La foto del recuerdo tiene como pretexto recordar que hace veinticinco años hicimos “Hipocampo, La Cuna del Son”. Como escribía días atrás, los tiempos de hoy parecen correr más apresurados que los de antes y tal vez por eso resulta difícil creer cuantos años han pasado ya de aquella primera aventura radial que duró poco más de un año a través de Radio La Crónica, en los 1320 Kcs Amplitud Modulada.

La idea de tener un programa radial surgió con Carlos Jiménez, gracias a quien tuve la chance de conocer, entre 1989 y 1992, a Roy Rivasplata (quien había empezado su “Salsa Picante” en Antena Uno), Walter Rentería (quien por entonces hacía “Pueblo Latino” en América FM los domingos por la noche) y al tío Fernando Rivera Zavaleta (quien hacía el “entrañable” programa “La Esencia de la Salsa” en RBC Radio).

Por esa época La Crónica transmitía carreras de caballos los martes y jueves (además de los fines de semana) y recuerdo que el programador de la radio, Rafael Mego Carrascal, nos dio la chance, junto a Carlos Jiménez, de hacer una hora de programa en los días que no había carreras. Salíamos los lunes, miércoles y viernes a las 5 de la tarde, después de “Los Boleros de Lula” y antes de la hora oficial peruana (6 de la tarde). Los sábados el programa duraba dos horas (de 9 a 11 de la mañana), espacio que aprovechábamos para “los especiales” por donde desfilaron varios artistas, periodistas, difusores y amigos coleccionistas, entre los que recuerdo a Hugo Abele, Agustín Pérez Aldave, Luis Delgado Aparicio, Eloy Jaúregui (ese sábado el programa “continuó” en Surquillo), entre otros. En Hipocampo nos tocó dar la noticia de la muerte de Héctor Lavoe y de hacer dos especiales.

En la foto que acompaña esta nota estoy con César Urquiaga, que está en el extremo izquierdo, Luis Paredes, quien era el operador responsable de poner la música en los días de semana (quien ponía la música los días sábados era un señor mayor de nombre Roque (¿García?) y que en la foto sostiene el auricular telefónico de la época, y Carlos Jiménez (sentado al medio del grupo). Por si hay dudas, yo estoy al extremo derecho y solo me falta el nombre de quien está entre César y Luis.




El primer programa de “Hipocampo” salió al aire el 12 de Abril de 1993. Ahí comenzó el ritual interdiario de escoger los LPs, ponerlos en una bolsa de Héctor Roca y tomar las combis que pasaban por la Av. Javier Prado y doblaban en la Av. Petit Thouars, hasta bajar a la altura del Estadio Nacional. Mi hermana Norma grababa varios de los programas en unos cassetes marca Crown que aún están en la casa de mis padres y que quedan pendientes de “digitalización”. Yo estaba a punto de terminar la Universidad y la aventura radial de Hipocampo (“el único programa salsero de opinión” que tenía como cortina musical el tema de Frankie Dante) duró para mí hasta fines de ese mismo año, puesto que empecé a trabajar y se me hizo imposible cumplir con el horario semanal.

Después vendrían otras experiencias, no solo radiales sino también escritas y televisivas, siempre con el afán de difundir y compartir mi afición salsera. Hace pocas semanas, a propósito de la visita de Bailatino de Venezuela, tuve la chance de volver al recinto de Radio Nacional pero no pude preguntar ni visitar los estudios actuales de Radio La Crónica. Veinticinco años han pasado del primer “Hipocampo, La Cuna del Son” y aunque, repito, el tiempo parece correr cada vez más rápido, aquel programa mantiene un lugar especial entre todas mis vivencias musicales. Nostalgia!!!

Fuente: El Nuevo Dïa, Puerto Rico

El 35 aniversario del Día Nacional de la Zalsa fue un banquete musical que inició puntual, reunió a exponentes del género de varias generaciones, incluyendo a talentosos músicos jóvenes y rindió homenaje a un importante salsero con una trayectoria de seis décadas.

A las 11:00 a.m. Willito Otero y su orquesta rompió el silencio en la tarima del evento celebrado en el Estadio Hiram Bithorn de Hato Rey.

El joven se expresó feliz y agradecido de poder presentarse en la actividad y, como si fuera poco, dos veces en un mismo día, pues también acompañó a Pete Perigñon con su proyecto La Generación del presente, que incluyó a Kayvan Vega, Manolo Rodriguez, Jorge Yadiel y Carlos García.

Willito Otero

Durante las primeras presentaciones todavía se podía caminar cómodamente en el espacio entre las sillas y la tarima, situación que fue aprovechada por quienes fueron decididos a demostrar su pericia en el baile. Entre ellos estuvo el grupo de estudiantes de salsa de Aguadilla, Xalxa con Kandela, dirigido por Candela Rosa.

“Tras que aprenden a bailar se quitan el estrés”, dijo la instructora al mencionar las bondades que ofrece su curso a los alumnos que incluyen niños de 9 años.

Simón Pérez

A medida que avanzó el día el número de personas en el recinto fue aumentando hasta que empezó a ser difícil desplazarse entre la gran cantidad de sillitas, bailadores y personas que esperaban su turno para comprar cerveza o frituras.

La lluvia amenazó con caer al inicio del evento, pero se disipó y quedó un calor pegajoso que la multitud toleró incluso en las afueras del estadio, cuando a las 5:00 p.m. la fila para entrar era larga.

En el estacionamiento, hubo quienes organizaron su propio junte salsero con comida y música.

Tito Nieves

Muy cerca del escenario, un grupo de niños con camisetas negras que leían #sacameabailar bailaba con gran espontaneidad. Llegaron de Gurabo como parte de una actividad organizada por la academia de baile Sabor Ajeno.

“La música me llamó. La siento y la llevo”, explicó Derek Sánchez Hernández, de 13 años, un apasionado de la salsa que espera asistir muchas veces más a esta celebración musical.

