Fuente: New York Times. Por: Warren Strugatch

Rubén Blades y Luba Mason en su sala de estar con una obra de Al Hirschfeld que muestra a Blades en "The Capeman" y una pintura de un artista desconocido Foto: Adrienne Grunwald para The New York Times

Rubén Blades, el músico, actor y exponente cultural latinoamericano, ha coleccionado arte —de manera informal, a menudo con base en la serendipia— durante décadas antes de casarse con la actriz y cantante Luba Mason.

La pareja —él de Panamá, ella de Nueva York— se mudaron a una casa de piedra en el vecindario de Chelsea, en Nueva York, donde han consolidado sus colecciones y han adquirido nuevas piezas.

El gusto de Blades oscila desde el surrealismo de la era de la Gran Depresión de Estados Unidos a los retratos y los paisajes de estilo clásico, con escapes hacia las imágenes de libros de cómics, afiches de películas y arte popular. Mason, como Blades, prefiere pinturas con temáticas de la ciudad de Nueva York, así como litografías y dibujos en bolígrafo con temáticas teatrales; sus contribuciones al decorado incluyen dos caricaturas de Al Hirschfeld: una de él en el musical de Paul Simon, The Capeman, y una de ella en How to Succeed in Business Without Really Trying.

Ellos conversaron después de que Blades se fue de gira por Europa con su grupo de salsa. Un nuevo documental sobre su vida, Yo no me llamo Rubén Blades, se proyectará este mes en festivales de cine y en cines en América Latina. Próximamente, lo volveremos a ver en la televisión como Daniel Salazar en Fear the Walking Dead. A partir del 11 de septiembre, Mason comenzará a participar en funciones previas de Girl from the North Country en The Public Theater. Estos son algunos fragmentos editados de la conversación.

“Night Ranch”, obra de un artista desconocido, en la habitación de Blades y Mason

- Sé que su hogar alguna vez perteneció a una iglesia.

LUBA MASON: Este era el Convento del Ángel de la Guarda en la avenida 10. Agregaron esta habitación circular como capilla. Cuando la vimos por primera vez, todavía tenía un altar con una enorme cruz de color rojo y reclinatorios.

- Tienen un hogar hermoso con mucho arte. ¿Comparten los mismos gustos?

RUBÉN BLADES: Me guío por lo que me gusta, no necesariamente por quién es el artista. Sigo buscando obras que sorprendan, me conmuevan o me impresionen, nunca pregunto quién la hizo ni pienso en ella como una inversión.

L. M.: Rubén y yo vamos a mercados de arte o a tiendas de antigüedades y caminamos por separado. Posteriormente, nos reunimos y descubrimos que nos gustaron las mismas cosas. En la parte superior de la casa, tenemos una imagen de una granja con la puerta abierta y la luz es naranja. A ambos nos gustó por separado y la compramos juntos.

- Esta también parece Nueva York. ¿Es de Reginald Marsh?

R. B.: Es una impresión de Reginald Marsh, una cosa de realismo social de la década de los treinta. Los trabajadores están evidentemente rompiendo una huelga. Me recuerda de alguna manera a mi abuela Emma en Panamá. La injusticia social le provocaba indignación.

L. M.: Hay otra de Nueva York en la planta inferior. Es de cuando vivía en Los Ángeles y participaba en Chicago en Broadway. Nací en Queens y quería una pintura de Nueva York en mi camerino. Encontré esta vista del Midtown en el mercado de pulgas en la cochera en la calle West 25th.

R. B.: ¿Ahí la conseguiste? ¿De verdad?

Una pintura de Broadway en el hogar de la pareja. Mason la adquirió

- Odio pedirles que elijan sus piezas favoritas, pero ¿tienen alguna?

R. B.: Tal vez es el Capeman original hecho por Hirschfeld que Luba me compró por mi cumpleaños.

L. M.: Rubén amó mi litografía de Hirschfeld de How to Succeed in Business Without Really Trying. Así que fui a una galería y encontré un Capeman.

- ¿Cuál es la historia de este retrato sobre el piano?

R. B.: La llamo “Adela”. Adela fue mi bisabuela de origen vasco, la mamá de mi abuela Emma. Mi abuela fue una mujer inteligente y de espíritu libre que se divorció de dos esposos y crio a cuatro hijos por su cuenta. Practicó yoga, fue una de los rosacruces y una feminista. En esta pintura veo a una mujer que espera que las cosas se resuelvan adecuadamente para su familia. Tiene una mirada de preocupación, también de esperanza. El pintor, quien haya sido, hizo un buen trabajo.

- Mencionaste que coleccionas afiches de películas y arte de cómics.

R. B.: Tengo el número uno de Action Comics y el número 27 de Detective Comics. ¿Quieres verlos?

- Esas son las primeras apariciones de Superman y Batman. Sí, quiero verlos. Sí.

La colección de cómics de Blades incluye las ediciones con las primeras apariciones de Superman y Batman

L. M.: La mayoría de la gente tiene ropa en sus clósets. Mi marido tiene cómics. Además de sombreros y periódicos.

R. B.: Exacto. Este arte original para la revista Punk tiene a Lou Reed en la portada.

- ¿Lo conociste?

R. B.: Lou Reed era el máximo punk. Viajamos juntos una vez después de un acto benéfico. Tal vez nadie más quería compartir el taxi con él. Era mordaz y no soportaba a la gente tonta con gusto, pero era genial estar con él.

- ¿Existen desventajas al coleccionar?

R. B.: No tener espacio suficiente. Luba cree que soy un acumulador de corazón. Me gustaría tener un lugar donde exhibir todo junto. ¡Algún día!

Fuente: LatinGrammy.com

MIAMI (29 de agosto de 2018) – La Academia Latina de la Grabación® anunció hoy que Erasmo Carlos, Dyango, Andy Montañez, José María Napoleón, Chucho Valdés, Wilfrido Vargas y Yuri recibirán este año el Premio a la Excelencia Musical. Igualmente, Horacio Malvicino y Tomás Muñoz recibirán el Premio del Consejo Directivo. Los homenajeados serán reconocidos en una ceremonia privada el 13 de noviembre en el Four Seasons Hotel de Las Vegas, como parte de la semana del Latin GRAMMY®.

"Nos enorgullece rendir homenaje a este extraordinario grupo de talentosos artistas y profesionales de la música con los Premios a la Excelencia Musical y los Premios del Consejo Directivo de este año", dijo Gabriel Abaroa Jr., presidente/CEO de La Academia Latina de la Grabación. "El grupo al que estamos reconociendo en este 2018, ha realizado contribuciones excepcionales, beneficiando a la música de Iberoamérica, brindando innovación, y una singular visión en pro de los amantes de la música".

El Premio a la Excelencia Musical se entrega a los artistas que han hecho contribuciones sin precedentes de extraordinaria importancia artística a la música latina. El Premio del Consejo Directivo se otorga tras una votación del Consejo Directivo de La Academia Latina de la Grabación en la que se selecciona a las personas que, aún sin ser intérpretes musicales, han contribuido significativamente a la música durante sus carreras. 

Premio a la Excelencia Musical 2018:

Erasmo Carlos

La maravillosa biografía musical de Erasmo Carlos tiene dos fases. Primeramente, está su asociación como compositor con la estrella del pop Roberto Carlos, con la cual ayudó a definir el ámbito emocional y la atmósfera nostálgica que envolvió a la balada latinoamericana en los '70s. Por otra parte, está su brillante carrera como solista, con la que lanzó algunos de los álbumes más impredecibles y evocadores de la historia de la música brasileña. El cantautor ganó notoriedad a finales de los años 60s como parte del movimiento juvenil jovem guarda. En el 2009 su álbum Rock 'N' Roll recibió una nominación al Latin GRAMMY® y, en el 2014, ganó un Latin GRAMMY al Mejor Álbum de Rock Brasileño (Gigante Gentil). Al combinar el éxito comercial con una implacable independencia artística, Erasmo Carlos continúa sorprendiendo y deleitando con cada uno de los proyectos que emprende.

