Ayer falleció el bajista Michael Amitin, quien fuera integrante de muchas orquestas como Johnny Colon, Orquesta Broadway, Charanga Típica Ideal. Fue miembro de la original Charanga Moderna de Ray Barretto y también fue bajista de Richie Ray & Bobby Cruz, grabando el icónico disco El Bestial Sonido de Ricardo Ray y Bobby Cruz.
Mike Amitin y su Orquesta Calor (Calor, 1983) Ayer falleció el bajista Mike "El Che"Amitin que grabó con la Charanga Moderna de Ray Barretto, Richie Ray & Bobby Cruz,la Broadway, entre muchos otros.Lo recordamos con su LP solista con su Orquesta Calor RIP! https://t.co/vxLtZVK9Oipic.twitter.com/jaXQIGIe2x
Un recuerdo de nuestra visita a los Estudios de Grabaciones de la EGREM en Miramar, La Habana. Hoy la disquera cumple 55 años de creación
Fuente: Juventud Rebelde, Cuba Las colecciones musicales del archivo de la Empresa de Grabaciones y Ediciones Musicales, Egrem, quedaron declaradas como Patrimonio Cultural de la Nación Cubana, publicó el colega Yansert Fraga Léon, en el sitio Cubarte. Como antesala a la jornada de celebraciones por los 55 años de la mayor casa discográfica de la Isla, la Resolución del Consejo Nacional de Patrimonio Cultura (CNPC) reconoce el alto grado de conservación de sus grabaciones, algunas con más de setenta años, conformadas por más de diez mil matrices con sus correspondientes pistas (que llegan a más de ochenta mil) en formatos de cintas magnetofónicas, DAT, ADAT, CD y DVD. Desde la fundación de los estudios en 1944 hasta hoy, en diferentes denominaciones (Estudios Panart, Panart Nacionalizada y Estudios Areito, a partir de 1964), la Egrem ha realizado una sistemática labor archivística para la comprensión de las principales raíces y manifestaciones de la música en general, y de la vida social y política de nuestro país. La inclusión de este archivo en la lista del patrimonio cultural de la nación, destaca como una contribución al rescate y la salvaguarda de la identidad cultural de Cuba y Latinoamérica, y sirve de fuente para los estudiosos de la vida social y cultural de la región. Incluye copias de matrices sonoras de los Estudios Areito, los Estudios Siboney de Santiago de Cuba, grabaciones correspondientes al patrimonio latinoamericano, además de colecciones emblemáticas con la música de artistas anteriores a 1959 y durante estos sesenta años de Revolución.
El Príncipe de Gales estuvo esta semana en Cuba y visitó los Estudios de la EGREM, que está cumpliendo 55 años de creación. En la foto con músicos del sello, entre ellos Eliades Ochoa
El Portal de la Cultura Cubana publica que, al decir de Gladys Collazo Usallán, presidenta del CNPC, la declaratoria se sustenta en los incisos d y g del artículo 1 del Reglamento para la Ejecución de la Ley de Protección al Patrimonio, referidos a los bienes de interés artístico y a los archivos, incluidos los fotográficos, fonográficos y audiovisuales. «En la solicitud y expediente presentados por la Egrem, destacan —además del grado de conservación— el minucioso inventario de las grabaciones, la variedad de géneros, su originalidad, autenticidad y diversidad en la tipología de fuentes (géneros musicales y autores), y la identificación de sus grados de valor dentro del patrimonio sonoro», resaltó la funcionaria. La declaratoria supone —añade Gladys— la inscripción en el Registro de Bienes Culturales de la nación, lo que implica el cumplimiento de los requerimientos técnicos para su salvaguarda y la tramitación, a través del Consejo, de cualquier intervención, reproducción o transferencia, sin que esto limite la prestación de sus servicios actuales. Posibilita la gestión de proyectos de colaboración que contribuyan a su conservación y al mantenimiento del inmueble que atesora estos archivos; así como la inscripción para futuras declaratorias regionales e internacionales. La entrega de esta importante condición estaba prevista para este sábado 30 de marzo durante la ceremonia de reconocimientos por los 55 años de la Empresa de Grabaciones y Ediciones Musicales. La disquera nació el 31 de marzo de 1964 en los antiguos estudios de San Miguel y Campanario, hoy Areíto.
En esta gira que se inicia por los Estados Unidos y que concluirá en los últimos meses del año y quizás en los inicios del 2020 por Sudamérica, la Novia del Feeling se hará acompañar por el pianista Roberto Fonseca, el bajista Yandry Martínez, el baterista Ruly Herrera, y el percusionista Andrés Coayo Fuente: Granma, Cuba. Por: Ricardo Alonso Venereo ¿Podría alguien poner en duda la afirmación de que Omara Portuondo sea la más universal de las cantantes cubanas, sin menospreciar por supuesto a Rita Montaner o Celina González? Creo que no. Omara, sin dudas, es Cuba y Cuba es Omara Portuondo. «Nací en un país que se llama Cuba, que es palmeras, sol, arena fina, Martí, Maceo, caña de azúcar, «melao», guarapo, café, ¡ese café tan sabroso que hacemos!», dijo una vez la Diva del Buena Vista Social Club, que con sus 88 años de edad, y en plena actividad, iniciará en el mes de abril su última gira mundial bajo el nombre de Omara es Cuba. El último Beso Tour. No quedará rincón del mundo a donde no llegue esta inmensa mujer, que ha sabido defender por años nuestra identidad cultural, de la cual ha dicho con orgullo, más de una vez, que es parte de su naturaleza. En esta gira que se inicia por los Estados Unidos y que concluirá en los últimos meses del año y quizás en los inicios del 2020 por Sudamérica, la Novia del Feeling se hará acompañar por el pianista Roberto Fonseca, el bajista Yandry Martínez, el baterista Ruly Herrera, y el percusionista Andrés Coayo. Foto: ACN Durante sus presentaciones, más de 60 conciertos, la excepcional intérprete se hará acompañar por muchos de sus amigos, entre ellos, Jorge Drexler, con quien compartirá escenario el 19 de julio en el 43 Festival de Jazz de Victoria, en la provincia de Álava, País Vasco (España) en una noche en la que se mezclarán los ritmos melódicos del músico uruguayo y la impronta del jazz de la cantante cubana. Su relación con Drexler es estrecha desde que el cantautor compusiera para ella la canción Gracias para celebrar sus 60 años de carrera y que le diera nombre a su producción discográfica homónima, que alcanzara en el 2009, el Premio Grammy Latino al Mejor Álbum Tropical Contemporáneo. La gira, explicó a la prensa reunida este viernes en el Salón Vedado del Hotel Nacional de Cuba, su hijo Ariel, quien es a su vez su mánager, no significa que Omara se retire de los escenarios. «Todavía, dijo, aquí hay Omara Portuondo para rato». Roberto Fonseca, presente en el encuentro, explicó emocionado que si hay dos personas en este mundo por la cual sacrificaría su obra personal para impulsar la de ellos son, el ya fallecido Ibrahím Ferrer y Omara Portuondo, la que por suerte, afirmó, tenemos todavía la bendición de contar con ella. Si hay una cantante cubana que pueda subirse a un escenario, no a competir, sino a entregarse toda a su público, esa es Omara, afirmó Fonseca. Ella, reafirmó, representa la cultura cubana.
