está enseñando, comenta Vásquez -- que llamaba regularmente al maestro-- tiene un tono reposado, de un ser humilde.

“Dejó de tomar, no fuma. La única adicción que tiene es la buena comida”, dice este actor con 25 años de trayectoria y quien agrega que el músico tiene una vida austera, sencilla, sin grandes lujos, sin grandes pretensiones, siempre está produciendo, creando. Su estudio siempre está ocupado.

“Ya nadie le saca el mal genio, yo por ejemplo lo veo como un maestro zen. Uno con él se siente tranquilo; él dice que está disfrutando más la vida que en el tiempo que era frenético”.

Personificar al maestro, lo considera el actor, “como un acto que he manejado con mucho respeto y responsabilidad”. Y lo ha hecho tan bien, que el maestro se divierte mucho viendo las escenas, “es como un niño chiquito”.
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José Nogueras recuerda a "Don Pipo"

Don Pipo Nogueras, Tony Croatto y José Nogueras


Fuente: Primera Hora, Puerto Rico. Por: Rosalina Marrero-Rodríguez

El carácter tierno, generoso y trabajador de su padre fue algo que siempre admiró el cantautor José Nogueras.

Pero algo que resalta de“ don Pipo”, como llamaban a su fallecido progenitor José Nogueras Chapel en su natal Añasco, era el respeto que mostraba hacia sus pares.

“De papi recuerdo muchas cosas que me agradan, pero una cosa que me gustó siempre de él fue que nunca lo escuché chismeando y eso me gustaba, porque, como siempre hay tanto chisme, y en casa él no practicaba eso”, recuerda el artista.

José Nogueras honra a su papá con el tema Padre de mi corazón, incluido en su más reciente proyecto discográfico, En un sólo corazón.

En la canción, resalta, entre otras cosas, el apoyo que recibió del aficionado de la guitarra.

“Siempre fue un trabajador asalariado y vivía feliz con esa cantidad de dinero y vivía de acuerdo a lo que ganaba”, cuenta el cantante, que está próximo a celebrar su cumpleaños número 60.

Su papá y su cuñado representan las dos influencias de José Nogueras en la música.

“Papi salía del trabajo y cogía la guitarra y yo le recuerdo, tocaba la sinfonía con la guitarra puesta”, relata el sobreviviente de cáncer.

En un sólo corazón, producida por el propio intérprete, incluye también una canción dedicada a su mamá, titulada Sólo tú sabes, madre querida.

Del repertorio de nueve melodías, resaltan además el clásico Amada mía, grabado a dúo con Cheo Feliciano; y Para agradecerte, dedicada al donante de hígado que le regaló vida.

La dirección musical estuvo a cargo de Ángelo Padró.

José Nogueras, en tanto, dice estar “bien chévere” de salud.

“Estoy excelentemente de ánimo, además de que Dios ha hecho una transformación hermosa y en la medida en que conozco su palabra y sus cosas, en esa medida crece mi felicidad y crece mi salud”, afirma con su peculiar energía.

A la par con su reciente disco, el compositor anticipa dos nuevos álbumes: uno de sus éxitos navideños y otro de música cristiana.
18 jun. 2011 0 comentarios

Hoy la Descarga en el Barrio es para Héctor Lavoe

Nueva edición de Descarga en el Barrio. Esta es para Héctor Lavoe
17 jun. 2011 0 comentarios

Gran reaparición de Chucho Valdés en Argentina


Fuente: Agencia Telam, Argentina. Por: Pedro Fernández Mouján

En su vuelta a la Argentina después de cuatro años de ausencia, el pianista cubano Chucho Valdés ofreció un extraordinario concierto al frente de su banda, los AfroCuban Messengers, en el que vino a mostrar "Chucho`s Steps", última placa discográfica de su autoría, premiada con el Grammy 2011 como Mejor Album de Jazz Latino.

Al frente de un septeto de excepción, el pianista desplegó a lo largo de más de dos horas un jazz rico, variado y versátil, que es una nueva propuesta estilística de quien fuera líder de los Irakere y que, redoblando la apuesta del latin jazz, propone ahora una música de cruces donde resaltan los compases, rítmicas y texturas afrocubanas.

Un tema de Chucho puede durar 20 minutos y en ese tránsito la banda recorre distintos paisajes sonoros, cruza tradiciones que pueden ir del piano contemporáneo al canto afroamericano, de la rítmica enrevesada de los tambores a la pesada dulzura de la trompeta.