Dyango 

No es casualidad que a Dyango (José Gómez Romero) se le conozca como "La Voz del Amor". Desde que comenzó su carrera con el lanzamiento del álbum Lejos de los Ojos con el que debutó en 1969, el cantante español ha seguido su evolución como intérprete de canciones románticas, dejando su sello indeleble tanto en el género de balada como en el tango. Su talento innato para impregnar de pasión y honestidad cada canción que interpreta fue reconocido primero en América Latina y luego en los Estados Unidos. Esto sucedió después de que en 1970 viajara a Argentina para protagonizar la película El Mundo es de los Jóvenes y grabara el álbum con ese mismo nombre. En 1975, su fantástica grabación del tango "Nostalgia", con un sutil arreglo de balada, así como "Por Volverte a Ver", “Corazón Mágico” y "Por ese Hombre” confirmaron a Dyango como un exponente clave de la música pop latinoamericana. Y aunque ha reducido las giras a gran escala, aún sigue grabando y cantando en vivo.

Andy Montañez

La salsa puertorriqueña ha sido el seno de muchos cantantes legendarios. Y aún en medio de una competencia tan férrea, Andy Montañez se ha distinguido como uno de los vocalistas más conmovedores y creativos del género afrocaribeño. Tenía 20 años cuando se unió a El Gran Combo, considerada la excelencia en orquesta de salsa, hasta 1976 cuando decidió enfocarse en su carrera como solista. Esa nueva independencia le permitió florecer como compositor y profundizar en un estilo que para entonces era emergente: la salsa romántica. Éxitos como "Casi Te Envidio", "Payaso", "Me Gusta" y "La Última Copa", que estuvieron caracterizados por unos valores superlativos de producción, y sus delicados arreglos musicales, lo establecieron como uno de los cantantes de salsa más exitosos de los 80s. En 2006, recibió el Latin GRAMMY al Mejor Álbum Tropical Tradicional. Siempre dispuesto a explorar nuevas direcciones, Montañez experimentó recientemente con salsatón, género en el que fusionó los campos musicales tropicales con la vibra urbana del reggaetón.

José María Napoleón

Marcada por delicados arreglos en capas y suntuosas melodías, la obra del cantautor José María Napoleón, conocido como "El Poeta de la Canción", rebosa de ternura y descripciones superlativas del amor romántico y el significado de la vida. En su México natal, Napoleón fue uno de los principales protagonistas del influyente movimiento de la balada de los años 70s. Tenía apenas 20 años cuando grabó su primer álbum, El Grillo. Desde entonces, Napoleón, quien también ha actuado en telenovelas mexicanas, continuó lanzando álbumes y escribiendo éxitos de suma carga emocional como "Pajarillo", "Hombre", "Eres", "Leña Verde", "30 años" y "Celos". En 2015, su álbum Vive encontró al cantante rememorando las páginas más brillantes de su cancionero en forma de dúos, en el que participaron estrellas de ayer y hoy como Manoella Torres, Mon Laferte y Yuri entre otras.

Chucho Valdés

Resulta imposible reflexionar sobre el estado actual del jazz latino sin tomar en cuenta el talento multifacético del virtuoso pianista, director de orquesta y compositor Chucho Valdés. Tanto en su trabajo con el supergrupo Irakere como en su obra como solista ecléctico y prolífico, Valdés reinventó el léxico del jazz, mezclándolo con el rock, la música clásica y las raíces afrocubanas. La banda Irakere de Chucho Valdés contó con algunos de los músicos más talentosos de Cuba, incluyendo a Paquito D'Rivera en el saxofón y Arturo Sandoval en la trompeta, con la que presentó una alucinante mezcla musical de rock, raíces afrocubanas y jazz. En 1998, Valdés inició una ambiciosa carrera como solista que incluyó destacadas actuaciones, un álbum emocionante de dúos con su padre Bebo Valdés (Juntos Para Siempre), vibrantes sesiones de cuarteto y la aparición de una nueva banda, The Afro-Cuban Messengers. Además, Chucho Valdés y su padre participaron en Calle 54, un documental sobre destacados músicos de jazz latinos. A lo largo de su carrera, ha recibido tres Latin GRAMMYs y seis premios GRAMMY.

Wilfrido Vargas

Existe un puñado muy selecto de directores de orquesta que han logrado elevar el contagioso merengue, ese estilo de baile y música característico de la República Dominicana, a una tendencia mundial. Wilfrido Vargas es uno de ellos. Éxitos inolvidables y poderosos como "El Africano", "El Jardinero", "A Mover La Colita", "El Baile del Perrito" y "Abusadora" trazan una prodigiosa discografía que marca el desarrollo del merengue. A comienzos de los años 70s fundó la orquesta Wilfrido Vargas & Sus Beduinos, pero fueron los años 80s los que marcaron el momento de un crecimiento extraordinario para Vargas, ya que la explosión de la salsa de los 70s fue reemplazada por nuevos estilos y géneros en la cultura popular latina, lo que incluyó el merengue. Además de haber participado en películas y un reality show, en la actualidad Vargas permanece muy activo realizando giras y grabando.

Yuri

Hay pocas ocasiones en las que el mundo puede ser testigo del nacimiento, crecimiento y el ascenso al estrellato de un artista, como ha sucedido en el caso de "La Güera", una de las artistas con más éxito comercial en la historia del pop latino. La cantante mexicana Yuri ha puesto su notable rango vocal al servicio de una variedad de estilos musicales: desde tórridas baladas y música cristiana hasta géneros tropicales, folk y música ranchera. En 1980 Yuri saltó a la fama en América Latina, gracias a su actuación en algunas películas y telenovelas, así como al lanzamiento de uno de sus álbumes más exitosos (Esperanzas), el cual incluye un hit del mismo nombre. A mediados de los 80s, alcanzó la cúspide, participando en el Festival de Viña del Mar y el éxito radial “¿Qué Te Pasa?" de su álbum Aire estableció firmemente su carrera musical a la vez que la convirtió en un ícono del pop internacional. Durante el apogeo de su fama, lanzó sencillos magistralmente producidos como "Yo Te Amo, Te Amo", "Tiempos Mejores", "El Apagón", y "Karma Kamaleón", una versión en español del pegadizo éxito musical del Culture Club. La güera está hoy más activa que nunca.



Premio del Consejo Directivo 2018:

Horacio Malvicino

Horacio Malvicino ha sido un exitoso ejecutivo de la industria discográfica y un excelente administrador de empresas en su Argentina natal; legendario guitarrista, compositor y arreglista de tango y jazz, además de ser un colaborador clave del maestro del tango Astor Piazzolla. Malvicino también formó su propio grupo musical (Horacio Malvicino Jazz Quinteto) y, bajo su nombre artístico, Alain Debray, vendió más de dos millones de discos cantando versiones ligeras de tango y música latina. La carrera de Malvicino llega más allá de la interpretación y ha trabajado como director artístico para sellos de discos locales e internacionales, realizando más de 90 producciones musicales para el cine, el teatro y la televisión. Músico de los músicos, Malvicino se encuentra activo desempeñándose como presidente de la Asociación Argentina de Intérpretes desde el 2014.

Tomás Muñoz

Siempre a la vanguardia, Tomás Muñoz es un ejecutivo de la industria discográfica que ha sido bendecido con un instinto infalible para el desarrollo de futuras estrellas del pop, y es posiblemente uno de los mejores paladines de la música de España. Cuando se mudó a México, le ofrecieron un puesto como director de la discográfica Gamma, Muñoz rápidamente desarrolló un apetito por descubrir jóvenes talentos musicales que eran ignorados por la industria. En 1969, fue nombrado director general de CBS Records en España, en donde apoyó las carreras de Julio Iglesias, Rafael y Joaquín Sabina, y cambió efectivamente la manera en que se percibía y consumía la música española en todo el mundo.

