24 sept. 2020 0 comentarios

Jhonny Peña, lider de Zaperko, pide disculpas

 


Fuente: Expreso, Peru

Jhonny Peña, líder de la orquesta de salsa Zaperoko, pidió disculpas a sus seguidores y a la ciudadanía, luego de que algunos de sus integrantes fueron capturados por la Policía Nacional del Perú (PNP) tras realizar una fiesta en el Callao.

“No debemos hacerlo, quiero ofrecerles disculpas a nuestros seguidores. Aquí ensayamos, hacemos pruebas, grabamos nuestros videoclips. Afronto lo que deba ante las autoridades o las sanciones que correspondan”, manifestó a Canal N.

Algunos miembros de la orquesta fueron sorprendidos en pleno festejo en su local ubicado en el mencionado distrito. Por esta razón, Peña indicó que la celebración se dio porque le estaban organizando su fiesta de cumpleaños.

“Fue algo sorpresa que me prepararon los muchachos. Recibí la llamada en horas de la tarde. Me dieron una torta y compartimos un rato. Estuve una hora y me retiré. Le dije a los muchachos que somos conocidos, que no pueden hacer bulla, que por favor terminen y se retiren”, indicó.

No obstante, el líder de Zaperoko resaltó que no trabajan en fiestas privadas, pese a que reciben propuestas de contratos. Además, detalló que se encuentra complicado por la situación económica pero no aceptan dichas ofertas.

“Nos llaman para trabajar todos los días, para hacer las famosas fiestas privadas. Estamos en la necesidad, pero no lo hacemos. Nadie puede decir que estamos en eventos privados sin autorización. Invocamos a no hacer fiestas o reuniones”, señaló.

18 sept. 2020 0 comentarios

Y sigue bravo

 


Gracias a Omar Córdova tengo en mis manos la segunda edición de Pa’Bravo Yo, el compendio de crónicas salseras del (re)querido escritor Eloy Jaúregui.

Cuando, hace dos semanas, vi su lanzamiento on-line en la Feria del Libro, vino a mi mente esa mañana de marzo del 2011, cuando se presentó la primera edición del texto, en medio de la efervescencia que los salseros peruanos vivíamos con motivo de la primera vez de Fania All Stars en Lima.

Nueve años después, y aunque todavía estoy en el lado A, puedo confirmarles que esta nueva versión es distinta y diferente, trae nuevos textos y un “bonus track” de fotos de varios de nuestros héroes. Se lee con los ojos y con los oídos. 

Mi abrazo virtual a Eloy quien, gracias a Dios, “tiene la mente en su sitio y está bueno de salud”. Bravo Maestro!


15 sept. 2020 0 comentarios

Billboard presenta "las 50 mejores canciones latinas de la historia"


Fuente: Agencia EFE

La organización Billboard reveló este martes su lista de las 50 mejores canciones latinas de la historia, para marcar el inicio en Estados Unidos del mes en el que se celebra la Herencia Hispana.

La lista combina algunos de los éxitos recientes del género urbano, canciones de pop de las últimas tres décadas y temas del cancionero tradicional latinoamericano, como la cubana “Guantanamera” y la mexicana “La Bamba”.

"El viaje de Billboard para escoger las 50 mejores canciones latinas de todos los tiempos nos llevó por el tiempo y el espacio, desde Argentina hasta España y desde los 1920 hasta los 2018", indicó la publicación.

"Queríamos representar todo el espectro de la música latina, desde las baladas mexicanas hasta el son cubano, la salsa colombiana y la bachata de hoy en día", añadió.

Sin embargo, la selección de Billboard "no incluye solo éxitos sino canciones que hicieron una diferencia, que marcaron un momento, que influenciaron a muchos y que fueron, sencillamente, grandes composiciones".

1. "A Dios le Pido" - Juanes. Writer: Juanes

2. "A puro dolor" - Son by Four. Writer: Omar Alfanno

3. "Ahora Quien" - Marc Anthony. Writers: Estéfano, Julio Reyes

4. "Amigo" - Roberto Carlos. Writer: Roberto Carlos

5. "Amor Prohibido" - Selena. Writers: AB Quintanilla and Pete Astudillo

6. "Bailando" - Enrique Iglesias featuring Gente de Zona and Descemer Bueno. Writers: Enrique Iglesias, Descemer Bueno, Gente de Zona

7. "Besame Mucho" - Various Artists. Writer: Consuelo Velazquez

8. "Burbujas de amor" - Juan Luis Guerra. Writer: Juan Luis Guerra

9. "Cali Pachanguero" - Grupo Niche. Writer: Jairo Varela

10. "Color Esperanza" - Diego Torres. Writer: Diego Torres, Coti, Cachorro Lopez

11. "Conga" - Gloria Estefan and Miami Sound Machine. Writer: Enrique “Kike” Garcia

12. "Corazon Partió" - Alejandro Sanz. Writer: Alejandro Sanz

13. "Danza Kuduro" - Don Omar feat. Lucenzo. Writers: Don Omar, Lucenzo, Faouze Barkati, Fabrice Toigo

14. "Despacito" - Luis Fonsi feat. Daddy Yankee and Justin Bieber. Writers: Luis Fonsi, Erica Ender, Daddy Yankee

15. "El Buen Perdedor" - Franco De Vita. Writer: Franco de Vita

16. "El dia que me quieras" - Various artists. Writer: Carlos Gardel, Alfredo Le Pera

17. "El Farsante" - Ozuna. Writer: Ozuna

18. "El Perdon" - Nicky Jam and Enrique Iglesias. Writer: Nicky Jam

19. "El Rey" - José Alfredo Jiménez, Vicente Fernández. Writer: José Alfredo Jiménrez

20. "El gran varón" - Willie Colón. Writer: Omar Alfanno

21. "Eres tu" - Mocedades. Writer: Juan Carlos Calderon

22. "Gasolina" - Daddy Yankee. Writers: Various

23. "Guantanamera" - Celia Cruz, Pete Seeger & more. Writer: Jose Fernandez Diaz based on poetry by José Martí

24. "Historia de un Amor" - Various Artists. Writer: Carlos Eleta Almarán

25. "La Bamba" - Ritchie Valens. Writer: Folk song adapted by Ritchie Valens

26. "La Maza" - Silvio Rodríguez, Luis Eduardo Aute, Mercedes Sosa, Shakira. Writer: Silvio Rodriguez

27. "La nave del olvido" - José José. Writer: Dino Ramos

28. "La Rebelion" - Joe Arroyo. Writer: Joe Arroyo

29. "La Tierra del Olvido"- Carlos Vives. Writers: Carlos Vives and Iván Benavides

30. "Livin' la Vida Loca" - Ricky Martin. Writers: Robi Rosa, Desmond Child

31. "Macarena" - Los del Rio, Bayside Boys. Writers: Rafael Ruiz Perdigones and Antonio Romero Monge (Los del Rio)

32. "Malamente" – Rosalía. Writer: Rosalía, El Guincho, C Tangana

33. "Mariposa Traicionera" - Maná. Writers: Fher Olvera

34. "Matador" - Los Fabulosos Cadillacs. Writer: Gabriel Julio Fernandez Capello (aka Vicentico)

35. "Mediterráneo" - Joan Manuel Serrat. Writer: Joan Manuel Serrat

36. "Mi Gente" - J Balvin, Willy William. Writer: J Balvin, Willy William, Andres Restrepo, Ashadally Adam, Mohombi

37. "Mujeres" - Ricardo Arjona. Writer: Ricardo Arjona

38. "Música Ligera" Soda Stereo. Writer: Gustavo Ceratti

39. "No me doy por vencido" - Luis Fonsi. Writers: Luis Fonsi and Claudia Brant

40. "Obsesion" - Aventura. Writer: Romeo Santos

41. "Oye Como Va" - Tito Puente, Carlos Santana, others. Writer: Tito Puente

42. "Pedro Navaja" - Willie Colon & Rubén Blades. Writer: Rubén Blades

43. "Querida"- Juan Gabriel. Writer: Juan Gabriel

44. "Secreto de amor" - Joan Sebastían. Writer: Joan Sebastian

45. "Si no te hubieras ido" - Marco Antonio Solís. Writer: Marco Antonio Solis

46. "Somos Novios" - Armando Manzanero. Writer: Armando Manzanero

47. "Suavemente" - Elvis Crespo. Writer: Elvis Crespo

48. "Todos me miran" - Gloria Trevi. Writer: Gloria Trevi

49. "Whenever, Wherever" - Shakira. Writers: Shakira, Tim Mitchell, Gloria Estefan

50. "Y Cómo es el" - José Luis Perales. Writer: José Luis Perales

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Marc Anthony recibe Disco de Diamante por ventas de 3.0

 

Fuente: Metro, Puerto Rico

Marc Anthony hizo historia nuevamente al convertirse en el primer salsero en conseguir un Disco de Diamante de la Asociación de la Industria de Grabacoones (RIAA, por sus siglas en inglés). El reconocimiento lo alcanzó con su álbum ganador del Latin GRAMMY 3.0 (2013).

Afo Verde, Chairman y CEO de Sony Music Latin Iberia, presentó el reconocimiento a la superestrella durante una ceremonia virtual que se llevó a cabo el pasado jueves.