Todo puede sonar, en la banda de Chucho, con una clave propia y todo puede, al mismo tiempo, sonar junto, en un grupo que, como las mismas estructuras musicales de las composiciones que ensaya, se arma y se desarma a velocidad del relámpago a lo largo de un mismo tema cuando el pianista da la señal convenida.

Lo que arranca como un septeto se puede transformar, de pronto, en un trío de piano, bajo y trompeta o en un quinteto de congas, batería, contrabajo y piano o tener también un extenso set solista de canto y tambores.

A los 70 años y en una pletórica madurez creativa, Chucho logra una música donde caben todos los recorridos de más de 50 años de trayectoria y que puede evocar al mismo tiempo una transitada avenida de Nueva York o el canto antiguo de una lavandera en el río.

Se sabe que el mejor jazz en castellano se hace y se hizo siempre en Cuba y los Messengers de Chucho son un punto alto de esta tradición que se hizo tanto dentro como fuera de la isla y que siempre tuvo la marca de un jazz combativo, potente, incendiario, con una preciosa reverencia por la melodía y, al mismo tiempo, una furiosa adhesión a los tambores.

El concierto de ayer, que concluyó pasada la medianoche y con el teatro de pie ovacionando a los músicos, arrancó pasadas las 22 con "Misa negra", un antiguo tema de Irakere que Chucho reformula para esta agrupación y que, con su inclusión de canto con tambores, es una llave para entender todo lo que vendrá después.

Le sigue un sabrosísimo "Danzón", donde el grupo se desarma y rearma varias veces, con una bella trompeta a cargo de Reinaldo Melián, que es la que pone la mayor carga de la tradición jazzística de sótanos y bares humeantes.

El tema da espacio también para un piano magnífico que, siempre a ritmo, vuelva, atraviesa espacios y sonidos, vuelve a la melodía, se vuelve a perder y retorna, mientras una base estupenda de batería, bajo y percusión sostiene con solidez indestructible la marcha de este tren de la música.

Dedicado a Joe Zawinull, quien fuera líder de Weather Report junto a Wayne Shorter y a quien Vadés definió como uno de los grandes pianistas de la nueva música, llega "Zawinul`s mambo", tercer tema del concierto y el primero del nuevo disco, que pone en primer plano por un momento a Lázaro Rivero.

Se trata de un bajista eléctrico y contrabajista similar a Ray Sugar Leonard, no sólo por el parecido físico que se adivina desde la platea sino también por una cierta manera danzística, como un bailoteo, de estar a tierra y en el aire al mismo tiempo y establecer la conexión profunda de la banda.

Versatilidad y consistencia son algunas de las manifiestas virtudes que exhiben los AfroCuban Messengers, un grupo musical casi de excepción que, además de los citados, conforman un increíble Yaroldy Robles en las congras, Dreiser Bombalé en bata y voz, el notable baterista Juan Carlos Rojas Castro y el saxo tenor Carlos Miyares, y que están a la altura de la tradición musical a la que pertenecen.

Chucho, que ayer por la tarde y antes del concierto fue declarado Huésped de Honor de la ciudad y que hoy completa sus presentaciones en el país con un concierto en Córdoba, dio continuidad a la velada musical con un repertorio que incluyó "Being to be good", quizás el tema jazzísticamente más clásico, el afro "Yansá, con tambores y canto, un set de dos canciones con la participación de la cantante Mayra Caridad Valdés abierto con un bolero y luego los finales de "Chucho`s Steps" y "Ponte la clave" del nuevo disco y la nueva propuesta.

Se trató de una noche de excepción, de fiesta, al mismo tiempo de reencuentro y de novedad, con una música en permanente estado de exaltación, belleza y sorpresa.





La creación no tiene edad ni se pone vieja. Por Jorge Belaunzarán

Entrevista a Chucho Valdés. En los 70 cambió la música cubana con Irakere. Pero como desde joven sintió que si el disco que hacía era igual al anterior sólo debería dedicarse a enseñar, entonces cambió. Y así llegó el gran chucho’s steps. Dueño de una intepretación encantadora, dice que hay muchos haciendo muy buena música hoy pero no se produce un salto. Él, mientras, de vez en cuando se sube a su nube. Y viaja.