En 1980, se mudó a Brasil, donde revolucionó la manera de promover la música de artistas como Simone, Roberto Carlos y Djavan. Asimismo, condujo la promoción artística de Michael Jackson, Supertramp y The Police en Sudamérica. La carrera discográfica de Muñoz concluyó de manera exitosa cuando recibió el nombramiento en Nueva York como vicepresidente de A & R para Sony Music Latin America, en donde trabajó con Roberto Carlos, Chayanne, Ricky Martin, entre otras estrellas. El trabajo de Tomás en España y Brasil contribuyó decisivamente a la formación de toda una generación de ejecutivos en la industria musical. Aún después de publicar su autobiografía, Muñoz se mantuvo activo en la música y también fue mentor de una generación más joven de ejecutivos de sellos discográficos.

La semana del Latin GRAMMY culmina con La 19.ª Entrega Anual del Latin GRAMMY® que se transmitirá en vivo desde el MGM Grand Garden Arena en Las Vegas el 15 de noviembre, de 8 a 11 p.m. ET / PT (7 p.m. Centro) por Univision.

Fuente: AARP.org Por: Ernesto Lechner

No existe en la música latina otro compositor y director de orquesta como el neoyorquino de origen puertorriqueño Eddie Palmieri. Conocido por sus innovaciones, su excentricidad y el sabor desenfrenado de sus éxitos de salsa, Palmieri no ha parado de hacer historia desde que formó la legendaria orquesta La Perfecta a principios de los años 60. A los 81 y todavía tan activo como siempre, el tecladista habló con AARP en español sobre su nuevo disco — Full Circle — que incluye nuevas versiones de sus mejores canciones y una aplicación para iPhone. 

Su nuevo disco aparece en conjunto con una aplicación que permite interactuar con la música. ¿Cómo funciona exactamente?

Es algo maravilloso. Con la nueva tecnología, el estudiante puede usar la aplicación y sacar de la mezcla cualquier instrumento que quiera. Por ejemplo, si estudia trombón, puede sacar el trombón y así acompañar a la orquesta en la canción que estamos tocando. Mi grupo es ideal para este proyecto, porque en las orquestas de hoy no hay solos de piano, tumbadoras o timbal. Y justamente son esos solos que crean la tensión y la resistencia que hacen delirar al bailador. Estos elementos producen un clímax excitante, tanto a nivel rítmico como armónico.  

- ¿Y usted se lleva bien con la tecnología?

EP: Yo no sé ni siquiera prender una computadora [risas]. El concepto es de Frank Abenante, un venezolano que toca un piano flamenco increíble. La idea fue suya y se lo agradezco, porque somos la única orquesta latina que ha grabado para una aplicación.

- El disco en sí es un resumen perfecto de su carrera. ¿Fue difícil elegir los temas?

EP: Es un disco especial. Sus canciones narran la historia de las diferentes etapas por las que pasó mi trayectoria y los músicos con que trabajé. Muchos de ellos no están más con nosotros, pero los tengo siempre presentes. Había tantos temas para elegir. “Vámonos pa’l monte” es como un himno nacional en Sudamérica. La depresión está encima nuestro. Es tan difícil luchar porque cada día sube todo menos los sueldos. ‘Vámonos pa’l monte’, donde podemos guarachar.

- Me encanta la nueva versión del clásico “Lindo yambú”.

EP: Ese tema habla de los pioneros musicales de Cuba de los que tanto aprendí en las décadas de los 40 y 50. Con el pasar del tiempo fueron olvidados y sufrieron económicamente. Cada composición en este disco tiene una cuestión sentimental.

Portada del disco Eddie Palmieri Full Circle

- No podía faltar “Azúcar”, el gran éxito de los años 60 con su orquesta La Perfecta.

EP: Esa composición la andaba tocando en el club nocturno Palladium a fines de 1963. Finalmente la grabé en 1965 y ahora está en la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos, entre las grabaciones importantes del siglo 20. Es un honor. Tengo un amigo que es astronauta y le dije: “Hazme un favor: a ver si tocas ‘Azúcar’ en lo que estás volando por allí, para que llegue a todos los planetas diferentes”.

- ¿Hay algún tema que quedó en el tintero para retomar en un próximo disco?

EP: Quiero grabar “Puerto Rico”, pero con la voz de Hermán Olivera. Este mismo año editaré otro LP con un tema que se llama “Mi luz mayor”, dedicado a mi señora, Iraida, que falleció hace cinco años. Para este proyecto junté a los mejores músicos de Nueva York: cinco saxofones, cuatro trompetas y cuatro trombones. El LP tendrá once temas, cinco cantados por Olivera y cinco con la voz de Gilberto Santa Rosa. Son dos soneros de primera. El último tema está dedicado a La Habana y Matanzas, con la guitarra de Carlos Santana. 

- ¿Cómo hizo para soportar un momento tan difícil como el fallecimiento de su esposa de toda la vida?

EP: Ella está siempre conmigo. Fue mi novia durante 62 años. Fue cremada y ahora está en casa. La tengo con su vela y sus flores. En la cama están su bata y su rosario. Es un amor que durará hasta el día que me muera y me reencuentre con ella. Antes de morirse, me dijo: “No me vengas a buscar porque estaré con mi madre y tú no llegas a ese nivel”. Por eso me estoy portando bien para poder verla allí arriba [risas].

- Volviendo a la música, ¿ha cambiado su manera de componer a través de los años?

EP: Estoy mucho más adelantado. Empecé como un músico primitivo y ahora estoy modernizando mi estilo. Me quedo con las mismas estructuras que aprendí de Cuba, pero agregando las armonías del jazz y las diferentes maneras de tocar acordes. Creo que es por eso que cuando escuchas cualquiera de mis discos, parece como si los hubiera grabado hoy.

- Su lugar de honor en la música latina es indiscutible. ¿Cómo quisiera ser recordado?

EP: El filósofo Aristóteles dijo que un músico o un artista es un loco inspirado. Una vez estaba dando una entrevista en Puerto Rico y el periodista me dice: “Una pregunta más, maestro: ¿Es verdad que usted está loco?” Yo, pensando en Aristóteles, le contesté: “Por supuesto”. Al día siguiente un primo mío casi se muere al leer el periódico. “Boletín, boletín: Eddie Palmieri se declara loco en Puerto Rico”. ¿Y quién me llama primero? Mi querida madre. Atiendo el teléfono y me dice: “Ay, Edward. ¿Por qué dices cosas así? Tú sabes que la familia sabe que estás loco, pero no se lo tienes que decir al mundo entero”.

Comunicado publicado hace instantes en la página de FB de la Discoteca Karamba Latin Disco indicando la cancelación del show en el que se iba a presentar Tito Rojas

Ha fallecido el bajista venezolano Gustavo Carmona, quien fuera integrante de La Dimensión Latina, Elio Pacheco y la Mafia Latina y de la orquesta de Oscar D'León.

Ya desde niño tuvo inclinaciones musicales, puesto que su padre Domingo Carmona tocaba guitarra y era cantante de boleros. Con sus hermanos Alexis, Argenis y Nora formó un grupo que a mediados de los 60 tocaba en Venevisión, en el programa La Piñata de los Sábados.

Gustavo ingresó a La Dimensión Latina cuando ya Oscar D'León se había retirado del grupo. Años después sería parte de la orquesta del propio D'León, cuando "El Sonero del Mundo" decidió "dejar" el bajo en grabaciones y actuaciones.

Sin duda, Gustavo Carmona fue uno de los más importantes bajistas en la música venezolana. ¡Que Descanse en Paz!

Fuente: Agencia Andina, Perú. Por: Cecilia Fernández

Nuestra Susana Baca y la figura cubana Argelia Fragoso son quizá las dos divas de la música latinoamericana más importantes del momento y han decidido interpretar con el alma abierta a Lima una propuesta titulada Quiéreme, que se ha macerado por años en un disco y que tendremos el privilegio de escuchar en vivo el miércoles 29 en el Gran Teatro Nacional.