Entre el público también habían experimentados bailarines, aunque ya un poco menos activos. Con sus “84 años y medio” Áurea Alemar bailó varios temas e incluso le quitó la pareja a su hija, Ángela Milano.

Pupy Cantor

Áurea dijo que el baile es una de sus actividades y el Día Nacional, uno de sus momentos favoritos para disfrutar del género salsero. Por eso, piensa continuar asistiendo al evento “hasta que me muera o hasta que tenga la mente bien”.

La agenda del día nacional este año incluyó las presentaciones de la Sonora Sanjuanera, los soneros Simón Pérez, Héctor Tricoche y Nino Segarra. Además, representando a las mujeres estuvo la orquesta Canela, aunque su invitada, Yolanda Rivera, no pudo llegar.

Orquesta Canela de Colombia

Temprano en la tarde, el público aplaudió al músico Willie Rosario, a quien este año se le dedicó la actividad en reconocimiento a sus seis décadas de carrera.

“Sin pecar de modesto, me lo merezco. Tengo cerca de 49 discos grabados. Fui nominado al Grammy, tengo una calle del pueblo de Coamo a nombre mío. El taller de bellas artes de mi pueblo, Coamo, está a nombre mío y he tocado en muchísimos países”, dijo el salsero, quien estuvo acompañado por dos de sus hijas y varios nietos, entre otros familiares.

Chamaco Rivera y Willie Rosario

Al reflexionar sobre su carrera, Rosario atribuyó su éxito a la disciplina que ha mantenido a lo largo de los años.

“Yo cojo mi negocio muy en serio. Soy honesto, responsable, me gusta la puntualidad. Trato de ser campechano, humilde, no hablar de nadie y vivir con la voluntad de Dios”, precisó.

Nino Segarra

Durante la jornada quedó demostrado que hay una buena representación de salseros que está dándole continuidad al género y al evento salsero más importante en la isla, de acuerdo a la opinión de varios veteranos.

“Esto no va a decaer nunca. Hay salsa para rato”, dijo Simón Pérez, al observar que entre el público había gente de diferentes generaciones disfrutando de la música.

Domingo Quiñones

Otras presentaciones del día incluyeron a Tito Nieves y su orquesta, Maelo Ruiz, Domingo Quiñones y Oscar D’ León. El cierre estaría a cargo de la afamada orquesta cubana  Los Van Van.

Hoy falleció el compositor y cantante puertorriqueño Roberto Angleró. Lo recuerdo no solo por sus composiciones más conocidas sino también porque, a pesar de su avanzada edad (nació el 12 Setiembre 1929) era muy activo en las redes sociales, principalmente en Facebook. Asimismo, recuerdo que, en los últimos años, fue el compositor del tema "Parece que uno se va a morir" que grabara el también desaparecido José Lugo.

Hace trece años a Angleró se le dedicó el Día Nacional de la Zalsa y, con tal motivo concedió la siguiente entrevista que, a manera de recuerdo y homenaje, compartimos el día de hoy.

Su vecino en la calle 9 de Barrio Obrero era el famoso plenero Manuel Jiménez "Canario", integrante entonces del Cuarteto Victoria de Rafael Hernández.

Expuesto a los ensayos de Canario, el niño Roberto Angleró, a quien se le dedicará el Día Nacional de la Salsa, fue despertando a la música popular.

Su padre Juan, carpintero de oficio, y Carmen, costurera a sueldo, eran pobres. La casa de madera de la familia Angleró Pepín colindaba con los manglares de la zona. Los niños caminaban descalzos por sus callejones de arena negra y se divertían pescando jueyes, nadando en la laguna o jugando con gallitos de algarroba.

Pero la música capturaba la atención de Roberto, quien años después se convertiría en uno de los compositores de música popular más prolíficos del Caribe.

"Era muy pequeño, pero conservo los recuerdos de los discos de mis tías Teresa, Eduviges y Justina. Ellas me ponían a darle 'manigueta' a la vitrola", recordó Roberto, compositor de 75 años, operado de
corazón abierto.

Como si hubiera sucedido ayer, evocó la tarde en que a sus manos llegó un acetato de 78 rpm con la canción Los carreteros de Rafael Hernández y la danza Mis amores, interpretada por Pedro Ortiz
Dávila "Davilita".

"Antes de ser compositor, fui cantante. Era tenor, pero la timidez me traicionaba. Varias veces asistí al programa de Rafael Quiñones Vidal y cuando escuchaba un vozarrón me sentía intimidado".

Su padre deseaba que estudiara medicina o leyes. Para distraerlo de la música y los deportes lo trasladó a Nueva York.

"Fui a vivir al Bronx y lo que hizo fue acercarme más a la música. Llegué domingo y el miércoles mis primos ya me habían llevado al Palladium a ver a Machito, mi orquesta favorita".

En el Palladium pudo mejorar sus destrezas para el baile nada más y nada menos que al lado de Killer Joe, Cuban Pete, Mike Vázquez y otros bailarines del mambo. En Nueva York también recibió varias
lecciones de batería con el legendario Max Roach.

"Así me nutrí de lo que es el jazz", señaló Roberto, cuyo aprendizaje del inglés propició su reclutamiento como oficial de la fuerza aérea durante el conflicto de Corea.

Destacado en una base de San Antonio, Texas, una noche salió a cenar al Cuban Dinner Club y conoció al músico Lalo Ruiz, cuya orquesta se especializaba en la música de Beny Moré, Miguelito Cuní y otros soneros cubanos.

Cantó con la orquesta y, a su regreso a Puerto Rico, con tríos y cuartetos de Barrio Obrero hasta que, superado el pánico de los días de Quiñones Vidal, subió a una tarima a cantar con La Panamericana
de Lito Peña.

