Cada día que pasa, la distancia se acorta y la expectativa crece por ver a Perú, después de 36 años, de nuevo en un Mundial de fútbol. El tema atrapa a todos y la Salsa y sus intérpretes no pueden ser la excepción. Más de un cantante y orquesta nacional han grabado canciones dedicadas al equipo que dirige el argentino Ricardo Gareca y que debutará en Rusia el próximo sábado 16 de junio. Uno de ellos fue el “borincaico” Renzo Padilla, quien hace pocas semanas ha compuesto e interpretado el tema “Perú en el Mundial”. Con más anticipación, la orquesta Zaperoko reprisó el emblemático tema “Perú Campeón”, compuesto por Félix Figueroa en 1969, con arreglos de Dieghorá, quien también se hace cargo de la parte vocal Por otro lado, la “Orquesta de las Multitudes” Camagüey grabó el tema “Perú al Mundial”, composición de Juan Ballesteros Y más recientemente, Adrián Mendoza compuso el tema que acaba de grabar el Combo Espectáculo Creación, titulado “Junto a ti Perú” La ilusión está… la música, también…. ¡Vamos Perú!
Ya faltan pocos días para que se realice ¡Una Noche de Salsa 9!, el evento que congregará a una serie de estrellas de la Salsa en la actualidad. El espectáculo se realizará en el Estadio Nacional el próximo sábado 9 de junio y contará con la participación de El Gran Combo de Puerto Rico, Los Van Van de Cuba, Lalo Rodríguez, Víctor Manuelle, India, Jerry Rivera y Proyecto A de Venezuela. De nuestro patio estarán Zaperoko, Josimar y su Yambú y Los Hermanos Cartagena. Las entradas siguen a la venta en Teleticket de Wong y Metro.
Ha fallecido el cantante Anthony Cruz, debido a una insuficiencia respiratoria sufrida esta madrugada en el hospital en el cual llevaba internado desde días atrás.
Nacido en New Jersey, Cruz se distinguió desde muy joven en concursos de talentos y competencias como cantante. Saltó a la fama como cantante de la Orquesta de Mario Ortiz, con quien grabó varios discos: Vamos a Gozar, Ritmo y Sabor, Algo Diferente, Déjenme Soñar, Sexy Salsa.
Hizo coro también con Roberto Lugo y Pedro Arroyo para, a finales de los 80s, iniciar su carrera como solista en la disquera Musical Productions. Su primer CD Algo Nuevo, de 1990, fue disco de oro, con éxitos como “Nunca te fallé”, “Si pudiera”, “No le temas a él”, “Tu Traición”, “Eso empaña mi amor”. Luego lanza Para Ti, en 1993, generando éxitos como “Sin ti”, “Juntos”, “Te juro que aprendí”, “Me gusta”, “Atracción fatal”, “Dile a él”.
Su tercer lanzamiento Anthony Cruz (1996) muestra un gran nivel aparecen los grandes éxitos “Cuanto Te Amo”,”La quiero”, “Tan simple como eso”, “Todo pasa”, “Punto final”, “Dime como”, “A mi modo”. Posteriormente en 1998 lanza otra gran producción Una Vez Más, se encontró de nuevo con el interés del público, haciendo conocer los grandes éxitos “Yo lloro por ella”, “Vuelve ya”, “Nada, nada, nada”, “Una vez más”, “Te mentiría”, “Niégame”, “Antes de ti”, “Si tu me quisieras”.
Varios años después sale Un Nuevo Amanecer donde nos hace conocer los éxitos “Tu no estás”, “Ven”, “Tú me llenas”, “Juntos” (ft. Mimi Ibarra), “Bla, bla, bla”, “Qué bombom”, seguido de Para Mi Gente” (2007) donde renace con los éxitos “Porque aparentar”, “Mírala a ella”, “Empecé a llorar”, “Que no”, “Te ofrezco”.
A comienzos del año 2009, ofreció una entrevista para el programa radial "El Vacilón de los Sábados" donde confesó, por primera vez, que las drogas y el alcohol fueron responsables de que perdiera a su esposa e hijos.
El año 2014, Cruz se presentó en Perú. Su timbre de voz ya no era el mismo de sus mejores momentos
A continuación recordamos aquella entrevista:
El ambiente que rodea la fama lo envolvió de tal manera que olvidó sus compromisos familiares y musicalmente no producía como antes.
“Lamentablemente las drogas y el alcohol absorbieron todo el tiempo que debí dedicar a producir, a mis hijos, a mi esposa. Los estaba destruyendo y cuando vine a darme cuenta lo había perdido todo”, confesó el intérprete de “Dile a él”.
Entrevistado en el programa “El Vacilón del Sábado” que se origina por Neón 89.3 FM, Anthony Cruz aclaró que era la primera vez que trataba el tema en los medios de comunicación.
“Y lo hago por la manera tan especial que tienen ustedes de sacar las informaciones a los artistas. Hoy puedo decir con orgullo que tomé la decisión de buscar ayuda profesional a tiempo y recuperar mi familia y mi carrera, gracias a Dios”, reveló el salsero boricua a los conductores del espacio Anyelina Baldera, Julio Valdez y José Antonio Aybar.
Un año recluido en un centro de rehabilitación fue suficiente para reencontrarse con su familia y consigo para luego retomar su carrera artística.
El cantante cuyo repertorio está cargado de éxitos tales como “Me gusta”, “Atracción fatal”, “Si supieras”, “Nunca te fallé”, “Nada, nada, nada”, “Me tienes loco”, regresó este año con una producción musical repleta de ritmo, sabor y sentimiento.
“Un nuevo amanecer” se titula el álbum que salió al mercado el pasado cinco de enero, el cual contó con la dirección musical del maestro Julio -Gunda- Merced.
“Empecé a llorar” es el primer corte que se desprende del mismo de los ocho que contiene.
Cruz aseguró que confía en que “Nuevo amanecer” es su mejor disco de su carrera en solitario, porque por primera vez tuvo la oportunidad de escoger los temas. “Es mi sexta producción desde que me lancé en solitario en 1992 y es la primera en que decido cuáles temas grabar, por eso la considero como la mejor que he hecho. Por eso estoy muy agradecido de mi sello Musical Productions, que son los ejecutivos de J&N Records. Me siento muy contento por lo que está pasando con el disco”, dijo el artista. Antes de convertirse en solistaAnthony se formó a través de su paso instituciones musicales como la Orquesta Internacional de Pedro Conga, corista en las producciones de Roberto Lugo, Pedro Arroyo, Nino Segarra; y cantante principal del fenecido Mario Ortíz. Anthony Cruz visitó el país para presentarse en la discoteca O’side de Santo Domingo Este el pasado jueves, donde actuó a casa llena, además de promocionar “Nuevo amanecer”.
