28 sept. 2019 0 comentarios

José José (1948- 2019)



Ha muerto José José y otra vez la música en español está de luto. Hace tres semanas lamentábamos la partida del español Camilo Sesto y hoy es José Rómulo Sosa Ortiz el motivo de tristeza de todos los que 
gustamos de la música.

Tal vez, el cantante mexicano haya sido el más versionado en la historia de la balada en Salsa. Aquí van, a manera de homenaje, 30 clásicos de José José en Salsa



1) "Lo Dudo" - Tommy Olivencia. Canta: Frankie Ruiz




2) "Seré" - Israel Kantor




3) "Perdido en la Oscuridad" - Tito Nieves




4) "Disimula" - José Alberto El Canario




5) "Payaso" - Andy Montañez




6) "Más" - Orquesta La Solución




7) "Lo Que Fue, No Será" - Rafael de Jesús




8) "A Esa" - Louie Ramírez & Ray de la Paz




9) "Cuidado" - Aníbal López y La Unica




10) "Pero Me Hiciste Tuyo" - Cano Estremera




11) "Preso" - Noche Caliente




12) "Almohada" - Tito Nieves




13) "Gavilán o Paloma" - Rubby Haddock




14) "Me Vas a Echar de Menos" - Willie Rosario




15) "Y Que" - Saravá All Stars




16) "El Amar y El Querer" - Noche Caliente de Venezuela. Canta: Hildemaro




17) "40 y 20" - Cheo Andújar




18) "Amnesia" - José Lugo Orchestra. Canta: Gilberto Santa Rosa




19) "Desesperado" - Conjunto Chaney. Canta: Eddie Santiago




20) "Esta Noche Te Voy a Estrenar" - Rafael de Jesús




21) "Quiero Perderme Contigo" - Tito Nieves




22) "El Triste" - Aníbal López y La Unica




23) "Como Tú" - Ralphy Santi &Tito Allen




24 "Lo Pasado, Pasado" - Junior González




25) "Vamos a Darnos Tiempo" - Renzo Padilla




26) "Solo Tú y Yo" - Louie Ramírez & Ray de la Paz




27) "Una Mañana" - Roberto Roena




28) " Por Ella" - Tommy Olivencia




29) "Alguien Vendrá" - Celia Cruz & Tito Puente




30) "Pruébame" - Adalberto Santiago





26 sept. 2019 0 comentarios

LO NUEVO: "Recuerda Que Te Quiero" - Hermán Olivera



Un amigo de la casa tiene disco nuevo. Se trata de Hermán Olivera, "El Sonero del Siglo XXI", quien estrenó hoy su nuevo sencillo titulado "Recuerda Que Te Quiero"

El tema es una composición y arreglo del cubano Luis “Papo” Márquez, quien logra una unión de conceptos con un nuevo sonido pero conservando el estilo de Hermán.

La producción del single fue realizada por Márquez junto con Luis Rojas "Redlouis", quien es mánager de Olivera desde hace más de doce años y cuenta con la participación de un grupo musical que grabó el tema entre Caracas, Miami, Orlando, New Jersey y New York

Los invitamos a disfrutar de lo nuevo de "La Voz del Caribe"
25 sept. 2019 0 comentarios

LO NUEVO: "Hay Que Quererte" - El Gran Combo de Puerto Rico




Ya está "en el aire" el nuevo sencillo de El Gran Combo de Puerto Rico titulado "Hay Que Quererte", composición y arreglo de José Leni Prieto que trae en la parte vocal a Jerry Rivas. Disfrútenlo....

24 sept. 2019 0 comentarios

Los nominados al Latin Grammy 2019



El peruano Tony Succar es protagonista entre los nominados al Latin Grammy 2019 que fueron anunciados esta mañana. Su disco Más de Mí compite en las categorías de Album del Año, Album de Salsa, mientras que el propio músico compite en la categoría de Productor del Año. Asimismo Succar postula su composición "Más de Mí" como Mejor Canción Tropical.

Maestro Eddie Palmieri, Rubén Blades, Mario Ortiz, Juan Luis Guerra, entre otros, figuran también entre los postulantes (en diversas categorías) a los premios que serán entregados el próximo 14 de Noviembre en el MGM Grand Garden Arena de Las Vegas.

Entre otros artistas peruanos nominados están el Septeto Acarey, Eva Ayllón y el cantautor Gianmarco

Esta es la lista de candidatos en las categorías que esta página sigue:

Mejor Álbum de Salsa



1. CUBA LINDA - Maite Hontelé [Merlín Producciones/Egrem]




2. 55 ANIVERSARIO - Mario Ortiz All Star Band [All Star Music Productions Inc.]




3. MI LUZ MAYOR - Eddie Palmieri [Uprising Music]




4. NUESTRO HOGAR - Quintero's Salsa Project [Quintero's Record]




5. MAS DE MI - Tony Succar [Unity Entertainment]


Mejor Álbum Tropical Tradicional


1. ANDRÉS CEPEDA BIG BAND (EN VIVO) - Andrés Cepeda [Sony Music]

2. VEREDA TROPICAL - Olga Cerpa y Mestisay [Ediciones Mestisay/Egrem]

3. LO NUESTRO - Yelsy Heredia [Bis Music]

4. A JOURNEY THROUGH CUBAN MUSIC - Aymée Nuviola [Top Stop Music]

5. LA LLAVE DEL SON - Septeto Acarey [Septeto Acarey S.A.C]


Mejor Canción Tropical

1. EL AFORTUNADO - Luis Enrique & Jorge Luis Piloto, songwriters (Septeto Acarey Featuring Luis Enrique)
Track from: La Llave Del Son [Septeto Acarey S.A.C]

2. KITIPUN - Juan Luis Guerra, songwriter (Juan Luis Guerra 4.40) [Universal Music Latino]

3. MAS DE MI - Jorge Luis Piloto & Tony Succar, songwriters (Tony Succar Featuring Angel López)
Track from: Mas De Mi [Unity Entertainment]