"Profesionalmente debuté como cantante con Bobby Valentín, pero sin la ayuda de Héctor Urdaneta y Lito Peña yo no existiría. Urdaneta era copista de Peer International y me ayudó a inscribir mis
primeras canciones", recordó Roberto, en alusión a Qué le pasa a mi chamaca, El pisotón y La pared.

La pared recorrió el mundo en las voces de Yayo El Indio con La Panamericana, de Felipe Pirela, Roberto Ledesma y Xiomara Alfaro.

"Se han grabado más de 50 versiones y es la canción de mi catálogo que más me produce en regalías".

Su segunda canción de mayor resonancia internacional es la bomba Si Dios fuera negro, grabada con su orquesta Tierra Negra y de la cual recibe regalías de Argentina, Brasil, Uruguay y Paraguay.

"La escribí porque fui víctima de racismo en Estados Unidos y aquí también porque mucha gente no podía creer que un negro fuera capaz de componer La pared, sostuvo Roberto, quien entre 1970 y 1979 le compuso éxitos a Bobby Valentín, El Gran Combo, la Sonora Ponceña y Gilberto Santa Rosa, como Soy boricua, La boda de ella, Hojas blancas, Vas por ahí y Satisfacción, entre otros.

En 1979, Roberto, un defensor del folclor nacional, visitó Colombia tras la repercusión de Si Dios fuera negro en dicho país. En 1982 regresó a recibir el Congo de Oro en el Carnaval de Barranquilla por el éxito del seis chorreao La trulla moderna.

Roberto Angleró, cuyo primer cantante fue el fenecido Grifo de Nemesio Canales, Marvin Santiago, espera interpretar Si Dios fuera negro el domingo entrante en el estadio Roberto Clemente de Carolina.

"Después de estar en tantos escenarios, el que me dediquen el Día Nacional de la Salsa me hace sentir orgulloso de que la gente de La Z se haya acordado de mí. Me dijeron que después de esto me deben
llevar a Bellas Artes".

El cantante Sammy Marrero solicitó mediante comunicado de prensa la ayuda de su gente para poder afrontar el proceso legal que la viuda e hijos de Raphy Leavitt entablaron en su contra y  con el cual quieren impedir que el reconocido cantante interprete las canciones que se convirtieron en clásicos de la música popular latina.

“El pueblo se merece disfrutar estas canciones por el interprete original que el mismo Raphy escogió.  Aunque la viuda y los hijos (María Milagros Barreto Cabrera, y sus hijos Sheila Marie y Rafael José Leavitt Cabrera) no lo entiendan, yo, cantando las canciones de Raphy, lo que hago es enaltecer su obra y perpetuar su legado, cosa que estoy seguro Raphy desde arriba debe estar  disfrutando y agradeciendo. Quiero que mi público enfrente esta batalla conmigo y que juntos defendamos nuestro derecho a cantar, reír y a llorar con las canciones que han hecho sus favoritas" enfatizó emocionado el llamado ‘Trovador de la Salsa’.

Marrero fue la voz por décadas de La Selecta, la orquesta fundada por Leavitt, y que se alegó cesaría operaciones con la muerte de su director en agosto de 2015. El septuagenario cantante lanzó en marzo de 2016 su propia orquesta, que incluía integrantes de La Selecta, y que se proponía seguir cantando temas de aquel grupo musical, pero los herederos de Leavitt lo demandaron en octubre de ese año por no estar autorizado a cantar esas canciones.

En sus declaraciones escritas, Marrero reiteró que tanto él como los otros miembros de su orquesta necesitan trabajar para llevar el sustento a sus hogares. El septuagenario cantante creó su propia orquesta en el 2016, tras el fallecimiento de Leavitt en el 2015  

El comunicado describe que Marrero está "sumido en la tristeza por el proceso jurídico que ha tenido que enfrentar para defender su derecho a cantar las canciones con las cuales ha deleitado al público salsero alrededor del mundo por más de 42 años". 

El público que quiera aportar a esta causa puede hacerlo haciendo su donativo a través de la cuenta del Banco Popular a nombre de SMYSO, INC  # 046-443738.

Según su abogado, Roberto Sueiro, la orquesta de Marrero podría actualmente tocar, incluso los temas de La Selecta al contar con un licenciamiento que los autorizaría a eso, pero la agrupación no es contratada por el temor de que sean incluidos en la demanda millonaria entablada por los herederos de Leavitt. Así que Marrero no está recibiendo ingresos por su trabajo como cantante, dijo el letrado.

Así que Sammy Marrero, sin ingresos porque su orquesta no recibe contratos, esté inmerso en un pleito legal federal con costos que se siguen disparando, dijo Sueiro.

"Este pleito está lejos de terminar, esta ahora mismo en descubrimiento de prueba, nos hace falta dinero para peritos...  en prueba pericial van a ser decenas de miles (de dólares)", dijo Sueiro.

Los peritos sería para impugnar alegaciones de que se hicieron arreglos musicales a las canciones que usurpan los derechos de autor de los temas, explicó Sueiro, quien dijo que en todos sus años de litigación federal no había escuchado argumentos similares.

Agregó que "ha habido varios acercamientos para poner fin al pleito pero no hemos tenido éxito".

Las gestiones para conseguir a los representantes legales de la Sucesión Leavitt resultaron infructuosas.

El caso está ante la consideración de la jueza federal Carmen Consuelo Vargas de Cerezo.

Un día como hoy, hace seis años, el reconocido percusionista peruano Juan Canevello propuso celebrar "El Día del Conguero" a manera de homenaje no solo al instrumento fundamental en la Salsa sino también a sus ejecutantes.

Nos cuenta Juan que se inspiró en aquellas frases del tema "Yo Viviré" que Celia Cruz cantara al final de su carrera y que dicen: "Yo viviré en el alma de la gente / en el cuero del tambor / en las manos del conguero y en los pies del bailador". Esa letra lo motivó (así como hay días dedicados a celebrar otros oficios) a proponer "El Día de Conguero", con el cual queremos saludar a todos los músicos que crean ese sonido tan característico que define a la música que tanto nos gusta... Mazacote!!!