“Me siento muy optimista por lo que está ocurriendo con en este retomar de mi carrera y satisfecho porque cada día me doy cuenta de que el público me sigue queriendo y apoyando. Eso vale más que cualquier otra cosa”, apuntó. El artista aseguró que ahora tiene un doble compromiso con Dios, su familia y sus seguidores. Reveló que luego de su rehabilitación se le han acercado personas que en su momento le ofrecieron drogas, con la misma intención pero ha tenido la fotaleza y la valentía de rechazarlos.
“Lo hago de manera que no se ofendan, pero tan pronto llegan con el discursito, les digo hermano encantado de verte, debo irme porque tengo mucho trabajo”, confió.
Con los oyentes
“Cuando la fama y todo lo que trae consigo no se saben manejar cometes muchos errores que tarde o temprano te la cobran. Eso pasó conmigo”, filosofó el artista ante la pregunta de un oyente de “El Vacilón del Sábado” que se transmite de 12:00 del mediodía a 5:00 de la tarde. Respondiendo a otro oyente, Cruz aseguró que hoy está más consciente de lo que quiere y vive nuevas experiencias como padre. “Tengo cuatro hijos que hoy disfruto más”.
Fuente: Granma, Cuba. Por: Ricardo Alonso Venereo A la unión de todos los soneros cubanos llamó el maestro Adalberto Álvarez durante la presentación de su más reciente disco con Bis Music, de Artex, titulado: De Cuba Pa´l mundo, en presencia de una gran cantidad de directores de agrupaciones de música popular bailable –todas de primer nivel– y de intérpretes de nuestro son, en el Havana-Café del capitalino Hotel Meliá Cohiba. «Si queremos que se declare el 8 de mayo –día en que nació Miguel Matamoros en Santiago de Cuba– como Día del Son y que el género sea por fin reconocido como Patrimonio de la Humanidad, debemos juntarnos todos para ser cada vez mejores, más profesionales, hacer mejor nuestra música, con letras respetuosas que abarquen la cotidianidad del cubano, pero sin ofensas y frases vulgares. Es el momento de unirnos todos, y no de ir contra otros tipos de géneros que hoy perviven en la Isla, incluso, podríamos adaptarnos a algunos de ellos y contemporizar el son, sin olvidar sus raíces y como ya dije una vez, respetando a los mayores». Habrá que esperar, una vez más, a ver si el llamado hecho por el artista, que está celebrando sus 45 años de labor en el mundo de la música, que aprendió con su padre, surte el efecto deseado por el Maestro y otros músicos cultivadores del son en el país. De Cuba Pa’l mundo, tiene diez temas, de ellos ocho son del propio Adalberto y cuenta con la colaboración del tresero César Echevarría y del bajista Roberto Vázquez Ley. Por supuesto, todas las obras que aquí aparecen tienen su sello muy particular: el de hacer de verdad música para el bailador, capaz de lograr que hasta «un gallego o patón», como suele decírsele a aquel que no es capaz de tirar ni un pasillo, salte a bailar nada más que Adalberto Álvarez y su Son empiece a sonar. En este nuevo disco, donde es difícil escoger cuál de las piezas es la mejor, destaca la que precisamente le da título al fonograma y otras como Los buenos y los malos y Qué será lo que tiene La Habana, la cual, ante la cercanía del aniversario 500 de la fundación de la Ciudad en el 2019, perfectamente pudiera ser el tema que promueva tan importante fecha de celebración para todos los cubanos.
Recién llegado anoche al hotel donde nos hospedamos en Arequipa, vi en la puerta un afiche que causó mi gran curiosidad: "Por primera vez LEO BROUWER en Arequipa - Perú. 2 Master Class 17-18 Mayo 2018" ¿Leo Brouwer? ¿El gran guitarrista, compositor, conductor y director musical cubano? ¿El fundador y primer director del legendario Grupo de Experimentación Sonora del Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos? ¿El maestro de Emiliano Salvador y Juan Formell entre muchos otros grandes músicos de la isla? Pues sí, Leo Brouwer estaba en Arequipa e iba a dar dos clases maestras a los músicos arequipeños, lo cual me llamó muchísimo la atención al tratarse de tremendo personaje cuya presencia en Perú, al menos para mí, pasaba totalmente desapercibida. Hoy por la mañana, en el comedor del hotel, dos personas terminaban de desayunar cuando llegábamos para hacer lo mismo. Sin recordar el afiche de anoche, una de las personas en aquella mesa me parecía ligeramente conocida. Tuvieron que pasar varios minutos para darme que cuenta que el sobrino nieto de Ernesto Lecuona y una de las más importantes figuras vivas de la música cubana y de la música clásica en América Latina no solo estaba en Arequipa sino que estaba en el mismo hotel donde estábamos hospedados. Obviamente no desperdicié la ocasión para saludar y cruzar algunas breves palabras y conceptos con el director de Silvio, Pablo, Noel Nicola y Sara González en el GES del ICAIC, creador de bandas sonoras para cerca de cincuenta películas, entre ellas "Como Agua Para Chocolate", entre muchísimos otros logros y capítulos que son parte de su palmarés musical. Otra vez "la vida me da una sorpresa más", un encuentro inesperado nada menos que con Leo Brouwer. ¡Bienvenido al Perú Maestro!