Verde afirmó que “trabajar con Marc es un gran honor para todos nosotros en Sony Music. Él sigue rompiendo récords una y otra vez, y crea nuevos récords por si solo. Es maravilloso ser testigo de esto, y de su grandeza. Solo un artista como él podría alcanzar estas hazañas históricas. Su música es para siempre. Marc ha demostrado que sus grabaciones, no solamente en su estreno, sino cinco, diez, veinte años después, son atemporales y serán coreadas por todo el mundo a lo largo de sus vidas. ¡Felicidades, Marc!”

Marc añadió que “la llegada de este nuevo logro, precisamente en estos momentos, me llena de inspiración y gratitud. 3.0 fue un álbum y una producción que yo consideraba arriesgada en el momento de su lanzamiento, donde la industria de la música comenzaba a cambiar. La aceptación de 3.0 fue una afirmación bien importante en mi carrera y para mi instinto como creador de música. Este logro lo quiero compartir con mi equipo de trabajo, todos mis fanáticos y Sony Music por su continuo apoyo”.

De 3.0 se desprendieron los mega-éxitos “Vivir Mi Vida”, “Flor Pálida” y “Cambio de Piel” entre otros, haciéndose acreedor al Latin GRAMMY® por “Mejor Álbum de Salsa”. Además, el disco obtuvo cinco Premio Lo Nuestro; dos Premios Juventud; diez Premios Billboard de La Música Latina, tres Billboard Music Awards, al igual que reconocimientos especiales de Univisión y Telemundo.

Marc ha sido reconocido con innumerables certificaciones de Oro y Platino de la Recording Industry Association of America (RIAA), cuenta con más de 30 éxitos en las listas de Billboard a lo largo de su trayectoria, y más de 7.1 billones de vistas en YouTube.

El 10 de mayo de 2019, luego de seis años de presentar 3.0, Marc Anthony estrenó su más reciente álbum Opus, bajo Magnus Media/Sony Music Latin. Opus es su octavo álbum de salsa, un género que sigue revolucionando desde el lanzamiento de Otra Nota(1993). Además de ganar el GRAMMY 2020 por Mejor Álbum Tropical, Opus ha obtenido otros importantes premios y reconocimientos. De este disco se desprende el éxito “Parecen Viernes” tema que alcanzó el puesto #1 en la lista Tropical Airplay de Billboard.


13 sept. 2020 0 comentarios

DECENIOS: 40 años de Maestra Vida

 


Fuente: Noticel, Puerto Rico. Por: Omar Marrero 

El trabajo musical del panameño Rubén Blades se ha caracterizado, en su gran mayoría, por su contenido social y político, temática que tuvo como su punto más alto la producción “Maestra Vida”, lanzada al mercado en 1980, por lo que este año celebra su cuadragésimo aniversario.

Dicha producción hoy es considerada la mayor obra maestra del género salsero, pero en aquel momento fue considerada atrevida por su contenido. Presentaba una historia definida que era hilada con relatos, diálogos teatralizados y canciones que tenían un orden cronológico.

La producción fue publicada en dos partes. El volumen 1 salió en los primeros meses de 1980 y el volumen 2 fue publicado a fines del mismo año. En otros países se publicó como álbum doble. La producción fue de Willie Colón para Fania Records.

“Rubén es un genio de la música, de la composición. Es una figura que trasciende más allá del género. Es una persona que se adentra en las letras… es impresionante”, dijo a NotiCel Marcos Rodríguez “Cacique”, director de programación de Z-93.

“Eran unos tiempos donde se estaba haciendo una salsa diferente a lo que propuso Rubén. Tenían unas letras con un reclamo social real. Al principio, la gente se sorprendió porque no estaban acostumbrados a ese tipo de letra. También eran canciones muy largas y ahí la producción tuvo dificultad en las emisoras radiales. Pero eso no impidió que tuviera un impacto grande en los salseros”, indicó el veterano locutor.

¿De qué trata la historia?


Los protagonistas de la historia son Carmelo DaSilva y Manuela Pérez, dos jóvenes que luchan por sobrevivir en su barrio. Carmelo, ganándose la vida como sastre, logra conquistar a Manuela, la mujer más linda del barrio, pero luego de tener a su hijo Ramiro, la situación económica empeora y sufren diversas penurias el resto de sus vidas.

Pero esa historia es contada en retrospectiva mientras varios amigos bebían en una barra del barrio muchos años después. El que la cuenta es Quique Quiñones, hijo de Babá, el mejor amigo de Carmelo DaSilva. Quique le cuenta todo a dos jóvenes que beben y dialogan con él: su hijo Carlitos y su mejor amigo Rafael DaSilva, nieto de Carmelo.

La historia tiene un narrador, pero realmente son los pasajes dramatizados los que fabrican el hilo conductor que se complementa con las canciones.

El contenido social de “Maestra Vida”

“Maestra vida presenta un sonoro relato urbano que destaca el humor del barrio que siempre ha caracterizado la forma en que el cantautor panameño osa de contar historias, en las que logra convertir sus líricas en poemas, ensayos y metarrelatos de la sociedad contemporánea”, dijo a NotiCel el profesor de sociología Hiram Guadalupe.

“En esta obra hay un trabajo intelectual de gran valía, una bien zurcida a una representación de la identidad latinoamericana que, además de representar las experiencias que marcaron la vida de los tres personajes principales de esta ópera prima, coloca en evidencia muchas de las injusticias que se vivían, y aún se viven, en nuestros países de América”, agregó el sociólogo.

El primer volumen de la producción se enfoca en la juventud de Carmelo y Manuela y en los sueños que forjan juntos hasta el nacimiento de su primer y único hijo: Ramiro. Mientras, el segundo volumen enfatiza la vejez y las penurias que vienen con ella.

“Si bien en ‘Maestra Vida’, 40 años atrás, Rubén expone el mal social del abandono de los envejecientes, interpela reconocer, como lo ha afirmado el Papa Francisco, que son los grandes descartados de la sociedad y que solo importan cuando se acerca un proceso electoral o reciben el dinerito del seguro social. Desprovistos de políticas públicas a su favor, que garanticen el respeto a su dignidad humana, padecen, sufren y mueren, a veces hasta en condiciones infrahumanas”, escribió el periodista independiente Jaime Torres Torres en su artículo “Maestra Vida visibilizó el dolor de la vejez”.

“Esa realidad, con la crudeza que durante casi nueve minutos expone Blades en ‘Carmelo, después’ (El Viejo DaSilva) no ha cambiado para muchas de las personas de la edad dorada. Si no mueren solas, fallecen olvidadas por sus hijos, nietos y demás familiares en centros de cuido, asilos y albergues donde muchos con lucidez conviven con ancianos que padecen de sus facultades mentales”, agregó Torres Torres.

El mismo Blades, en una entrevista en 1983, describió ese trabajo como “lo más anticomercial que se haya hecho jamás en el mundo de la salsa” y recordó que bautizó el contenido como “salsa focila” que significa “folclore de ciudad latinoamericana”. El cantautor no volvió a usar ese término en sus trabajos posteriores.

El mundo creado en “Maestra Vida”

Blades ha dicho varias veces que casi toda su obra musical está enmarcada en el mismo mundo creado para “Maestra Vida” y que los personajes de muchas de sus canciones están conectados a los personajes que aparecieron por primera vez hace 40 años.

Para la creación de ese país, esa ciudad y ese barrio ficticios descritos en la producción, Blades fue influenciado por el trabajo del escritor estadounidense William Faulkner (Premio Nobel de Literatura de 1949), influencia que también recogió el colombiano Gabriel García Márquez (Premio Nobel de Literatura de 1982) para la creación de su Macondo.

“El argumento de Faulkner es uno que recoge también García Márquez. Él desarrolló un lugar ficticio que le permitió desarrollar personajes dentro de esa idea. García Márquez me dijo que él también siguió eso cuando creó Macondo”, dijo Blades en un conversatorio hace unos años.

“Siguiendo la línea de Macondo, yo creo este sitio que se llama Hispanía, donde hay una ciudad que se llama Salsipuedes y el barrio Solar de los Aburridos y los personajes que están conectados”, agregó.

Otros de sus personajes que están conectados, aunque no se mencionan en “Maestra Vida”, pero sí en otras de sus producciones discográficas, son Pablo Pueblo, Ligia Elena y Adán García, entre otros. De hecho, tras “Maestra Vida” en 1980, la siguiente producción de Blades con la orquesta de Colón se tituló “Canciones del Solar de los Aburridos” (1981), nombre del barrio donde se desarrollan los hechos contados en “Maestra Vida”.

Algunos comparan esta producción con “Hommy: A Latin Opera”, realizada por Larry Harlow en 1973. La diferencia es que la producción de Harlow se basó en la ópera rock “Tommy”, del grupo The Who (publicada en 1969) y tuvo el mismo concepto. “Hommy” narra la historia, desde su nacimiento, de un niño sordo que tiene un talento extraordinario para tocar instrumentos de percusión, básicamente la misma premisa de “Tommy”.

Sin embargo, la obra de Blades fue original con temas sociales más profundos.