4. SUBIENDO Y BAJANDO - Bobby Allende, Waddys Jáquez, David Maldonado & Adan Pérez, songwriters (8 y Más Featuring Rubén Blades)
Track from: Otra Ruta [Unity Entertainment]

5. VIVIR ES COMPLICADO - Jorge Luis Piloto, songwriter (Andrés Cepeda & Dayhan Díaz)
[Sinfonic LLC / Cortesía De Sony Music Entertainment Colombia]


Mejor Álbum de Jazz Latino/Jazz

1. TURNING PAGES - Claudia Acuña [Delfin Records]

2. ELEMENTAL - Branly, Ruiz & Haslip [Blue Canoe Records]

3. DOS ORIENTALES - Hugo Fattoruso & Tomohiro Yahiro [Montevideo Music Group]

4. RIO - SÃO PAULO - André Marques [Blaxtream]

5. JAZZ BATÁ 2 - Chucho Valdés [Mack Avenue Music Group] 

Marc Antohny con su tema "Parecen Viernes" compite por Grabación del Año, Rubén Blades y su CD Paraíso Road Gang es candidato a Album del Año.

Blades compite también (con su tema "El País") en la categoría Canción del Año lo mismo que el dominicano Juan Luis Guerra (con su tema "Kitipun").

Guerra compite también en Mejor Album Contemporáneo / Fusión Tropical con su disco Literal lo mismo que su compatriota Milly Quezada (quien postula con su CD Milly & Company)

Cuban Sax Quintet (con su disco Saxofones Live Sessions) y Miguel Zenon Featuring Spektral Quartet (con su disco Yo Soy La Tradición) compiten, entre otros, en la categoría Mejor Album Instrumental.

El nicaragüense Luis Enrique y el C4 Trío (con su disco Tiempo al Tiempo) y nuestra Eva Ayllón (con su disco 48 Años Después) compiten, entre otros, en la categoría Mejor Album Folclórico.
22 sept. 2019 0 comentarios

Ralph Cartagena: "la piratería destruyó el negocio de la salsa"



Ya muchos sociólogos, musicólogos y artistas han establecido que la salsa como género musical nunca ha muerto y se mantiene vigente. Eso es cierto, aseguró el reconocido empresario disquero Ralph Cartagena, pero los días de utilizar esa música como negocio pasaron a mejor vida hace mucho tiempo.

Cartagena, un veterano hombre de negocios que logró montar uno de los imperios salseros más recordados -COMBO Records- dijo que los días de ganar dinero con la salsa desparecieron tan pronto apareció la internet y los desarrollos tecnológicos que han permitido lo que se conoce como “piratería”.

“Ya no se está grabando salsa como antes por la piratería. Eso sacó a todo el mundo del negocio. Lo que yo estoy vendiendo hoy son productos que ya existían y que tengo en almacén. Pero nadie está comprando discos porque los bajan del internet o los bajan de algún sitio gratis. A las ejecutoras (o licenciadoras de música) nos está produciendo buen dinero, pero el disco físico ya no es negocio”, dijo Cartagena en entrevista con NotiCel.

“¿Sabes lo que están comprando ahora? Los coleccionistas están comprando vinil de nuevo. Pero el costo de fabricar discos de vinil es prohibitivo. Yo tengo clientes que me dicen que me compran los vinilos, pero a mí me cuestan 5 dólares y no vale la pena porque hay que pagar por la carátula, hay que pagar derechos autorales y si los derechos están en otra editora que no es la mía hay que pagar el 100% o quizás un 75% si me dan un precio especial. Si están en mi editora pago la mitad”, explicó el empresario.

Cartagena contó que cuando comenzó en el negocio tuvo la visión de establecer una editora o licenciadora de música junto con la empresa de grabación. Eso le permitió tener unos ingresos estables aunque pasara lo que ciertamente pasó después: que la industria disquera cayó en coma.

“En mi editora, yo tengo un 75% de la música que he grabado”, reveló. Eso le ha permitido pagar la mitad de los derechos autorales cada vez que graba un disco nuevo o reedita un álbum.

“Pero el CD ya desapareció. ¿Dónde venden CDs ahora? Ya no fabrican CDs. Lo que yo hago es que preparo compilaciones, se las paso a iTunes y que las bajen. No es negocio ya (el CD)”, lamentó.

Cartagena es natural de Orocovis, pero desde joven se trasladó a Nueva York donde comenzó sus negocios como dueño de una tienda de discos. “De una tienda, me extendí a cuatro tiendas y luego empecé a ser mayorista”, recordó. Con sus contactos, comenzó a moverse a mayores niveles de ese negocio hasta que finalmente organizó su primera disquera que nombró RICO Records.

De ahí en adelante, sus negocios continuaron expandiéndose y poco a poco fue convirtiéndose en uno de los empresarios disqueros más exitosos de la salsa.

Sus negocios eran tan prósperos que quiso seguir ampliando sus oportunidades y también se convirtió en manejador de orquestas. Entonces, llegó El Gran Combo y de buenas a primeras, Cartagena tenía en su elenco a dos de las principales orquestas de música tropical de ese momento: El Gran Combo en la salsa y Johnny Ventura en el merengue.

Entonces se le ocurrió crear un sello dirigido a la música tropical y como sus grupos principales eran El Gran Combo y Johnny Ventura y su Combo, decidió nombrar al sello COMBO Records. “Eso lo creé yo. El primer disco de El Gran Combo que grabé bajo ese sello fue ‘Aquí no se sienta nadie’ en 1979”, recordó Cartagena.


Fuente: Noticel.com  Por: Omar Marrero

“Yo te digo a ti que, en un año, la corporación mía en Nueva York declaró más de tres millones y medio de dólares (de ganancias) a finales de los 70”, reveló al contar también que en algún momento compró el catálogo de las grabaciones que hizo el Gran Combo con los sellos GEMA y EGC.