Fuente: Primera Hora, Puerto Rico Marc Anthony firmó un contrato millonario para su gira de conciertos con la agencia Cárdenas Marketing Network (CMN), quien servirá como el promotor exclusivo del cantante en Estados Unidos, Centroamérica, Sudamérica y el Caribe. Según informó CMN en un comunicado de prensa, el acuerdo de más de $160 millones se trata del más alto en la historia de un artista latino, y uno de los más lucrativos de artistas en los últimos tiempos de cualquier género o lenguaje. "Nuestra unión sin precedente con Marc solidifica un tesoro musical icónico que cuenta con los recursos claves multiculturales de entretenimiento en vivo y el universo de las marcas para impulsar la innovación a nivel mundial", declaró el presidente de CMN, Henry Cárdenas. "El camino hacia el éxito comienza con los fanáticos de la música. Este acuerdo proporciona un verdadero puente para la colaboración entre Marc y las principales marcas mundiales y ofrece un contenido en vivo auténtico, atractivo y entretenido. Estos programas no sólo mejorarán la lealtad a la marca, sino también estrechará la relación con los fanáticos aún más", añadió Cárdenas. En cuanto a Europa, CMN junto con Magnus Talent Agency (MTA) promoverán los espectáculos del boricua. "Henry y yo comenzamos en esta industria hace 30 años. Siempre con miras a cambiar el status quo", comentó, por su parte, Anthony. "Él y su equipo representan absoluta calidad y eficiencia con un enfoque innovador en la experiencia del mundo de las giras. Si cuando comenzamos me hubieran dicho que un momento monumental como este estaba por venir... no me habría sorprendido. Es un momento que me llena de orgullo y una verdadera muestra de lo que está por venir", sostuvo el intérprete de Vivir Mi Vida. Finalmente, el CEO de MTA, Michel Vega, expresó que están "encantados de haber alcanzado este acuerdo histórico con CMN en nombre de nuestro cliente y fundador Marc Anthony. Este anuncio es una prueba sin duda alguna de su estatus icónico y confirma su posición en el pináculo del mundo del entretenimiento en vivo. CMN ha sido una parte integral del desarrollo de su carrera y esta fue una evolución natural de esta extensa relación".
Abner Benaim, Phillip Glass, Ruben Blades y Leo Heiblum
El cantautor panameño Rubén Blades y su equipo fueron víctimas de robo en un hotel del puerto de Veracruz, en el estado del mismo nombre, en donde se hospedaron durante sus presentaciones. De acuerdo con la información de medios locales, un productor del artista había guardado una fuerte suma de dinero del equipo en una caja de seguridad de la habitación del hotel. Al día siguiente de la presentación de Blades en el World Trade Center de Veracruz, el 12 de mayo, el productor se dio cuenta del robo cuando se preparaban para dejar la habitación y viajar a Ciudad de México para su siguiente concierto. El equipo de Blades indicó en un comunicado que robaron "una importante suma de dinero", aunque no precisó la cantidad. De inmediato denunció el robo ante los administradores del hotel y, tras una reunión con los promotores de la gira, confirmaron que personal del hotel entregó una llave de la habitación a una persona que se hizo pasar como parte de la producción de Blades. Los promotores esperan del hotel "una respuesta acorde a las circunstancias", ya que no siguió el protocolo básico de seguridad, que obliga a pedir identificación a la persona que solicita la llave de una habitación, cuando no se trata del titular. El hotel de Veracruz "aún no admite" la responsabilidad por el hecho, precisó el equipo del cantante panameño, conocido como "El Poeta de la Salsa". Mientras tanto, Rubén Blades y su equipo ya están en Ciudad de México, donde tienen dos presentaciones hoy y mañana en el Teatro Metropolitan.
La primera vez que lo vimos, aquella noche de Marzo 2011 en el Estadio de San Marcos, como vocalista de la Orquesta de la Gente y en la previa a la primera vez de Fania All Stars en Perú, nos dimos cuenta que se trataba de alguien especial, de un cantante con una sensibilidad singular, nacido en Guayaquil pero macerado en New York. Un bravo. A Juan Reinaldo Bayona ya lo habíamos escuchado con Jimmy Bosch y después lo volveríamos a ver y disfrutar en sus siguientes visitas a nuestro país, con Gilberto "Pulpo" Colón o ya en calidad de solista. En las próximas semanas, los peruanos podremos gozar nuevamente de sus pregones en un homenaje que se tributará a Héctor Lavoe. El show está programado para el próximo viernes 29 de Junio en la Discoteca Kali, Av. Venezuela 895 - Breña, el mismo que contará con la actuación del Combo Espectáculo Creación, Camagüey, la Internacional Sabor y Angelo Bravo. Si desean informes sobre el show, pueden comunicarse al teléfono 956298348: Tributo a Héctor Lavoe con Ray Bayona
22 años después de que Rubén Blades "lo descubriera" y le diera una chance en el disco La Rosa de los Vientos, el "veterano Medoro Madera" tiene ya un disco propio.
Desde aquella vez cuando grabó "Un Son Para Ti", Medoro ha venido entrometiéndose en más de una grabación del panameño. Apareció "con las justas" en Mundo ("A San Patricio"), en el Salsa Big Band tuvo espacio para ponerle su voz especial a "Caína" y hasta grabó "a dúo" con Blades y el Septeto Santiaguero ("Lágrimas Negras").
Medoro Madera nace de la voz impostada de Rubén, al estilo y usanza de los clásicos soneros de la isla grande del Caribe. Y aunque no era un secreto que el disco propio del "octogenario sonero cubano" venía en camino, no deja de sorprender el sonido típico de conjunto que Roberto Delgado ha logrado en esta nueva placa, destacando "el expreso de Guanabacoa" Wichy López Moya y su trompeta.
Son ocho temas que componen el álbum de Medoro Madera, en cuya carátula aparece la superposición de los rostros de Blades y su padre. Siete de las canciones son viejos temas cubanos, música con la que Rubén creció, mientras que la octava pieza del disco es, otra vez, "Caína". Se trata de un disco bailable (¿tal vez el más bailable de su discografía?), el cual a pocas horas de haber salido al mercado se ha convertido en el álbum latino número 1 en ventas en iTunes y en Amazon Music International.
El panameño dedica este álbum "a los soneros cubanos de ayer y de siempre, a la siempre respetada y querida Santiago de Cuba, a Johnny Pacheco, a Franklyn McLean y a Francisco "Bush" Buckley". Creo, además, que el disco es también un homenaje a su madre, Anoland, cubana de nacimiento.
Con su nueva grabación Blades reafirma que, aunque nunca podrá escapar del logo de salsero, no es justo encasillar su discografía en un solo género. Ha grabado tangos, world music, big band y es muy probable que en el futuro nos ofrezca más discos de sonoridades y ritmos diversos.
En cuanto a Medoro, aunque se trate de un "octogenario sonero cubano" con más de veinte años como "alter ego" del panameño, quien sabe si próximamente grabará más discos y hasta pueda ganar un Grammy Latino como Mejor Nuevo Artista, tal como le ocurrió hace diecisiete años atrás a Ibrahim Ferrer.