“Maestra Vida está colmada de la narración de sucesos cotidianos que yacen marcados por la pobreza, la marginación social, las desigualdades económicas y los desvaríos políticos. En ese sentido, alienta al melómano al cuestionamiento social, lo que convierte a esta obra musical en una producción revolucionaria y atrevida para la época en que se gestó”, afirmó Guadalupe, quien también es el autor del libro “La historia de la salsa”.

“Maestra Vida” dejó para la eternidad clásicos salseros como ‘Manuela’, ‘El nacimiento de Ramiro’ y ‘Maestra Vida’.

Otros datos de producción

•Producción: Willie Colón

•Ingenieros: John Fausty, Mario Salvati

•Asistente: Kevin Zambrana

•Mezcla: John Fausty, Willie Colón

•Dirección artística: Irene Perlicz

•Ilustración de la portada: Dennis Wunderlin

Voces narrativas y dramáticas:

•Rubén Blades (Quique Quiñones)

•Guillermo Ledezma (Rafael DaSilva)

•César Miguel Rondón (texto y narración principal), voz de Carlitos "Lito" Quiñones

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Sammy Marrero recibe apoyo de sus colegas artistas

 


Fuente: Noticel, Puerto Rico. Por: Omar Marrero

Decenas de artistas de todos los ámbitos del arte han mostrado su respaldo al cantante Sammy Marrero, quien tendrá que pagar una multa de $50,000 como parte de un acuerdo al que llegó en una demanda por violación de derechos de autor.

Contra Marrero, sus músicos y sus esposas pesaba una demanda que presentó hace más de cuatro años la viuda del recordado fundador y director de la orquesta La Selecta por supuestamente interpretar sin permiso canciones de Leavitt que la orquesta (y Marrero como su cantante) hicieron famosas mundialmente.

El acuerdo tiene como consecuencia directa que Marrero no podrá interpretar, por ahora, las composiciones de Leavitt que se convirtieron en clásicos del género salsero a nivel mundial en su voz. Canciones como ‘La cuna blanca’, ‘Jíbaro soy’, ‘Amor y paz’, ‘Difícil de olvidar’ y ‘El Buen Pastor’, entre otras, no podrán ser interpretadas por Marrero en Puerto Rico ni Estados Unidos, aunque sí en el resto del mundo.

Para poder pagar la multa, en medio de una pandemia que le ha impedido trabajar para generar ingresos, Marrero comenzó una campaña de recaudación de fondos entre sus seguidores, campaña que ha levantado el apoyo de muchos de sus colegas del ambiente musical.

Figuras como Willie Rosario, Edwin Morales “Mulenze”, Rafú Warner, Wilson Torres “Maneco”, Ramoncito Rodríguez “El Andino”, Víctor García (Sonora Sanjuanera), Juan Manuel Lebrón, Mickey Cora, Danny Rivera, Domingo Quiñones y el trovador Eduardo Villanueva, entre otros, han publicado mensajes de apoyo al excantante de La Selecta.

De igual manera, locutores de radio de varios países de América Latina también han publicado mensajes de apoyo al cantante.

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LO NUEVO: Colegas de Gilberto Santa Rosa

 


El pasado 21 de agosto (día de sus cumpleaños) Gilberto Santa Rosa publicó su disco Colegas, compendio de diecinueve temas en los que presenta muchos invitados especiales.

Este es un álbum que no iba a ser álbum. Santa Rosa convocó a los percursionistas John Dandy Rodriguez Jr. y Orestes Vilató (a quienes admira mucho) para que lo acompañaran en la grabación de tres canciones. Solo quería darse el gusto, pero se entusiasmó y siguió llamando a más músicos y a seguir escogiendo más canciones.

Al final tuvo un repertorio de casi veinte canciones de distintos arreglistas que, finalmente, decidió ubicar, invitando a dieciséis cantantes.

El resultado: uno de los mejores discos del año.

El repertorio de Colegas es el siguiente:


A continuación el detalle de los temas, músicos y arreglistas, tomados de la página Solar Latin Club:

El álbum abre con La Familia, numero grabado previamente por Jose Curbelo y Ray Barretto, a duo con Tito Nieves y los coros de Luisito Carrión, Herman Olivera y el panameño Miguel Ángel Barcasnegras “Meñique”.


Caminalo, composición de Alain Perez grabada previamente por la trompetista holandesa Maite Hontele en su disco Te Voy A Querer del 2015, es adaptado por Gilberto Santa Rosa con los destacados solos Jerry “Bebo” Rivas y Josue Urbina en el trombón y saxofón, respectivamente.

Que Se Sepa invita a cantante Pirulo en un claro homenaje al gran Apollo Sound de Roberto Roena -y de paso a Mi Quimbín de Los Bocucos, este mas antiguo que el de Roena-.

Original de Machito, el numero Masacote, una composición de Ramon Cabrera, destaca en esta oportunidad al dominicano Jose Alberto “El Canario” y a Johnny “Dandy” Rodriguez en el solo de bongo.

Apaga La Luz (Johnny Ortiz) destaca la presencia de Luisito Carrion a duo con Santa Rosa.

Sonerito de Parmenio Salazar es afrontado de la mejor manera por Santa Rosa, quien también se encarga de ejecutar el solo de bongo.

Por La Calle Del Medio destaca un duo de “El Gallo” Tito Rojas junto con Santa Rosa, con arreglo de Louis García.

El tandem Isaac Delgado y Gilberto afrontan el numero de Bobby Capó Nos Vamos A Bailar El Son. 

Santa Rosa no olvida los boleros, e incluye un Medley de temas de Arsenio Rodriguez (La Vida Es Un Sueño), Consuelo Velazquez (Que Seas Feliz) y Jorge Gelly (Quisiera Saber) con el acompañamiento vocal del boricua Nino Segarra.

El clásico grabado por Los Guaracheros De Oriente Ocana Sordi ( escrito por Pablo Cairo Sentmanat) presenta al cantante cubano Juan Jose Hernandez y a Charlie Sierra en el solo de timbales.

El energético Bailadores, grabado previamente por Joe Cuba con la voz de Cheo Feliciano, invita a Ismaelito Rivera -hijo de Maelo-  con un arreglo de Jose Madera.

En El Mejor Sonero el turno es para Victor Manuelle, quien también se encargo de ponerle la letra, en homenaje a algunos de los más grandes soneros que ha dado la Salsa.

Javier Fernández arreglo el muy bailable Tremendo Coco de Joe Cuba que destaca al sonero Yan Collazo.

El alegre numero Estoy Como Nunca es afrontado por Carlos Ramirez, ex-vocalista de La Selecta de Raphy Leavitt.

La excelente vocalista Michelle Brava acompaña a Santa Rosa en Mario Ague, un arreglo de Isidro Infante en tiempo de Pachanga que fue compuesto por Pedro Luis Ferrer, en el cual escuchamos a Jan Duclerc en el solo de trompeta.

Herman Olivera, el sonero del siglo XXI, presta su inconfundible voz en el magnifico arreglo de Ricky González en el tema Eque Tumbao.

La Fonda De Bienvenido de Arsenio Rodriguez pone de relieve la parte vocal de Maelo Ruiz y el solo de piano de Luis Marin.

Uno de los preferidos de Ray Barretto, Ban Ban Quere, presenta a un gran Gilberto Santa Rosa, con una re-interpretación de ensueño, y de paso, un guiño al panameño Ruben Blades. 

El Guateque De Chombo (Antar Daly), previamente grabado en el album La Botánica del duo Mario Bauza y Graciela, destaca la presencia de Dino Nugent en el solo de piano y a Choco Orta en la parte vocal.


Los arreglistas fueron:

Dino Nugent (Apaga La Luz)

Marty Sheller (Caminalo, Ban Ban Quere)

Ramon Sanchez (Que Se Sepa)

Javier Fernández (Tremendo Coco, Masacote)

Louis García (Por La Calle Del Medio, Ocana Sordi, El Guateque De Chombo)

Ricky Gonzalez (Vamos A Bailar El Son, Eque Tumbao)

Manolito Rodriguez (Medley Boleros)

José Madera (Bailadores)

Rene Gonzalez (Estoy Como Nunca)

Isidro Infante (Mario Ague, El Mejor Sonero, Sonerito)

James Hernandez (La Fonda De Bienvenido).

Músicos:

Angie Machado, Jan Duclerc, Jesus Alonso, Iturvides Vilchez – trompeta

Rafy Torres, Toñito Vásquez, Victor Vázquez, Reynaldo Jorge – trombon

Sammy Vélez, Josue Urbina; Pedro Mendez, Frankie Pérez, Janice Maysonet – saxofon

Luis Marín, Isidro Infante, Javi Fernandez, Ricky Gonzalez, Dino Nugent – piano

Johnny Torres, Pedro Perez – bajo

Orestes Vilató, Manolito Rodríguez, Charlie Sierra – timbales

John Dandy Rodriguez Jr., Richie Bastar – bongo

Sammy García, Jimmie Morales – congas

Pablo “El Indio” Rosario – percusion

Meñique, Paquito Guzman, Victor Manuelle, Luisito Carrion, Justo Betancourt – coros

Santa Rosa presentó el álbum en una entrevista con Tito Nieves. Míralo acá


12 sept. 2020 0 comentarios

Virtual y gratuito el Barranquijazz 2020


Fuente: El Heraldo, Colombia. Por: Alejandro Rosales Mantilla

Histórico. En su vigésimo cuarto aniversario Barranquijazz pasa de las tarimas del Jumbo del Country Club o la Plaza de la Paz a la virtualidad. En un esfuerzo titánico y creativo por parte de sus organizadores, la Fundación Cultural Nueva Música, la capital del Atlántico no se privará en este 2020 de la calidad sonora de este festival, sin duda el más esperado en la ciudad después del Carnaval de Barranquilla.