El novel cantante Jafeth López, estudiante de la escuela especializada Miguel Ángel Juliá Collazo de Cayey, acompaña al veterano salsero en sus presentaciones de estos días

Fuente: Primera Hora, Puerto Rico. Por: Rosalina Marrero-Rodríguez

El binomio Richie Ray & Bobby Cruz está próximo a celebrar 55 años de trayectoria y agradecidos del respaldo del público, cada uno, por separado, realiza actividades con fines filantrópicos.

El pianista, de 73 años, encamina una fundación con su nombre con el fin de ayudar a la juventud e instituciones de educación musical. Igualmente, inició en la Isla una serie de visitas a instituciones educativas, carcelarias y hospitalarias para presentar sus clásicos salseros y compartir un mensaje de esperanza.

“Estamos muy agradecidos del pueblo y de Dios por una carrera larga y queremos devolver; principalmente, bregar con gente joven”, compartió el músico. “El mundo se ha abierto de una manera que ahora se ve todo el talento que hay y sigue siendo verdad que el que está claro y cree y trabaja duro, puede hacer algo, y queremos proyectar eso”.

Richie Ray visitará hoy el Hospital Menonita en Guayama; mañana, a las 10:00 a.m., estará en la Cárcel Regional de Bayamón, donde los confinados tendrán oportunidad de acompañarlo en la instrumentación, y luego, a las 4:00 p.m., ofrecerá un concierto gratuito en la Cueva María de la Cruz en Loíza.

En todos estos compromisos lo acompañará el cantante novel Jafeth López, estudiante de la escuela especializada Miguel Ángel Juliá Collazo, en Cayey. El viernes, a partir de las 4:00 p.m., estará en el Paseo de la Princesa para recibir las donaciones de instrumentos musicales que el público en general quiera llevar hasta allí, y que posteriormente serán distribuidos a estudiantes o escuelas que tengan necesidad de estos.

“Nosotros vamos a tocar éxitos de nosotros y hablamos algunas cosas, pero no es algo religioso, es más devocional, aunque siempre vamos a predicar que somos cristianos, porque es lo que somos, pero no vamos a ganar gente para la iglesia ni nada de eso, sino dejándole saber a la gente que hay esperanza, que Dios tiene propósitos lindos con las personas, y que si las personas quieren hacer algo, es posible”.

La oportunidad que le brinda el músico a jóvenes como López, Celso Garayúa y Wito Arenas, no necesariamente se da entre todos sus colegas ni por parte del público. Al contrario, aún continúa siendo muy cuesta arriba levantar una nueva propuesta salsera, aunque no imposible.

“El público salsero es tan y tan exigente que no les da esta acogida a los jóvenes”, opinó.

“Nosotros creemos firmemente que la salsa va a terminar en un museo... En el ambiente de la salsa lo único bueno es lo viejo, entonces como que no le dan atención a talento nuevo en el género. Hay muchos, tremendos salseros, cantando reguetón, haciendo otras cosas, porque no hay apertura por acá y ellos tienen que hacer algo por algún lado”, lamentó el artista.

“No quieren oír música nueva de nosotros mismos, no les interesa, lo que quieren es lo viejo, lo viejo”, finalizó.

El Padre de la Conga Moderna, Cándido Camero de Guerra ha cumplido hoy, 22 de Abril, 97 años de edad.
Con tal motivo, presentamos una nota de la Agencia EFE, de Noviembre 2016, dedicada al legendario conguero cubano

Miguelito Valdés, Cándido Camero, Frank Grillo "Machito" y Marcelino Guerra

Cándido Camero, ‘manos de fuego’ se retira de los escenarios a los 95 años
Fuente: Agencia EFE. Por: Ruth Hernández Beltrán

NUEVA YORK 
Con 95 años de edad y ocho décadas de carrera exitosa, el percusionista cubano Cándido Camero se ha despedido de forma “oficial” de los escenarios, pero aseguró que “seguiré tocando mis tres congas hasta que Dios diga hasta aquí, porque es mi gran pasión”.

Una pasión que le ha llevado alrededor del mundo con figuras de diversos géneros musicales que como él, han hecho historia en la música: Charlie Parker, Miles Davis, Dizzy Gillespie, Tito Puente, La Lupe, Celia Cruz, Duke Ellington, su gran amigo Tony Bennett, Dinah Washington, Gloria Estefan o Billie Holiday, son sólo algunas de esas estrellas cuyos nombres y fechas recuerda con mucha precisión pese a su edad.

De Holiday recuerda que era “muy humilde, muy sociable, respetuosa, todo el mundo la quería” y lamenta que no haya podido terminar su carrera “como debía haber sido”.

Considerado el padre de la percusión moderna que introdujo el uso de las tres congas o tumbadoras, que llevó al jazz, atesora esas ocho décadas en las que compartió con diversas estrellas, momentos que ha recopilado en un álbum de fotos que mostró a Efe, en las que está con figuras como Billie Holiday, el director de orquesta Xavier Cugat, Elvis Presley o los actores John Wayne y Marlon Brando, entre otros.

Pero que lo que guarda con más cariño son los recuerdos de sus inicios en Cuba. “Nací un viernes 22 de abril de 1921 en La Habana, Cuba, en el Barrio El Cerro”, dijo para agregar que “tenía cuatro años y quería ser músico”.

“Mi padre me preguntó qué instrumento quería tocar y le dije que el bongó. Me dijo que no tenía dinero para comprármelos, que me los haría. Cogió dos latas de leche vacía y le puso cuero” y así tuvo su primer instrumento de percusión, cuyo tío le enseñó a tocar, indicó.

“Cuando venía de la escuela me ponía a tocar en la mesa y mi mamá me decía ‘te van a doler las manos, eso es madera, no cuero' pero mi abuelo le decía ‘déjalo, que algún día será famoso' y tenía razón”, recordó.