Harvey Averne, que fuera productor de la disquera Coco, relata como se hizo el disco Fireworks de Machito, lanzado al mercado en 1977
Nominated for the 1977 Grammy Award Music featured in this program 00:00 Macho (First Movement) 10:50 Soy Salsero 21:04 Mi Rito Llego 28:28 Despierta Boricua 36:22 Macho (Second Movement) Liner Notes Side A Mi Ritmo Llego * (Guaguanco/4:55 (My Rhythm is Here) (Ubaldo “Lalo” Rodriequez) (Coco Mus./BMI) (Arr: Ray Santos) Desilusion * (Bolero/3:45 (I’m Disillusioned) (Ubaldo “Lalo” Rodriequez) (Coco Mus./BMI) (Arr: Ray Santos) Despierta Boricua ** (Son Montuno/4:15 (Wake up Puerto Rican) (Frank “Machito” Grillo)) (Coco Mus./BMI) (Arr: Lito Pena) Guaguanco a Mexico * (Guaguanco/4:17 (Guaguanco for Mexico) (Ubaldo “Lalo” Rodriequez) (Coco Mus./BMI) (Arr: Elias Lopez) No Seras Para Mi * (Bolero/3:29 (You’ll Never Be FOR Me) (Grecia Domenech) (R.R.) (Arr: Jorge Millet) Side B Macho ** (Instrumental) (Descarga)/13:00 (My Rhythm is Here) (Jorge Millet) (Coco Mus./BMI) (Arr: Jorge Millet) Soy Salsero ** (Son Montuno)/7:00 (I Sing Salsa) (Frank “Machito” Grillo)) (Coco Mus./BMI) (Arr: Jorge Millet) PRODUCED BY HARVEY LAVERNE Organ and Acoustical Piano Solo “Macho” / Charlie Palmieri Piccolo Trumpet Solo “Macho” / Lew Soloff Timbales Solo “Macho” / Nicky Marrero Electric Piano “Macho” / Jorge Millet Alto Sax Solo “Macho” / Bobby Porcelli Electric Guitar “Macho” / Harry Vigiani Bata Drums “Macho” / Julito Collazo, Angel “Cachete” Maldonado, Hector “Flaco” Hernandez Trumpet Solo “Soy Salsero” / Victor Paz Trombone Solo “Mi Ritmo Llego” / Barry Roger Recording Studio / Plaza Sound Recording Engineer / Rob Freeman Overdub Engineer / Don Hunerberg Mixed at / Blank Tapes Mixed by / Harvey Averne Mix Engineer / Bob Blank Mastering / Jose Rodriguez Photography and Album Design / Hal Wilson 1st Session * Leader / Frank “Machito” Grillo Director – Percussion / Mario Grillo Vocals / Lalo Rodriguez Conductor / Jorge Millet Piano / Ray Coen Trumpets / Paul Cohen, John Faddis, Tony Cofresi, Wyman Reed Trombones / Barry Rogers, Leo Pineda Alto Saxophone / Lennie Hambro Tenor Saxophones / Mario Rivera, Jose Madera Baritone Saxophone / Leslie Jonakins Bass / Jose Santiago Maracas / Ismael Quintana Bongos / Tommy “Chuckie” Lopez Conga / Johnny “Dandy” Rodriguez Timbales / Nicky Marrero Coro / Machito, Adalberto Santiago, Ismael Quintana, Chivirico Davila 2nd Session ** Leader / Vocals / Frank “Machito” Grillo Director – Percussion / Mario Grillo Conductor / Jorge Millet Piano / Charlie Palmieri Trumpets / Victor Paz, Lew Soloff, Tony Cofresi, Charlie Camilleri Trombones / Barry Rogers, Sam Burtis Alto Saxophone / Bobby Porcelli Tenor Saxophones / Lou Orenstein, Mauricio Smith Baritone Saxophone / Mario Rivera Bass / Andy Gonzalez Maracas / Ismael Quintana Bongos / Tommy “Chuckie” Lopez Conga / Johnny “Dandy” Rodriguez Timbales / Nicky Marrero Coro / Lalo Rodriguez, Ismael Quintana, Victor Velazquez Special thanks to Victor Paz, Jorge Millet, Mario Grillo, Doug Jones Translation of “Macho” – First Movement The singer is Machito. Machito and the musicians, especially the bata drummers, are evoking the Orisha. “ ‘Boru ‘buya,” a contraction of the Yorùbá-Cuban greeting “ìbo rú di (ì)’bo ye,” routinely bestowed upon high priests, or babalawo in Cuba. The phrase’s literal meaning is: “The sacrifice that is carried becomes the sacrifice that is suitable.” (Source: “Machito and His Afro-Cubans: Selected Transcriptions”) “Ashe. Mucho ashe.” – Creative force. Much creative force. “Suerte y salud para todos mis hermanos.” – Luck and health to all my brothers. Elegua – Orisha of beginning, of crossroads, of doorways, of fate Babalu Aye (San Lazaro) – Orisha of the healing spirit, protector of the weak and the ill Yemaya – Orisha of the Ocean’s surface, of love, fertility and family Shango – Orisha of thunder, drumming, dancing, fire and male virility Oshun – Orisha of beauty and sexuality Obatala – Sky Father and creator of Orishas and human beings, rules all – Ken McCarthy Jazz on the Tube
Ayer en su cuenta de Facebook el músico cubano Elito Revé anunció que muy pronto saldrá al mercado el video del concierto que su Charangón realizara a fines del año 2017 con Los Van Van "Estamos muy felices de anunciarles que pronto estará disponible el DVD "De Revé a Van Van, 2 leyendas unidas en concierto", que recoge el mega concierto junto a Formell y Los Van Van en la Ciudad Deportiva de La Habana, en diciembre de 2017" escribió Revé en su página de Facebook. Compartimos un adelanto del DVD que viene con puro sabor cubano
Fuente: Fundación Nacional para la Cultura Popular El cantautor puertorriqueño José Nogueras anunció, el pasado viernes 29, el lanzamiento de su nuevo sencillo “Que se vaya lo malo y que venga lo bueno”, que grabó junto a Gilberto Santa Rosa. El artista explicó que compuso la pieza alrededor del coro que le da el nombre a la misma. La idea de dicho verso hace parte de su filosofía de ver la vida y sus traspiés con optimismo. “Desarrollé toda la letra a base de eso, que uno a veces a lo malo tiene que ponerle cara buena porque, si no, no llegamos a ningún lado”, expresó. Sobre el proceso creativo, sostuvo que ahora con su estudio Materia Prima, puede experimentar con mayor naturalidad. “Casi todas las veces, escribo pensando en la letra primero, pero como ahora tengo la ventaja del estudio, y puedo mezclar diferentes ritmos, me dio con mezclar la bomba puertorriqueña con el pop, y salió una cosa bien interesante, y me le fui detrás al ritmo”, indicó el autor del popular bolero “Amada mía”. Nogueras, de otro lado, agradeció la disposición del “Caballero de la salsa” para grabar junto a él, una oportunidad que ambos anhelaban desde hace mucho tiempo. Tanto así que la canción se grabó una semana después de hacerle la invitación. El intérprete de “Que alguien me diga” no requirió mayores detalles sobre el tema. “Él solo me dijo: ‘¿tú la escribiste? Ah, pues olvídate, que yo la voy a grabar’”. “Así se da este junte. No puedo describir la humildad y la disposición de Gilberto porque me voy a quedar corto”, subrayó.