“El festival es un evento orgullo de Barranquilla y continuará siéndolo”, expresó la Fundación en un comunicado.

Una de las grandes ventajas de este año es que todos los espectáculos serán transmitidos por las plataformas digitales de Barranquijazz y se podrá acceder de forma gratuita, comunicó la organización.

Artistas de primer nivel como Justo Almario, el pianista Óscar Hernández, Cristina Zavalloni, el pianista Manuel Magrini o el talento local de La Bandita pondrán a gozar de manera virtual a los amantes de la buena música. 

La fiesta del jazz y las fusiones del Caribe se vivirá del 30 de septiembre al 4 de octubre.

Programación

Como lo informa la Fundación Cultural Nueva Música, Barranquijazz 2020 lo abrirá la propuesta colombiana, Leonardo Donado Cazimba Cuarteto.

En la misma noche, continuará el dúo italiano conformado por la cantante Cristina Zavalloni y el pianista Manuel Magrini. En la misma jornada, como novedad los visitantes en la web podrán ser partícipes del lanzamiento del documental Del Missisippi al Magdalena, siguiendo la ruta del jazz, de Leo Garibello.

“El jueves 1 de octubre, la música nos trasladará a Italia con el jazz contemporáneo del destacado clarinetista Gabriele Mirabassi & el acordeonista Simone Zanchini”, adelantó la Fundación en un comunicado.

Acto seguido se presentará el reconocido saxofonista y flautista Justo Almario. Además, estará presente el pianista estadounidense Óscar Hernández con su quinteto de Latin Jazz. Para cerrar esa noche de jueves estará La Bandita, un colectivo musical del Caribe colombiano dedicado a la creación e interpretación de fusiones, de ritmos afrolatinos y música colombiana, con el Latin Jazz.

La jornada del viernes comenzará con un homenaje al fallecido Rafael Bassi. Después se podrá apreciar la presentación del guitarrista y compositor brasilero Guinga y la cantante, también de Brasil, Mónica Salmaso. El espectáculo contará con la compañía del  clarinetista Nailor Proveta y el saxofonista y flautista Teco Cardoso.

En el cierre sonará Peruchín en Quinteto, un proyecto colombo – cubano, que tendrá la participación especial de Basilio Márquez, en un homenaje al gran Benny Moré.

“El sábado 3 el telón virtual se levanta con la presentación del aclamado pianista y compositor italiano Enrico Pieranunzi”.

La gala cerrará con la presentación de Orlando Maraca Valle con ‘Esa Flauta’ un homenaje a los grandes de la flauta de Cuba, en convenio con Egrem.

La gala de cierre, el domingo, comenzará con la participación de la agrupación colombiana Gonzalo Lubo Quartet.  Continuará Gonzalo Rubalcaba & Aymée Nuviola. Para finalizar, se presentará Adalberto Álvarez con el homenaje a su vida musical en convenio con Bis Music.

Esta edición de Barranquijazz también tendrá  actividades dirigidas a sectores específicos como municipios y estudiantes. Además, se brindarán de manera virtual, los talleres de Samuel del Real (piano), Justo Almario (Saxo y flauta) y Rodolfo Argudín ‘Peruchín’ (piano).

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Oscar Hernández se lanza como productor disquero y presenta a Marco Bermúdez "en su voz"

 


Una buena noticia. El reconocido pianista, arreglista, compositor y director musical Oscar Hernández se lanza como productor disquero al frente de Ovation Records and Productions.

El lanzamiento es la culminación de una extensa carrera, de más de cuatro décadas, en el mundo de la música. Su piano acompañó a nombres grandes como La Conquistadora, Ismael Miranda, Chocolate Armenteros, el Grupo Folklórico y Experimental Newyorkino, Manny Oquendo y el Conjunto Libre, Ray Barretto, Carabalí, Eddie Torres, Rubén Blades, Paul Simon, entre otros.

Oscar comenzó el siglo XXI al frente de la Spanish Harlem Orchestra, una de las mejores orquestas de salsa del presente que ha sido reconocida más de una vez con el premio Grammy, y ha empezado también a grabar discos de jazz latino.

El primer lanzamiento de Ovation Records and Productions es En Mi Voz, el debut solista del cantante ecuatoriano Marco Bermúdez.

Marco llegó a los Estados Unidos en 1984, como integrante de Los Profetas de Manabí, y decidió quedarse en busca de cumplir su sueño. Su carrera en la salsa incluye nombres como Isidro Infante y La Elite, Los Jóvenes del Barrio, Mambo Legends Orchestra y Spanish Harlem Orchestra.

En Mi Voz, trae un gran respaldo musical, la voz exquisita de Bermúdez y la mano sabia de Hernández en la producción y dirección. Su lanzamiento será el próximo 30 de setiembre pero ya se encuentra disponible digitalmente en  https://ovation-records.com/produ…/marco-bermudez-en-mi-voz/

Exitos para Oscar y Marco, dos grandes músicos y mejores amigos.



6 sept. 2020 0 comentarios

Muere el bongocero Tommy "Choki" López Jr.


 Esta mañana murió el reconocido bongocero Tommy “Choki” López Jr. Nacido el 31 de agosto de 1954, era hijo de Tommy López, el legendario conguero que fue parte de las orquestas de Vicentico Valdés y Tito Rodríguez y que ganó fama por su estadía en los mejores tiempos de La Perfecta de Eddie Palmieri.

“Choki” tuvo un inicio precoz en el ambiente musical. Un domingo por la tarde, en el Hunt’s Point Palace de New York, se subió a la tarima para tocar bongó con el grupo de Johnny Colon. Tenía trece años. De ahí pasó a la orquesta de Willie Colón para luego convertirse en uno de “los diablitos”, que era la forma en que Eddie Palmieri llamó a los jóvenes percusionistas que, a fines de los 60, se integraron a su orquesta: Nicky Marrero, Eladio Pérez y Tommy Jr.

Estar con Palmieri fue su escuela musical. Aun estudiaba en la 123 Junior School del Bronx pero ya se codeaba con grandes músicos. López llegó a grabar los discos Superimposition, Sentido, el álbum en vivo en la Universidad de Puerto Rico, The Sun of Latin Music, Unfinished Masterpiece y Lucumi, Macumba, Voodoo.

“Choki” pasó a la historia por sus solos en los temas “17.1! y “Adoracion”. Después de su experiencia con Eddie, tocó con Larry Harlow, Orquesta Broadway, Machito, Tito Puente, Conjunto Clásico, Conjunto Candela, Ray Barretto, Tito Rodríguez Jr., Grupo Fascinación y con Wynton Marsalis y el Jazz at the Lincoln Center Orchestra.

Sin duda, Tommy fue uno de los grandes del bongó en la música latina. Que descanse en paz!

30 ago. 2020 0 comentarios

Eloy Jaúregui presenta segunda edición de su libro Pa' bravo yo

 

Fuente: La Mula. Por: Enrique Sánchez Hernani

Hace muy poco el terrible Covid-19 quiso agarrarlo fuera de paso, lejos de las pistas de baile salseras donde le saca curvas a sus parejas, con harta sed y sin ninguna chela a la mano. Pero no pudo. Eloy Jáuregui, cronista de prosapia, gente brava, vencedor en todas las canchitas de barrio y dueño de una cultura musical que ya quisiera músico alguno, peleó, se repuso y sanó, con los guantes de box bien puestos. Es uno de los sobrevivientes de esta terrible pandemia que enluta al mundo. 

Ni bien se sanó, Eloy volvió a lo suyo: escribir. Retomó un proyecto que había dejado pendiente y entregó la nueva versión de un libro suyo, corregido, aumentado y con un dossier gráfico, a la imprenta: Pa bravo yo (Mesa Redonda Editorial-Librería), donde narra la existencia, música y hazañas de las grandes orquestas de salsa borinqueñas, nuyorricans, cubanas y varias peruanas que han alborotado Lima, con ese estilo cunda y sabrosón tan suyo, que es como bailarse una rumba con una dama color capulí de La Victoria.

Las decenas de crónicas que rebasan el libro están narradas desde la experiencia del autor, quien lo ha visto todo en este enjundioso asunto. Junto al dato puntual de los avatares de las bandas salseras, figuran los apuntes biográficos del cronista, ganados vereda a vereda en las calles limeñas. No por nada la primera chapa que tuvo en el barrio fue “Guaracha”, tal como hasta hoy le llaman sus amigos más antiguos. Guaracha, por si el culto público no lo sabe, es ese ritmo contagioso inventado en Cuba, con el cual se puede bailar y echar fuego. Ahí na má.