Camero, un hombre alto, sencillo, de sonrisa fácil, siempre elegante y manos suaves, pese a sus años dedicado a la percusión, también aprendió con su padre a tocar el tres y de su abuelo el bajo, instrumento con el que debutó profesionalmente a los catorce años.

“Mi padre sólo me dejaba poner pantalones largos los fines de semana (para las presentaciones). El resto de la semana tenía que ser cortos porque él decía que no tenía 21 años todavía”, dice entre risas al recordar ese momento. Las congas las comenzó a tocar en la década del 40 con orquestas de jazz en su país.

El 4 de julio de 1946 marcó su llegada a Nueva York, para acompañar la presentación de los bailarines Carmen y Rolando en el Club Habana Madrid, “donde las estrellas del show eran Dean Martin y Jerry Lewis”, destaca.

Poco después comenzó a tocar con el pianista Billy Taylor, con el primero que grabó un disco, y otros músicos del jazz.

“La idea de las tres congas me surgió de la orquesta sinfónica porque siempre me fijaba en el timpanista (timbal) que tocaba tres timpani. Desde entonces hasta ahora me ha dado resultado y me gusta porque nadie espera oír melodías en tres congas”, afirma.

“La conga está supuesto a ser un instrumento rítmico acompañante pero no solista”, dijo el recipiente en 2009 del Jazz Master Award que concede la National Endowment for the Arts y a quien la Academia Latina de la Grabación también rindió tributo ese año.

Asegura estar orgulloso de las nuevas generaciones de percusionistas “porque la tradición de las tres congas continúa”.

Como muchos otros cubanos que se establecieron en Nueva York vivió el encuentro de la música afrocubana y el jazz y de la amistad entre músicos de ambos países, que siempre estuvieron abiertos a aprender nuevas formas y estilos.

“Dizzy Gillespie, Duke Ellington, Charlie Parker, Lionel Hampton, Randy Weston, Billy Taylor, Machito y sus Afrocuban, la de Chico O'Farrill, o Marco Rizo…siempre hubo intercambio, respeto y admiración mutua y eso me ha gustado mucho”, afirmó y atribuye el éxito de la música cubana a que “es contagiosa, es para oír y bailar”.

El productor y amigo de Camero, Iván Acosta, destacó su gran legado. “Ha tenido influencia en el jazz americano, ha grabado más de 600 discos. Hoy en día es normal ver la percusión afrocubana en cualquier orquesta de jazz, grande o pequeña”.

Fuente: El Nuevo Herald, USA. Por: Olga Connor

“Irakere es la banda que marcó el cambio histórico de la música cubana, del jazz latino o afrocubano y la música bailable”, ha declarado el eminente pianista y director musical Chucho Valdés, que ha ganado seis Grammys y tres Grammys Latinos, en su ascendente carrera, y está recorriendo el mundo con su banda, que incluye algunos de los integrantes originales de Irakere. Han estado celebrando aquella otra banda legendaria, con motivo de los 45 años de haberse fundado, en 1973. Aquí se presentan en el Adrienne Arsht Center bajo la rúbrica de “Cubismo! Chucho Valdés: Irakere 45”.

Chucho Valdés fue el director de Irakere, y al saxo actuaba Paquito D’Rivera como director asistente. Pero muchos más han sido los músicos extraordinarios que participaron en aquel experimento, que al separarse de la banda o dejar la isla de Cuba, se han destacado como solistas, entre ellos, Arturo Sandoval, Carlos Averhoff y el propio D’Rivera. Este grupo usó para tocar el jazz -que era lo que les gustaba- una mezcla de los instrumentos usados en el jazz americano con los tambores batá, abakuá y arará, chequerés, maracas, claves, cencerros, bongó, tumbadoras y güiro, típicos de la música afrocubana. Fue una integración extraordinaria.

N.H.: Para comenzar, coméntanos por favor lo que has declarado en una entrevista, que "Irakere fue el fenómeno más completo que se ha dado en la historia de la música cubana". Pero el Trío Matamoros, con el son, fue un fenómeno; la Sonora Matancera con la guaracha de Celia Cruz, fue un fenómeno; Pérez Prado con el mambo, fue un fenómeno; y la orquesta Aragón con el cha cha cha también fue un fenómeno. ¿En qué les superó Irakere?

Ch.V.: No he dicho que es el fenómeno más completo, sino que es un fenómeno diferente en su género. Para mí cada una de estas orquestas mencionadas han sido un fenómeno insuperable en cada una de sus especialidades, y yo pienso que en su especialidad [el jazz], Irakere ha sido un fenómeno insuperable, por las individualidades y por el colectivo y la fusión de estilos.

N.H.: ¿Qué reminiscencias agradables y anecdóticas nos puedes contar de Irakere en los días cuando comenzó?

Ch.V.: Los primeros conciertos, ya que ahí medimos que podía ser un éxito; la primera fiesta bailable y, después, la presentación en el Festival de Jazz de Newport, NY, le dio reconocimiento mundial a la banda.

N.H.: Eso fue en en 1978, cuando Chucho Valdés e Irakere aparecieron sin ser anunciados previamente en ese escenario mundial, traídos por Columbia Records, y fueron una sensación, según el crítico John S. Wilson de “The New York Times”. ¿Qué guarda tu banda hoy de Irakere, cuáles son los avances, las diferencias, desde tu punto de vista?

Ch.V.: Todos los avances son generacionales, aunque hay músicos de Irakere que no están en la banda y en mi opinión no han sido superados. Las diferencias pueden estar en que ha evolucionado la rítmica cubana y no es la misma de los comienzos y que yo he madurado como compositor y arreglista y tengo más experiencia.

N.H.: Tu primer maestro fue tu padre, el gran pianista, compositor y director Ramón Bebo Valdés. A los tres años ya tocabas las melodías que oías en la radio en el piano, usando las dos manos y en cualquier clave. ¿Cómo influyó tu padre en ti, y en qué quisiste diferenciarte?