El sugestivo nombre nos habla del amor en su significado más amplio y evoca ese sentimiento que hermana y que produce tan diversas sensaciones que fluyen para hablar del canto a la pareja, pero también a la solidaridad, a la bondad y a todo lo que brote de sus talentos y que ancle en la vida misma.

–Susana y Argelina, ¿cómo abordan este sentimiento en Quiéreme a la par de la vida misma?

SB: Me mueve este compromiso de muchísimos años de cantar y tocar en la gente las fibras más sentidas del amor, y no solo del de pareja, sino también el amor al país, por ejemplo. 

AF: Creo que estamos viviendo momentos muy complicados. Siento que como intérpretes nuestra misión es dar, por medio del canto, aquello que se está perdiendo: la bondad, la dulzura, el desprendimiento.

–Se está perdiendo tanto en este mundo…

SB: Sí, me mueve el querer que la humanidad conserve estos valores, como son la solidaridad, el ver al otro y respetarlo. 

AF: Hay mucha individualidad, un concepto de “para mí, hacia mí y lo primero soy yo” en el que se pierde la humanidad, tenemos que salvarla. La canción es nuestra principal arma para lograrlo.

–¿Cómo seleccionaron los temas para este trabajo?

SB: Cada una eligió con qué expresarse y ahí está el respeto de un artista por el otro. Ella escogió sus canciones, yo las mías, y le hice mi propuesta de valses peruanos, que voy cantando uno a uno.

AF: Hace mucho que no venía al Perú, pero cuando estuve, me relacioné mucho con la canción y las raíces del pueblo. Me impactó una de las canciones peruanas más hermosas que escuché. Me atrapó y la monté musicalmente desde esa época, y la tengo como esa joya que cuidas y veneras.

Argelia lleva ya un buen tiempo de no visitarnos, pues está enfrascada en el arte, a la par de su formación docente y de precursora del festival Voces Populares, amén de grabar discos y ofrecer presentaciones al lado de íconos de la música mundial.

–¿Cómo encuentras el país, Argelia?

AF: Siento un Perú visualmente diferente, más colorido… Me siento tratada con mucho cariño y vuelvo, de alguna manera, porque no me he ido.

–¿Por qué tardaste tanto tiempo en volver?

AF: Estuve en 1996 por una temporada bastante larga, como de tres meses; después me fui a vivir a España y regresé a Cuba, donde le dediqué mucho a Voces Populares, festival que me tomó impulsarlo siete largos años.

Fragoso ha llevado a este festival figuras como el grupo Amaral, Jorge Drexler, Maridalia Hernández, Eugenia León, Tania Libertad y hasta la mismísima Susana Baca.

–Ahora que han grabado el disco, ¿sienten que es mejor hacerlo a la antigua?

AF: A distancia, muchas veces, no se sabe si hay empatía porque los intérpretes, en buena parte, ni se conocen y el trabajo ya está difundiéndose. Cuando se interactúa con la persona, considero que salen cosas más fidedignas y muy auténticas, eso es resultado del contacto.

SB: Por lo regular, ahora los discos son a distancia. Puedes hacer una colaboración y uno está en la China y el otro en Chincha (risas). Nosotras hicimos este disco entre Lima y La Habana. Participaron músicos peruanos cuando grabé aquí los instrumentos y después nos encontramos en La Habana para poner las voces. Compartimos muchas cosas, la comida, la presencia de otros músicos cubanos que también sintieron muchísimo para entrar a tocar el vals peruano.

–Es un disco del corazón.

SB: Lo hemos grabado mirándonos a los ojos, sintiendo yo lo que estaba sintiendo Argelia al otro lado de la ventana. Esto se percibe en el disco, se palpa que estamos hablándonos una a la otra desde el corazón.

AF: Así fue. Por ejemplo, que sería si una familia manda asus hijos a un internado cómo puedes ver cómo crecen; eso independientemente dehay que seguir en la vida.

- Argelia, finalmente, tú eres una artista que transita por diversos géneros sin ataduras cómo ves la música urbana tan de moda

AF: No estoy en desacuerdo con que existan todas estas variantes de la música, lo que a veces erramos es en darle la importancia y el lugar que no tienen. No es necesario al reggaeton de letras lascivas o violentas enaltecerlo. Que existe sí y que habrá un público que lo consuma tal vez, pero no hay que abandonar los caminos que tiene la vida en cuento a la música.

Anoche el cantante puertorriqueño Jerry Rivera sufrió un accidente en el cantón Milagro, ubicado en la provincia del Guayas, Ecuador.

En momentos en que apenas iniciaba su actuación en el espectáculo de la elección de la Reina de Milagro, el ascensor que lo elevaba hacia la tarima cayó estrepitosamente, ocasionando la fuerte caída de Rivera, quien ha tenido que ser llevado a un centro de salud de la zona.

Deseamos una rápida recuperación al intérprete salsero

Imágenes de la caída: 

Accidente de @jerry_rivera en la presentación de Reina de #Milagro, instantes en que ascendía al escenario por medio de un ascensor. Fué trasladado hasta un centro de salud de Gye. Esperamos noticia del estado de salud. pic.twitter.com/Pmd3t9KxGR

— Milagreño Soy (@MilagrenoSoy) 26 de agosto de 2018

Fuente: Agencia EFE

El cantante, músico de salsa y compositor Willie Colon podría haber plagiado la canción "Veneno en la piel" de los españoles Radio Futura para convertirla en banda sonora de un culebrón mexicano, según ha denunciado hoy María Luz Auserón, portavoz del sello La Huella Sonora.

Según una nota remitida a Efe, la hermana del músico Santiago Auserón asegura que el tema "Low Rider", que firma Willie Colon para la banda sonora de un culebrón mexicano de los años 90, "tiene toda la pinta de ser un plagio descarado de la canción de Radio Futura Veneno en la piel".

"Por más precauciones que se tomen para detener el plagio antes del compás prescrito por ley, la suma de compases y motivos plagiados a lo largo del tema es considerable", ha señalado Auseron que remite a YouTube para escuchar la canción, prácticamente igual a "Veneno en la piel", solo que con una letra diferente.

Añade Auserón que "no es la primera vez que la canción de referencia sufre un saqueo sin escrúpulos -recordemos la campaña de Don Algodón-, ni sería la primera vez que el salsero de origen portorriqueño se enfrentase a un proceso semejante".

Se refiere la portavoz de La Huella sonora al caso de la canción "La banda", que fue denunciada por plagio de otra peruana titulada "Llegó la banda" en 1974.

Al parecer, el tema "Low rider" aparecía en un culebrón de finales de los años 90 convertida en himno de la comunidad chicana como homenaje a su costumbre de modificar vehículos clásicos con grandes ruedas o pinturas de colores perlados como símbolo de su cultura.

Fuente: Cubaencuentro, Cuba. Por: Cristóbal Díaz Ayala

La investigadora, productora, musicógrafa y especialista en propiedad intelectual cubana Rosa Marquetti Torres, hace años viene realizando una labor increíble. Ejecutiva de la Sociedad General de Autores y Editores de España (SGAE) en Cuba, desde 1998 ha intervenido también colaborando en la supervisión musical de decenas de documentales sobre la música cubana, y producciones discográficas; ha escrito los libros Carlos Vidal Bolado, un cubano en el reino del jazz y Desmemoriados. Historiasde la música cubana, tomo que salva del olvido un grupo de músicos cubanos olvidados; pero Desmemoriados es también el blog en el que continuamente agrega otros “olvidados” de la música cubana. Las importantes revistas mensuales colombianas La Lira de Barranquilla y Melómanos de Cali, así como varias de Cuba y España, reproducen sus artículos.