UNA INFANCIA BIEN BAILADA

Eloy Jáuregui tuvo una vida prodigiosa, que nació y se alimentó en el altar de la música caliente, o sea la salsa. Como él lo confiesa siempre, nació en Surquillo, en un edificio de la avenida Primavera, a metros del famoso y bien ranqueado jirón Dante. Guarda allí. Y como todos saben, Surquillo está en Lima, y Lima en el Perú. Pero el niño Eloy no lo sabía; él siempre pensó que era cubano. Ocurre que había nacido cercado por la música de La Perla del Caribe. El vecino del piso de arriba era fanático de la Sonora Matancera, los del frente oían a Celina y Reutilio, y el del costado vivía colgado del Bárbaro del Ritmo, Benny Moré.

Todos los días, y especialmente los fines de semana, cada vecino competía por subirle el volumen a su repertorio, manteniendo en precoz zozobra las emociones del pequeño Eloy. Cuando en 1959 triunfó la Revolución Cubana, su padre, don Néstor, leal hombre de izquierda, armó una fiesta de casi un mes con sus amigos, celebrando a los barbudos de Fidel. El niño Eloy, entonces, pensó que ese era su presidente. Pero en el Nido se enteró que su país no se llamaba Cuba sino Perú y que su presidente, más bien, era un calvito llamado Manuel Prado Ugarteche. Llanto total. Felizmente, la música del barrio siguió siendo cubana.

Este primer romance sandunguero con los sones, los guaguancós y las guarachas, lo hizo infiel un amigo de su hermana mayor, un cadete del Ejército que se fue a estudiar a Panamá. De allá trajo de regalo un manojo de discos con un ritmo pegajoso llamado boogaloo, que triunfaba en Nueva York y Puerto Rico, y los de un pianista llamado Charlie Palmieri. El casi púber Eloy rompió su galanteo con la Sonora Matancera y se pasó con zapatos y todo a lo que se conoce como el preludio de la salsa.

El cadete, que iba y volvía de Panamá, trajo más discos, que hasta entonces se tocaban de vez en cuando porque la familia Jáuregui solo alquilaba unos viejos equipos de música que entonces eran la sensación: los Pick Up, que venían con discos que también se alquilaban, por kilos, con esa música que entonces se llamaba caribeña. Hasta que don Néstor pudo comprar un flamante invento tecnológico: la radiola; este era un presuntuoso mueble de madera que venía con radio, tocadiscos y un cajón para guardar los acetatos.

La adquisición provocó que el vecindario trajese sus discos a la casa para sentir cómo se oían en el moderno aparato. Era glorioso, recuerda Eloy. Para poner orden, optaron por hacer tocadas solo los fines de semana, que por el entusiasmo que ponían los melómanos surquillanos en darle a la perilla del volumen, eran interrumpidos por la policía, convocados por los vecinos envidiosos que oían una música de menores decibeles, o sea ni fu ni fa.


BORINQUEN QUERIDO

Ya en el colegio, y a paso apambichao, el jovencito Jáuregui le halló un mejor destino a sus propinas que solo hacer lo mismo que el común de los muchachos del barrio, coleccionar comics, que entonces se llamaban “chistes”. Juntando peseta a peseta, y sol a sol, se hizo caserito de la tienda Disco Centro del Jirón de La Unión, dentro de las Galerías Boza, y comenzó su etapa de coleccionista de discos de salsa. Luego conoció a un amigo que le presentó a uno de los mandamases del sello musical Infopesa, que lo inició en el culto a Ray Barretto, el duro de las congas y un innovador de la música latina. Pero tampoco dejaba a la Sonora Matancera ni a la música cubana.

Poco a poco, mientras le crecía el bigote, preguntando por aquí y por allá, se hizo un conocedor de la sabrosura. Estaba explorando las armonías de El Gran Combo cuando le cayó el fin del colegio y casi el fin del mundo: en 1971 reventó la Fania All Stars con su célebre concierto en el club Cheetah de Nueva York, que inmediatamente se hizo disco y parió para el mundo a una de las bandas salseras más grandes del planeta. A Eloy casi se le para el miocardio y se le electrocutan los zapatos. Se declaró salsero para toda la vida y por la radio completó su erudición oyendo las primicias que Jorge Eduardo Bancayán traía a su programa Hit Parade Latino. Abran paso.

Ya fuera del colegio, Eloy era un muchacho del barrunto, devoto de patear chapitas, poner apodos y hacer fintas en los tonos de las chicas del barrio. Pero como su pasión por el merecumbé y la música brava pedía más, en 1973 se lanzó a los epicentros de la salsa local: se hizo un habitué de los salsódromos, que entonces les abrían las orejas y los pies a los rumberos limeños. Incursionó en el mítico local de Los Mundalistas, a la espalda del Hospital 2 de Mayo, en la avenida Grau, que regentaba el “Chito” La Torre, feroz ex defensa de la selección peruana de México 70. Allí conoció en vivo y en directo a J.E. Bancayán, que le presentó a dos de los más bravos que en este mundo han sido: los coleccionistas chalacos Lucho Rospigliosi y Carlitos Loza, que iban por esos pagos a oír al Combo de Loza. La banda, joya del primer puerto, era dirigida por Carlos Nunura y tenía un joven abogado de Miraflores que solía tocar el cencerro: Luís Delgado Aparicio, más tarde conocido como el Doctor Saravá, por sus jocundos programas salseros en la radio local.


UN VERANO EN EL CALLAO

Ya en busca de su diploma de magister, Eloy pasó a los barrios pendencieros del Callao, a seguir con su formación pachanguera. Paseó por el local del Combo de Loza en la avenida 2 de mayo, barrio de guapos, por El Sabroso de la avenida República de Panamá, por la Peña Martínez de la avenida Sáenz Peña y por bares con rockola como el Puerto Rico de la avenida Colón, a la espalda del mercado modelo del Callao. Pero tampoco dejaba su Surquillo querido. Allí frecuentaba el bar César de la esquina de los jirones Dante y Carmen, donde era íntimo del dueño César Paulino López, que tenía dos pisos y dos rockolas llenas de música caliente. Este caballero, cada vez que renovaba las torres de discos de 45 rpm de sus aparatos, le regalaba los anteriores a Eloy. Cientos de discos fueron a parar a su departamento de Surquillo, donde se armó un equipo de música con partes de distintas marcas, para mejorar el sonido. Allí la música sonaba como la palabra de dios.

Surquillo le completó su formación. Iba frecuentemente al salsódromo Todos vuelven de la calle San Carlos, donde los domingos, a partir de las 10 de la noche tocaba la orquesta La Fragua, del maestro Carlos Orozco, y donde recalaban todos los marginales del barrio, en dicharachera y pacífica armonía. También se hizo amigo de un emblemático músico del barrio, el tumbador Raúl Urbano “Koyac”, que además tenía un billar, pues él mismo fue campeón latinoamericano a tres bandas, y que en la azotea de su casa armaba tremendas sandungas salseras.

No contento con este empacho musical, el hoy cronista se dedicó a frecuentar todos los salsódromos de los años 70 y 80, donde desparramaban su sapiencia rumbera las más empinadas orquestas de Lima, como el Durísimo del jirón Washington en Lima, el Huaco de la avenida Francisco Pizarro del Rímac, el Bertolotto de San Miguel, el Jíbaro de la avenida La Paz en La Perla, los Latin Brothers de Lince, la Furia Chalaca de la a venida La Marina, la Máquina del Sabor de Santa Catalina, los Manglares de Tumbes del centro de Lima y cuanto huarique salsero hubo en Lima. Asu, hasta da sed. De tanto frecuentar el Callao fue padrino de la orquesta El Combo de Loza y les consiguió un contrato para tocar en el penal de Lurigancho, porque se lo pidió un amigo, bravo entre bravos, que veraneaba tras las rejas. Una joya este Eloy.

Jáuregui dice que la única vez que estuvo a punto de abandonar la salsa fue cuando entró a estudiar a la Universidad de San Marcos y a la Bausate y Mesa. Se cansó de aplanar chapitas en las calles y se dedicó al estudio. Hasta que un domingo le dio ganas de comerse un cebiche y se fue al mercado modelo del Callao. Estaba dando vueltas cuando escuchó que le gritaban su nombre. Era Carlitos Loza, que se había dedicado a la venta ambulatoria de cebiche en un triciclo, amparado por una inmensa banderola rosada que decía: “Gracias Dios mío por hacerme hincha del Sport Boys”. Los amigos se volvieron a juntar y Eloy recayó en el hábito de la música brava para nunca más salir de allí. ¡Ecuajey! Agárrenlo, que se soltó con fuerza

29 ago. 2020 0 comentarios

El centenario de Charlie Parker


Fuente: Agencia EFE. Por: Helen Cook 

Charlie Parker vivió solo 34 años, pero su enorme talento con el saxofón y sus aceleradas composiciones le ganaron el apodo de Bird (Pájaro), y le llevaron a ser una de las grandes figuras del jazz a nivel mundial y uno de responsables del bebop, cuyos acordes aún suenan con fuerza 100 años después de su nacimiento. Parker era conocido como un revolucionario del saxo que tocaba con asombrosa destreza, con la que logró crear un nuevo lenguaje musical que cambió el jazz en el siglo XX y que continúa influyendo en el del siglo XXI: el bebop.