“Éramos vecinos, hace un tiempo, y siempre lo hablábamos, pero por fin llega un proyecto en el que podemos interactuar y hacer música juntos, y espero que sea el primero de unos cuantos. No solo me gusta mucho el hecho de colaborar con él, sino en qué tipo de canción estoy colaborando”, manifestó, por su parte, Santa Rosa. Destacó que la línea temática del sencillo es justo lo que debe escuchar el público para levantar el ánimo y cambiar el estado emocional. “Yo creo que nuestro país, y el mundo en general, necesita mucho de ese tipo de canción ahora, que no hace otra cosa que animarnos y elevarnos a otro nivel para que disfrutemos de esta vida que tenemos. Este tema es refrescante. Tiene esa magia que tiene la música caribeña a través de la alegría y que la gente baila y goza y, se divierte, pero a la vez pone atención, e inclusive hace suyo el mensaje. Es una manera bien bonita de propagar un mensaje que es necesario para la sociedad”, abundó. De otro lado, los arreglos estuvieron a cargo de Ceferino Cabán, quien por su conocimiento sobre música de diferentes lugares del mundo, era a juicio de Nogueras, el profesional que requería dicho proyecto. “Él escucha música marroquí, diferentes vertientes de la música flamenca, él conoce todo el folklor de Estados Unidos y Latino América. Si le dices salsa flamenca o salsa colombiana, él conoce. Como tiene esos mundos distintos dentro de él, y la canción lo requería, hizo ese trabajo de manera magistral”, afirmó. La masterización la hizo Esteban Piñero. Mientras, Josué Rosado, Gilda González y Samuel del Valle prestaron su voz para los coros. El vídeo de “Que se vaya lo malo y que venga lo bueno”, desarrollado por Ricky Velázquez de Cosecha Creativa se grabó en escenarios del municipio de Bayamón. Para contrataciones e información, pueden comunicarse al 787-405-3257 o acceder a las páginas oficiales del cantante en las redes sociales, y a su página web www.josenogueras.com Acerca de José Nogueras: Es considerado uno de los compositores y cantantes más versátiles de Puerto Rico, con temas que se distinguen por su sencillez, profundidad y sentimiento universal, así como por su calidad técnica y musical. En sus 49 años de trayectoria artística, ha grabado 53 discos cuyos temas han alcanzado los primeros lugares en categorías variadas de las carteleras musicales, y ha recibido importantes galardones en la industria musical, entre ellos, “Compositor del año”, otorgado por la Revista Billboard. Su música no solo ha calado en el público puertorriqueño con su ritmo y letras contagiosas, sino también en partes de Latinoamérica y entre las comunidades hispanas de Estados Unidos. Entre sus trabajos más destacados figuran “Amada mía”, popularizado por Cheo Feliciano; “No me digan que es muy tarde ya”, grabado por Ismael Miranda; “Aquel bolero de ayer”, interpretado por el propio Nogueras y Jhonny Albino; “Esta canción”, grabada junto a Danny Rivera; “Navidad es amor”, cantada junto a Ismael Miranda y Lourdes Robles; y el himno navideño “Dame la mano, paloma”. El mayagüezano de 67 años, quien hace 13 años recibió un trasplante de hígado que le dio una nueva oportunidad de vida, también ha escrito temas para figuras de la trascendencia de Rubén Blades, Héctor Lavoe, Willie Colón, Gilberto Santa Rosa, Manny Manuel, Shakira, Los Hispanos, Fernando Villalona, Olga Tañón, entre otros. Sus dos libros publicados son “Positivo, siempre positivo” y “Seguimos positivos siempre”.
Este es el más reciente sencillo del músico peruano Rafaelo Parejas, líder del grupo Rafaelito y su Tumbao. El tema se titula "Omara llegó" y presenta en la parte vocal a Carlos Supo. A gozar!!!
En Puerto Rico, antes de retornar a Perú pude conocer a un caballero en todo el sentido de la palabra, integrante de una dinastía de artistas que han hecho grande la música de Puerto Rico. Días antes, habíamos estado en el Hotel Intercontinental de San Juan viéndolo al frente de su orquesta y luego, fue un gusto conocerlo. Don Mickey Cora, director de la Orquesta Cábala con quien pude conversar breve pero animadamente. Gracias Mickey por el obsequio de tremendo disco que resume parte de la obra musical de Cábala.... Compartimos con Ustedes el tema "Que No Se Muera Mi LeLoLai", incluido en su disco 40 Años de Salsa
"El swing no es negociable" dice Mario Ortiz quien acaba de terminar la grabación del disco 55 Aniversario de Mario Ortiz All Star Band, producción que continúa el legado que iniciara su padre, una de las trompetas más respetadas en la historia musical de Puerto Rico. Para esta nueva producción Ortiz ha convocado nuevamente a grandes figuras de la Salsa que garantizan un resultado de primera. Esta semana Mario presentó "Fuego", un adelanto del disco nuevo, interpretado por Rubén Trillo y el mismo que compartimos con todos Ustedes, quedando a la espera del lanzamiento del disco completo
De Mayagüez les presentamos a Yamil David, cantautor de la nueva generación quien acaba de grabar dos temas, "La Fulana de Tal" y "Mala Maña", con arreglos de Papo Sánchez que evocan la época de la "salsa gorda".