Ch.V.: Mi padre fue una influencia en mí en todos los sentidos. Musicalmente fue mi primer maestro y un día me dijo que buscara a Chucho y a través del tiempo poco a poco lo fui encontrando. Es difícil ser hijo de una leyenda de la música cubana y encontrarse uno mismo.

N.H.: ¿Qué piensas de las nuevas músicas en Cuba que tienen influencia del Caribe?

Ch.V.: Pienso que el Caribe es una familia de islas, algunas con las mismas raíces, y tanto ha influido la música cubana en géneros de otros vecinos, como las de ellos en la de Cuba.

N.H.: ¿Puedo repetir el programa que me enviaron los promotores de tu concierto como lo que van a interpretar, o lo modificas?

Ch.V.: Quizás no pueda hacer todos los temas que se listan -por cuestiones de tiempo- porque aparte tengo varias sorpresas para esa noche.

Y ese programa que se anuncia es que su banda de nueve miembros, los Afro Cuban Messengers, con dos trompetas y dos saxofones más, junto con Chucho Valdés, ofrecerán una retrospectiva de su trabajo de décadas. Se podrá ver también la evolución del jazz afrocubano, porque el programa incluye clásicos de Irakere como “Misa Negra”, “Estela va a estallar”, “Juana 1600” y “Bacalao con pan”, que fue la primera canción grabada con tambores batá. Esa la interpretará la admirada y premiada pianista y cantante Aymee Nuviola, como invitada, además de “Lágrimas negras” y sus boleros favoritos. El concierto tendrá también nuevos arreglos de las más recientes composiciones, “Yansa” “Abdel” y “Lorena’s Tango”.

“Cubismo! Chucho Valdés: Irakere 45”, viernes 20 a las 8 p.m., Knight Concert Hall, Adrienne Arsht Center, 1300 Biscayne Boulevard. Entradas: $45 a $125

Fuente: Prensa Latina, Cuba

Artistas cubanos conmemoran este martes 60 años del fallecimiento de Rita Montaner, a quien el pueblo de su país natal denominó "la Única" y cuya impronta trascendió las fronteras nacionales.
Alumnos de la Academia de Canto Mariana de Gonitch, junto a su director, Hugo Oslé, realizarán una peregrinación hasta la tumba de la diva, situada en el Cementerio de Colón, de La Habana, la ciudad donde nació en 1900 y donde se le recuerda como una de las mejores intérpretes de Cecilia Valdés, zarzuela distintiva de Cuba.

Más tarde, la entidad brindará un concierto en la Casa de la Cultura de Plaza para evocar algunos de los éxitos de artista en temas como Siboney, Facundo, Angelitos Negros, Júrame, y la propia Cecilia Valdés.

Protagonista de varias leyendas de la cultura cubana y quizás uno de sus personajes más pintorescos, Montaner incursionó en el teatro, la radio, el cine y la televisión, dentro y fuera de Cuba, con triunfos irrefutables.

Baste solo decir que actuó en el Teatro Olimpia, de París, y fue contratada para sustituir a la actriz española Raquel Meller, en el Palace.

Fascinada por ella, la mismísima vedette Josephine Baker la invitó a participar en uno de sus espectáculos, y después recorrió escenarios de Estados Unidos, España, Argentina, Venezuela y México.

Aunque tuvo una esmerada educación en piano y hasta ganó una medalla de oro por su desempeño en ese instrumento, a los 13 años de edad, esta mujer de gran carácter no apostó por la música sino por las artes en general.

Montaner fue la primera voz femenina de la radio cubana y compartió escenario con prestigiosas figuras de la cultura de Cuba y otros países.

Algunos de los mejores compositores de su época escribieron partituras especialmente para ella, como Moisés Simons con El manisero, Eliseo Grenet con Ay Mamá Inés, Ernesto Lecuona con El cafetal y Gonzalo Roig con Cecilia Valdés, aunque le cediera el estreno a una cantante de inferior tesitura.

También, se destacó como actriz en la gran pantalla, así que la historia del cine cubano tampoco puede ignorarla pues incluso encabezó el reparto de una de sus películas más taquilleras durante décadas, El romance del palmar (1938).

La vida le jugó una mala pasada, Montaner perdió uno de sus instrumentos más poderosos: su preciada voz, a consecuencia de un cáncer, enfermedad que le ocasionó la muerte, el 17 de abril de 1958.

Fuente: Granma, Cuba. Por: Delfín Xiqués Cutiño

Se llamaba Rita Aurelia Fulceda Montaner Facenda. Su nombre artístico, Rita Montaner, pero sus admiradores y el pueblo le decían cariñosamente Rita, la única, para reconocerle sus extraordinarias cualidades artísticas.

Con diez años de edad Rita inició sus estudios de música en el Conservatorio de Música y Declamación de La Habana Eduardo Peyrellade, solfeo, teoría de la música, armonía, piano, y canto, graduándose con Medalla de Oro.

Años después, en Nueva York recibió lecciones de canto del profesor italiano Alberto Biomboni.

Mucho se ha escrito y se escribirá sobre la popular soprano cubana, pero lo cierto es que ella poseía un talento extraordinario basado en la versatilidad para moverse por los distintos géneros de la música cubana

Fue en el teatro Regina (hoy cine Jigue), la noche del 27 de septiembre de 1927, cuando estrenó el sainete Niña Rita o La Habana en 1830, de Ernesto Lecuona y Eliseo Grenet, donde representa el personaje de José Rosario, calesero, e interpreta el, después famoso , tango congo ¡Ay!, Mama Inés.

Rita se presentó en teatros de América Latina, Estados Unidos y Europa, y en cada una de sus actuaciones cautivó a un público que le hacía repetir sus inigualables canciones.