Su ejército de seguidores aseguran, sin embargo, que ese concepto se queda corto para definir la volatilidad rítmica, la complejidad melódica, la innovación armónica y la proeza instrumental que Bird comprimía en sus solos.«Parker era uno de los genios más grandes que bendijo este planeta en cualquier campo. Fue uno de los grandes improvisadores, creando un idioma que llamamos bebop y creando algo que es tan especial que trasciende la música», señal en las redes sociales el músico Jon Baptiste, uno de los músicos de jazz más populares de la actualidad en EE.UU.

 Mientras, el guitarrista de The Doors, Robby Krieger, quiso rendir homenaje en Twitter a Parker tocando con su guitarra el Ornithology, una de las míticas composiciones del saxofonista.El mundo del jazz celebra sus cien años (se cumplen hoy) con una programación enfocada en su legado musical, como la emisora WRTI, que será una de las muchas que se dedicará, durante una semana, a emitir sus canciones y grabaciones como solista y con distintos grupos, además de sus distintas colaboraciones.En Nueva York, el Birdland Jazz Club, uno de los locales más populares de los años 50, también se lanzó a celebrar a esta estrella de la música con distintos conciertos virtuales que le rinden tributo durante tres semanas, empezando con el italiano Pasquale Grasso, a quien se unirán luego en un trío el legendario batería Kenny Washington y el bajista Ari Rolando. Y es que ahí, en este club, que a mitad del siglo XX tenía capacidad para unas 500 personas, tocó Parker con asiduidad.

Además, el Museo Americano del Jazz, en Kansas, celebra a una de sus figuras más destacadas con una extensa exposición hasta finales de año, mientras que el legendario Lincoln Center de Nueva York ha organizado una serie de conciertos virtuales que se prolongarán durante diez días.Parker, nacido en esa misma ciudad de Misuri, el 29 de agosto de 1920, dejó la educación secundaria después de poco más de un año de estudios para iniciar su carrera como músico a finales de 1935, cuando empezó a practicar con esmero con un saxo que le habían comprado sus padres.

Parker relató que en sus inicios ensayó hasta 15 horas al día, durante 3 o 4 años, y que después, en 1939, con solo 18 años, se trasladó a la ciudad de Nueva York en busca de una oportunidad.McShann y GillespieFue en la Gran Manzana donde él dijo que halló su estilo personal, tras lo que comenzó a tocar solos con la banda de Jay McShann, con quien recorrió EE.UU. entre 1940 y 1942, momento en que su apodo de la infancia Yardbird se quedó en Bird. Su amistad con el trompetista Dizzy Gillespie dio en largas sesiones de improvisación en las que dominaba un jazz vanguardista, lo que finalmente desembocó en el bebop.

En 1944 formó con Gillespie, Earl Hines y Billy Eckstine el primer grupo profesional de bebop de la historia, una música que provocó numerosos ataques pero también fervientes seguidores. Para entonces, Bird ya había pasado varios años consumiendo drogas y se había convertido en un adicto al alcohol y la heroína, lo que le llevó a ser ingresado en un psiquiátrico en 1946.Tras seis meses encerrado, Parker formó un quinteto, que incluía al trompetista Miles Davis y al batería Max Roach, y tocó en las principales ciudades americanas. En 1947 actuó en el Carnegie Hall de Nueva York, y grabó con la banda de Machito, el músico que definió el jazz afro-cubano.


Con el tiempo, y tras grabar algunas de sus obras más destacadas, como Koko, Relaxin’ at Camarillo, Ornithology o Parker’s Mood, se convirtió en una referencia para los jóvenes saxofonistas, pero a inicios de los 50 sus excesos le pasaron factura. Bird se convirtió en un músico poco fiable que frecuentemente no cumplía con sus compromisos y no pagaba a sus músicos, lo que le llevó incluso a ser despedido del Birdland Jazz Club.La muerte de una hija a los dos años y el divorcio de su cuarta mujer empeoraron la situación. Finalmente, murió de un ataque al corazón en marzo de 1955.

28 ago. 2020 0 comentarios

Richie Viera comenta sobre la situación de Sammy Marrero

 


A continuación, un editorial de Richie Viera sobre la situación del juicio transigido de Sammy Marrero con el Estate de Raphy Leavitt:








27 ago. 2020 0 comentarios

Sammy Marrero tendrá que pagar en acuerdo con herederos de Leavitt

 


Fuente: Noticel, Puerto Rico. Por: Omar Marrero

La demanda que hace más de cuatro años interpuso la familia del fenecido músico Raphy Leavitt contra el cantante Sammy Marrero fue transigida esta semana, confirmó la representación legal del cantante.

Contra Marrero, sus músicos y sus esposas pesaba una demanda por violación de derechos de autor que presentó hace más de cuatro años la viuda del recordado fundador y director de la orquesta La Selecta por supuestamente interpretar sin permiso canciones de Leavitt que la orquesta (y Marrero como su cantante) hicieron famosas mundialmente.

“Se acordó entre los músicos pagarle a la Sucesión (de Raphy Leavitt) $50,000. Aquí nadie pierde y nadie gana. La abogada de la Sucesión ( del bufete Ferraiuoli LLC) fue a un programa de radio y dijo que había ganado el caso. Eso es falso. Una demanda de más de un millón de dólares incluyendo costas de abogado, transigirse por sólo $50,000... eso no es ganar el caso”, manifestó el licenciado Peter John Porrata, abogado de Marrero.

La culminación del caso tiene como consecuencia directa que Marrero no podrá interpretar, por ahora, las composiciones de Leavitt que se convirtieron en clásicos del género salsero a nivel mundial en su voz.

Canciones como ‘La cuna blanca’, ‘Jíbaro soy’, ‘Amor y paz’, ‘Difícil de olvidar’ y ‘El Buen Pastor’, entre otras, no podrán ser interpretadas por Marrero en Puerto Rico ni Estados Unidos, aunque sí en el resto del mundo.

“En Puerto Rico y Estados Unidos, por ahora, porque si ellos (la Sucesión de Raphy Leavitt) ponen las canciones nuevamente en ASCAP, cualquiera puede pagar la licencia de ejecución y puede cantarlas”, explicó Porrata.

¿Que fué lo que pasó?

Todo comenzó en el año 2015 cuando Leavitt falleció inesperadamente tras una operación de cadera. Varios meses después, la viuda y sus hijos decidieron desintegrar la orquesta La Selecta sin consultar con los músicos, quienes entonces se reagruparon bajo el nombre de Sammy Marrero y su Orquesta y continuaron interpretando los viejos éxitos de La Selecta.

La viuda y sus hijos establecieron una cantidad de dinero como requisito para obtener su permiso, pero Sammy y sus músicos indicaron que ya ellos tenían el permiso de ejecución porque pagaban directamente a la American Society of Composers, Authors and Publishers (ASCAP), empresa licenciadora de derechos de autor que tenía el catálogo de Leavitt.

En diciembre del 2018, la familia Leavitt retiró de ASCAP la música de Leavitt, por lo que desde el 1 de enero de 2019 la orquesta de Marrero -ni ninguna otra orquesta- no ha podido interpretar los éxitos que el público identifica con la voz del veterano cantante.


Otras determinaciones

De acuerdo con el documento del acuerdo, se establece un interdicto permanente que prohíbe a los músicos tocar o de alguna otra forma manejar las canciones sin autorización escrita previa de los demandantes; no se condenará a ninguna parte a pagar los abogados de la otra; y si los demandantes obtienen una sentencia posterior contra SMYSO, Inc. (el ente corporativo), eso no tendrá el efecto de aumentar la cantidad que los músicos tienen que pagar.

Antes del acuerdo final, el pasado 4 de agosto de 2020 el juez federal Raúl Arias Marxuach había emitido una decisión que declaró: a) inadmisibles unos videos de YouTube que los demandantes querían presentar. b) denegó la solicitud de los demandantes para que a los demandados se les permitiera presentar ciertas defensas en el juicio y c) se le negó a los demandantes su solicitud de evitar el testimonio de Edgard Nevárez (director musical de la orquesta de Sammy Marrero) como perito.

La demanda originalmente no fue exclusiva contra los músicos de la orquesta, sino también contra el municipio de Utuado, el Centro Cultural de Corozal y dos promotores (por contratar a la orquesta), que salieron del pleito en diferentes momentos luego de llegar a diferentes acuerdos.

17 ago. 2020 0 comentarios

Oscar "Pitin" Sánchez (1949 - 2020)

 

Ha muerto Oscar Alejandro Sánchez Noriega, uno de los músicos más representativos de la salsa peruana. Nació el 3 de junio de 1949 en el Callao. Fue trompetista y arreglista que, tras haber integrado varias agrupaciones, formó su propia orquesta en la segunda mitad de la década del 70.

Se convirtió en la estrella salsera de la disquera Infopesa de Alberto Maraví, con quien gestó el concepto de Los Virtuosos de la Salsa (nombre inspirado del grupo Los Virtuosos de Cuco Valoy) y del Combo Palacio, que llegó a presentarse en la Feria de Cali de 1980.