Hay un niño por ahí que tiene que dejar su lugar para que su padre, Chucho Valdés, se ponga delante de la computadora y responda las preguntas que le hacen desde Buenos Aires, donde se presenta el jueves 16 de junio en el Gran Rex. Lo mandan a la cama, al niño. No a acostarse, menos en penitencia, ¡qué va! Si el chico, se sospecha, gusta de seguir a su padre a sol y sombra. O mejor: a la luz de su música, a la penumbra de la introspección que ensimisma y permite descubrirse. Porque más allá de la voluntad, a menudo los padres funcionan apenas como un cable de transmisión: de generación en generación, reproducen un pasado. En el caso de Chucho Valdés, el que tuvo la fortuna de tener con su padre: se dice que, con tres años, Chucho miraba (a veces espiaba, según la leyenda) cómo tocaba la banda de su papá. Su hijo tiene cuatro.

"Exactamente. Dicen que la historia se repite".

-¿Su hijo ya está puesto al piano o a algún instrumento?

-Está indeciso entre el piano y la percusión. Está definido como que por lo menos va a ser músico. Pero desde los dos ya se veía, y a los tres más y ahora ya.

-¿Alguna vez lo encontró tocando solo?

-Bueno él a veces me sorprende, porque le enseño las escalas de dos, y no las hace. Entonces en un momento en que ya no estoy en eso, me dice: ¿mira lo que hago?; entonces las hace. No la hacía porque no quería. Va a ser músico, seguro.

-Para Chucho’s Steps, su nuevo disco, dijo que encontraron un nuevo sonido. ¿Podría definirlo?

-En general nuevas estructuras. Y algunos cambios de sonido también. Combinación de la percusión, de los güatas y las congas, combinaciones rítmicas de la base. Encontramos un lenguaje diferente, haciendo cambio de compases. Porque lo típico en la música afrocubana son los compases simples, que es 6 x 8, o 12, que es igual; o 3, 6, 12. Pero bueh, los compases irregulares son más complicados, porque cambian todo el sentido de la rítmica, que es la clave: cuando hay un compás asimétrico como el 5, 7, 9, 11 o 13 ya cambia el sentido; el tumbado de piano, las combinaciones en bajo, inclusive la misma canción.

-¿Estos cambios aparecieron a partir de una búsqueda concreta en un sentido o surgió a partir de algún error que le llamó la atención y se puso a buscar por ahí?

-Estábamos buscando cómo cambiar y empezamos a experimentar. Por supuesto dentro de la experimentación hay cosas que no se hacen bien. Entonces empezamos a escoger, a separar esto funciona, esto no. Fue mucho tiempo de ensayo y de buscar soluciones y estructuras hasta que llegamos a un consenso final donde aparece Chucho’s Steps.

-¿Es demasiado innovador para escuchar?

-No sé si demasiado. Lo que pasa es que las cosas que son nuevas, a veces, tienen su proceso de asimilación. Pero mira que tuvimos tremenda suerte, porque el disco ganó un premio en Francia, en los conciertos hubo tremendo éxito, de la prensa, y ganamos el Grammy, entonces vamos viendo que sí, que la cosa justificaba.

-Dicen que hay método Chucho para grabar. ¿Cuál sería?

-Sigo con el concepto de grabar todos los músicos juntos. Para este género musical no es saludable hacer las bases y después ponerle el timbal, y después los solos. En este tipo de música así se pierde la espontaneidad. Hacemos todo juntos, y entonces estamos como retroalimentándonos uno con otro, como si estuviéramos en vivo.

-¿No hacen retomas?

-Trato de no hacer eso. De que no sea una música que luego la arreglas con el protools y vamos a retocar. Es como si fuera en vivo. No sé si es más antiguo, o será más moderno. Pero es el sistema más espontáneo para improvisar. Estás ahí en caliente y estamos ahí todos tocando.

-Siempre dice que el disco siguiente que hace sea mejor que el anterior...

-Que sea diferente.

-¿Teme que en algún momento no le salga?

-El día que no me ocurra esto lo paro, y no sigo. Simplemente hasta ahí llegaste entonces. Me dedico a dar clases, o tocar conciertos solo de piano, cosas así. Pero realmente, para qué vamos a empezar a repetirnos, todo el mundo se va a dar cuenta cuando eso suceda, si sucede.

-Algunos músicos piensan entre las décadas del 40 y el 70 del siglo XXI la música tuvo un cambio revolucionario. Y que actualmente, más que cambios importantes, hay pequeñas variaciones sobre lo conocido. ¿Acuerda con esta idea?