Pero no todo fue miel sobre hojuelas porque Cartagena asegura que siempre ha sido un empresario “pro músico” por lo que tuvo muchos problemas con Ventura y con Rafael Ithier, director de El Gran Combo.

“Tuve peleas con Johnny Ventura, con Ithier, y con todos los directores que no le querían pagar bien a sus músicos. Yo llegué a pagarle a El Gran Combo $250 mil por una grabación en Puerto Rico. Yo empecé pagándole a los cantantes de aquel tiempo, Andy, Charlie y Jerry, $10 mil a cada uno por cantar los temas de ellos. ¿Cómo era posible? Es que eso era lo razonable”, manifestó el empresario.

La internacionalización de El Gran Combo, que ya había despegado, y el éxito de COMBO Records no pasó desapercibido para otras empresas disqueras que quizás veían en ella una competencia fuerte, como fue el caso de CBS en Estados Unidos.

“El programador Paco Navarro me pegó un tema en Nueva York que Rafael no lo quería grabar: “Teléfono”. Paco estaba programando la emisora americana número 1, que se llamaba KTU. El cogió el tema y lo puso número 1, inclusive entre todos los temas en inglés. Entonces me llamaron de CBS porque querían hablar con el 'manager' [manejador] de El Gran Combo. Me dijeron que querían tener en su compañía a El Gran Combo. Yo le dije que la orquesta tenía un contrato de grabación con la compañía RICO Records, pero le dije que todo tenía un precio. Y el que me llamó me dijo que me compraba la compañía completa y me preguntó cuánto yo quería por la compañía. Le dije que solo por el sello RICO, que tenía como subsidiaria a COMBO, SOLO y otros dos o tres sellos, me conformaba con 20 millones. Me gritaron si yo estaba loco. Yo le dije: ‘ustedes preguntaron cuánto valía la compañía’”, recordó sonriendo Cartagena.

En su época de mayor esplendor, COMBO Records tuvo en su catálogo a grupos como la orquesta de Mario Ortiz, la Puerto Rico All Stars, la Cubana All Stars, Gilberto Santa Rosa, Willie Rosario, Cano Estremera, Andy Montañez, entre otros, y merengueros como Bonny Cepeda, Los Hijos del Rey y el Grupo Tambó, entre otros.

“Todos los grupos que yo grabé, ellos me buscaron a mí. Me dijeron que querían que yo los manejara y los administrara a nivel de presentaciones, con mano libre. Y nadie se atrevía a preguntarme cuánto ganaba la otra orquesta. Nunca firmé un contrato con ninguna de mis agrupaciones con respecto al manejo. Con nadie. Todo era mi palabra y la palabra de ellos”.

Hoy, cuando la salsa y el merengue ya no son géneros atractivos para la nueva generación que se ha volcado en el reguetón, ya no es negocio grabar como antes. “Lo recomendable ahora es grabar cada año dos temas buenos o uno con un buen video y cuando llegues a cinco o seis, si acaso los sacas en CD”, recomendó al recordar que la promoción en redes sociales es, en la actualidad, la forma más efectiva de dar a conocer la música nueva.

Aún así, COMBO Records sigue atrayendo interés porque el mercado de coleccionistas es uno fuerte en América Latina.

“Ahora mismo yo tengo una oferta de Europa por el sello. Mi compañía tiene el sello, tiene el editor de la música y es dueña total de las grabaciones de gente como El Gran Combo, Johnny Ventura, los primeros cuatro discos de Gilberto Santa Rosa, entre muchísimos otros. El dueño soy yo. La esposa mía no quiere vender, pero le dije que si me dan los $40 millones que pedí, vendo el edificio de Nueva York y la finca de Trujillo, y me retiro totalmente porque ya mis hijos están protegidos”, concluyó.
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Deniegan a Sammy Marrero un juicio por jurado



Fuente: Noticel.com  Por: Omar Marrero

El juez federal Raúl Arias Marxuach denegó la petición de la defensa del cantante Sammy Marrero para que se realice un juicio por jurado relacionado con la demanda presentada contra él por la familia del fenecido músico Raphy Leavitt.

La determinación del juez significa que será él quien aquilatará si hubo una violación de la ley de derechos de autor por parte de Marrero y sus músicos, cuyo juicio está pautado para comenzar el 10 de febrero de 2020.

“La corte entiende que un juicio por jurado perjudicaría la parte de los demandantes. Ellos han alegado que un jurado estaría muy influenciado por la publicidad negativa que ha recibido el caso en los últimos tres años. Además, el prejuicio aumenta si una de las partes ha estado bajo la impresión de que se celebraría un juicio por derecho y no por jurado”, lee parte del documento judicial.

“El expediente sugiere que los demandantes se han estado preparando para un juicio por derecho desde el principio. Los demandantes no hicieron una solicitud para juicio por jurado bajo el reglamento federal a pesar de tener múltiples oportunidades para hacerlo”, agrega el juez Arias Marxuach.

“Por otro lado, los demandantes plantean que un juicio por jurado requerirá de instrucciones especiales y un escenario de hechos que un jurado no entendería fácilmente. Aunque usualmente los casos de violación de derechos de autor se ven con jurado, especialmente cuando se trata de daños estatutarios, aquí hay asuntos complicados adicionales que obligaría a emitir instrucciones especiales al jurado”, manifestó el Magistrado.

El licenciado Peter John Porrata, uno de los abogados de Marrero, admitió que el caso se les hace más difícil con la determinación de Arias Marxuach pero aseguró que no entiende una de las justificaciones planteadas por el juez en cuanto a que un jurado no entendería fácilmente un tema como el de derechos de autor y que necesitaría instrucciones especiales.

“El juez está obligado a dar instrucciones al jurado. Si él lo encuentra difícil para eso estamos los abogados. No veo por qué lo dice así”, dijo Porrata.

El abogado de defensa indicó que en octubre las partes deberán reunirse para negociar una transacción luego que se presenten la oferta y contraoferta correspondientes.