RUBEN BLADES - MEDORO MADERA (2018)
Los temas, todos arreglados por Roberto Delgado, son:
El Tiempo Será Testigo - Autor: Ernesto Duarte Brito, grabado también por el Conjunto Gloria Matancera, por Tito Gomez con la Riverside y más recientemente por Willie Rosario con Gilberto Santa Rosa
Como Está Miguel - Autor: Felipe Neri Cabrera, quien era cantante del Sexteto Habanero, grupo que lo grabó originalmente a fines de la década del 20 del siglo pasado (recuerden que en "Buscando Guayaba" Blades sonea la famosa frase: "Bururú Barará, ¿cómo está Miguel?")
Ya No Puedo Creerlo - Autor: Juan Manuel de la Caridad Arrondo Suárez, bolero en el que Medoro incluye algunos toques irónicos en medio de la letra. Lo grabó muchas décadas atrás Antonio Machín
El Panquelero - Autor: Abelardo Borroso, grabado hace décadas atrás por Oscar D'León
La Caína - Autor: Rubén Blades; tercera versión en estudio
Me Tenían Amarra'o Con P - Autor: Benito Antonio Fernández Ortiz, mejor conocido como Ñico Saquito. Clásico popularizado por Los Guaracheros de Oriente y también por Celina y Reutilio. En los 70s lo grabó Fruko y sus Tesos
Levántate - Autor: José Dolores Quinones. Bolero que grabó también Rolando La Serie
La Muñeca - Autor: Tony Tejera, canción que en los 70s grabó Willie Rosario con Chamaco Rivera
Los músicos:
ROBERTO DELGADO - BAJO Y COROS
BOLÍVAR “BOMBY” ROMÁN - TRES
JUAN BERNA – PIANO
MARCOS BARRAZA – CONGAS
CARLOS PÉREZ BIDÓ – TIMBALES
RAÚL “TOTO” RIVERA – BONGÓ, CAMPANA Y PERCUSIÓN MENOR.
JUAN CARLOS “WICHY” LÓPEZ – TROMPETAS
GEORGE DE LEÓN – COROS
RUBÉN BLADES – MEDORO Y COROS
INVITADOS:
MAYITO TRAVIESO – TRES
JUAN ZELADA – SOLO CONGAS (EL PANQUELERO)
PRODUCTOR EJECUTIVO – RUBÉN BLADES
ARREGLOS Y PRODUCCIÓN MUSICAL – ROBERTO DELGADO
GRABADO EN PTY STUDIOS POR IGNACIO “NACHO” MOLINO Y PABLO GOVERNATORI.
MEZCLADO POR IGNACIO “NACHO” MOLINO, PABLO GOVERNATORI Y ROBERTO DELGADO.
MASTERIZADO EN BUENOS AIRES ARGENTINA POR DANIEL OVIE.
A casa llena. El pasado sábado 5 de Mayo, Gilberto Santa Rosa celebró en Perú y entre amigos sus cuarenta años de actividad profesional con su espectáculo "40 y contando", el cual convocó a una muy buena cantidad de público que se dió cita a la zona de Pelousse del Jockey Club del Perú. Según información de la Gerencia de Megaconciertos de APDAYC, que mide la asistencia a los shows musicales que se realizan en nuestro país, el show de Santa Rosa contó con la presencia de 13,014 espectadores, resultando ser el espectáculo con mayor asistencia de los realizados el último fin de semana. El show tuvo como invitados internacionales (en orden de aparición) a Oscar D'León, Ismael Miranda, José Alberto "El Canario", Andy Montañez, Tito Nieves, Vico C y Luis Enrique, quienes acompañaron al "Caballero de la Salsa" en una celebración que duró más de cuatro horas. "40 y contando" sigue recorriendo el continente, celebrando la carrera de uno de los más importantes salseros de hoy, ayer y siempre... Camínalo!
Fuente: El Dominical, El Comercio, Perú. Por: Ricardo Hinojosa Lizárraga A 50 años de la primera presentación de la Fania All-Stars, y de la creación del sello del mismo nombre, recordamos los aportes de la orquesta al espectro musical internacional. Échale Salsita Nueva York, 1968. Una metrópoli con diversas influencias culturales, gente llegada de todos lados. Luce la última tecnología en sus vitrinas, los autos más modernos recorriendo sus calles, altos e impresionantes edificios, moda que marcaba tendencias mundiales y ciudadanos caminando por amplias avenidas, donde no parecía importar nada más que mantener un estilo de vida individualista y pragmático, bajo los luminosos avisos de Times Square. A pesar de esta imagen tan cinematográfica como impertérrita, ese mismo año Estados Unidos se preparaba para despedirse de Lyndon Johnson y recibir a Richard Nixon, y en el camino el país vería pasmado los asesinatos de Martin Luther King y Robert Kennedy. Una nueva América se cocía detrás de las postales idílicas. Vietnam no tenía cuándo parar y los movimientos estudiantiles y las protestas sociales estallaban por todos lados. En California se vivía aún la efervescencia del Verano del Amor y los estudiantes de Berkeley se levantaban ante la guerra y la injusticia. El Festival de Monterey había sido un éxito el año anterior, y músicos como The Who, The Doors, Janis Joplin o Jimi Hendrix cambiaban el mundo a su manera. En Chicago, la Convención Demócrata también había sido un disparador de importantes revueltas ciudadanas que fueron transmitidas a todo el país por televisión. El Mayo francés estaba fresco. Mientras, en la Costa Este, la contracultura que emergía del Greenwich Village neoyorquino hablaba un lenguaje con Bob Dylan de día, y de noche, otro, con Lou Reed y Velvet Underground tramando oscuras ceremonias. Al mismo tiempo, en los barrios latinos bullía una escena musical muy diferente, intensa, colorida, con una personalidad y comportamiento propios, que entre instrumentos de cuerdas, teclas, vientos o percusión, y su propio y sensual baile, se abría paso en una ciudad hostil para los migrantes. Este sería solo el primer episodio de las vidas paralelas del rock y los ritmos latinos: aunque aparentemente distintos, se alimentarían mutuamente, con grandes resultados, a lo largo de los setenta. Santana fue una muestra de ello. “La Fania All-Stars es a la salsa lo que los Rolling Stones es al rock”, anota el periodista y escritor Eloy Jáuregui en su libro Pa’ bravo yo. Historias de la salsa en el Perú.