Actuó en el filme Sucedió en La Habana, en 1938; en María La O, basada en la zarzuela de igual título de Ernesto Lecuona, que se rodó en México en 1947. También trabajó junto al actor azteca Pedro Infante, en el filme Angelitos Negros, en 1948, donde interpretó a la negra Mercé.

Luego seguiría su presentación en los filmes Anacleto se divorcia, Al son del mambo, y Ritmos del Caribe, todos rodados en 1950. Y al siguiente año, Víctima del pecado y Negro es mi color, junto a la actriz mexicana Marga López, entre otras cintas.

Se dice que el periodista cubano Augusto Ferrer de Couto, fue el que le puso La única, y Rita a su vez, fue la que popularizó el Bola de nieve, de Ignacio Villa, quien fuera su pianista acompañante.

Rita actuó el 1 de marzo de 1956, en la opera del compositor italo-norteamericano Gian Carlo Menotti, La Medium, presentada en la sala-teatro Hubert de Blanck.

Su última actuación fue en la comedia británica Fiebre de primavera, de Noel Coward, bajo la dirección de Rubén Vigón, puesta en julio de 1957 en la habanera sala Arlequín.

Rita Montaner: la única, falleció en La Habana, el 17 de abril de 1958. A su sepelio acudieron cientos de personas conmovidas por la sensible pérdida de la genial artista cubana.

Esta fue la última foto de estudio de La Unica, Rita Montaner

Esta madrugada falleció Francisco Buckley "Bush", uno de los músicos panameños más populares en la Salsa y quien ganó fama continental con su hit "La Chola Caderona"

Escuchen a Marcos Barraza, quien fuera el cantante de aquel éxito, y a Roberto Delgado, el director musical de Rubén Blades, quienes recuerdan al famoso percusionista y director musical.. ¡Que en Paz Descanse Bush!

Anniversary (Artist Share, 2018) es el sexto disco de la Spanish Harlem Orchestra (SHO), precedido de títulos como Un Gran Día En El Barrio (2002), Across 110th Street (2004), United We Swing (2007), Viva La Tradición (2010) y Spanish Harlem Orchestra (2014).

En estos tiempos que parecen correr apresurados, el Maestro Oscar Hernández no se apura. Sabe que “la cosa no es como antes”, cuando el mercado del disco tenía otros estándares y los músicos, orquestas y cantantes procuraban ofrecer un “top seller” por año al público que compraba LPs o CDs. En su caso, cada una de las seis entregas de SHO son el fruto de la madurez de un pianista y arreglista que por más de cuatro décadas se ha nutrido al lado de nombres grandes en la industria: Manny Oquendo, Rubén Blades, Ray Barretto o Paul Simon (solo por citar algunos), experiencia que nos permite afirmar, con seguridad y sin exageración, que su “Hispánica del Barrio” es una de las mejores orquestas de Salsa del presente siglo.

Hace pocas semanas, la SHO había lanzado “La Media Vuelta” como “abre bocas” del disco nuevo. La oferta completa es sabrosa y sustanciosa y basta escuchar los tres primeros temas para darse cuenta de la excelencia musical que Anniversary trae: “Esa Nena”, “Yo Te Prometo” y “Dime Tú” (con arreglos de Angel Fernández, Gil López y el propio Hernández, respectivamente) son apenas el inicio de un recorrido de trece canciones ejecutadas con arte y maestría por músicos reconocidos que, desde hace ya varios años, son parte de la banda.

Marco Bermúdez, del Ecuador, y Carlos Cascante, de Costa Rica, se mantienen no solo como parte de los soneros de la Spanish Harlem Orchestra sino que también aportan su talento como compositores, cada uno de dos temas. A ellos se suma un joven y talentoso músico y cantante: Jeremy de Jesús Bosch, quien merece un párrafo aparte.

Nacido hace 28 años en el Barrio Tejas en Las Piedras, Puerto Rico, Bosch fue becado por el Berklee College of Music y, además de ser cantante, es un flautista y compositor cuyo aporte le da un aire fresco al grupo. Ya lo habíamos escuchado en el reciente disco de Doug Beavers (co-productor de Anniversary) y aunque su propuesta personal parece abarcar no solo a nuestro género, creemos que la Salsa ha ganado una nueva figura que dará mucho que hablar en los próximos años. Escuchen “Soy el Tambor” y me darán la razón.

Las palabras pueden estar demás, puesto que en Anniversary la música habla por sí sola. O como dice el coro de otro de sus cortes “echa pa’lante, ponle el ritmo y verás”.

Usted puede escoger: el sofisticado despliegue musical de “Goza el Ritmo” o las nuevas versiones de “Y Deja” (el tema de Piloto y Vera que Willie Colón y Rubén Blades grabaran en Canciones del Solar de los Aburridos) y “Guaracha y Bembé” (nuevo homenaje a Cheo Feliciano y Joe Cuba, uno de los grupos favoritos de Hernández en su juventud).

Si queremos una pausa romántica escuchemos la versión a tres voces de “Tres Palabras”. Si buscamos Latin Jazz está “Somos Uno”, que trae al trompetista Randy Brecker de invitado. Románticos pero con swing y afincado son los arreglos de “Como Te Quise” y “Canción Para Ti”.

Converso con el propio Oscar y, al otro lado del teléfono, lo escucho satisfecho y orgulloso del trabajo realizado. Él sabe que con este disco no solo celebra merecidamente quince años de su gran orquesta sino que demuestra que, en medio de tanta medianía o conformismo, la excelencia musical es posible. “El swing del Barrio ha vuelto”… gocémoslo.

A través de FB de nuestro amigo Manuel Paredes, hemos recibido la noticia de la muerte del cantante peruano César Gonzales.

La gran mayoría de aficionados a la Salsa coinciden que Gonzales fue uno de los vocalistas peruanos más versátiles, que se lucía no solo en los bailable sino que también fue uno de los grandes en el bolero.

Gonzales grabó con muchos grupos desde la década del 60 del siglo pasado, incluso con su propia orquesta. Sin embargo "pasó a la inmortalidad" por ser el cantante del tema "Margot" que grabara la Sonora de Lucho Macedo.