Ralph Cartagena: "La viuda de Raphy Leavitt no debió parar su música"

La demanda que presentó hace más de tres años la viuda del recordado músico salsero Raphy Leavitt contra el cantante Sammy Marrero por violación de derechos de autor es una acción que nunca ha tenido sentido, aseguró el empresario disquero puertorriqueño Ralph Cartagena.

Lo peor es, dijo Cartagena, que como parte de la disputa legal contra Marrero y sus músicos, la viuda de Leavitt, María Barreto, sacó todas las composiciones del fenecido director de La Selecta de la Sociedad Americana de Compositores, Autores y Editores (ASCAP, por sus siglas en inglés), empresa licenciadora de música, con el propósito de que Marrero no tenga permiso para seguir interpretándolas.

Pero al hacer eso, el efecto práctico es que nadie más pueda tocar esas canciones lo que a su vez le impide seguir cobrando regalías por eso.

"Mira, yo soy el dueño absoluto de todo lo de El Gran Combo, canciones, arreglos, carátulas... En ningún momento he intentado sacar mi música de ASCAP porque los músicos tienen derecho a vivir. Ellos viven de esto. Yo puedo sacar la música de ASCAP y parar a El Gran Combo en territorio norteamericano y lograr que ellos no puedan tocar más esa música y entonces yo le pongo precio, que es lo que han intentado hacer con Sammy Marrero", explicó Cartagena, dueño de la disquera COMBO Records.

"Lo que María (Barreto) sabe de derecho (autoral) se lo enseñé yo. ¿Por qué ella está haciendo eso? Sus razones tendrá, pero no estoy de acuerdo con esas decisiones. Porque El Gran Combo es más grande que La Selecta y yo no lo voy a parar. Yo recibo dinero (por regalías) de lugares que ella no tiene idea. Y ella sacó la música de Raphy de ASCAP y paró la música de su esposo", manifestó el empresario.

Barreto y sus hijos demandaron a Marrero, a sus músicos y a sus respectivas esposas por violación de derechos de autor por supuestamente interpretar sin permiso canciones de Leavitt que La Selecta (y Marrero como su cantante) hicieron famosas mundialmente.

El juicio está pautado para comenzar el 10 de febrero del 2020.

Todo se remonta al año 2015 cuando Leavitt falleció inesperadamente tras una operación de cadera. Varios meses después, la viuda y sus hijos decidieron desintegrar la orquesta La Selecta sin consultar con los músicos, quienes entonces se reagruparon bajo el nombre de Sammy Marrero y su Orquesta y continuaron interpretando los viejos éxitos de La Selecta.

La viuda y sus hijos establecieron una cantidad de dinero como requisito para obtener su permiso, pero Sammy y sus músicos indicaron que ya ellos tenían el permiso de ejecución porque pagaban directamente a ASCAP, que tenía el catálogo de Leavitt.

En diciembre del 2018, se anunció que la familia Leavitt había retirado de ASCAP la música de Raphy por lo que desde el 1 de enero de este año, la orquesta de Marrero no ha podido interpretar los éxitos que el público identifica con la voz del veterano cantante.

"Sin embargo, ella no puede parar a los DJs de estar tocando la música ni a las orquestas del interior de estar tocando las canciones que no le permite a Sammy cantar ni a su orquesta tocar", opinó Cartagena al reiterar que no le ve sentido alguno a la determinación de la familia Leavitt.

El empresario boricua es el dueño del tercer catálogo de salsa de más demanda en la historia del género, luego de los de Fania y TH Records.

En su momento de mayor esplendor laboral Cartagena fue el manejador y disquero de grandes orquestas de salsa y merengue como El Gran Combo, Oscar De León, Mario Ortiz, Puerto Rico All Stars, Johnny Ventura, Bonny Cepeda y Los Hijos del Rey, entre muchas otras. Fue el gestor principal de la internacionalización de El Gran Combo.

Aunque ya está retirado porque su hijo es quien maneja su empresa ahora, dijo que vendrá a Puerto Rico con más frecuencia porque se comprometió con ayudar a Marrero y a Willie Rosario por medio de sus contactos internacionales.

Aunque tiene varias propiedades en Puerto Rico, el empresario pasa la mayor parte de su tiempo en su residencia en el estado de Nueva Jersey.
15 sept. 2019 0 comentarios

Eddie Palmieri, Tensión y Resistencia en Perú


Eddie Palmieri con Hermán Olivera y la camiseta de Perú (Foto de Pablo Francia)


Por: Eduardo Livia Daza

El historiador Robert Farris Thompson escribió en las notas del CD Ritmo Caliente (Concord, 2003): “quizá no podamos seguir todas las complejidades de su música, pero sabemos que algo tiene que estar causando la exaltación que sentimos”. Anoche eso nos pasó nuevamente, cuando el Maestro Eddie Palmieri y su banda, “la banda que manda”, tomaron por asalto la tarima del Jockey Club para escribir una nueva página de la historia de la Salsa en Perú.

El Maestro ya había causado alboroto desde la noche del jueves, primero en el aeropuerto y luego en el hotel cuando atendió a un grupo de sus fanáticos que le dieron una recepción efusiva pero respetuosa, cariñosa y merecida. Su expectativa era descargar toda su potencia concentrada dentro del cartel variado y amplio del Festival Viva la Salsa que traía a figuras como Sonora Ponceña, Los Van Van, Charlie Aponte, Tito Nieves, Víctor Manuelle, Jerry Rivera y Alberto Barros. Palmieri estaba listo para el “quien es quien” y ya lo advertía en nuestras charlas previas e incluso en el sound check del mediodía.

Era una nueva cita con “El Mesías” y ahí estábamos en primera fila los seguidores de su obra que abarcamos ya tres generaciones; los mayores y los más jóvenes, los que coleccionan y los que no, los más fieles y hasta los "fariseos". Todos a la expectativa del hombre que aunque ha ganado diez Grammys y otros reconocimientos sigue estudiando y grabando, enseñando y llevando su música desde Perú hasta Japón.