Y ahora acaba de publicar Chano Pozo. La vida (1915-1948). Por supuesto que lo primero que debe tener una buena biografía, es estar respaldada por una tarea investigativa seria; profunda: Al final del libro, en sus “fuentes”, la autora enumera 117 libros, y a lo largo de la lectura de Chano Pozo van siendo citados esos libros, a veces en más de una ocasión, o sea, es una bibliografía realmente consultada, no simplemente citada… Le siguen 8 menciones de audiovisuales, 11 de documentos oficiales, también prolijamente usados, como son los registros de pasajeros con entrada y salida de Estados Unidos, trabajo muy tedioso, pero que le permite a la autora fijar con autoridad, los viajes de Chano, tanto en América como en Europa… Hay nueve entrevistas inéditas, publicaciones periódicas, 11 de Cuba, 13 de Estados Unidos, y otras de Europa… Y 13 sitios web.

Esta proeza investigativa le procuró las armas para escribir lo que es el más completo trabajo publicado sobre Chano Pozo hasta la fecha. Dividido hábilmente en periodos, la autora va siguiendo al biografiado desde su nacimiento en 1915 hasta 1941, de solar en solar, de pariente en pariente, de amigos, amoríos, lances, cárcel, comparsas, primeras creaciones, primeras grabaciones… y todo con lujo de detalles, la autora procura siempre, al narrar cualquier evento, contestar todas las preguntas que produce un hecho: quién, qué, cuándo, cómo, dónde, y por qué…

El siguiente capítulo (1941-1946) recoge la importante relación de Chano con Amado Trinidad y la emisora RHC… y así llegamos al siguiente, que va a cubrir su salto a Nueva York, (1946-1947). Las importantes grabaciones de Chano en el Nola Penthouse Studio, y sus primeros pasos en New York, son cubiertos en forma detallada, como no se había hecho hasta ahora…

“Ahora sí!” titula la autora el próximo capítulo, donde describe con lujo de detalles el encuentro de Chano y Dizzy Gillespie en Nueva York, y el histórico concierto del Carnegie Hall, donde va surgiendo una nueva música norteamericana, gracias al junte de estos dos genios.

Hago aquí un alto para explicar porqué fue tan importante este encuentro. En la música africana, es muy importante el ritmo que llevan básicamente tambores de diferentes estilos. Esto pudo trasmitirse en Cuba, con dificultades, pero el tambor en Estados Unidos, fue prácticamente proscrito, y el ritmo quedó limitado a instrumentos de percusión europeos; en Estados Unidos, surge la batería, consistente básicamente de un tambor grande, que se toca accionado por un pedal; otro pequeño, el redoblante, que se toca con palos, y un platillo, también tocado con el palo; NO SE USAN LAS MANOS, directamente. Así surge el jazz, y así estaban las cosas cuando apareció Chano Pozo en New York.

“El año decisivo”, titula la autora el periodo 1948-1949, donde recorre, paso a paso, lo que sucede después del concierto, la complicada tarea de Chano y Dizzy de ir convenciendo y enseñando a los músicos norteamericanos, las complejidades de la ritmatica afrocubana… El viaje a Europa es narrado con lujo de detalles donde me pregunto como la autora describe detalladamente ese tedioso proceso de ambos músicos enseñando a los músicos a tocar el nuevo ritmo inventado por Chano, el cubop, y al público a aprender a disfrutarlo… Curiosamente, a veces hay más receptibilidad en los europeos, que en los norteamericanos… Hay, además, los tours por el sur de Estados Unidos, con sus reglas de discriminación, que deben haber sido muy duras para Chano, lo que explica que un momento, regresa a Nueva York…

El último capitulo brega con la triste muerte de Chano, sometido a la intensa presión de tratar de enseñar a músicos y publico este nuevo ritmo que se llama cubop, y que termina trágicamente…

Dizzy siguió tratando de mantener vivo el cubop, pero no fue posible, era muy complicado para ejecutantes y bailadores… Habría que esperar unos cuantos años mas, para que con el mambo, los norteamericanos aprendieran a bailar a lo latino…

Pero el verdadero e importante legado de Chano, no fue el cubop, sino como claramente lo dice Marquetti en su capítulo “Chano después de Chano” fue dejar como saldo positivo la incorporación de la tumbadora y la percusión afrocubana en general, a los formatos de lo que después se llamaría latin jazz. Sin Chano, no habría el auge del mambo en Estados Unidos en 1950, y después el chachachá, y la omnipresente tumbadora, bajo el nombre de conga, en muchas orquestas norteamericanas, ni hubiera tenido posiblemente entrada en la música norteña el bossa nova y sus instrumentos, sin este camino que abriera Chano Pozo… De todo esto habla Marquetti en su capitulo “Chano después de Chano”.

Pero no hemos terminado con Chano y Rosa. En el anexo I “Chano Pozo como compositor”, nos habla de la musicalidad extraordinaria de las composiciones de Chano, que dejó un grupo de canciones imborrables en el repertorio cubano, como “Blen blen”, “Pin Pin”, “Ampárame”, y otras… En el anexo II, la autora incluye la discografía mas completa que se ha hecho sobre su obra como compositor, y lo mismo sucede con el Anexo III, que es su discografía como intérprete principal y músico de sesión, trabajo difícil de investigación, siguiendo el rumbo del siempre activo Chano y esto es todavía mas cierto en el acápite siguiente “Grabaciones en Estados Unidos”, pues pese a su corta presencia allí, todo el mundo quería grabar con Chano… Supone este capítulo, un trabajo inmenso de revisar todas las grabaciones de esos años en un país como EEUU, con una producción gigantesca, otro logro inmenso de la autora.

¡No se lo pierda!

Fuente: El Nuevo Diario

El cantante panameño Rubén Blades, un referente en la salsa que le hizo famoso, está inmerso en proyectos con otros géneros musicales, entre ellos el rock y reggae, a los que quiere dedicarse ahora porque “tengo más pasado que futuro”, al recordar que ya cumplió los 70 años.

“Tengo 70 años, no sé cuántos años más de salud tengo ni cuántos más voy a tener para hacer trabajo. Tengo 50 años de estar trabajando salsa, lo que hice ahí está”, indicó.

El cantautor que asistió en Nueva York a la presentación del documental “Yo no me llamo Rubén Blades”, que abrió el Festival de Cine Latino HBO, explicó que está grabando varios discos, uno de ellos con el tecladista Enrique Becerra en Panamá junto a una banda que se llamará Paraíso Rock Band, de su país.

Agregó que cuando los proyectos en los que participa salgan al mercado no usará su nombre. “Voy a poner otro nombre porque la gente va a creer que estoy haciendo el mismo trabajo” de salsa, afirmó.

A lo largo de sus 50 años de carrera, el intérprete de “Decisiones”, “Pablo Pueblo”, “Ligia Elena” o “Pedro Navaja”, entre otros éxitos, ha trabajado en proyectos con otros artistas.

Aseguró que lo mejor de esos 50 años ha sido “la inversión que hice en mis amigos y en mis amigos músicos”. 

“Rubén Blades no es mi nombre” dirigido por el también panameño Abner Benaim que le acompañó ayer a la presentación, recorre 50 años de carrera del artista, quien habla sobre su infancia en Panamá, del primer tema social que escribió en 1969 y cómo nacieron otros, cómo comenzó en la música y llegó a las Estrellas de Fania, una relación que “fue de la alegría a la decepción”.

También del periodo junto a la orquesta de Willie Colón, con quien grabó muchos temas de índole social como Tiburón, de su trabajo junto a otros artistas y como actor, y de su hijo, a quien conoció cuando este tenía 37 años.

Benaim presenta un retrato íntimo de Blades, quien señala en el filme que “no me siento viejo pero tengo que entender que no soy un chiquillo. Por eso siento la necesidad de irme moviendo en otra dirección y hacer otras cosas”.

Entre los diversos temas que toca, el excandidato a la Presidencia de su país y exministro de Turismo, afirma que escribe “cuando algo me molesta”.