Compartimos el tema "La Fulana de Tal" y la entrevista que le hicimos al propio Yamil David hace unos días en Cagüas
Fuente: OnCubaNews.com El pianista cubano Chucho Valdés, una de las figuras más influyentes del jazz latino, fue nombrado por la Universidad de Harvard como Maestro de jazz residente por sus notables contribuciones al desarrollo de esa institución académica. El nombramiento fue otorgado por La Oficina de Artes y la Banda de Jazz de dicha universidad y se le entrega a artistas que han apoyado el desarrollo académico de los estudiantes y que han honrado con su obra la música estadounidense. Valdés, fundador de la banda Irakere y autor de clásicos de la música cubana como “Bacalao con pan”, estará en Harvard del 8 al 12 de abril para intercambiar con profesores y alumnos. El programa incluye un concierto bajo el nombre Puente Musical, donde compartirá con instrumentistas estadunidenses y cubanos. El encuentro está patrocinado por la Oficina de Artes y la Banda de Jazz de Harvard, el Programa de Estudios de Cuba y el Centro David Rockefeller. La distinción otorgada al pianista cubano es una de las más relevantes en Estados Unidos y ha sido entregada a músicos que han formado parte de las bandas de jazz de la Universidad de Harvard como Benny Carter, Roy Haynes, Joe Lovano y Cassandra Wilson. Chucho Valdés (Quivicán, 1941), de 77 años, es una las leyendas vivas de la música cubana. Hijo del pianista Bebo Valdés, una de las figuras cardinales en la evolución del jazz latino, ha obtenido en seis ocasiones los Premios Grammy y en 2018 fue reconocido con el Premio a la Excelencia Musical por los directivos del Grammy Latino. Tras un largo periodo de separación Chucho grabó un disco junto a su padre en 1995, y ambos participaron cinco años más tarde en el filme Calle 54 de Fernando Trueba. Estuvieron celebrando giras internacionales hasta 2005. Chucho y Bebo Chucho celebró el año pasado el centenario de Bebo, fallecido en 2013, con un concierto en Quivicán, provincia Mayabeque, en el occidente de Cuba. La presentación fue además un acto de justicia con la obra precursora de Bebo, quien no fue promovido en los medios nacionales tras su salida de Cuba en 1960. Chucho Valdés es dueño de una extensa discografía entre la que parecen obras cumbres de la música cubana como Misa Negra y recientemente fue nominado para ingresar al Salón de la Fama de los Compositores Latinos.
Fuente: Fundación Nacional Para la Cultura Popular, Puerto Rico. Por: Edgar Torres La cita de Choco Orta con su fiel fanaticada en la Sala de Drama René Marqués del Centro de Bellas Artes de Santurce será el próximo sábado, 6 de abril. La artista ya se encuentra lista para cuando inicie el espectáculo “30 años y sigo”, porque está sedienta de entregarse a su público. Enfatizó que el concierto comenzará a las 8:30 de la noche. “Ni un minuto más, ni un minuto menos. Que la gente llegue antes, porque yo soy puntual. ¡Extremada y ridículamente puntual!”, advirtió. Adelantó que el show retratará su vida artística en el escenario a partir del primer tema que grabó, “Huracán”, en 1987. “Dentro de la trayectoria, hay jocosidad y, también, expresión de luz de mi persona en estos 30 años. En esa expresión de luz hay agradecimiento hacia el público que ha estado apoyándome de una forma u otra. Si logro vender dos funciones, ¡chévere! Si hago una nada más, por lo menos, la gente de la industria de la salsa y del mundo entero -porque me he encargado de que esta promoción esté allende los mares- sepan que existe una salsera comprometida con este género, defendiendo la postura de la mujer en la salsa. ¡Esa soy yo! Dando la cara de forma contundente y acertada, a nombre mío, de la mujer en la salsa. Que no se piense que las mujeres somos gallinas con la cabeza cortá. Esa imagen a mí me aterra”, recalcó. Orta admitió que ha sido “difícil” la selección del repertorio. “Hubo cambios como cuatro veces”, precisó. Inmediatamente, la artista informó que el público escuchará “Basta”, su tema favorito con el que es reconocida a nivel internacional. El concierto será dirigido a nivel musical por Julio Badillo. Junto al equipo del productor Félix Muñiz se llegó a la conclusión que no habrá invitados especiales, por lo que agradeció a colegas que le hicieron acercamiento como German Oliveras. “Queremos ver dónde está Choco Orta como persona, como artista, como nena grande. Por eso eso no tenemos ese tipo de invitación para ver a quién Choco Orta convoca… Hemos arropado el País con promoción”, justificó sobre la decisión tomada. Choco mencionó que la orquesta que la acompañará está compuesta de músicos experimentados y sangre nueva. “Esa banda se escucha bien pesá’. No quiero estrellas, sino que hagan el trabajo”, expuso. -¿Qué recuerdas de esos primeros pasos en la música?, preguntamos a Choco. Antes de ella responder, su progenitor Tomás Orta (de 87 años), quien la acompañaba, tomó primero la palabra. -“¡Qué ella siempre ha sido una artista desde chiquita?”, respondió un orgulloso papá. -“Todo estaba en el camino correcto. En la graduación de sexto grado en la Escuela Padre Rufo en la calle del Parque, mi mamá me compró un traje amarillo pomposo con tul y canté ‘Campanitas de cristal’ en la graduación. Luego seguí tomando clases formales de baile. Después clases formales de teatro, de canto. ¡Siempre he sido artista! Siempre he estado en el lugar correcto. De hecho, me he diversificado en términos de que fui secretaria en el Departamento de la Familia por 14 años, maestra por cinco años en el Departamento de Educación, limpié pisos para ganar dinero… ¡Lo que fuera! Viví en Nueva York durante nueve años. Siempre he sido lo que soy: cantante, artista, percusionista. ¡Soy disciplinada!”, precisó. -¿Explotarás tus otras facetas en el concierto? -“Yo voy a bailar y tengo artritis. ¡También actúo! Desde que arranca el show hay actuación. Es un espectáculo completo. No es para sacar dinero…”, sostuvo. -¿Por qué la Sala René Marqués para el espectáculo?, interrogamos. -“Me doy el lujo de hacer un espectáculo de altura en una sala pequeña. Es una sala más íntima. Yo vengo del teatro y puedo manifestarme”, culminó diciendo Choco Orta ,quien promueve la producción musical “30 años repartiendo sabor”. Los boletos están a la venta en Ticket Center, 787 792-5000, o en el mismo CBA de Santurce.
A las 11:15 pm del 25 Marzo 2009 falleció Manny Oquendo, el recordado percusionista líder del emblemático Conjunto Libre. A diez años de su partida queremos recordarlo compartiendo el obituario que escribiera Aurora Flores, traducido al español por Javier Domínguez y que publicara el portal Herencia Latina ¡Camina Manolo!