“Pa’la Ocha Tambó” abrió la noche. Hermán Olivera “La Voz del Caribe” saludaba al “Chimpun Callao” escoltado por los coros de Quique y Adriel González y Luques Curtis hacía lo suyo en el bajo mientras que el Maestro nos pedía la clave para “echarse un pie”, como en el 2016. Debo confesar que mi tocayo hizo que el pulso me tiemble cuando nos vio y dedicó unos segundos para saludarnos y vacilarnos con sus señas: “Norma, ustedes no duermen”. El Molestoso.

Eddie suele utilizar las palabras “tensión y resistencia” para explicar la atmósfera creada por su música. Algo de eso ocurrió anoche, no solo por el repertorio sino también por algunos detalles de sonido que Palmieri debió afrontar con su piano. Tal vez eso motivó que no volviésemos a escuchar otro solo suyo en el resto del show que siguió con “Muñeca” y “Oye lo que te Conviene”, donde el “Pequeño Johnny” y Erik Piza sonaban el tambor, lo mismo que el contundente Camilo Molina.




Los picos de la noche fueron “Adoración” y “Azúcar”. No eran necesarios esos tachos de pirotecnia que se utilizaron previamente durante el Festival, la banda echaba fuego por sí sola. Louis Fouché (saxo), Jonathan Powell y Nelson Jaime Gazú (trompetas) y Joe Fiedler (trombón) estremecieron la tarima: “así se toca”.

Mención aparte, otra vez, para Jimmy Bosch y su trombón, sus solos y sus moñas demostraron, por si aún hiciera falta, que es uno de los más grandes de todos los tiempos en su instrumento.




Pero Palmieri es el líder y el capitán. Es por eso que mi pana Pablo le tenía la camiseta de Perú lista. Hermán se la llevó y el "10 del equipo" agradeció... La Salsa es de Todos!

En el final de su show de hora y diez minutos el Maestro marcó “Vámonos Pa’l Monte”. Ya que el piano y su sonido no tuvieron su mejor noche, Eddie se fue al timbal, el instrumento de su adolescencia (cuando quería ser “Tito Puente”) para tirar unos palos y luego cerrar la noche con “Comparsa” con un despliegue contundente de todos los vientos al frente. Sabiduría.

Anoche este grupo de grandes artistas echó mano a todos sus recursos para ofrecer al público una noche para la historia. Tensión y resistencia. Solidaridad.

Para nosotros, fue un fin de semana que quedará en el recuerdo por todos los detalles de la Familia Palmieri
- “Ustedes no duermen”, nos seguía diciendo Eddie
- “Maestro, con su música lo último en lo que se piensa es en dormir”
13 sept. 2019 0 comentarios

ENTREVISTA: Carlos García estrenó "Yo la Quería Para Mí"





A continuación la entrevista al músico boricua Carlos García, quien se encuentra en Lima como parte del grupo que acompañará a Charlie Aponte en el Festival Viva la Salsa de mañana Sábado 14.

Carlos estrenó hoy su nuevo sencillo "Yo la Quería Para Mí"



Fuente: El Vocero, Puerto Rico

El salsero puertorriqueño Carlos García está de estreno con su nuevo sencillo Yo la quería para mí, de la autoría de Jerry Demara, como parte de su propuesta como solista.

El también pianista tuvo a su cargo el arreglo del tema, que fue grabado en Rolo's Studio.

Yo la quería para mí, que tiene como coristas a Windy Díaz y a Joselito Hernández, estrenará a partir de mañana, viernes, 13 de septiembre.

Además, el tema contó con la participación de Kachiro Thompson (conga), Pablo Padín (timbal), Savier Díaz (bongó), Jorge Rivera (bajo), Manolito Rodríguez (percusión menor), Yturvides Vílchez (trompeta), Ángel Torres (saxofón) y Lester Perez (trombón).

Mientras, el vídeo musical fue filmado en el hospeda Blue Paradisee, Río Grande, bajo la dirección de Marcos Plaja, de Sky Films, y contó con la participación de Yuanilie Alvarado, Miss Arecibo Universe Puerto Rico 2018.

En mayo pasado, el cantante, quien ha colaborado con Charlie Aponte, Luisito Carrión y Maelo Ruiz, entre otros, lanzó su primer sencillo Si Supieras, del compositor puertorriqueño José Nogueras.


9 sept. 2019 0 comentarios

Roberto Roena se encuentra estable y de buen ánimo



Fuente: El Nuevo Día, Puerto Rico. Por: Eliezer Ríos Camacho

El director musical, percusionista y bailarín salsero Roberto Roena se encuentra estable y de buen ánimo, luego de haber sido intervenido quirúrgicamente este lunes en un hospital de San Juan.

Según explicó Roberto Roena hijo a El Nuevo Día, su progenitor sufrió un pequeño accidente que afectó la nefroctomía a la que se había sometido a principios de año para enfrentar un padecimiento renal.

“Él tuvo un accidente y se le rompió un drenaje que tiene en un riñón. Lo trajimos a emergencia. La intervención es ambulatoria y todo salió bien. Está consciente. Se siente tan bien que piensa ir a trabajar a Colombia este fin de semana si sus médicos lo autorizan. Quiere regresar a su casa, está estable y muy bien,  gracias a Dios” manifestó el hijo del legendario salsero boricua
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David Morales "El Capitán de la Salsa"



David Morales es “El Capitán de la Salsa” que el presente año nos trae El Original, placa de trece temas bajo la producción y dirección del gran Pedro Bermúdez y con una tripulación de tremendos músicos, incluido José Alberto "El Canario" que es invitado especial en uno de los cortes.

En tiempos de “turbulencias” sonoras, Morales nos conduce en un viaje lleno de sabor reconfirmándonos que la Salsa sigue viva. Toca a nosotros, público y seguidores, apoyar las propuestas actuales que (no solo) Puerto Rico y sus músicos siguen presentando.