Y recuerda que ha compuesto más de 200 canciones, que cuando canta “estoy en un sitio de felicidad, en un sitio donde regreso a mi punto del alma pura, regreso a ese lugar donde están las mejores cosas y viven los mejores ángeles al carácter mío, allí voy”.

Un tema presente en el documental, que según el director le tomó tres años, es el de la muerte y según Blades es porque es “algo que ahora tienes más presente” y aseguró que la muerte del salsero Cheo Feliciano, exintegrante de la Fania, y la del músico español Paco de Lucía “me dejaron en shock”.

“A pesar de que uno está consciente (de la muerte), llega un momento en que tienes que ponerte a pensar, a organizar tu tiempo, a tener plan A y plan B. En los 70 vas ya en la última recta y no voy a tener 70 años más”.

El director Benaim (Invasión) señaló que el gran reto que enfrentaba con este proyecto era convencer a Blades (que le dijo que sí de inmediato) y que no fuera adulador, “como si estuviera haciendo un homenaje a un santo”.

“Lo admiro y respeto, pero no quería que eso fuera lo único que se viera. Otro reto era que él tiene una carrera positiva y cómo explicar ese mensaje que ya tiene público. No me necesitaba a mí” para ello, señaló.

“Lo que hicimos fue tratar de que tuviera alma, como sus canciones, como sus letras, y sabemos que es una pieza incompleta porque no cabe su vida en 90 minutos”, afirmó sobre el documental, que ganó el premio del público en el festival South by Southwes (SXSW) en Texas este año.

Fuente: Al Día, Colombia. Por: Jonathan Díaz Cárdenas

Hablar del compositor panameño Omar Alfanno es ligarlo inmediatamente a reconocidas leyendas de la salsa como Willie Colón, Gilberto Santa Rosa, Marc Anthony, Víctor Manuelle, Jerry Rivera, entre otros; que se apoyaron en varias de sus obras para fortalecer sus carreras.

De 61 años y oriundo de la provincia de Veraguas, en el país istmeño, Alfanno es considerado uno de los precursores de la Salsa Romántica. Sus canciones las definen como crónicas sociales con letras poéticas, e historias de amor que dignifican la imagen de la mujer.

Como muchos de sus compatriotas tiene una marcada influencia colombiana. Su abuelo materno (Jacinto Velásquez Riascos) nació en Cali y se radicó en Panamá, donde se dedicó a alfabetizar.

“Me siento colombiano también, le he dado canciones a Shakira, Andrés Cepeda y Fonseca, por mis venas corre sangre amarilla, azul y roja también”, dijo en diálogo telefónico con AL DÍA desde su tierra natal. Nos contó también sobre clásicos suyos como El gran varón, que lanzó Willie Colón en 1989 en el álbum Top Secrets (Altos secretos), y también de la influencia que recibió del fallecido Tite Curet Alonso.

P. ¿Cómo nace su romance con la música?

R. Desde joven me regalaron una guitarra que me ponía a tocar en las esquinas buscando sacar las canciones de moda.Así fui desarrollando mi oído hasta convertirme en compositor. En 1977 partí a México a estudiar odontología, más por cumplirle a mi familia que a mí mismo; y en 1982 me gradué como cirujano dentista. Ese año me tocó tomar la decisión más difícil de mi existencia, tomar el incierto camino de la música o montar una clínica dental. Afortunadamente no me equivoqué, y he podido triunfar a nivel musical ya que mis canciones me las han grabado grandes artistas y lo más importante, han logrado enamorar a muchas personas.

P. Háblenos de su primera salsa El gran varón, ¿cómo llega ese tema a Willie Colón?

R. Creo que El gran varón era primo de Pedro Navaja, porque no hay esquina de barriada dónde no conozcan a estos dos personajes que quedaron en la historia, el primero por homosexual y el segundo por maleante. En Veracruz (México) tenía mi grupo Omar Alfanno y Los Sembradores del Sur, una vez nos presentarnos en el DF para alternar con Willie Colón, y muchos de mis músicos llegaron sin instrumentos. Así era imposible cantar y ya era hora del show, no tuve más remedio que pedirle el favor al mánager de Willie Colón (Juan Toro), que nos prestará sus instrumentos porque me iban a demandar si no salíamos, y él nos sacó de ese apuro.

Fui a darle las gracias en el camerino y ahí estaba Willie, me lo presentó, y cuando iba saliendo una voz interior me dijo: “Devuélvete y cántale El gran varón”, y eso hice. Él quedó impactado por la letra al punto que me citó al día siguiente al hotel donde se estaba hospedando para grabármela, pero yo no fui a la cita, me llené de miedo.Sin embargo, el mánager me contactó seis meses después en Puerto Rico y viajó a buscar la canción, me regañó y me dijo que le permitiera poner su voz, allí no estuve escapatoria, así que busqué una guitarra se la canté y le encantó mucho más.



P. ¿La historia de El Gran Varón es real?

R. Está basada en una historia verídica de un amigo que estudió conmigo el bachillerato. Después de un tiempo me enteré de su drama. A él le hacían mucho bullying y no había podido salir del closet porque en los 60, 70 declararse gay, era algo que solo hacía un héroe. En Puerto Rico una vez trataron hacer una obra teatral llamada ‘El gran varón’, y la gente hizo varios disparos en los letreros al punto que hubo que suspenderla por miedo a que ocurriera una tragedia. Solo le cambié el nombre para proteger su identidad, eso me lo llevaré a la tumba; Simón es lo único ficticio, del resto es una historia fiel a la realidad.

El tiempo también corresponde a la época, era el verano de 1986, escribí El gran varón mientras mi amigo moría de sida, era el enfermo de la cama 10 y no tenía escapatoria. “En la sala de un hospital/de una extraña enfermedad murió Simón...”, hice esa estrofa porque había que concluir la historia, pero mi compañero de bachillerato aún no había fallecido, estaba recluido en un hospital de Los Ángeles (EE. UU.), en esa ciudad fue donde se sintió libre”.

P. ¿Cuál es la reflexión que deja usted con la letra de El Gran Varón?

R. En esa canción cuento la vida de Simón, un hombre que no aceptó su realidad y siempre soñó con ser mujer, pero no pudo ser feliz en ninguno de los bandos, porque con solamente 30 años murió infectado por el virus del VIH Sida, solitario en la habitación de un hospital donde nadie lo lloró. Aquí la reflexión también va por parte de aquellos padres que rechazan a sus hijos, creo que el deber de uno es siempre guiarlos y acompañarlos. Al final el padre de mi amigo se muestra arrepentido, pero ya era demasiado tarde, el deber ser lo llamó cuando no había nada que hacer. Este caso, recalco, ocurre en una época en la que la comunidad gay era cruelmente tratada, ni siquiera se conocía el Sida. Por eso la letra dice: ‘De una extraña enfermedad murió Simón’.

P. Sus mayores hits han sido en el género tropical, ¿a qué se debe esto?

R. A que tuvimos la dicha de entrar en un momento de cambio. Eso lo hablé con mi sensei Tite Curet Alonso, de quien me hice muy amigo cuando viví en Puerto Rico, él me decía que yo aportaba otro tipo de melodías y de letras, dándole un viraje a lo romántico. Creo que le di un lugar de privilegio a las mujeres que no eran tomadas en cuenta al momento de hacer temas, todo era “Che che colé” y “no le pegué a la negra”, es decir la salsa era para los buenos bailarines. En cambio con estas letras le bajamos un poco la revolución y pusimos a los novios a abrazarse en medio de la pista. Allí es donde uno podía regalar un disco de salsa y una flor, dedicar un tema y bailarlo mientras conquistaba.

P. ¿Cómo conoció a Tite Curet Alonso y qué le aprendió?

R. El encuentro fue de película, cuando me lo presentan en la parada 15 de Santurce (Puerto Rico) en 1989, no sabía quién era ese señor. Estaba vestido con un gorro africano y ropa con colores fuertes. Yo le dije ‘maestro me dicen que usted compone’, él me quedó viendo y me respondió que le había dado a Héctor Lavoe Periódico de ayer, a Cheo Feliciano Anacaona; y a Rubén Blades Plantación adentro. Luego me preguntó de dónde era yo, le respondí ‘soy panameño’. Se puso a cantar otras de sus canciones ‘Voy de corazón cantando, pa’ la gente panameña’, de Cheo, y yo me le arrodillé (risas).