Manny Oquendo
Obituario
El percusionista y director de orquestas Manny Oquendo falleció el pasado 25 de marzo de 2009 de un ataque al corazón. Músico autodidacta, Oquendo era uno de los más respetados representantes de la percusión latina —de los timbales y de los bongoes— antes de fundar y ser co-director del afamado Conjunto Libre por más de 35 años. Miembro también del «Grupo Folklórico Experimental Neoyorquino» partes I y II, Manny fue reconocido por sus agresivos solos e improvisaciones en el timbal y los bongoes. Lo de Manny no fue una competencia para lograr quien podía tocar más rápido, o quien podía producir la mayor cantidad de combinaciones de manos o hacer muchos rollos o «contra-clave», por supuesto, el estilo de Manny Oquendo era su propia escuela. «El timbalero siempre debe mantener el ritmo», enfatizaba Manny en las muchas entrevistas que concedió. «Nunca se debe tocar de más» fue su regla mas consistente. El estilo de Manny tiene sus raíces en las bandas prestigiosas de Cuba como la banda del maestro Arcaño o la Orquesta Aragón: «Nunca demasiado agitado ni tampoco disminuido». En cuanto a su influencia e inspiración, Manny admiraba los tamboreros de las bandas cubanas como el bongosero Ramón Castro, quien tocaba con la orquesta Casino de la Playa y más tarde con la orquesta de Pérez Prado; también admiró al percusionista del Conjunto Casino Yeyito Iglesias, otro de su inspiración fue Papa Kila (Antolín Suárez) quien tocó con Arsenio Rodríguez y por ultimo a Manteca, (José Rosario Chávez) percusionista de la Sonora Matancera. Manny Oquendo fue notablemente conocido por lo que él expresaba en el timbal y no por la cantidad de cosas que él podría haber hecho para hacer «hablar» su timbal. Por más de 60 años, Manny Oquendo «nos comunicó» muchas cosas a través de su potencia percusiva y su visión musical. Sus profundos más no minimizados sonidos, fueron parte de la escena musical de la ciudad de Nueva York desde mediados de los años 40 hasta nuestros días. Esta es una de las últimas presentaciones de Manny Oquendo y su Conjunto Libre, Noviembre 2008 Nacido bajo el nombre José Manuel Oquendo en la calle cuarta al sur de Brooklyn, no obstante, lo llamaban “Manolo” antes de convertirse en “Manny” en su adolescencia. Posteriormente la familia de Manny se mudó al este de Harlem para 1939, allí Oquendo fue cautivado por los sonidos de la música. «La música estaba por todas partes» recuerda Manny. La primera tienda de discos de música latina en el sector este del Barrio lo fue «Almacenes Hernández» —originalmente localizada en el numero 1600 de la avenida Madison, la cual abrió en 1927—, la misma estaba ubicada solamente a una cuadra del apartamento de la familia Oquendo. Las armoniosas bandas de Machito, José Fajardo y la Orquesta Aragón se convirtieron en la fuente de sonidos de su infancia. «Había mucha música saliendo constantemente de esa tienda por lo que se convirtió en mi educación», recuerda Manny. Su primer juego de tambores fue un par de “tom toms” con pieles de ambos lados. Tocándolos con unos palitos tomados de un hangar de madera, Manny tocaba al unísono con los discos de su padre que sonaban en la victrola. Estaciones de radio en español siempre sonaban en su casa. Más tarde cuando Manny visitó las raíces de sus padres en la ciudad de Ponce, Puerto Rico, descubrió el cuatro a través de su abuelo. Después de los “tom toms” Manny consiguió un par de timbales de madera y empezó a tocar con el Sexteto Sanabria no sin antes tomar unas lecciones de tambor en una escuela ubicada en la calle 125 por un valor de veinticinco centavos por clase. Más tarde Manny tomó clases privadas con el maestro Sam Ulano, un conocido profesor de percusión. Max Roach, un celebre percusionista de Jazz también estudiaba con Manny donde Ulano. Cada vez que se encontraban, ambos hacían reminiscencia de sus días en la escuela con Ulano. Manny siempre conservo su juego de tambores trampa. Para los años 40, los Oquendos se mudaron a la calle Kelly en el sur del Bronx sin saber que ellos se estaban uniendo a una amplia comunidad de músicos de gran receptividad hacia lo musical. El pianista Noro Morales vivía cerca de la casa de Manny en la avenida Stebbins; Joe Loco esta por los lados del parque Horseshoe; Tito Rodríguez vivía en Rogers Place; Tito Puente en la calle 163, mientras que Arsenio Rodríguez y Ray Coén vivían en la calle Kelly. Manny empezó a tocar con las mejores orquestas de Nueva York. Tocó con la orquesta de Carlos Medina, con la banda de Charlie Valero y con el cantante de la banda de Xavier Cugat, Luis Del Campo. Poco después tocó con la banda del legendario Marcelino Guerra. Desde ese momento Manny tocó con el trompetista Frank García y su vocalista, El Boy, para ese tiempo Manny conoció a Chano Pozo que tocaba con Miguelito Valdés en un espectáculo local y se quedo para tocar con el creador de timbaleros. Chano permaneció con ese grupo pequeño hasta que consiguió un mejor salario en otro grupo. Manny también se cambio de grupo y se unió a la orquesta del pianista cubano José Curbelo, en dicha orquesta tocaba una gran cantidad de tamboreros, debido al repertorio de la banda que incluía tangos, sambas y música americana movida. «Esto me dio la oportunidad de sentirme un tamborero completo». Esto le comentó Manny en una entrevista a Frank Figueroa acerca del sonido latino de la percusión.
Después Manny Oquendo se unió a la banda de Pupi Campo con la cual tuvo la oportunidad de tocar en Long Island al lado de Tito Puente y su banda Los Picadilly Boys. Debido a la cercanía del trabajo, Tito y Manny se desplazaban juntos a los clubes y de esta manera Manny podía tocar con Tito mientras esperaba el turno para que empezara su propio espectáculo. Cuando el bongosero de Tito Puente, Chino Pozo, se fue a una gira con Katherine Dunham, Tito le pidió a Manny que se quedara con esa vacante. Cuando “Little” Ray Romero consiguió un trabajo con Eartha Kit, Tito Rodríguez le pidió a Manny Oquendo que ocupara el puesto vacante en los bongoes. Manny tenía sus trocitos afro-antillanos cincelados en las bandas de Tito Puente, Tito Rodríguez, Johnny Pacheco y muchos otros. Manny había hecho alianza con el legendario Chano Pozo y tomado el examen para la licencia del cabaret del sindicato de músicos lo cual le permitió a Pozo trabajar en los clubes de Nueva York durante su estadía entre 1946-1948. Para los años 60s, todo lo cubano era prohibido. Manny escuchaba los Mozambiques de Pello el Afrokan en un pequeño radio de onda corta y en discos piratas. Ya en su apartamento de la calle Kelly en el Bronx, Manny practicaría la ejecución del timbal con su mano izquierda y con la derecha manejaba el ritmo, lo practicó muchas veces hasta que consiguió dominar el género cubano, y así lo hizo suyo. En 1963, Manny Oquendo se unió a «La Perfecta», el conjunto organizado por el pianista Eddie Palmieri. Junto al conguero Tommy López, Manny pudo cristalizar el sonido del Mozambique creando así una poderosa sección rítmica de percusión al lado de la infraestructura improvisadora de Palmieri. En 1974, Manny y el bajista Andy González dejaron la banda de Palmieri para continuar en sus propias direcciones. Al dejar la estructura tradicional de las bandas, el dúo incorporó jazz, ritmos afrocubanos, afro puertorriqueños al tiempo que exploraban nuevas alternativas. El objetivo era “liberar” a la música del contenido restringido y así nació Libre. Desde 1976 hasta 1981, Manny se convirtió en un historiador musical del sonido típico que él había perfeccionado en la banda de Palmieri. Los primeros discos de Libre incluyeron temas clásicos de compositores como Ignacio Pineiro, Rafael Hernández y Nico Saquito, así como también una plena tradicional de Puerto Rico de Manuel «Canario» Jiménez.