Grabó discos como El Capo de la Salsa y El Super Fiestón (1979) que incluyó su popular versión de "Guantaranure", tema compuesto por el colombiano Lizandro Mesa. La fórmula de combinar la salsa con la cumbia fue bienvenida por el público peruano.

Si Aníbal López tuvo su "Pancho Malandro", Sánchez (conocido popularmente como "Pitín") grabó "Roberto Revólver", éxito de la salsa peruana de los 80.

Otro hit internacional en su carrera fue la formación de La Sensual 990, concepto que tuvo como cantantes a Antonio Cartagena y a Willy Rivera.

Descanse en Paz "Pitín" Sánchez!

6 ago. 2020 0 comentarios

Reseña del libro ¡Qué cosa tan linda!


¡Qué cosa tan linda! Una introducción al estudio de la salsa en el Perú es el más reciente trabajo, a cuatro manos, de Jesús Cosamalón y José Carlos Rojas.

La obra desarrolla brevemente la evolución de la música cubana desde inicios del siglo XX, destacando como hito importante en su devenir, el relieve que lo afrocubano como punto de identidad social tomó desde la década del 20, cuando aparecen tríos, sextetos y septetos (sexteto más trompeta) que destacan en la interpretación del son.

Especial cuidado se tiene en relatar la llegada de la habanera a Perú, que fue luego reemplazada por la conga y la rumba, que compartieron la preferencia de nuestro público junto al tango, el foxtrot y el charleston. Por las páginas del libro desfilan Los Negros Cubanos, Grenet, Romeu, Matamoros, Lecuona, Portabales y sus andanzas limeñas durante la primera mitad del siglo XX. La música afroantillana fue siempre bien acogida por los peruanos.

Los autores proponen un método para estudiar la salsa, considerando cinco ejes: lo sonoro, la lírica, lo material, lo visual y la performance. Aunque es principalmente bailable, tiene también un correlato social que la define y la proyecta en distintas épocas. Los cambios que experimenta en los 80 son consecuencia de los nuevos tiempos y de un público con inquietudes diferentes a los salseros de los 60 y 70. La salsa es música popular que se alimenta de ida y vuelta con sus consumidores.

Cosamalón y Rojas destacan también que existe una salsa peruana y que los grupos tropicales y salseros nacionales han tenido (sobre todo de los 60 a los 80) una vasta producción que ha sido olvidada. Aunque no es fácil, tal vez pudo intentarse incluir una discografía básica de estos grupos.

Muchos salseros foráneos que visitaron Perú aparecen también en la obra. Aunque quedaron fuera la primera vez en Lima de figuras prominentes como Tito Puente o El Gran Combo de Puerto Rico (ambas ocurridas en1980), el repaso contiene hechos importantes como El Gran Estelar de la Feria del Hogar y los primeros años del Chimpún Callao.

El nombre del libro (¡Qué cosa tan linda!) hace referencia a la canción que en 1978 grabó Oscar D’León y que se hizo popular en nuestro país por ser cortina musical del programa cómico Risas y Salsa (a propósito, en una reciente nota de El Comercio se dice que el gerente de producción de Canal 5 propuso que se llamara “Risas y sarsa” pero una errónea interpretación de Efraín Aguilar, productor del programa, hizo que el nombre sea cambiado).

Introducción al estudio de la salsa en el Perú es un título acertado, ya que la investigación llega hasta la década del 90 del siglo XX. Es un primer paso bien dado por Jesús y José Carlos. Esperamos que ellos mismos o alguien más se anime y continúe la reseña del camino que la salsa peruana ha tomado, especialmente en el último quinquenio que ha visto surgir a una nueva generación de artistas que, a su manera, han empezado a sonar dentro y fuera del país.

¡Que siga la rumba!
11 jul. 2020 0 comentarios

LO NUEVO: "Para Ti No Hay Nada" de Ray Callao




La orquesta Ray Callao presentó ayer, viernes 10, su segundo sencillo del 2020.

PARA TI NO HAY NADA es el nombre de la canción original que ya se encuentra en todas las plataformas digitales (Spotify, Deezer, YouTube, Claromusica, iTunes).

Con esta nueva entrega, la banda se reafirma con su sonido duro y sabroso, con una temática cruda y real en la lírica que habla de la indiferencia y la velocidad de estos tiempos difíciles.

El tema, compuesto por Edwin Rivera y Diego Eslava, es parte del próximo disco de Ray Callao, MACUMBA, planeado para fines de este año.
29 jun. 2020 0 comentarios

El entierro de Lavoe


Hoy, 29 de junio, conmemoramos veintisiete años de la partida de Héctor Lavoe.

A manera de recuerdo, compartimos la nota que fue publicada, en 1993, en el diario El Nuevo Día de Puerto Rico informando el traslado de sus restos mortales hacia el cementerio St. Raymond de New York. La nota fue escrita por el periodista Jaime Torres Torres, quien publicaría más tarde el libro Cada Cabeza es un Mundo.

Años después, Lavoe fue trasladado al Cementerio Municipal de Ponce, en Puerto Rico.

16 may. 2020 0 comentarios

Rinden homenaje a Tommy Olivencia



Fuente: Noticel, Puerto Rico. Por: Omar Marrero

¿Qué razón pudiera existir cuando veteranos cantantes salseros como Gilberto Santa Rosa, Pichie Pérez, Sammy González, Paquito Acosta, Carlos Alexis, Viti Ruiz, Mel Martínez y Lalo Rodríguez se unen para cantar en un mismo tema?

Para los conocedores de la música tropical, la respuesta pudiera ser sencilla: están haciendo un homenaje al director de orquesta que alguna vez les dio la oportunidad de cantar con una de las orquestas más prestigiosas en la historia del género.

Efectivamente, el tema se titula “Mi querido viejo”, una grabación que se realizó para reconocer el legado de Ángel Tomás “Tommy” Olivencia, cuya orquesta -fundada en mayo de 1960- cumple esta semana 60 años de trabajo ininterrumpido.

Este viernes, 15 de mayo de 2020, también se cumplieron 82 años del natalicio de Olivencia, quien falleció en septiembre de 2006.

La orquesta de Olivencia, conocida como La Primerísima, es dirigida ahora por su hijo "Tomito", quien encargó el tema al compositor Jerry Ferrao y al arreglista Tito Rivera.

“Se hizo difícil coordinar la participación de tantos cantantes para ese tema, pero lo logramos. Todos esos cantantes pertenecieron a La Primerísima en algún momento. Paquito Guzmán no pudo estar por su condición de salud y Simón Pérez tampoco está en este tema, pero sí lo tenemos en otro tema de la producción”, explicó Olivencia Jr. a NotiCel.

Para acompañar el audio, el director de la orquesta también grabó un video, que marca otro momento histórico porque es el primero que graba esa orquesta en sus 60 años.

“Luego hicimos el video, el primero de esta orquesta. Papi nunca grabó videos, no sé por qué. Lo filmamos en Villa Palmeras (Santurce). La cámara fue de Julio Merced, hijo de Julio ‘Gunda’ Merced. También logramos reunir a todos esos cantantes, excepto Viti Ruiz, que lo hizo por celular”, dijo Olivencia Jr. quien también es el timbalero de la agrupación.

El homenaje a Olivencia, padre, es parte de la producción “Planté bandera de nuevo”, que busca abrirse paso en la radio de América Latina. Es una producción de alta calidad que reconoce el legado de varias personas que contribuyeron al éxito de la orquesta de Tommy Olivencia a través de los años.

“Esta producción la había ideado mi papá antes de que falleciera. Él quería agradecer y rendir homenaje a gente como Tite Curet, Chamaco Ramírez y Frankie Ruiz. Ya teníamos el homenaje a Tite y lo había escuchado ya. Y había encargado el tema dedicado a Chamaco Ramírez cuando la muerte lo sorprendió”, recordó el músico.

“Así que me dediqué a cumplir su sueño y a terminar el trabajo que él había empezado y para eso Jerry Ferrao me ayudó al escribir cinco temas más”, agregó.



El tema dedicado a Curet es “Un legendario de pueblo”, composición de Ferrao y arreglo de José Pujols con la voz de Mel Martínez, uno de los mejores soneros de la actualidad.

“A Chamaco” también es de Ferrao con arreglo del legendario Luis “Perico” Ortiz y en la voz de Rubén Román.

En cuanto al homenaje a Frankie Ruiz, se seleccionó el tema clásico “Vuelvo a nacer”, de Miriam Valentín, un tema que se dio a conocer luego de la muerte de Ruiz en agosto de 1998 y en el que era evidente la decadencia en la voz del cantante boricua.

“Esa idea surgió en el estudio. El ingeniero Vinny Urrutia quería hacer ese tema con otro grupo. Le surgió la idea de dármelo cuando estábamos grabando y aprovechamos que Frankie Junior estaba de promoción en Puerto Rico y lo grabamos. Entendimos que sería una buena idea que los hijos de Tommy y Frankie grabaran algo juntos en homenaje a sus padres”, manifestó Tomito.