-Eso es relativo. En todas las artes hay épocas y tiempos dorados. Las década del 40 y 50 fue un década musicalmente luminosa. Después ha habido baches, pero recuerda que son problemas cíclicos. Después de un Dizzy Gillespie, Charly Parker, o un Miles Davis hubo un pequeño bache pero después surgió un John Coltrane, Bobby Hackett. Es como el telón: sube y baja. En este momento hay alguna gente que está haciendo cosas, que no es un momento de una gran explosión. Pero en general falta ahora otro Coltrane, Parker, otro Gillespie, alguien que revolucione otra vez y abra el camino. Eso tiene sus períodos.

-¿Cree que esos cambios se producen espontáneamente?

-Esto surge espontáneamente. El bebop salió espontáneamente. Fue una reunión de Parker, Gillespie y Thelonious Monk. Y fue una generación. Que revolucionó, actualizó lo anterior e hicieron un concepto nuevo y triunfó. Y estas mismas cosas se repiten cíclicamente. Al final de los 50 Bill Evans abrió un nuevo camino al piano junto a McCoy Tyner. Ellos cambiaron a Bud Powell, que siempre sera Bud Powell; pensaron de otra forma. McCoy pensó un camino que nadie había pensado. Y es un camino que todavía está ahí. Y Evans también. Fue otro momento grande, y así vienen por épocas; eso es cíclico. Es igual que Irakere. Irakere. Porque hay cosas que suceden en su momento, y hoy no se podría hacer un Irakere como aquel. Fue un momento que estaba Arturo Sandoval, Paquito D’Rivera, Carlos Emilio (Morales), una serie de músicos que éramos muy jóvenes, que queríamos y no nos interesaba nada más que hacer buena música. Y nos reunimos y lo hicimos y cambió el panorama de la música cubana, el mismo sistema de la música bailable. Cambiamos todo para bien. Como fue Piazzolla en su momento en Argentina, que cambió el concepto del tango. Y siempre que pasan estas cosas tenemos los detractores: ¡no, eso no es la pura música cubana! En fin, pero siempre pasa. ¿Viste que la tradición se rompe pero cuesta trabajo? Y Piazzolla la rompió.

-Todos los músicos que nombró hicieron el cambio cuando eran jóvenes. ¿Es una característica del cambio o puede suceder con músicos que vienen con años de carrera?

-El arte no tiene edad. Y la creación no tiene edad ni se pone vieja nunca. Eso está en la mente. A los ochenta y pico de años Pablo Casal tocaba el violín increíblemente, y Picasso hacía maravillas; Miles Davis, siendo un hombre de 65 años, dio los pasos más modernos en el jazz porque metió la electrónica e hizo maravillas. Eso me lo dijeron cuando era joven, y ahora te digo que es una gran mentira: el arte no tiene edad, y el desarrollo depende de la mentalidad y el talento, que tampoco lo tiene. Piazzolla dio lo más alto de su carrera y hubiera seguido haciendo más cosas.

-Usted dijo una vez que sus alumnos, cuando tocan una nota, tenían que saber cuál es la relación y la historia de cada nota. ¿Les explica la historia y el contexto en el que surgieron?

-He tratado que no se toque por tocar. O sin tener un sentido con lo que tú estás haciendo. Entre cada intervalo sí hay una historia, una relación, inclusive anécdotas. Estudié magisterio, independientemente de la música, y un poco de pedagogía. Y eso me sirvió mucho para enseñarles a los muchachos. Este pasaje es del estilo de Gillespie, les digo, por ejemplo; lo hizo en 1947. A cada frase les buscamos diferentes variantes, y también la raíz, de dónde vienen, en qué época, quién. Para que tengan un conocimiento de lo que están haciendo. No tocar un pasaje sin saber de dónde viene. Eso es súper importante, porque la música es música, pero mucho tiene que ver con la historia, los tiempos. Y abre la cabeza con la misma historia de la música.

-Cuando creció en Cuba su país dependía mucho de Estados Unidos…

-Sí, pero no sólo de Estados Unidos, aunque si haces jazz adónde vas a mirar si no es a Estados Unidos. Y el jazz es música afro americana, y nosotros hacemos música afrocubana, entonces tienen mucha relación, por eso se pudieron fusionar de esa forma, por una raíz común. Pero también si tú no tienes los conocimientos de la técnica europea, del clasicismo y esas cosas estás a medias. Tuve la suerte de tener profesores europeos: rusos, alemanes, etc. Y esa técnica la pusimos en función de la mezcla de la música africana y el jazz.