David no solo es cantante sino también es piloto de aviación para una aerolínea comercial y hace pocas semanas estuvo en Lima trayendo su nuevo disco, ocasión que aprovechamos para entrevistarlo



El Salsero: David, cuéntanos un poco sobre tus inicios en la música

David Morales: Yo empecé a los ocho años a escuchar la música de Raphy Leavitt y La Selecta, Willie Colón con Héctor Lavoe, Ismael Miranda… todos estos maestros despertaron mi interés por la Salsa y empecé a imitarlos. Cuando estaba en octavo grado empecé a tocar percusión en una orquestita que teníamos en la escuela y más tarde comencé a cantar. Mis inicios profesionales fueron con la Orquesta Revolución 70 de Jimmy Urbina, con quienes grabé mi primer LP que constaba de ocho temas, en cinco de los cuales participé.

E.S.: Cómo fue esa experiencia de grabar con Jimmy Urbina y luego con Costa Brava?

D.M.: Fue una experiencia hermosa pero retadora porque estaba rodeado de músicos con más experiencia, entre ellos Angelo Pacheco que era cantante de Revolución 70 desde sus inicios y del Maestro Dino Guy, excelente cantante que grabó con Raphy Leavitt, Roena y otros más. Ellos fueron muy buenos conmigo, pues me dieron la confianza para que el trabajo fuera muy placentero.
Años después vino lo de Costa Brava, aventura distinta pues ya yo tenía más experiencia. El Maestro Elvin Torres, director de la orquesta, me invitó a cantar cuatro temas, el último de los cuales iba a ser “Amor y Cariño”, canción que al final no pude grabar pues el día en que iba a hacerlo a mi papá le dio un derrame cerebral que me impidió asistir a la sesión. Al final grabé “No Hay Mañana Sin Ti”, “Regalo de Dios” y “Pa’la Calle”



E.S.: En estos tiempos en que la industria del disco ha cambiado, cómo surgió la inquietud de grabar un disco propio?

D.M.: No fue una idea nueva. Yo tengo casi tres décadas en la música alternando con grandes figuras de la Salsa y el paso lógico era hacer un disco solista. Para mí la música no es un pasatiempo, es una carrera que tomo con mucha seriedad y por eso esta grabación se hizo con mucho esmero. Como las casas disqueras ya no existen, uno tiene que trabajar más y tener fe en lo que uno hace.

E.S.: Creo que en El Original el soporte de Pedro Bermudez es muy importante.

D.M.: Pedro es el responsable de esta producción. Fue mi compañero en la Orquesta de Willie Rosario y fue quien siempre me decía: “David, tú tienes que grabar algo propio”. Cuando salimos de la orquesta, ambos tomamos diferentes rumbos, yo me fui con Roberto Roena pero Pedro me seguía insistiendo con esa idea. El año 2015 decidí seguir su consejo e hicimos un sencillo. Al terminarlo, los compañeros del estudio de grabación empezaron a decirme: “debes terminar de grabar el disco completo” por lo cual empezamos juntos a escoger los temas. Incluso él compuso un tema para el disco e hizo varios arreglos además de convocar a todos los músicos que serían parte de la grabación.
Para mí ha sido una gran bendición contar con su talento. Es uno de los mejores pianistas y arreglistas que hoy día tiene la Salsa. Es un genio, un caballero con un talento increíble no solo para la música. Es un virtuoso. Y sé que contaré con él para el próximo disco, si Dios lo permite.




E.S.: Cómo ha sido recibido El Original por el público?

D.M.: Excelente. Diariamente recibo mensajes y llamadas de distintos países preguntando por el disco. En Puerto Rico suena mucho en la principal emisora salsera. Desde el principio supe que se trataba de un gran trabajo pues, repito, el responsable principal del mismo fue el Maestro Pedro Bermudez quien garantizaba la calidad del resultado y a quien nuevamente agradezco. Estoy muy contento por toda esta aceptación El Original.

E.S.: Cómo llevas el balance entre tu actividad profesional en la aerolínea y la música? Qué dicen tus compañeros de trabajo sobre tu vocación musical?

D.M.: Llevo muchos años en ambas profesiones y siempre he podido hacer mi itinerario de trabajo sin que complique mi faceta de cantante. Casi ninguno de mis compañeros de trabajo en la aerolínea que son norteamericanos sabe que llevo tres décadas en el mundo de la Salsa pues trato de mantener ambas profesiones separadas. Mas bien, mis compañeros que son latinos (especialmente los puertorriqueños) sí conocen de mi trayectoria y no porque se los haya dicho sino porque me han visto en tarima. Ellos lo aceptan y lo disfrutan tanto o más que yo mismo.
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Daymé Arocena, los fuertes latidos del jazz cubano



Fuente: Associated Press. Por: Andrea Rodríguez

A Daymé Arocena se le escuchan fuerte los latidos del corazón. Con su nuevo disco, Sonocardiogram, la cantante cubana abre al mundo un resquicio para mostrar lo que está haciendo en la isla una nueva generación del jazz llena de talentos pero poco visibilizada.

La producción de 12 cortes –una intro, un interludio y 10 canciones– fue lanzada el viernes 30 de agosto reciente por el sello británico Brownswood Recordings, creada por el presentador y DJ nacido en Francia Gilles Peterson. Es su cuarto disco después de Nueva Era (2015), One Takes (2016) y Cubafonía (2017), y como toda su obra tiene influencias de la música afrocubana.

“Es el disco más sincero que he hecho hasta el momento”, dijo Arocena, de 27 años, en una entrevista con The Associated Press el pasado jueves en La Habana.

“Está basado en las vivencias personales, del amor y del desamor de la vida en sí, de la espiritualidad de las actitudes que uno toma”, añadió la también compositora, quien se prepara para una gira que comenzará en Colombia y la llevará hasta fin de año a Nueva York, Londres y París, entre otras ciudades.