Su gran enseñanza es que la inspiración no se puede presionar, él no tocaba instrumentos, la clave la tenía en los dedos, y poseía una gran imaginación. Tite sacaba de la manga un personaje en menos de un minuto, lo comparo mucho con García Márquez.

P. De sus canciones ¿cuál es esa a la que le tiene un aprecio especial?

R. Más que de canciones me gusta hablar de las carreras que he logrado construir a través de mis letras; por ejemplo, a Gilberto Santa Rosa le entregué Conciencia, Vivir sin ella, Sin voluntad, Que alguien me diga. Marc Anthony me grabó Te conozco bien, Llegaste a mí, Nadie como ella, Y hubo alguien, Contra la corriente, Me voy a regalar. Shakira cantó Hips Don’t lie,que tiene esa base de trompetas de otro tema mío Amores como el nuestro de Jerry Rivera, que también le dio voz a Cuenta conmigo, Que hay de malo, Un amor verdadero. La lista es larga y aparece Cheo Feliciano con Me fascina esa mujer, Celia Cruz con Bembelecua, Tony Vega con Aparentemente… Son 400 canciones que han grabado 250 intérpretes, y sigo en esto, acabo de ganarme el Grammy con Fonseca y el tema Vine a buscarte.



P. ¿Usted que ha trabajado con grandes salseros podría hablarnos sobre la personalidad de elllos?

R. Marc Anthony es un guerrero, es una persona que cuando le llevas una canción tienes que ponerla a su altura y por eso siempre le propuse temas viscerales, temas con una necesidad de fuerza interpretativa gigante. Con Gilberto es diferente, él es el sentimiento llevado al romanticismo para que fluyan sus soneos. Luis Enrique siempre brilló con temáticas sociales como Date un chance, dedicada a quienes quieren dejar las drogas. Jerry Rivera era el joven que había que hacerles canciones para enamorar a las niñas. Una vez Jerry comentó en una entrevista que se había casado, y la Sony me pidió que creara un tema para que sus fans sintieran que aún les pertenecía, y fue cuando hice Amores como el nuestro. A Cheo Feliciano le tenía mucho cariño porque me invitó muchas veces a su casa a comer, siempre tenía ese abrazo sincero y por eso me grabó temas como Me fascina esa mujer, Coincidencia, Romántico y Al final de esta canción.

Fuente: El Nuevo Día, Puerto Rico. Por: Jaime Torres Torres

En otras circunstancias Rubén Blades y Willie Colón estarían hoy de gira mundial despertando conciencias con el discurso social de “Siembra”, el disco más vendido en la historia de la salsa, cuyo 40 aniversario se conmemora en 2018.

Pero, tras un pleito judicial, parece que en definitiva el binomio jamás coincidirá en un escenario, aunque Willie ha dicho que estaría dispuesto a pasar la página y colaborar.

Desde 2008 Colón no lanza un disco. Su más reciente entrega es “El Malo Vol. II: Prisioneros del Mambo”, cierre de un ciclo discográfico de aparente telón en descenso para una de las carreras más apasionantes de la música latina.

Rubén, en cambio, ha continuado su derrotero como productor independiente, sin considerar que actualmente finaliza, según su representante Daniel Aisemberg, un proyecto con la Orquesta de Jazz del Lincoln Center.

La fórmula le ha funcionado: sus discos se venden por internet como pan caliente y los mercadea muy bien desde su plataforma digital rubenblades.com.

En otras palabras, a los 70 años, cumplidos el pasado 16 de julio, Blades no necesita de Willie, aunque se debe reconocer, con mucho respeto, que ninguno de sus trabajos iguala el impacto sociocultural de “Siembra” con el maestro Colón.

En 2018, la trascendencia de “Siembra”, 40 años después, es indiscutible. Lo grabó a los 30 años en La Tierra Sound Studios en Nueva York, con el respaldo de la orquesta de Colón, a la que entró en sustitución de Héctor Lavoe, a quien Fania lanzó como solista y cuyos éxitos, como es el caso de “Juana Peña”, necesitó cantar a petición popular.

El antecedente de “Siembra”, álbum mezclado por el experimentado ingeniero Jon Fausty y que consiste de arreglos de Willie, Louie Cruz, Carlos Franzetti y Luis ‘Perico’ Ortiz, es el elepé “Metiendo mano” de 1977.

La pobre esperanza de “Pablo Pueblo”; la metáfora de la explotación cimarrona en “Plantación adentro”; las pesadillas de los emigrantes latinos en “La maleta”; los efectos del cambio climático en “Lluvia de tu cielo”; el relativismo humano y filosófico de “Según el color” y el llamado a la unidad civil en “Pueblo” propiciaron que en 1977 la quiniela Blades-Colón rompiera esquemas y articulara un nuevo discurso como paradigma en la salsa, al que no pocos respondieron con receptividad.

Así, con “Siembra”, Blades-Colón revolucionaron la salsa, en parte debido a la repercusión de una canción incomprendida por los sabios de la industria: el relato, cuasi cinematográfico de “Pedro Navaja”. 

Willie y Rubén, en parte gracias al arreglo de Perico, establecían un precedente al escalar las listas de éxitos con la canción más larga en la historia radial de la salsa que, por la coherencia de su relato, era imposible y muy difícil editar, incluso para un 45rpm.

Con “Siembra” ampliaron el discurso de “Metiendo mano”, denunciando la frivolidad, la asimilación y la transculturación de los pueblos con “Plástico”, que evocó el sonido disco de la época a la cabeza de los Bee Gees y el éxito de “Saturday Night Fever” con el entonces incipiente John Travolta.

Con “Siembra”, 40 años después y con otras canciones, hoy Blades-Colón estremecerían los escenarios del mundo.

Sin embargo, parece imposible. Quizá por lo costoso y prohibitivo que sería para un productor embarcarse en un proyecto de tanta envergadura en asuntos de logística. Tal vez por la recesión y contracción de la economía mundial. Mas sin duda alguna por las diferencias profesionales, legales y personales surgidas entre estas leyendas de la salsa tras el concierto “Siembra” de 2003, que presentaron Ariel Rivas y César Sainz, que enfoca uno de los promotores demandados, Robert J. Morgalo en su libro “Decisiones”, según expone “una mirada al interior de la batalla legal” entre el icónico dúo.

Luis Delgado Aparicio falleció el 2 de abril del 2015 a causa de un cáncer de páncreas

Fuente: El Dominical de El Comercio. Por: Jaime Bedoya (Columna: "Disculpen la pequeñez")

Han envejecido, son menos. El dolor les ha impuesto una impronta digna pero fracturada. Volver a ver la imagen de los padres de Utopía esperando un remedo de justicia1 es otra confirmación de la metástasis del Poder Judicial. Cáncer que es ahora audible.

En la foto sale doña Pilar, viuda de Luis Delgado Aparicio, con el retrato de su hija Verónica. Tratándose de un hijo no hay reparación judicial que valga. Pero al menos cauteriza. Luis Delgado Aparicio murió sin conocer esa cicatriz.

Delgado Aparicio hizo de la música su vida gracias al tumor benigno que deformaba su cara. En cada viaje que hacía para operarse compraba discos. Así descubrió la salsa. Y con ella la felicidad melódica que hace la vida hermosa y el cuerpo, un trompo.

Mario Vargas Llosa se fascinó con el caudal afro-latino-caribeño que fluía de un abogado chalaco y sanmarquino, y lo entrevistó para su programa La Torre de Babel. El título de la conversación era un mapa: “La salsa de Puerto Rico. Del África a Surquillo, pasando por Nueva York”. Vargas Llosa lo llevó al Congreso como diputado por el Fredemo en 1990.