Todas las estrellas de la Fania. De pie, de izquierda a derecha: Yomo Toro, Roberto Roena, Pappo Luca, Adalberto Santiago, Johnny Pacheco, Reynaldo Jorge, Ismael Miranda, Puchi Boulong, Luigi Texidor, Leopoldo Piñera, Héctor Lavoe. Al medio: Anibal Vásquez, Eddie Montalvo, Izzy Sanabria, Rubén Blades, Pupi Legarreta, Santos Colón,Ed Byrnes. En primera fila: Juancito Tores, Sal Cuevas,Pete Conde Rodríguez, Celia Cruz, Cheo Feliciano, Nicky Marrero, Bomberito Zarzuela
La rumba me está llamando “Lo que nosotros, con el tiempo, esperamos que suceda, es que este mensaje de amor y unidad llegue por todo el mundo y nuestra música y cultura latina salga también”, dice Ray Barretto en el documental Our Latin Thing, o Los bravos de la salsa, de 1972. Dirigido por Leon Gast (ganador del Óscar por otro documental, When We Were Kings), mostró de manera absolutamente natural el desenvolvimiento de los sonidos y la escena musical de esos barrios donde dominicanos, cubanos, puertorriqueños y sus descendientes —conocidos como nuyoricans— eran los verdaderos reyes de la noche, la alegría y el movimiento. A pesar de todas sus carencias y de su propia violencia doméstica y callejera, esa comunidad no dejaba de bailar y cantarle a la vida. Y esta vida había nacido del danzón, el son cubano, el son montuno, el mambo, el bolero, la guajira, el chachachá, la guaracha, el jazz afrocubano, la rumba, el boogaloo, la pachanga y el guaguancó. Eso, aunque filmes como West Side Story (1961) o Saturday Night Fever (1977) nos propusieran otra visión de la comunidad latina en Estados Unidos. En 1968 el término salsa aún no se había generalizado para nombrar a la reunión de esos ritmos. La disquera Fania, nacida en 1964, fue la principal responsable del éxito del género, que desbordó en el Harlem latino, también conocido como El Barrio, además de Brooklyn y el lado sur del Bronx. Pero eso no sucedió de inmediato, fue un proceso. Aún estaban frescos algunos discos considerados cumbres del género, como Cañonazo (de Johnny Pacheco, el primero del catálogo Fania), El malo (primero de Willie Colón con Héctor Lavoe), Heavy Smokin’ (primero de Larry Harlow), Acid (debut de Ray Barretto en la disquera) y otro más de Johnny Pacheco —un preludio de lo que vendría—, His Flute And Latin Jam, la primera jam session —o “descarga”— que se grabó en la disquera. Por ello, antes de Fania All-Stars nada hacía presagiar que una impensada reunión de los líderes de las orquestas del sello podría marcar un punto de quiebre en la historia de la música latinoamericana.
“Échale salsita”, cantada en los años treinta por el cubano Ignacio Piñeiro, es considerada por muchos expertos la primera composición que usa el término salsa, aunque el género pícaro, rebelde e híbrido que bailamos y cantamos hoy es otra cosa más sabrosa. En 1954, un grupo de nacionalistas puertorriqueños, encabezados por Lolita Lebrón y Rafael Cancel Miranda, ingresaron a la Cámara de Representantes de Estados Unidos disparando al grito de “¡Viva Puerto Rico libre!” e hiriendo a cinco senadores. Esto aumentó la segregación y la hostilidad contra la minoría. Sin embargo, apenas 14 años después, Puerto Rico era libre a su manera, levantando la voz y el volumen, sin miramientos, en Nueva York, a pocas calles del corazón financiero de ese país. Aunque la llamada Gran Migración —que convirtió a los puertorriqueños en el primer grupo amplio de latinoamericanos que se instalaban allí— tuvo su pico en los años cincuenta, casi dos décadas después estos migrantes, convertidos en los primeros dreamers, anunciaban otros tiempos. “Había una explosión sociocultural fuerte en ese mismo momento, y la música era la reafirmación de su identidad latina en un ambiente hostil —nos dice Omar Córdova, creador de las fiestas Descarga en nuestro país y gran conocedor del género—. Además de ser el antecedente principal del boom de la salsa, la Fania All-Stars marcó una revolución cultural”. Para Eduardo Livia, melómano y director de radioelsalsero.com, “gracias a sus canciones, que no solo hablaban de baile y de gozo, sino de trabajo y vida dura, fueron el vehículo de comunicación ideal para interpretar el pensamiento del joven latino migrante de los setenta”. Quítate tú, pa’ ponerme yo. Y ahora vengo yo “We present you here, in the Red Garter, the most wonderful place in the village, ¡The Fania All-Stars!”, dijo el célebre DJ y maestro de ceremonias Symphony Sid como preludio a una dosis de latin soul, que era el término que más se aproximaba para describir, en aquellos años, la amalgama de ritmos que la orquesta realizaría aquella noche de 1968. El Red Garter era un pequeño local neoyorquino manejado por Jack Hook y Ralph Mercado, un nombre clave en la historia del sello Fania. Sus cabezas, Johnny Pacheco y Jerry Masucci, celebraron la presencia de 800 personas como un resultado más que alentador, aunque los discos editados poco después, Live at the Red Garter, volumen uno y dos, no fueran éxitos de ventas.