Al mismo tiempo, el grupo atrajo una producción creativa de artistas jóvenes innovadores de la música latina. Los hermanos González, Andy y Jerry son los miembros fundadores; Alfredo de la Fe aparece en varios solos incendiarios de violines con el cantante Herman Olivera haciendo su debut en una grabación de Libre mientras el flautista Néstor Torres apareció también como invitado especial. En varias ocasiones la línea de trombones era ejecutada por Barry Rogers, José Rodríguez, Ángel «Papo» Vásquez, Jimmy Bosch, Reynaldo Jorge, Dan Reagan y Steve Turre mientras que Oscar Hernández, Joe Manozzi y Marc Diamond se hacían cargo del piano. El año pasado, la estación de radio portorriqueña Z93 dedicó su Día Nacional de la Salsa a Manny Oquendo. A Manny Oquendo le sobreviven sus cuatro hijos y dos hermanas.
Fuente: Fundación Nacional para la Cultura Popular, Puerto Rico. Por: Edgar Torres En una tarde llena de grandes emociones, el Salón de la Fama de la Música exaltó a nuevos miembros durante una concurrida ceremonia efectuada el pasado sábado en el Teatro Braulio Castillo en Bayamón. A ese selecto grupo fueron incluidos este año, Blanca Rosa Gil, Odilio González, Víctor Manuelle, Sammy Marrero, Pedro Rivera Toledo y Victoria Sanabria. José Nieves, presidente de la organización sin fines de lucro incorporada a finales de 2007 en el Departamento de Estado de Puerto Rico, informó que “tuvimos un buen respaldo de parte del público. Estamos muy contentos. Muy agradecidos de que Blanca Rosa Gil pudiera estar con nosotros recibiendo ese reconocimiento”. Nieves excusó al salsero Víctor Manuelle ya que está pendiente a su hermano Héctor Gustavo, quien se encuentra enfermo. Destacó, por otro lado, que “este evento se hace con mucho respeto. En espera de que las nuevas generaciones no olviden estas glorias que tanto nos han dado en el mundo de la música y la cultura popular. Agradecidos de que hayamos podido hacerlo durante nueve años. Ahora nos vamos a preparar para el décimo aniversario, en el que esperamos poder botar la casa por la ventana, hacerlo en grande”. El presidente del Salón de la Fama de la Música sigue comprometido con poder establecer el museo, por lo que esta semana tiene una reunión decisiva sobre el particular. “Espero pronto poder dar una buena noticia”, dijo. HONRADOS CELEBRAN… Al momento de ser exaltada, la trovadora Victoria Sanabria señaló, “mi corazón está lleno de alegría, de emoción, de agradecimiento. Agradezco infinitamente al señor José Nieves y a todos los que son parte del Salón de la Fama de la Música por la gran labor que hacen a favor de nuestra música y por haberme escogido para ser exaltada este año. Aprovecho, también, para felicitar a todos mis compañeros”. Resaltó que “siento que este reconocimiento no es solo mío. Este reconocimiento es de Papá Dios quien fue el que me regaló el don de la música. Este reconocimiento es de mi papá, don Leo, quien está con Papá Dios, pero fue de quien heredé lo de cantar e improvisar. Es de mi mamá doña Nilda Colón, quien está allí sentadita, a la que agradezco su amor y apoyo incondicional desde el comienzo. Este reconocimiento es de mi esposo, Luis ‘Tito’ Olivera, por los años de trabajo y corazón que ha invertido en mi carrera… De mi hijo, Esteban Alberto (de 10 años). Espero que algún día pueda ser parte del Salón de la Fama de la Música… Esto lo dedico a todas aquellas personas que en 35 años de carrera me han apoyado y lo dedico a la cultura de mi país. Creo que la mejor forma de resumir todo lo que siento es diciéndolo como estoy acostumbrada a hacer durante toda la vida…”. (La artista se ganó el aplauso de los asistentes al improvisar sobre su homenaje). Sammy Marrero subrayó, en tanto, “fue algo especial y extraordinario. Estoy muy agradecido porque no esperaba nada de eso. Yo hago las cosas sin esperar nada a cambio. Fue tan bonito, que ahora yo me creo cantante. Todavía no salgo del asombro de que eso haya pasado”. El presidente del Salón de la Fama de la Música concedió el Premio Rafael Quiñones Vidal al fallecido Rafael Viera por su contribución a la industria musical, siendo recibido por su hijo, el productor Richie Viera. Durante los actos se entregaron la Medalla Santa Cecilia a los trombonistas Angelo Vidot y Louis Vidot (de la orquesta La Resistencia), y el Premio Bohemia a Elba Robles. Elba Robles comentó, “me siento honrada en este día tan especial. ¡Uno de los días más bonitos de mi vida! Tuve la oportunidad también de cantar acompañada del Trío Los Andinos. No tengo palabras para expresar tanta alegría. Es un honor quedar plasmada en la historia musical de mi querida isla, Puerto Rico”. El cantante y comediante Juan Manuel Lebrón recibió la distinción Premio San Gregorio. Ese mismo galardón fue otorgado a la corista y cantante cristiana, Iris Martínez. Juan Manuel Lebrón quedó atónito con el repaso que hicieron de su trayectoria, destacando sus múltiples facetas. “Fue de gran alegría. El público aplaudió de una manera chulísima. (Todos) los que seleccionaron hemos hecho cosas grandes que ayudan a representar a la Isla… Hace algunos años me habían entregado otro premio”, manifestó el protagonista de “En casa de Juanma y Wiwi”, junto a la inolvidable “Dama de la Comedia”, Awilda Carbia. Los asistentes disfrutaron de la participación musical de Victoria Sanabria con Los Andinos, trío que también acompañó a Elba Robles. El cierre estuvo a cargo de Juan Manuel Lebrón con “Represento”, tema que lo llevó al Festival OTI en 1985. Mientras lo interpretaba, Juan Manuel y el público fueron sorprendidos con la llegada de Lou Briel, finalizando ambos artistas a dúo.