A mediados de los ochenta, era el presentador natural de los megaconciertos de salsa de la Feria del Hogar. Por esos años lo conocí. La tarea asignada al reportero era seguir las giras que este señor hacía por barrios populares en unas caravanas salseras que se llamaban Baila con Saravá. ¿Alguien bailaba salsa entre bombas y apagones? Pues sí.

Lucho —de arranque pidió que lo tuteara— acompañaba su saber callejero con modales impecables. El buen trato estaba adornado de una gozadera psicomotora innata. Hablaba parado, gesticulando, como diciendo no tengas miedo de mirar, esto es puro saoco. Recibía a la visita en una casa rodante anexa al escenario, donde compartía su ecosistema caribeño con vitalidad. “Sígueme, sobrino, te voy a enseñar algo”, dijo.

Salimos del tráiler. Me guio hasta un escenario donde una orquesta hacía un potente despliegue rítmico. Lucho entró en escena como en su casa, cogió el micrófono y gritó con esa voz ronca modulada por el angioma:

—¡Saravááááááá!
—¡Saravááááááá! —respondió una multitud invisible envuelta en niebla. Luego salió de escena bailando cogido de la cintura de una morena impresionante que me miraba como a un juguete. “Eso que escuchaste, sobrino, se llama Villa El Salvador”.

La amistad acabó bruscamente cuando en 1992 defendió el golpe de Fujimori y se pasó a sus filas. No entendía cómo ponía su sensibilidad, lo que era, al servicio del atropello. Nos encontramos, y con desatino generacional le dije algo impropio. Tuvo la elegancia de no responderme. Solo miró.

No nos volvimos a ver sino hasta el 2002, cuando ocurrió lo de Utopía. Treinta chicos asfixiados al ritmo de Roxette en una discoteca idiota y letal. Nos abrazamos y algo balbuceé sobre lo excesivo que pude haber sido con él. “No pasó nada, sobrino”, dijo. Su fujimorismo, si bien nunca lo entendí, era una anécdota al lado de un dolor así.

Casi una década duró el acompañamiento periodístico a los padres de Utopía. Vi miradas hacerse de vidrio, espíritus dañarse por una pérdida sin final. Dieciséis años después, una burla, los penalmente responsables de la tragedia —Alan Azizollahoff y Édgar Paz— han sido incluidos en la lista de los más buscados entre violadores y secuestradores. La recompensa es de 20 mil soles por cada uno.

Hasta por lo menos un año antes de morir, Lucho Delgado Aparicio, sintiéndose culpable de no haber podido hacer más, visitaba el cementerio para dejarle flores a su hija. Hacer de la pena un girasol. Verónica tenía 25 años.

Ha muerto el percusionista norteamericano Jack Constanzo, uno de los pioneros en el uso de la percusión dentro del jazz.

Nacido el 24 Setiembre 1919, en su juventud fue el baile su primera atracción para luego enamorarse de la percusión afrocubana. Después de la Segunda Guerra Mundial se estableció en Los Angeles para dedicarse a la música con el cantante Bobby Ramos, Los Lecuona Cuban Boys, René Touzet y Desi Arnaz. Su gran paso en la música ocurrió en 1947, cuando se integró a la gran banda de Stan Kenton, donde se ganó el apelativo de "Mr.Bongó"

Luego tuvo tuvo una larga carrera en Hollywood donde enseñó los secretos de la percusión afrocubana a las grandes estrellas del cine: Marlon Brando fue uno de sus grandes amigos.

Constanzo tocó con Ella Fitzgerald, Charlie Parker, Frank Sinatra, Dizzy Gillespie, Bud Powell, Nat King Cole, Elvis Presley, Yma Sumac, Patti Page y mucho nombres grandes.

Entre su discografía propia destacan los siguientes títulos:
Mr Bongó
Bongó Fever
Jack Costanzo Learn Play Bongós
The Versatile Mr Bongo Plays Jazz, Afro & Latin
Latin Fever
Mr Bongó Plays Cha Cha Chá
Afro Can Can
Bongó Cha Cha Chá
Latin Percussion With Soul (con Gerrie Woo)
Costanzo Cano & Bongós
Mr Bongó Has Brass
Back From Havana
Scorching The Skins

Sin duda fue un gran animador del latin jazz y un embajador de la percusión en el ambiente artístico norteamerciano. ¡Que Descanse en Paz!

A través de su página de Facebook, Larry Harlow acaba de publicar lo siguiente:

A todos mis amigos y familiares: estoy en casa y me siento mucho mejor después de recibir ayer una transfusión de sangre. Debería estar más fuerte y sentir una mejoría en dos o tres días. Los bendigo a todos por su apoyo y buenos deseos de estos últimos días... Mucha más música viene en el futuro

¡Nos alegramos por esta noticia y le deseamos lo mejor al "Judío Maravilloso"!

Fuente: El País, Colombia

Tito Nieves regresa a Cali, la tierra que acogió tanto la salsa al punto de volverla suya. De la mano de Sergio George llega con su nuevo sencillo ‘Viva la música’, como parte de un proyecto musical que se grabará en la sucursal.

“Cali representa mucho para nosotros, Tito y yo nos conocimos en esta ciudad. Este viernes vamos a grabar, precisamente aquí, una producción para promocionar la gira”, dijo Sergio durante una presentación en la capital del Valle ante los medios de comunicación.

“Esta ciudad para nosotros trae mucha suerte”, afirmó, por su parte, Humberto Nieves, complementando que el impacto que tuvo en el año 79 fue muy fuerte. Tanto que lo considera “una locura”. A la ciudad que para el cantante “siempre ha mantenido la salsa”, llegan para grabar el concepto inicial de ‘Una historia musical’. “Nosotros queremos inyectarlo a la juventud y demostrar innovación y un baile nuevo. Somos mentores positivos para la juventud y representamos latinos”, agregó Nieves.

Con coros pegajosos, el nuevo sencillo es de la co-autoría de la cantautora panameña Grettel Garibaldi y Sergio George, quien también estuvo a cargo de la música y la producción de ‘Viva la Música’.

Según el productor, Grettel es “una muchacha joven talentosísima. La conocí a través de un amigo de la familia que me envió canciones de ella, quien estuvo dos meses buscándome y valió la pena”.

“El coro de la canción es un levante. Es alegre, da motivación. Si algo se te queda pegado es el coro. Se la mostré a mi esposa y le gustó bastante. Yo dije: ‘es todo un éxito’”, dijo Nieves. El lanzamiento del nuevo sencillo es acompañado por el estreno del video de ‘Viva la Música’, que fue grabado en Cali, bajo la dirección de David Impeluso y Virginia Romero de la casa Productora One Movie One Film.



Se trata de un tema positivo, cuya letra y ritmos invitan a celebrar la vida y la música. Fue grabado en una escuela en Cali y muestra a los estudiantes cantando junto a estos titanes de la salsa, acompañados por las coreografías de salsa choke, estilo de baile originario de la costa Pacífica.

“Lo que me atrajo al proyecto fue la frescura de los arreglos de salsa los cuales tienen como objetivo traer nuestra música a la nueva generación que quizás no conoce el genero”, dijo Nieves.

Para George, el proyecto en general es “un concepto que Tito Nieves y yo creamos para juntarnos como amigos, para hacer una gira de conciertos que incluye canciones que produje para otros artistas y los éxitos de Tito”.

Cabe recordar que este año marca cuatro décadas de exitosa carrera de Tito Nieves y que cada uno de los discos producidos por George es una contribución a la música popular tocando generaciones a través de la creación de nuevos estilos de música.

“Queremos que esta canción sea la canción de la Feria de Cali”, aseguró Tito Nieves, quien describió a Sergio como “un loco, un genio”, y dijo que “la salsa no necesita ningún rescate. No estamos arreglando nada, estamos añadiendo”.