De este modo, los principales líderes de las orquestas del joven sello Fania —Johnny Pacheco, Ray Barretto, Larry Harlow, Willie Colón, Bobby Valentin, Joe Bataan, Monguito Santamaría, Louie Ramírez, Bobby Quesada y Ralph Robles— y los amigos que llevó cada uno: Pete “Conde” Rodríguez, Adalberto Santiago, Orestes Vilató, Héctor Lavoe, Ismael Miranda, José Mangual Jr., entre otros, tocaron por primera vez juntos como Fania All-Stars, teniendo como invitados a Eddie Palmieri, Tito Puente y Richie Ray para una descarga que, 50 años después, reafirma una línea cantada en aquella ocasión: “Esta es una noche/ inolvidable para siempre…”. Barretto, sentado a los tambores que son su trono, demostró que Ray es rey, y la percusión, su súbdita más complacida. Por eso daba manazos a los cueros, manazos que eran explosiones nucleares aquella noche perennizada a fuego y ceniza, a ron y sabor. Desde el piano, Larry Harlow se dejaba poseer por el frenesí. El pulso rítmico lo ponía Bobby Valentin al bajo. Héctor Lavoe, Ismael Miranda, Pete “Conde” Rodríguez y Adalberto Santiago le daban voz y arenga a esa extraordinaria maquinaria musical dirigida por el dominicano Juan Azarías Pacheco Kiniping, Johnny Pacheco, flautista, bailarín gozoso y funambulista sonoro sobre y más allá del escenario. La música de Fania All-Stars, entonces, se mostró como reflejo del barrio, del guapeo, del puño limpio, del pavimento y el concreto en el que se ríe y llora sin distinción. “La música de la Fania es dura, es fuerte, es agresiva, es un mecanismo de defensa ante el estatus que les quería imponer la sociedad norteamericana a los latinos”, asegura Livia. Para Omar Córdova, aunque ellos lograron la masificación de la salsa y su reconocimiento como una expresión latina y a la vez universal, no solo llamaban la atención por su música, sino por la elegancia “achorada” con la que vestían: camisas coloridas, de seda, cuellos grandes y amplios; african looks, cadenas de oro, zapatos de charol, sombreros extravagantes, patillas largas o bigote lustroso. “Muchos se preguntan por qué la Fania gustaba a propios y extraños —escribe Eloy Jáuregui en Pa’ bravo yo—. Sería pertinente desmontar un secreto. Johnny Pacheco confiaba en los dúos. Así, Adalberto Santiago y Conde Rodríguez eran cantantes muy identificados con la tradición sonera de Cuba en Nueva York y por sus trabajos en las orquestas de Barretto y el propio Pacheco. Otro dueto que calzó a la perfección fue aquel de Ismael Miranda y Héctor Lavoe. Eran los muchachitos, los soneros jóvenes que expresaban su conexión directa con un estilo de soneo malandro y callejero. Y a esta pareja le correspondía su antípoda sonera, el dúo de Santitos Colón y Cheo Feliciano, que venían de la tradición musical de Nueva York”.
“Todo está cambiando. Woodstock, Vietnam, los derechos civiles —llegó a decir Larry Harlow, el Judío Maravilloso—. ¿El chachachá? Esa era la música de tu madre, pero nosotros queríamos escribir canciones sobre lo que estaba pasando ahora”. Pase lo que pase, sigo mi son “¡Ali Bumayé! ¡Ali Bumayé! ¡Ali Bumayé!”. Era un grito que se oía por todas las calles de Kinshasa (entonces Zaire, hoy República Democrática del Congo) en setiembre de 1974, cuando un evento deportivo y cultural sin precedentes llegó a interrumpir el tedioso caos y la necesidad social en la que se encontraba el país, sometido a la cruel dictadura de Mobutu. Aunque para sus huestes “¡pan y circo!” era un axioma tan necesario como para el productor Don King llenarse de dólares, el impacto que tuvo la celebración de la pelea por el título mundial de los pesos pesados de box entre Mohamed Ali y George Foreman —llamada “del siglo” cuando esto significaba algo, no como cuando se juntan Pacquiao y Mayweather a darse caricias— fue enorme. “¡Ali Bumayé!, ¡Ali, mátalo!” era la frase más repetida en aquellas calles africanas donde la gente olvidó el hambre y la pobreza por unos días. Pero el box no era el único atractivo. Zaire 74, un evento previo realizado entre el 22 y el 24 de setiembre de ese año, serviría como pretexto para que músicos afroamericanos como James Brown y B. B. King tuvieran contacto con sus propias raíces. En ese contexto, también se decidió la aparición de una orquesta que representara la expresión de un sabor latino capaz de superar cualquier frontera. Por eso, cuando Celia Cruz apareció al frente de la Fania All-Stars, su “Químbara-cumbara-cumba-quimbará” se transformó en una arenga de libertad, pasión y espontánea alegría que hizo bailar a más de 80 mil personas presentes en el Stade Tata Raphaël sin importar el idioma, el color o la nacionalidad. Sus gritos (“¡Azúcar!”) y el baile de Pacheco dirigiendo la Fania se hicieron inolvidables. Por eso, cuando sus compañeros —Lavoe, Ismael Quintana, Santos Colón, Ismael Miranda— cantaron “Guantanamera”, quedó claro que ese era el hombre negro que salió del continente como esclavo hacía siglos, y que volvía exitoso, sonriente y bailarín. Era una declaración de amor al mundo y a la alegría de estar vivos. Sin embargo, ya antes de este gran evento hubo una fecha considerada por muchos “el día que se inventó la salsa”. Fue el 26 de agosto de 1971 en el Cheetah de Nueva York, ante cuatro mil personas. Poco después, la relación entre la salsa y el rock volvía a quedar evidente, cuando Larry Harlow publicó su ópera salsa Hommy, en 1972, un disco que contaba la historia de un niño ciego, sordo y mudo pero con un increíble talento para la percusión. Una respuesta evidente a Tommy, la ópera rock de The Who de 1969. En agosto de 1973 reunieron a 45 mil personas en el Yankee Stadium. “Este concierto revolucionará el negocio de la música como lo hicieron los Beatles a comienzos de los sesenta y Woodstock en 1969”, había dicho Masucci, anticipando el éxito. Y siguieron rompiendo records. Ese mismo año volaron a Puerto Rico para tocar en San Juan. En 1976 grabaron por primera vez en estudio. El disco Tribute to Tito Rodríguez es también el debut de Rubén Blades con la banda. Luego llegaron a Londres, París, Barcelona, Tokio y Yokohama. En 1977 fue el célebre concierto en el Madison Square Garden junto a Ismael Rivera, Maelo. Con la llegada de los ochenta llegó una época de declive, menos grabaciones, menos conciertos y algunas renuncias en el camino por distintas inconformidades y problemas con las regalías. Aunque en 1994 celebraron los 30 años de la disquera y el 2011 llegaron a Lima por primera vez, el mundo que alguna vez quisieron cambiar había cambiado también. Felizmente, antes de eso, Héctor Lavoe, Rubén Blades, Willie Colón, Richie Ray, Bobby Cruz, Eddie Palmieri o Cheo Feliciano habían dejado grandes momentos en nuestro país.