El veterano Simón Pérez tiene a cargo el tema “Cosas de verduras”, una composición de Justi Barreto que tocaba la orquesta a fines de los años 70 pero nunca fue grabada. “Esa canción la cantaba Gilberto Santa Rosa, pero papi nunca la grabó. Como nunca se había grabado decidí hacerlo con el arreglo original que le había hecho Louis García. Un día, en un Día Nacional de la Salsa se lo comenté a García y me dio el permiso para usar el arreglo”, recordó Olivencia Jr.

La producción presenta otros temas en las voces regulares de la orquesta como Osvaldo Díaz (“Estoy aquí”), Mel Martínez (“Planté de nuevo”) y Japhet López (“El último helado” y “Evelio por 4ta vez”)
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Las flautas de Maraca


Orlando "Maraca" Valle y José Luis Cortés, dos grandes de la flauta cubana


Fuente: Granma, Cuba. Por: Pedro de la Hoz

Cuando en 1988 Chucho Valdés fichó a Orlando Valle, Maraca (La Habana, 1966), para la banda Irakere, tuvo en cuenta los promisorios horizontes de un muy joven flautista no solo dado al virtuosismo individual sino también a la comprensión de diversos estilos, la interpretación fluida, la capacidad improvisatoria y la ductilidad para satisfacer las exigentes demandas del genial pianista y compositor. Esto lo supo antes Bobby Carcassés, vocalista, multinstrumentista y hombre espectáculo del espectro jazzístico insular, que alguna vez lo sumó a su colectivo, y el pianista Emiliano Salvador, cultivador de una vertiente muy personal en la música instrumental.

Poco tiempo después de la decisión de emprender su propia ruta como líder de Otra Visión, el legendario flautista Richard Egües (1923-2006), quien aportó uno de los sellos distintivos de la orquesta Aragón, dijo de Maraca: «Aunque soy un hombre del siglo que termina (el xx), no puedo dejar de mirar lo que viene por delante y allá veo, y quisiera escuchar, lo que va a pasar con Maraca; ya es, y será mucho más a medida que pasen los años, el flautista más completo de Cuba para adentrarse en el siglo xxi».

Esa flauta resume las cualidades que advirtió Chucho en el veinteañero Maraca  y cumple la lúcida premonición de Richard. Lo hace en grado sumo e instalado en el cenit de la madurez. Se trata de un disco, en el cual Maraca no solo pone la pauta sino invita a que lo hagan otros, producido por la Egrem, puesto en circulación el pasado fin de semana en las plataformas digitales iTunes y Spotify, y visible también, mediante un concierto, el próximo 15 de mayo por el canal YouTube de la casa discográfica.

Este es un viaje entre las más logradas fusiones estilísticas que dan cuenta del estado presente del lenguaje jazzístico y las especies musicales cubanas, de arraigado linaje popular, donde la flauta ha desempeñado históricamente un papel protagónico.

Metafóricamente cabría definir el recorrido como un viaje a la semilla que, sin embargo, no queda en eso, sino por el contrario, ramifica con vigor y originalidad en cada propuesta. Porque el danzón, el chachachá, el son y los restantes géneros que aborda el flautista con sus músicos no están asumidos desde la perspectiva de un esquema cerrado sino, por el contrario, como vías de desarrollo de palpitante actualidad.

Maraca se permite sonear, guarachear, jazzear y descargar. Para entender la pertinencia de estos dos últimos términos debe entenderse  la diferencia entre el discurso del mainstream  del género, incluso del que corresponde a los códigos del llamado jazz afrocubano, y el que nace de la improvisación usual entre los músicos cubanos hacia la medianía del siglo pasado. Es decir, la diferencia entre la jam session y la descarga.

El flautista se mira en el espejo de Fajardo y Arcaño, del inolvidable Richard, pero a la vez invita a la audiencia a mirar la imagen de un Maraca que cuando suena se sabe él mismo. Generoso comparte espacio con colegas a quienes adeuda y admira, como José Luis Cortés (El Tosco), René Luis Herrera y Guillermo Pedroso; compañeros de entrañables faenas como el saxofonista César Alejandro López, de la época de Irakere, y el contrabajista Lázaro Rivero, El Fino, y el baterista Juan Carlos Rojas, El Peje; apela al ritmo básico del güiro de Enrique Lazaga; convoca voces que le son familiares y cercanas –como su hermano Moisés, Yumurí, uno de los soneros más vitales de esta época, Carlos Calunga y Alain Pérez, sorprendente también en la percusión– y hasta desprejuiciadamente inserta el soporte de un pinchadisco o dj. Tradición y contemporaneidad es la dialéctica de esta entrega. Richard tenía razón: Maraca es la flauta cubana del siglo xxi.
15 may. 2020 0 comentarios

Muralista peruano decora La Perla



Fuente: Omar Marrero. Noticel, Puerto Rico

El pasado 8 de marzo, el artista peruano Alexis Villanueva Puente llegó a Puerto Rico con un doble propósito: asistir por primera vez al Día Nacional de la Salsa y pintar unos murales en la barriada La Perla.

Casi dos meses después, no ha podido regresar a su país debido a la emergencia mundial causada por el coronavirus y que ha provocado el cierre de aeropuertos y la cancelación de vuelos internacionales.

Extraña a su familia, pero su extendida estadía en la Isla la ha recibido como “una bendición”.

“Tengo tres niños que son menores. Me comunico con ellos todos los días para que estén tranquilos. Allá también están en cuarentena. Pero es algo que le está pasando a mucha gente que quiere regresar y por ahora no puede”, dijo el artista a NotiCel.

“Pero estar aquí ha sido una bendición. Cuento con el apoyo de mi amigo Raúl Figueroa. Eso me hace sentir bien y me da tranquilidad. No me ha hecho falta nada. Me da tranquilidad para esperar que todo esto pase”, indicó.

Su tiempo en Puerto Rico lo ha ocupado pintando murales de leyendas salseras en las paredes de La Perla. Ya ha pintado los rostros de Héctor Lavoe, Ismael Rivera, Chamaco Ramírez, Marvin Santiago, Tite Curet, Sammy Marrero, Paquito Guzmán y Frankie Ruiz.


Villanueva no es nuevo en este arte ni en su relación con la salsa.

“En el Perú yo empecé el muralismo en el 96 en un barrio que se llama Puerto Nuevo, pero le dicen Puerto Rico. Empecé luego a pintar en otros barrios como en Atahualpa. Les llamé 'Las caras del Callao'. Esa corriente ha estimulado a otros artistas jóvenes que ahora también tienen demanda de ese tipo de trabajo”, recordó.

“Empecé pintando a salseros, pero con los enfrentamientos entre barrios rivales, también pinté las caras de personas asesinadas. Eso me concientizó a crear proyectos en el muralismo en pos de la integración social. Esas fiestas que se hacen en torno a los murales integran y reúnen a barrios distintos. Eso ha servido mucho para la integración en el Callao”, contó Villanueva.

Su relación con la salsa empezó con Lavoe

En el Callao la salsa es un ritmo “casi folklórico”, asegura Villanueva.

“Mi pasión por el género fue a partir de la muerte de Héctor Lavoe. Esa noche se confirmó en Perú por un comentarista radial. Ese día yo, un adolescente, me impactó la importancia que tenía ese cantante; me preguntaba por qué la gente lloraba y por qué la radio tocó tanto sus canciones ese día. Tres años después logré pintar el primer mural de su cara y a partir de ahí seguí. Luego Celia Cruz, Ismael Rivera y otros”, relató.

“El arte y la música me rescataron de la calle. No tenía mucha técnica, pero se reconocían las caras. Y hasta ahora es lo que me ayuda a mantener a mi familia”, confesó.

Por eso -aseguró- estar en La Perla es estar como en su barrio. “Es un gran honor estar en esta tierra”.

Para su trabajo muralista en la barriada sanjuanera, realizó un acercamiento sentimental “más cercano” a las figuras que pintaría.

“Fui a visitar sus tumbas antes de empezar a pintar. Por eso (los murales) vienen recargados de algo cercano que me conecta con este país. No sé por qué pienso que en otra vida pude haber sido boricua”, reveló el artista.


¿Cuál es su técnica?

“La técnica que uso es aerografía. Es un mini soplete que funciona con presión de aire. La vengo desarrollando desde hace años. Yo empecé con el grafiti, pero me reinventé con la aerografía. Utilizo lo que aquí le dicen pintura de aceite, que yo le digo 'de esmalte'. Los murales que hice aquí son en blanco y negro, pero también uso color”, manifestó en la entrevista.

Así que mientras Villanueva espera que los vuelos internacionales se renueven y pueda volver a su país, a su barrio y a su familia, sigue recorriendo las calles de La Perla en busca de paredes a las cuales darle vida salsera. “Más que un trabajo, es un compromiso. De hecho, ya planificamos para venir el año que viene a pintar otros murales”, adelantó.

Por ideas no peca: Rafael Ithier, Pellín Rodríguez, Raphy Leavitt, Tommy Olivencia, Roberto Roena… Aún no sabe cuáles rostros pintará en la próxima ronda, pero sí sabe que su relación con Puerto Rico y la salsa se profundizó gracias al coronavirus.