Fuente: El País, Colombia. Por: Robert Téllez Con la misma fuerza que trae una serie de olas poderosas del mar, suena la orquesta de Luis González, trompetista y director musical, nacido en el municipio de Arecibo, en la costa norte central de la ‘Isla del encanto’. La carrera musical de González comenzó en 1967, junto a la Orquesta Concepto Latino, liderada por el también trompetista José ‘Cuco’ Pérez, agrupación en la que despuntaron los vocalistas Kenny Cruz, Papo Sánchez, Primi Cruz, Pedro Brull, Luisito Carrión y Josué Rosado, entre otros. Durante su amplia trayectoria, el músico ha participado con más de una docena de agrupaciones reconocidas del movimiento salsero de Nueva York y Puerto Rico, entre ellas: La Primerísima de Tommy Olivencia, La orquesta del ‘Manos duras’ Ray Barretto, La Mulenze de Edwin Morales, la de Luis ‘Perico’ Ortiz, la banda de Bobby Valentín, y la de ‘Mr. Afinque’ Willie Rosario, por mencionar algunas. Además, se ha desempeñado como director musical de los cantantes: Lalo Rodríguez, Luisito Carrión, Wichy Camacho y Carolina La O. El talento de Luis González ha sido reconocido en dos ocasiones por la Fundación para la Cultura Popular de Puerto Rico. En 2011 y 2016, la institución dedicada a la investigación, estudio, archivo y catalogación de archivos de la cultura popular, clásica y folklórica de la isla, distinguió sus producciones discográficas: ‘Tributo a un gigante’ y ‘Si te preguntan’ como las mejores publicaciones musicales de esos años. En 2018, el músico fue exaltado al Salón de la Fama de la Música, otorgándosele la medalla Santa Cecilia por su trayectoria. El País: ¿Cómo se dan sus primeros pasos en la música? Luis González: Cuando era niño, mi padre tenía un conjunto en el estado Wisconsin y a mí me gustaba estar pendiente de los ensayos del grupo. En varias ocasiones mi padre se dio cuenta que mientras ensayaban, yo estaba marcando la clave con mis pies de manera natural. Cuando cumplí los ocho años de edad, me llevó con un maestro para aprender la teoría y el solfeo. Fue él quien me motivó a desarrollarme en el campo musical. Mi primer instrumento fue el acordeón, pero cuando logré escuchar el sonido de la trompeta de Louis Armstrong, uno de los músicos más innovadores en toda la historia del jazz, supe que eso era lo que yo quería hacer. Comencé a estudiar el instrumento formalmente, hasta que ingresé al Conservatorio de Música de Wisconsin. Desde ese momento vivo y respiro música. EP: ¿Y sus primeras participaciones con orquestas de Salsa? LG: Con mi familia retornamos a Puerto Rico en 1973, a mi pueblo natal Arecibo, ahí pude integrarme a la orquesta Concepto Latino, que era el grupo que acompañaba a artistas de gran importancia como Celia Cruz, Tito Allen, Adalberto Santiago o Santitos Colón, cuando ellos viajaban desde Nueva York para presentarse en la isla. Luego formé parte del Conjunto Clásico en la época que su cantante era Tito Nieves y estaban pegados en las cuatro esquinas. Más adelante me vinculé a la orquesta de Ray Barretto, a quien considero mi mentor. EP: Hábleme de su trabajo en la orquesta de Willie Rosario... LG: Soy fanático del sonido de Willie Rosario, para tocar trompeta en su orquesta hay que tener excelencia, pues él es un director disciplinado y con muchísima experiencia. Me llegó la oportunidad de pertenecer a su agrupación en 1991, trabajé con él durante varios años, grabé trompeta en su producción ‘The Roaring Fifties’, cuando los cantantes eran Primi Cruz, Bernie Pérez y Henry Santiago. Después de un tiempo, me integré a la orquesta de Jerry Rivera, permanecí con Jerry durante más de siete años, luego retorné por breve tiempo a la orquesta de Mr. Afinque. En el 2002 toqué con la orquesta del maestro Willie Rosario en el histórico concierto del Teatro Jorge Isaacs de Cali. EP: ¿Cómo decide formar su agrupación? LG: Formé la orquesta en el 2008, luego, con sacrificio logré grabar la primera producción que se llamó ‘Tributo a un gigante’, en honor a Ray Barretto. Allí incluí un tema compuesto por Juan José Hernández titulado ‘Homenaje a Barretto’ que lo interpretó Adalberto Santiago. Luego en 2010, tuve la posibilidad de trabajar en Colombia, durante la Feria de Cali, nuevamente como músico de Willie Rosario y aproveché la visita para dar a conocer el disco. Aunque yo tenía la ambición de dedicarme de lleno a mi orquesta, también conservaba una gran nostalgia, porque no quería dejar el grupo de Willie Rosario; pero él en su sabiduría me dijo que era el tiempo de dedicarme a mi propio concepto. Me motivó a seguir mi camino y desde ese momento no toco con nadie más. EP: ¿De dónde salió el apelativo ‘Tsunami de la salsa’? LG: Esa fue una idea del fallecido compositor Harry Suárez. Duramos enseñando seis meses la orquesta antes de presentarla al público y Harry asistió a todos los ensayos, a él le encantó ese formato de tres trompetas y un trombón, decía que le gustaba mucho la fortaleza del sonido que logramos, por eso dijo que la orquesta parecía un tsunami, y a mí me gusto esa frase. Lo que sucede es que vengo de la escuela de Barretto, aunque tengo mi estilo particular, siempre busco mantener ese legado. El sonido de la orquesta es una combinación del sonido agresivo de la salsa de Nueva York, con el sabor de Puerto Rico. Soy defensor de la salsa tradicional, la que le gusta al bailador. EP: ¿Cuáles son los detalles de su segunda producción ‘Si te preguntan’? LG: Me tardé casi tres años en realizar una segunda producción porque observo que con la prisa que se trabaja, muchas veces se sacrifica la calidad. Me tomé el tiempo suficiente para escuchar composiciones y conseguir reunir a los arreglistas que yo quería. El primer sencillo que se escuchó fue ‘Vamos, háblame ahora’, una composición del cubano Adalberto Álvarez con arreglo del ‘Rey del bajo’, Bobby Valentín. Por su parte, el pianista Oscar Hernández, multiganador del Premio Grammy y director de la Spanish Harlem Orchestra hizo el arreglo de ‘Ella está en otra rumba’, un tema de don Tite Curet Alonso, que popularizó hace mucho tiempo Justo Betancourt. Mis asesores musicales son Bobby Valentín, Willie Rosario, y Luis Perico Ortiz. Soy discípulo de ellos. Nunca se termina de aprender en este negocio. Lo más sabio es escuchar a esos experimentados maestros. EP: ¿Ya está trabajando en un nuevo material? LG: Sí. Ya tenemos grabado el tema ‘El vacilón de Juan Ramón’, autoría de Francisco Alvarado ‘Chalina’, con arreglo de Ricky González, el actual pianista de Marc Anthony y mi excompañero en la Orquesta de Baretto. Muy pronto van a poder escuchar un tema para exaltar la figura del ‘Señor sentimiento’ Cheo Feliciano, le pedí el arreglo musical al pianista Oscar Hernández. Considero que es un tema que va a gustar bastante en Colombia.
El cantante de salsa Josimar estrenó hoy domingo su 'reality' "Josimar, el protagonista" a través de su canal de YouTube. “Me siento agradecido con Dios por todas las oportunidades que se me están presentando en la vida. Poco a poco se están haciendo mis sueños realidad y tener mi propio reality era uno de ellos. Quiero estar cada vez más cerca del público, que me conozcan y compartir detalles de mi vida”, precisó Josimar. El salsero dijo que en su 'reality' no solo lo verán cantar, sino también verán su faceta de padre, esposo, cantante y empresario. "Muchos de mis seguidores solo me ven delante del escenario, pero hay muchas personas que desean saber más de mi y eso es lo que verán por mi canal”, indicó. En el primer capítulo del reality, Josimar se caracterizó de un vagabundo y recorrió las calles de Gamarra. “La primera edición estuvo muy divertida y se vienen más ediciones, que se irán presentando una vez al mes. Me gustaría hacer ediciones más seguidas, pero por temas de las presentaciones y viajes al exterior no se puede”, remarcó.