19 de Marzo 2011, presentación de Fania All Stars en Estadio de San Marcos, Lima-Peru
Ponte duro No es difícil entender cuál es el legado de la Fania All-Stars 50 años después de su primera presentación en el Red Garter. Lo difícil sería intentar imitarlos y, más difícil aun, sostener el talento de los verdaderos artistas por encima de los fenómenos de moda. Eduardo Livia cuenta que bastaba ver los rankings Billboard de los setenta para notar cuánto destacaba la buena salsa. Tanto Livia como Omar Córdova coinciden en que Johnny Pacheco —hoy retirado de los escenarios a sus 83 años, tras varios problemas de salud— ha sido un visionario, un hombre que supo crear impacto con la música latina y que, además, tuvo la suerte o la intuición de rodearse de muchos de los grandes talentos de su época. Fue el hombre que convirtió la salsa en un escenario con un lenguaje particular y universal, que produjo una suerte de esperanto instrumental gracias al cual se entendían, a la perfección, las congas, los timbales, los trombones, las trompetas, la flauta, el piano eléctrico, el bajo, el cuatro puertorriqueño, la guitarra o los bongós como si hablaran todos el mismo idioma, como si entre las notas, gestos silenciosos de complicidad quedaran claros para todos con un mismo objetivo. Suficiente fantasía como para no permitir que se cumpla la tenebrosa profecía dicha hace poco por Richie Ray en una entrevista: “La salsa va a terminar en un museo”; sino para que se oiga, fuerte y claro, como si no fuera a silenciarse nunca, el canto de esos legendarios soneros que un día dijeron: “Oye, qué rico suenan las estrellas de Fania”.
Fuente: Juventud Rebelde, Cuba. Por: Sonia Almaguer Matanzas.— La presentación en México del mambo drama Yo soy el rey del mambo ha sido un rotundo éxito y una feliz oportunidad para recordar a Dámaso Pérez Prado, el matancero que internacionalizó este ritmo que es un tesoro cultural de la nación cubana. La entrañable relación de amistad entre Cuba y México se puso de manifiesto en el exitoso estreno y posteriores presentaciones en el Teatro de la Ciudad, Esperanza Iris, de la obra Yo soy el rey del mambo, de Ulises Rodríguez Febles, por Conjuro Teatro, con puesta en escena de Dana Stella Aguilar, y la música en vivo del grupo musical matancero Atenas Brass Ensemble, liderado por Rodolfo Jorge Horta. «Estoy emocionada de ver cómo ha funcionado la obra en diversos espacios de Cuba y en México», contó en exclusiva a este diario Stella Aguilar, directora de Conjuro Teatro, quien agregó: «La experiencia en el Teatro Esperanza Iris, donde coincidieron los cien años de esa institución con el centenario de Pérez Prado, y además el aniversario 40 del homenaje que el teatro le dedicó a Pérez Prado por sus 25 años de vida artística en México, fue algo hermoso. Llenar en un espectáculo teatral las mil butacas, ver al público aplaudir determinadas escenas y sumarse apoteósicamente al final, demuestran que Pérez Prado ha regresado a México, vivo y arrasador, y que la obra contribuye a esa celebración». La obra teatral, que obtuvo la beca Efiteatro 2017 y que aborda la figura del músico matancero Dámaso Pérez Prado (Matanzas 1917–México 1989) fue muy aplaudida en varias de sus escenas, y tuvo un cierre a ritmo de mambo, con un público de pie y bailando el popular ritmo que hizo furor en México y gran parte del mundo. Este es un proyecto binacional auspiciado por la Casa de la Memoria Escénica, radicada en Matanzas, y la compañía independiente mexicana Conjuro Teatro, con el apoyo de instituciones cubanas y mexicanas. «Llenamos las mil butacas en las primeras presentaciones, con aplausos intermedios y ovaciones. Apoteosis final. Eso fue en el Teatro de la Ciudad, Esperanza Iris. Ahora nos preparamos para la función del 4 de mayo en el Instituto Politécnico Nacional, y entre el 9 y el 13 del mismo mes en el Teatro Julio Castillo de la Ciudad. En el estreno estuvo el Embajador de Cuba y el Agregado cultural. Lo que sucede aquí es algo fenomenal, porque he ido a salas teatrales pequeñas que no se llenan, y nosotros lo hicimos en un teatro grande, inmenso y esperamos siga así el resto de la gira», expresó Ulises Rodríguez Febles. El dramaturgo matancero precisó que la actuación de Atenas Brass Ensemble en la puesta ha sido muy aplaudida, y que ofrecerá un concierto en la Fonoteca Nacional de México, el 22 de mayo, a las 7:00 p.m. Yo soy el rey del mambo se presentará durante el mes de mayo en el Instituto Politécnico, la Universidad Autónoma Metropolitana, el Teatro Julio Castillo y en instituciones culturales de la ciudad de Aguascalientes. La puesta es un musical concebido como un mambo-drama, donde los actores cantan y bailan. El protagónico está interpretado por el actor Gerardo Trejoluna, mientras la música es del mexicano Emiliano González de León e interpretada por Atenas Brass Ensemble, con diseño de Israel Rodríguez González. Con anterioridad, Yo soy el rey… se presentó con buena acogida de la crítica en las ciudades de Cienfuegos, Sancti Spíritus y la capital cubana.