Rodeada de imágenes de santos afrocubanos en la casa de sus padres Dagoberto y Angela Mercedes –cuya unión de nombres conforma el suyo–, con su cara redonda y una amplia sonrisa de dientes blanquísimos, la simpleza de un jean y una blusa de encaje y el pelo trenzado en “drelos” (dreadlocks), se parece más a cualquier joven en Cuba que a la gran diva de la que hablan críticos en Estados Unidos, donde ha sido incluso comparada con Celia Cruz y Aretha Franklin por el feeling de su voz profunda y madura.

“El cubano tiene mucho que expresar, lo que no tiene es la plataforma para hacerlo, la industria para producirlo; está lleno de ideas musicalmente ricas. Somos una mezcla de muchas cosas y nuestra música responde a eso”, comentó.

“Cada vez que voy a conciertos de colegas (en Cuba) me doy cuenta de lo mucho que hay que ponerse aquí y que estudiar, porque hay gente talentosa que puede hacer lo mismo o mejor de lo que haces tú”, explicó Arocena, quien hoy vive entre La Habana, su ciudad natal, y Toronto, Canadá. “Estoy muy orgullosa de mi generación musical, pero estoy dolida porque no hay suficiente visualización para ellos”.


La falta de acceso completo a Internet en el país, vital para los creadores en la actualidad; la inexistencia de una industria discográfica que los canalice y las dificultades que encuentran los artistas para conseguir visas cuando van a viajar desde la Cuba sancionada por Estados Unidos y consularmente limitada por muchas naciones, son algunas de las trabas que Arocena mencionó y que sobrellevan sus compañeros del arte.

Nacida en 1992 en medio de una profunda crisis en la isla, Arocena estudió en una escuela de arte y se graduó como directora de coro antes de lanzarse a proyectos jazzísticos propios, inicialmente con una agrupación de mujeres y eventualmente como solista, en una carrera ascendente que le ha llevado por el mundo.

Precisamente esta formación musical institucional gratuita que capta a niños desde las escuelas primarias públicas –si se les encuentra cualidades se los canaliza a la formación especializada sin importar su origen social– es uno de los factores que la artista atribuye al enorme caudal de músicos en la isla y su calidad.

“Los músicos cubanos tienen mucha creatividad, un imaginario infinito, del danzón, del changüí, del bolero, de la rumba, pero cuando pensamos en los antecesores había mucho talento, pero no había estudio”, reflexionó la mujer que suele presentarse en los escenarios tocada de hermosos turbantes. “En mi generación los músicos son egresados de la enseñanza artística, entonces más allá de la creatividad, tienen técnica. Todo lo que pase por su mente lo pueden realizar: si quiero que mis dedos se muevan así o hacer esta escala… ¡yo puedo!”.

A Arocena, además, el amor por la música le corre por las venas. Aunque en su familia no hubo músicos profesionales, sus recuerdos de niña la ubican en la casa de su abuela.


“La puerta siempre estaba abierta, se cantaba y se bailaba. Los muebles gastados de tanta rumba arriba de ellos y se formaba con una cuchara, un cubo o lo que fuera”, rememoró riendo. “Todos los dolores familiares se sanaban con música”.

Para afrontar estos tiempos en que los discos perdieron su forma de comercialización tradicional y en que la gente suele comprar por Internet uno u otro tema, Arocena buscó para “Sonocardiogram” una estructura diferente, más conceptual, donde incluso unas canciones se “pegan” a otras.

Entre ellas está una trilogía a las deidades del panteón yoruba Oyá, Oshún y Yemaya, que se puede escuchar desde hace algunas semanas como avance en YouTube, y otro dedicado a los “difuntos presentes”.

“Debes trabajar en un concepto. La gente tiene que sentir que si no escuchó el disco entero no entendió nada”, señaló.

Además, el álbum fue grabado en La Habana en un espacio no convencional: un antiguo taller de pintura devenido en lugar de ensayo y conciertos de la familia López-Nussa (cuyos miembros incluyen a músicos consagrados como el pianista de jazz Harold López-Nussa) a fin de incorporar los ruidos ambientes de la ciudad que se colaban.

“Queríamos hacer un disco que tuviera la energía del concierto en vivo, cuando hay gente frente a ti, que se gira para el lado, conversa, te dice algo”, dijo Arocena.
8 sept. 2019 0 comentarios

Festival Viva La Salsa: orden y horario del show



En calidad de exclusiva compartimos con Ustedes los horarios y el orden de presentación de los artistas internacionales que actuarán en el Festival Viva La Salsa, que se realizará el próximo sábado 14 de Setiembre en el Jockey Club de Lima, Perú:

7:30 pm - Charlie Aponte
8:30 pm - Tito Nieves
9:30 pm - Jerry Rivera
10:30 pm - Alberto Barros
11:30 pm - Víctor Manuelle
12:30 am - Eddie Palmieri
02:00 am - Sonora Ponceña
03:00 am - Los Van Van

Las puertas, para el acceso del público, se abrirán a partir de las 4:00 pm

Las entradas para el Festival siguen a la venta a través de Teleticket de Wong y Metro
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Camilo Sesto (1946-2019)



Ayer falleció Camilo Sesto, uno de los grandes de la música en español. Es por eso que queremos compartir diez de sus temas que fueron versionados en ritmo de Salsa:

1) "Amor No Me Ignores" - Noche Caliente




2) "Quieres Ser Mi Amante" - José Alberto El Canario




3) "Si Me Dejas Ahora" - Zaperoko




4) "Si Tú Te Vas" - Rey Ruiz




5) "Has Nacido Libre" - Noche Caliente




6) "Jamás" - Eddie Santiago




7) "Medley Camilo Sesto" - Nino Segarra




8) "Perdóname" - Tito Nieves




9) "Algo de Mí" - Domingo Quiñones




10) "Déjame Participar en tu Juego" - Johnny Rivera




Fuente: El Pais, España. Por: Amelia Castilla

El cantante Camilo Sesto ha fallecido este domingo a los 72 años, según ha comunicado su cuenta oficial en la red social Twitter y ha confirmado a EL PAÍS su representante Eduardo Guervos. "Lamentamos mucho comunicaros que nuestro gran y querido artista Camilo Sesto nos acaba de dejar. Descanse en paz". Camilo Sesto, nacido como Camilo Blanes en Alcoy, Alicante, en 1946, había publicado su último disco, Camilo Sinfónico, en noviembre de 2018 en el que recogía muchos de los éxitos cosechados en sus más de 40 años de carrera musical.