-¿Y luego de la Revolución Cuba, cuando estuvo bloqueada por Estados Unidos, tuvieron muchas dificultades para el mantenimiento de los instrumentos y la producción de música?

-Es que los músicos somos una familia. Y nosotros realmente sabemos que existe la política, pero la amistad, el cariño, el respeto entre los músico a nivel mundial es muy grande. Y hubo mucha ayuda, mucho intercambio; nos mandaban sus instrumentos, mandaban sus discos, sus casetes, y siempre entre los músicos había una relación de encontrarnos en los festivales y seguir el intercambio por encima de los otros problemas.

-Además de formar parte de un club, dice que los músicos viven en una nube. ¿Se tuvo que bajar alguna vez de esa nube?

-¡Muchacho, corriendo! Jajaja.

-¿Por qué?

-Cosas de la vida jaja. No somos gente anormal ni nada, sino que a veces te inspiras y te vas. Es como el duende ese que sin darte cuenta te saca. Pero a veces suceden cosas que te vuelven a bombear al planeta jaja.

-Y cuando se fue por ahí, ¿alguna vez se asustó?

-Sí. Si tú estás improvisando, a veces se te ocurren cosas que nunca habías pensado. Y eso me pasa mucho a menudo. Pero trato de recordarlo porque después no te das cuenta más. Son cosas que te vienen, sigues tocando y se te van. Tienes que grabarlos y ves lo que hiciste. Pero a cualquiera de nosotros se nos ocurren cosas que jamás habíamos pensado. Y es la sorpresa, que tú mismo te asustas y sorprendes. Es buenísimo, es lo más lindo que tiene la improvisación.

-¿Siente una ilusión especial cada vez que se sube a un escenario?

-Cuando tenía 19 años era el pianista de la orquesta del teatro Martí. Era de los músicos que tocábamos en los fosos. Los domingos el teatro tenía doble función. La primera de cuatro a seis y media; y luego había dos horas para comer y a las ocho y media volvíamos. En esas dos horas con el baterista de la orquesta salíamos corriendo para los jam session, y regresábamos a las ocho y media sin haber comido. Entonces los músicos viejos nos decían: ustedes hacen esto porque son jóvenes, cuando tengan la edad nuestra, no lo van a hacer más; y se reían. Y a mí eso me daba mucho miedo. ¿Será real que uno le puede perder el amor a la música con el tiempo o porque esté más viejo? No podía creerlo. Hoy te puedo decir que era mentira. Cuando voy a subir al escenario sigo sintiendo la misma emoción, el mismo miedo, la misma cosa que cuando empecé. Y me voy a tocar a cualquier lugar y vuelvo de madrugada, sin dormir, porque uno disfruta. Ese es tu mundo.


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Roberto Sierra entre lo clásico, el jazz y la salsa

Fuente: El Nuevo Día, Puerto Rico. Por: Rafael Vega Curry

Con un acento y una amabilidad inconfundiblemente boricuas, se escucha la voz al otro lado de la línea telefónica diciendo “hola”.

En el curso de la conversación, esa impresión inicial de amabilidad no sólo queda confirmada, sino que además se le añaden considerables dosis de sencillez y buen humor, cosas que también distinguen a los puertorriqueños.

Pero no es cualquier boricua el que está en el teléfono.

Es Roberto Sierra, nuestro compositor de música clásica más aclamado mundialmente en estos momentos. Sus piezas forman parte del repertorio de algunas de las principales orquestas de Estados Unidos y Europa, tales como las Filarmónicas de Nueva York y Los Ángeles.

Así que cuando Sierra decidió unir sus talentos a los del saxofonista James Carter para grabar “Caribbean Rhapsody” (Emarcy) algo grande tenía que resultar.

James Carter es, sencillamente, uno de los saxofonistas más talentosos en la historia del jazz. Su dominio de la familia del saxofón -desde el “bass sax” hasta el sopranino- es absoluto, lo que le permite expresarse con total precisión técnica y naturalidad.

El resultado de este junte es un disco único en su clase, una feliz unión de la música clásica con el jazz y un toque de salsa. Consta de dos piezas compuestas específicamente por Sierra para el saxofonista, la que le da título al CD y “Concerto for Saxophone and Orchestra”, así como de dos solos de saxo cálidamente expresivos y de consumada ejecución.

Lo que diferencia este álbum de cualquier proyecto anterior de Third Stream -como se bautizó la fusión de música clásica y jazz- es que, al componer con Carter en mente, Sierra incorporó brillantemente a su partitura el estilo interpretativo del saxofonista de Detroit.