Don César tenía 84 años de edad y, lamentablemente, como otros tantos pioneros de la música tropical en el Perú nunca recibió el reconocimiento que se merecía.

Su velatorio tendrá lugar en el local del CAFAE de MININTER (entre las avenidas República de Chile y Arenales), a partir de las 4 de la tarde.
¡Que en Paz Descanse Don César Gonzales!

Fuente: Primera Hora, Puerto Rico. Por: Rosalina Marrero-Rodríguez

Las mujeres no venden discos en la salsa. Esto es una teoría que ha corrido por mucho tiempo en la industria de la música y llegó a tomar tanta credibilidad que se convirtió en el mayor escollo para las voces femeninas que se interesan por el ritmo afrocaribeño.

Es algo que el cantante Gilberto Santa Rosa critica, reconociendo que el género salsero es esencialmente machista. “Esa es una teoría que alguien echó a correr y quizás en ese caso, las mujeres -la mayoría, porque hay quienes todavía están batallando duro, como India, Choco Orta, y una serie de cantantes y músicos-, se intimidaron y no participaron más”, opinó El Caballero de la Salsa en una entrevista reciente con este diario.

India enfrentó esa realidad cuando en el 1992 dio un giro a su carrera artística abandonando la música freestyle dance para probarse en la salsa, motivada por figuras legendarias como la misma Celia Cruz, Tito Puente y Eddie Palmieri.

“Tuve que ser fuerte”, reconoció la “Princesa de la Salsa”. “Te cierran las puertas antes de entrar. Eso era lo que decían antes, pero ahora es que las mujeres no venden y que la salsa ya no es popular”.

La voz de los ya clásicos Mi primera rumba, Dicen que soy y Vivir lo nuestro admite que sin el apoyo de esos grandes nombres su trayectoria quizás no hubiera alcanzado los 30 años que celebra hoy día en el estilo musical que también defendieron y defienden otras artistas, entre ellas, La Lupe, Sonia López, Fe Cortijo, Choco Orta, Albita Rivera, Aymée Nuviola y Yolanda Rivera.

“Teníamos a la reina Celia Cruz y veía también las discriminaciones que le hacían a la reina, de que ella no vende (discos), ella vende presentaciones nada más, y ella tuvo que con su trayectoria demostrar que todavía tenía para dar. Ya a lo último le demostró a la industria, cuando dio el palo con La negra tiene tumbao, que ella vendía y ahora vende más”, expuso India.

“Yo veía lo que tenía que pasar Celia y ella me abrió las puertas a mí, y como ella me abrió las puertas a mí, aconsejo a las muchachas que aman lo que están haciendo, las salseras, que den lo mejor que tienen, que es el talento, y sigan pa’ lante y no dejen que nadie les diga que no pueden lograrlo. Las mujeres somos importantes y sí podemos lograr metas y en la salsa todo lo que necesitamos es apoyo”, reiteró.

El camino no ha sido distinto para la excantante de La Sonora Ponceña, Yolanda Rivera, que en sus 45 años de trayectoria en las tarimas locales e internacionales, ha tenido que “guapear” con sus pares masculinos para ganarse su espacio y reconocimiento. “Pero no ha sido fácil”.

Situaciones como horarios de presentaciones en la madrugada, cuando el ambiente se torna tal vez más hostil por el consumo de bebidas alcohólicas entre el público, trampas en los contratos y pagos a destiempo son algunas de las que han tenido que enfrentar estas artistas, o de lo que se han tenido que proteger para evitarlo.

“Es importante para la mujer tener personas alrededor en las que uno pueda confiar”, dice India, quien aun sin manejador procura orientarse en sus pasos profesionales, además de llevar la batuta en lo que respecta a su carrera, incluido el discurso femenino empoderado. 

“Creo que he sido bien dominante y bien precavida con la música. Yo tengo que sentir la canción, yo tengo que tener el control de lo mío, sea la portada del disco, la ropa que me voy a poner, el que me maquilla, cómo van a escribir mi nombre, las canciones que voy a cantar, el mensaje que tengo para dar”, expone.

La orquesta Canela, originada en Cali, Colombia, está conformada completamente por mujeres. Todas dirigidas por María Fernanda Múnera y que, al igual que Rivera, será parte de la oferta musical del Día Nacional de la Zalsa el 29 de este mes.

El inicio de la agrupación fue igual de cuesta arriba: no les creían que tuvieran talento para el género dominado mayormente por hombres. Pero eso ha ido mermando a través de los años, afirma Múnera.

“Hoy en día es más sencillo porque encuentras mujeres músicos por doquier, pero cuando empezamos no había mujeres en la trompeta, mujeres en la conga, en los cueros, que son instrumentos donde uno se maltrata mucho las manos”, destaca la salsera, con 26 años de presencia artística.

“Hemos sido bien tratadas a nivel de empresarios o de espectáculos, pero de pronto en los medios (de difusión masiva) ha sido fuerte, porque un tema de una mujer no se ve tan fácil como de un artista masculino, lo cuestionan más, lo estudian más, y es que es otro estilo, porque hay que decirlo, es otro estilo, por más que estemos en el mismo medio, las bandas de hombres tienen otra fuerza”, afirma Múnera.

India, ni Yolanda Rivera ni la voz líder la Orquesta Canela han tenido experiencias de acoso, o en las que se les hayan hecho algún tipo de ofrecimiento desleal a cambio de un beneficio para sus respectivas carreras. Han tenido, por el contrario, la fortuna de contar con la amistad y el respeto de sus pares masculinos.

“El machismo siempre va a existir, pero yo estoy tranquila, no tengo problemas con nadie. Yo amo a todos los muchachos, a todas las leyendas que tenemos en la isla, a Gilberto (Santa Rosa), a Víctor Manuelle, la lista es grande”, puntualiza India.