La delicada salud de Camilo no hacía prever un desenlace fatal. El músico fue ingresado en la Clínica Quirón, de la localidad madrileña de Pozuelo de Alarcón, el sábado por los problemas renales que padecía y su muerte se anunciaba a primeras horas de la madrugada del domingo. La SGAE  tenía previsto instalar a lo largo del día la capilla ardiente en su sede, que mañana lunes abrirá al público.

El anuncio del fallecimiento del autor de Vivir así es morir de amor provocó una oleada de pésames en las redes sociales, empezando por políticos como Pedro Sánchez o Albert Rivera. Un reconocimiento que al cantante le hubiera gustado tener en vida. Vivía solo (solía decir que por decisión propia) y prácticamente olvidado en su chalé de Torrelodones (Madrid), arropado únicamente por sus recuerdos que desbordan paredes y estanterías. En España no consiguió ni el Premio Nacional de Música pese a que algunas de sus composiciones pueden ser tarareadas por tres generaciones de españoles.

Sin embargo, al otro lado del Atlántico siguió siendo hasta este sábado mismo un ídolo de masas, su música sonaba a diario en las radios y, entre sus seguidores, se encontraba un público muy joven.

Tras 50 años de carrera musical, más de 40 producciones discográficas, varios discos de platino, cientos de composiciones y más de cien millones de discos vendidos en todo el mundo, el músico decidió reinventarse por enésima vez en noviembre del año pasado. Publicó, a modo de despedida, un nuevo álbum, Camilo Sinfónico, donde repasaba sus grandes y numerosos éxitos (las voces se tomaron de las copias originales) arropado por una orquesta sinfónica pero no hizo más promoción que una presentación tan simbólica como fugaz, en el madrileño Florida Park. Había perdido prácticamente su voz y se movía con dificultad.

Cantante, compositor y productor musical, sus obras han cubierto géneros como la balada, el pop y el rock. Su primer éxito llegó en 1970 cuando publicó el álbum Algo de mí, que se convirtió inmediatamente en número 1 y desde entonces, no paró. Su gran capacidad creativa se reflejó durante las décadas de los setenta y los ochenta, en las que llegó a publicar un disco al año. Esa intensidad creativa estuvo acompañada por sus innumerables giras de conciertos centradas en la totalidad de los países iberoamericanos, pero también en Estados Unidos (Nueva York, California y Florida) y Japón.

Camilo fue un adelantado a su tiempo. Fue precursor en España de los musicales cuando en 1975 montó y produjo, a su costa, la ópera rock Jesucristo Superstar, donde interpretaba al propio Jesucristo y contaba en el elenco con Ángela Carrasco como María Magdalena y con Teddy Bautista como Judas. El musical originó muchos problemas y fue muy contestado por católicos exaltados pero El rey del amor demostró que su voz podía con cualquier registro y que contaba con la simpatía del público. El pasado diciembre en su casa, donde guardaba en una vitrina la túnica y las sandalias de cuero que usaba en la obra, en el curso de una entrevista para EL PAÍS Semanal, contaba que gracias a Jesucristo Superstar pudo romper el mito del “Camilito guapo” con el que lo tildaban sus detractores. También ha compuesto canciones para otros artistas como Miguel Bosé —en 1976 dos canciones, y produjo y compuso su primer disco—, o David Bustamante.

Su relación con las mujeres fue, cuando menos, extraña. Apenas se le conocieron idilios. “Han aparecido muchos personajes pero ninguno me hizo cambiar de idea”, decía sobre el matrimonio. No hubiera soportado la vida de casado. “Así es como quiero que sea: el escenario y una puerta atrás con el coche en marcha, y cuando el público todavía está pidiendo otra, yo ya estoy en el hotel. Si quiero que haya alguien allí, ya he avisado yo”. Siempre fue un tipo solitario que parecía tener alergia a las fans enloquecidas. En 1983 nació su hijo Camilo Míchel, fruto de una relación con la mexicana Lourdes Ornellas y, tres años más tarde, escribió su autobiografía al mismo tiempo que decidió retirarse voluntariamente de los escenarios: "Me voy porque quiero hacerme mayor viendo hacerse mayor a mi hijo" declaró. Volvió a la música a principios de los noventa pero no consiguió repetir su éxito.

Dotado de voz aguda, perfecta dicción y amplia tesitura, sus canciones tratan temas de amor y de desamor, pero también de felicidad y alegría. Maestro de la interpretación, vivía sus composiciones intensamente con tonos desolados, pero también esperanzados, alegres y festivos. Durante su carrera se fue adaptando a los nuevos tiempos y fue pasando de las grandes orquestaciones y la utilización de coros femeninos, a unos ritmos más vivos con nuevas instrumentaciones más tecnológicas.

Poseedor de un repertorio propio abrumador, muy pocas veces ha versionado canciones ajenas. Se ha prodigado en duetos acompañado de artistas femeninas como Ángela Carrasco, Lani Hall, Alaska, Isabel Patton, Rocío Dúrcal o Marta Sánchez. En su repertorio figuran temas inolvidables pero su canción Vivir así es morir de amor ha trascendido a tres generaciones y es una de las más solicitadas en los karaokes.

Su público es mayoritariamente femenino y se ha mantenido fiel a lo largo de tres generaciones, a pesar de la variedad de géneros musicales con los que ha tenido que competir a lo largo de su extensa carrera: rock intenso, pop anglosajón, música disco, glam, punk, movida, soul, new age, grunge, o las músicas del mundo.