“Tiene un balance muy delicado, y a la vez muy fuerte, entre estructura e improvisación”, comenta el propio Carter.

“Te diría que mi idea al componer ‘Concerto for Saxophones’ fue hacer algo totalmente distinto”, dice el compositor nacido en Vega Baja y residente de Ithaca, Nueva York. “Hacer algo que estuviera en un nivel muy alto en ambos campos”.

“James Carter es un gigante de su instrumento”, dice Sierra. “Conocerlo personalmente -hace varios años ya-, trabajar con él hasta ver el resultado final, fue algo muy significativo para mí”.

Al preguntarle si tuvo que modificar de algún modo su estilo de componer para ajustarlo a la manera en que toca Carter, Sierra responde, “lo que hice, lo hice sin que me costara trabajo. Su manera de tocar me hace mucha simpatía como compositor. Y viceversa, porque creo que mi estilo fue de total simpatía para él”.

¿Qué motiva a un compositor de música clásica a incorporar ritmos y sonidos de la salsa en su trabajo?

“Esas son mis memorias, mi lenguaje, como el español”, responde Sierra.

“Yo nací en el 1953 y me crié cuando la salsa floreció, en los años 60 y principios de los 70. Fueron los años de la Fania, Héctor Lavoe, la Lupe. Así que eso es parte de mi vocabulario, de mi sentir. Aun cuando mi música es abstracta, siento que ese elemento está ahí”.
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Frankie Vásquez estuvo en Chile


Chile se viene convirtiendo en una nueva plaza para los artistas salseros. Esta semana estuvo en Santiago el "Sonero del Barrio" Frankie Vásquez quien, como siempre, deleitó a los aficionados no solo con su calidad de cantante sino también con su calidad humana y sencillez.

Aquí están los videos de www.descargalatina.cl, grabados en el Klub Mangosta


















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Blades y Gilberto ahora en Orlando y Miami


Ahora le toca a la Florida: el panameño Rubén Blades y el puertorriqueño Gilberto Santa Rosa estarán este viernes 17 y el sábado 18 de junio en Orlando (Amway Center) y Miami (James L.Knight Center) respectivamente, con su show “Una Sola Salsa”.





Gilberto Santa Rosa será actor en Telemundo

Gilberto Santa Rosa, el legendario salsero puertorriqueño, cumplirá uno de sus sueños, actuar en un dramático televisivo. El Sonero y creador del "bolero en salsa" se enfrenta a las cámaras en esta nueva faceta artística, junto al carismático Jeancarlos Canela protagonista de la novela que se transmite en horario estelar por Telemundo, "Mi Corazón insiste en Lola Volcán".

Andrés Santacruz, interpretado por Canela, está despechado ahogando las penas en alcohol y el cantante le da consejos sobre su situación sentimental, porque luego le cantará boleros para enguayabados.

Los que somos fanáticos de la Salsa conocemos a uno de los más grandes interpretes de este género musical, hasta seriamos capaces de acompañar a nuestras esposas a ver las telenovelas para escuchar al gran Gilberto Santa Rosa. No dudamos que la aparición de "Gilbertico" subirá los tan ansiados numeritos del rating.


Bautizan en Panamá nueva especie de tarántula en honor a Rubén Blades

Una nueva especie de tarántula descubierta en las islas en la noroccidental provincia panameña de Bocas del Toro, fue bautizada con el nombre Ami Bladesi, por su nombre genérico Ami y en homenaje al afamado músico y actor de cine panameño Rubén Blades, informó el día 13 en Panamá el Instituto Smithsonian de Investigaciones Tropicales.

El Instituto, de origen estadounidense y que investiga la diversidad biológica de los trópicos, explicó, a través de un comunicado, que el descubrimiento lo hizo el científico visitante Ray Gabriel, y a quien le habían dicho al llegar a las islas que no encontraría tarántulas.

Se precisó que Gabriel encontró una especie conocida de la araña, además de una tarántula rosada que no pudo identificar, y que envió a un experto, Fernando Pérez-Miles, de la Universidad de Uruguay.

Luego se indicó que la tarántula no identificada resultó ser de una nueva especie, y cuyo nombre genérico Ami es una palabra de los Tupi (etnia indígena del Brasil), y que significa "araña que no teje su red" .

El Instituto resaltó que la segunda palabra se escogió por Blades, ganador entre otros logros del Premio Grammy, y quien fue además ministro de Turismo de Panamá.(Xinhua)