Fuente: El Comercio, Perú. Por: Miguel Rocca Arismendiz Soy Gilberto Santa Rosa y tengo 55 años. Nací en Santurce, Puerto Rico. Comencé en la música desde muy pequeño, luego pasé a formar parte de orquestas como Puerto Rico All Stars, la de Tommy Olivencia y la de Willie Rosario. A los 24 años inicié mi carrera como solista. A inicios de los 90 mi música llegó hasta el Perú con el tema "Perdóname". He hecho teatro y también escribo columnas en el diario Primera Hora. “Perú es un país salsero”, nos dice Gilberto. Y razón no le falta, sino miremos a las miles de personas que se dan cita cada vez que el sonero visita nuestro país. Ahora, Gilberto Santa Rosa se presentará este sábado 5 de Mayo en el Jockey Club como parte de su gira "40 y contando", en la que estará acompañado de Tito Nieves, Luis Enrique, Andy Montañez, Ismael Miranda y más. - ¿Cómo se resumen 40 años de carrera artística? - Para mí, es una montaña rusa. Llena de emociones, de diferentes velocidades, de mucha intensidad y, al final, de mucha satisfacción. Son 40 años que he disfrutado mucho, que he tenido que trabajar duro, que he visto el fruto de mi esfuerzo, que he estado rodeado de gente muy talentosa y que ha ayudado que estos 40 años se cumplan. Y la conexión con el público que es muy importante también. - El cartel de "40 y Contando" está a la altura de cualquier festival internacional de Salsa, ¿no? - No puedo dejar pasar la oportunidad para, primero, agradecer a todos los que me van a acompañar en este concierto. Y sí, son eventos que se dan, tanto en Perú como en otros lugares, y que tienen este tipo de cartelera. Mi aniversario se viste de gala, primero porque estaremos en Lima y segundo, por esta calidad de artistas. Todos son amigos míos, conseguí un muy buen grupo de artistas. La camaradería va a estar a la orden del día. - Muchos fanáticos se preguntan por qué no estará Víctor Manuelle en este concierto, teniendo en cuenta que usted es su descubridor - Sí, creo que tiene unos compromisos en Perú cerca. Entonces fue un tema de su propia agenda. Víctor y yo siempre estamos cerca y yo sé que él estuviera muy contento de participar, pero en este caso ha habido un asunto contractual que él ya tenía. - ¿Comparte los comentarios que dicen que un cantante de salsa tiene que ser sonero (improvisar en el escenario)? - Entendiendo el término ‘sonero’ como un cantante que puede improvisar, yo difiero con el hecho de que si uno no tuviera esa capacidad, eso le quite importancia como intérprete. Pienso que hay intérpretes muy buenos, con una energía increíble y que pueden interpretar la salsa con mucho sabor, emoción y gran sentimiento. Y no necesariamente tienen que ser improvisadores. El maestro Willie Rosario decía que un sonero tenía que tener capacidad de improvisar, pero también añadir su energía y su interpretación para complementar a la banda. Por respeto no voy a decir nombres, pero hay muchos grandes cantantes que no eran necesariamente soneros. - Con 40 años de carrera y más allá de la música, también le ha tocado hacer teatro, escribe columnas en un Primera Hora (diario de Puerto Rico). ¿Qué siente que le falta hacer? - Me ha tocado hacer de todo un poquito. He disfrutado mucho de las oportunidades que me han dado y me gustaría hacer teatro fuera de Puerto Rico, solo lo hice en mi país. Me gustaría ir a los lugares que visito y también hacer teatro, para que vean mi otra faceta. Pero agradezco mucho a la música porque ha sido un vehículo para todo lo que hago. - ¿Qué es lo que veremos el sábado en "40 y Contando"? - Cada concierto, a pesar de que tiene el mismo hilo conductor de los 40 años, también tiene su propia personalidad en cada lugar. Hay canciones que se cantan en todos los sitios y, a veces hacemos cambios por el tipo de foro, en este caso estamos hablando de un lugar abierto (Jockey Club), en el que la energía de la gente hay que mantenerla. Y de eso nos encargaremos con los muchachos, compartiremos algunas canciones, con una orquesta buenísima de músicos puertorriqueños que me vienen acompañando desde hace 30 años. Todo esto para que la gente tenga un rato ameno. Creo que vamos a tener una bonita noche y estamos muy contentos de volver a Lima, una ciudad de un país que se ha convertido en un aliado de esta música. - Y con un público peruano que es muy salsero... - Ufff, sí lo es. Al principio, cuando yo llegué a Perú, para mí fue una gran sorpresa. Yo no conocía del historial salsero que tiene el Perú. Por eso desde que fui la primera vez, he estado yendo año a año, cosa que me encanta. - Le ha tocado vivir distintas etapas de la producción musical: desde los vinilos hasta los formatos digitales. ¿Se siente más cómodo con alguna de estas? - Yo soy vieja escuela, musicalmente me desarrollé con los primeros formatos. Estoy aprendiendo todo el asunto digital. Creo que hay un grupo de fanáticos de la música que nos gusta tener el disco físico. Pero hoy en los nuevos tiempos la gente prefiere lo otro. Antes esperábamos la fecha en que saliera el disco para escudriñar en él, para saber qué había más allá del corte promocional. Ahora a alguna gente solo le importa el single. Si fuera por mí yo prefiero el formato del disco, ese juego sabroso de que salió el sencillo, la gente esperando el disco varios meses, eso me gustaba más. Pero también hay que entender que los tiempos cambian y hay que aprender a cambiar con el tiempo. - Y cuando el público se preocupa más por grabar con el celular que de disfrutar los momentos de un show, ¿cómo se siente, es algo que le incomoda? - Bueno, incómodo no me siento. Pero la realidad es que, y esta es una opinión muy personal, se pierde un poco la magia, porque si alguien está en Barranquilla viendo lo que pasa en Lima, pues cuando vaya al show a Barranquilla, lo que va a pasar es que el show ya lo viste. Esa magia, ese misterio interesante de un espectáculo, creo que se pierde un poco. Pero a mí no me molesta, yo los veo y sé que también tienen el deseo de guardar ese momento que están viviendo.
La carta que Víctor Manuelle dirigió ayer al alcalde y al pueblo de Medellín
Fuente: El País, Colombia Luego de la polémica desatada en Medellín por cuenta de una ofensa expresada en la canción 'Amarte duro' de Farruko y Víctor Manuelle, este último envió una carta a Federico Gutiérrez, alcalde de la ciudad, donde ofrece disculpas y promete enmendar el error. Precisamente horas antes, el propio mandatario paisa le había enviado una comunicación a los artistas reclamando una disculpa porque en una estrofa de la canción los cantantes señalan: "Esto que yo siento es puro como la coca 'e Medallo y no soy Pablo, pero tú sabe' lo que te hablo". Esa frase no cayó muy bien en el país y mucho menos en Medellín. "Aún existen niños que sueñan con ser los capos de sus barrios y esto pasa por gente que hace series donde Escobar es el protagonista, o canciones, como la suya, que lo exaltan (...) Volverse validadores del narcotráfico, de Pablo, y de la violencia, es un enorme acto de irresponsabilidad", escribió el alcalde Gutiérrez en la misiva. Frente a eso, Víctor Manuelle respondió en Twitter: "La música, al igual que cualquier arte, permite al artista jugar metafóricamente con cualquier idea aunque no la apoyes. Sería como pensar que cada actor colombiano que ha participado en series de narcotráfico que se graban en Colombia, no ama a su país o apoya al narcotráfico y que hay que vetarlos". Sin embargo, el artista reconoce que la frase no es acertada. "Con el respeto y la humildad que me inculcaron, acepto que lo que se dice en la canción no es agradable y aunque no llevara ninguna intención, me equivoqué y le pido disculpas a usted y a todos los colombianos".
En la canción titulada 'Amarte duro' Farruko dice, entre otras cosas, lo siguiente:
"Donde yo pongo el ojo, pongo la bala y no fallo . Esto que yo siento es puro como la coca 'e Medallo y no soy Pablo, pero tú sabe' lo que te hablo. Que si va' a jugar con fuego, má' me va a llevar el diablo. Me tienes enfermo como drogado usuario. Tengo vicio de ti, comerte es necesario. A diario, te juro que no aguanto las ganas y te voy a dar bien duro como Chris le daba a Rihanna".