La foto es del 14 Agosto 2015, cuando se develaron en el Callao los bustos de Luis Delgado Aparicio y de Ismael Miranda. La noticia del día es el robo de la imagen del recordado "Saravá"
Fuente: Salserisimo Peru El busto de Luis Delgado Aparicio fue arrancado de su base, en lo que significa un nuevo atentado contra el patrimonio cultural salsero en el Callao. El robo se habría cometido hace dos semanas aproximadamente. “Un amigo que también vende por acá me pasó lo voz. Ahí recién me di cuenta. Habrá sido hace quince días”, contó un vendedor de golosinas que trabaja en la cuadra 15 de la avenida Buenos Aires. La imagen, que lucía junto a la de Ismael Miranda, fue inaugurada en agosto del 2015, en presencia de Pilar Villarán, esposa del popular Saravá, el Niño bonito de la Fania y Félix Moreno. “Para mí hoy es un privilegio lo que está pasando, porque los dos están juntitos (los bustos de Saravá y el suyo). Ustedes, la gente del Callao, no se los tengo que decir, pero saben que los llevo en mi corazón“, confesó el cantante boricua al momento de la develación. “Gracias rumbero, por tu amistad y apoyo. Fuiste un embajador cultural; un salsero que se entregó totalmente al género y sus intérpretes con amabilidad e inteligencia”, reza en la placa. Pero no es la primera vez que sucede algo así en el primero puerto. El último sucedió con la placa en homenaje a Celia Cruz, ubicado en el Obelisco. La pregunta que surge una vez más es: ¿Y las autoridades?
Hace una semana se realizó la edición 36 del Día Nacional de la Zalsa.
A continuación les presentamos 36 imágenes que recogen algunos de los momentos vividos en el evento ocurrido en el Estadio Hiram Bithorn de San Juan el pasado domingo 17.
Son 36 imágenes del 36 Día Nacional de la Zalsa
1. Apenas pasadas las 11:00 am el joven cantante y timbalero Manolito Rodríguez abrió la edición 2019 del Día Nacional de la Zalsa con un buen show de aproximadamente cuarenta minutos.
2. A continuación fue el pianista Pedro Bermúdez quien subió a la tarima del Hiram Bithorn para dirigir la orquesta que acompañaría a cinco de los cantantes participantes del Día Nacional de la Zalsa
3. El primer tema de la orquesta de Bermúdez fue vocalizado por Kayvan Vega.
4. El Día Nacional de la Zalsa inició los reconocimientos entregando una placa al cantautor Pedro Arroyo.
5. Pedro Arroyo en acción en el Día Nacional de la Zalsa
6. Héctor “Pichie” Pérez sube a tarima y le entrega un cuadro especial al “Búho Loco”
7. “Pichie” recibió también su placa de reconocimiento y luego estuvo repicando el timbal en “Agua a la Candela”
8. El siguiente homenajeado fue el “Sonero del Barrio” Frankie Vásquez, quien recibió su placa de parte de los tres locutores de la Z93
9. Frankie Vásquez en acción
10. Frankie Vásquez puso a gozar al público con “Repartiendo Fuete”. Salsa Dura
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11. Yolanda Rivera fue también homenajeada en el Día Nacional de la Zalsa
12. “Hasta que se Rompa el Cuero” fue uno de los temas que interpretó Yolanda, acompañada siempre por la Big Band de Pedro Bermúdez
13. A esa altura de la tarde muchos artistas salseros se encontraban en la parte posterior del escenario. Uno de los que más atención causó fue el querido cantante Sammy Marrero, con quien pudimos compartir algunos momentos
14. Mientras tanto Conjunto Chaney atendía a la prensa después de su presentación en la tarima del Hiram Bithorn
15. Esta es la placa que recibió Nicolás Vivas, líder del Conjunto del Amor
16. Edwin Morales y La Mulenze fueron los siguientes participantes del Día Nacional de la Zalsa
17. Kenny Cruz fue el primer cantante invitado de La Mulenze. “Con Pocas Palabras Basta”
18. El próximo a subir en tarima fue Pedro Brull, otro de los grandes cantantes que tuvo La Mulenze
19. Entre los temas que interpretó Brull estuvo uno de nuestros favoritos: “Yo Prometo”
20. Los locutores de la Z93 recibieron también unos presentes mientras Pedro Brull estaba en tarima
21. A su turno, Charlie Aponte subió a tarima para brindar una de las mejores actuaciones de la tarde. Energía y sabor
22. Aponte fue uno de los más destacados del Día Nacional de la Zalsa. Acá tres de los temas con los que sobresalió en el Hiram Bithorn
23. Charlie fue uno de los más requeridos en la sala de prensa después de su performance
24. Don Perignon y La Puertorriqueña fue la orquesta que más tiempo estuvo en tarima. El segmento inicial estuvo a cargo de sus cantantes Joe González, Rico Walker y Josué Rosado
25. Luisito Carrión y Víctor Manuelle fueron los invitados especiales de La Puertorriqueña. Luisito recordó su gran hit “La Fuga”
26. A continuación subió a tarima Víctor Manuelle, quien recibió el máximo reconocimiento de la tarde, El Premio Estrella
27. Víctor Manuelle estuvo a la altura y confirmó que es un sonero que, cuando se exige, no desentona, luciéndose en el inédito “Víctor Manuelle y Don Perignon”. Su primer tema en tarima fue “Con Mi Salsa La Mantengo”, corte del reciente disco Cultura y Sabor de La Puertorriqueña
28. Otro momento especial fue cuando Pedro Brull se subió a tarima para acompañar a Víctor Manuelle en “La Familia”
29. En la sala de prensa, las declaraciones de Víctor Manuelle, Don Perignon y Luisito Carríon fueron de las más atendidas por los medios
30. Momento especial el reconocimiento al Maestro Luis Perico Ortiz. Esta fue la segunda vez que la Z93 lo premiaba (la primera fue años atrás en una edición donde se juntaron destacados trompetistas)
31. “Llegó la Hora” de que el cantante Roberto Lugo se reencontrara con Perico. Ambos tenían previsto hacer cuatro temas, pero por temas de horario solo se limitaron a tocar tres canciones, entre ellas "Bohemio"
32. Roberto Lugo también recibió un homenaje. En la conferencia de prensa, el vocalista de Guayama mostró orgulloso su placa
33. Tito Nieves tuvo su reencuentro con el Conjunto Clásico. Después de cantar “Piragüero”, “Solitario” y “Señora Ley”, cerraron su secuencia con “Faisán”
34. La conferencia de prensa del Clásico fue una de las más animadas, aunque no contó con la presencia de Tito Nieves. Ramón Rodríguez, Ray Castro, David Navedo, Héctor Luis Pagán y José García interactuaron muy coloquialmente con la prensa
35. Antes del último artista de la noche, la organización del evento difundió un video de Carlos Cano Estremera, quien viene recuperándose de una delicada operación a los pulmones. El público acogió con un cariñoso aplauso la presencia en video del sonero albino.
36. Francisco Rosado “Pirulo” fue el responsable de cerrar la 36 edición del Día Nacional de la Zalsa. El público gozó con su repertorio, en especial con uno de sus más grandes hits: “Loco Pero Feliz”. Así terminaba mi primer Día Nacional... Satisfecho!
