20 jun. 2017

El Museo de New York cuenta la historia de la salsa en "La Gran Manzana"




Fuente: Agencia EFE, New York

El Museo de la Ciudad de Nueva York inauguró el pasado martes 13 "Ritmo y poder: salsa en Nueva York", su primera exhibición sobre la historia de este género musical que nació en los barrios latinos de la Gran Manzana, en medio del activismo social y político de los sesenta, y se convirtió en un fenómeno mundial.

Fotos de músicos y bailarines, documentos audiovisuales, libros e instrumentos de reconocidos artistas presentan la salsa como un movimiento social que dio voz a comunidades latinas, en su mayoría puertorriqueñas y cubanas, que desarrollaron el género y lo llevaron de las calles a los clubes de Nueva York y al mundo.

"La salsa no es solo sobre la inmigración o los pobres. Es alegría, es orgullo latino, es ritmo y poder. Cuenta otras historias que no vemos en la televisión", dijo a Efe el comisario Derrick León Washington.

"Ritmo y poder: salsa en Nueva York", que se exhibirá hasta el 26 de noviembre, va acompañada de charlas y otros eventos que exploran además el papel de las discográficas que elevaron este creciente movimiento hacia una empresa multifacética muy lucrativa.

El comisario explicó que el ritmo "es el poder de la música, el de los cuerpos, el poder es la comunidad unida, nuestro idioma, el activismo del Partido de los Young Lords".


Nacido en Chicago a finales de los 60, este partido integrado por puertorriqueños se movió a Nueva York, donde lucharon por una mejores condiciones en educación, vivienda, trabajos y salarios.

"Poder es cuando la comunidad gritó por sus derechos humanos, pero la música con sus trompetas y trombones también fue muy poderosa, y una industria que dejó mucho dinero", agregó León, quien recordó que los Young Lords promocionaban sus eventos con el pianista Eddie Palmieri y el percusionista Ray Barretto.

La exhibición destaca que en la década de 1970, la creatividad se topó con negocios, medios de comunicación y discográficas lideradas por la Fania Records, que popularizó el nombre "salsa" como un término generalizado para cubrir varios géneros musicales relacionados pero a la vez muy distintos.


Destaca además que "con su inteligencia callejera", Fania Records propulsó a la fama a sus talentosos músicos basados en Nueva York, con campañas publicitarias dirigidas por los fundadores de la discográfica, el abogado Jerry Masucci y el músico Johnny Pacheco.

Ralph Mercado, un prolífico promotor, ayudó a difundir "el evangelio de la salsa", y los creativos diseños de las carátulas de Izzy Sanabria reflejaron la sensibilidadcultural cambiante de aquellos tiempos.

La exhibición está dividida por temas, comenzando por la época del mambo en el famoso y ya desaparecido salón de baile Palladium (1940-1960). También está la sección dedicada a la "salsa y activismo: la voz de la gente" que, a través de fotos y vídeo, acerca al público las luchas por derechos de los sesenta.

Recuerda también el "inquebrantable" comentario social en sus composiciones del músico y cantante Willie Colón, las propuestas de Ray Barretto a grupos de activistas y las "elocuentes" críticas de Rubén Blades sobre las injusticias en las Américas.

Una sección dedicada al baile homenajea a Eddie Torres, uno de los que marcó el estilo de la salsa neoyorquina, y otra repasa el papel de la salsa como fuente de ingresos económicos para los dueños de los clubes y las discográficas.

El público, que hace el recorrido mientras escucha a los artistas de la Fania u otras estrellas del género, también encontrará en la exhibición tesoros del género musical.

Entre ellos destacan timbales, zapatos y chaquetas que pertenecieron a Tito Puente; un vestido y zapatos de Celia Cruz, la "reina de la salsa"; el primer Grammy por el mejor disco que ganó Eddie Palmieri en 1975 por "The Sun of Latin Music" o el trombón de Jimmy Bosch.

Los zapatos que utilizó Celia Cruz en el show "Celia And Friends" de PBS TV año 2000


‘Rhythm & Power’: A Little Bling, a Little Politics, a Lot of Salsa
By JON PARELES, The New York Times

Music and dance are inseparable — as they should be — at “Rhythm & Power: Salsa in New York,” the exhibition that opened this week at the Museum of the City of New York. It is the museum’s first fully bilingual exhibition.

“Rhythm & Power” celebrates the Latin music that was forged in New York City from diverse Caribbean, Pan-American, African and European styles, and savvily marketed under the catchall term salsa. Musicians initially disliked the word; they preferred more specific designations like rumba or bolero. But using “salsa” could “put everything under one roof,” said the Dominican musician Johnny Pacheco, who was the chief executive and creative director of Fania Records, which popularized the term. Calling the music salsa blurred specific national origins, drawing a broader audience in the New York City melting pot.

Salsa in its heyday — from the 1960s into the 1980s — was simultaneously an outlet for immigrant traditions, an experiment, an evolving art form, a cultural bulwark, a commercial product and, at its most idealistic, a voice for social change. It was also purposefully irresistible dance music: movement for a movement. “Rhythm & Power” touches on all of those roles.

Like so much art of the African diaspora, salsa is made not for typical museum-style contemplation, but for motion and participation. Entering the compact but copious exhibition, visitors are greeted by a video projection displaying dance steps, perhaps to carry them through the rest of the show, which has salsa playing unobtrusively through speakers. Around the room, artifacts from musicians — instruments, album covers, stage wear, sheet music — are displayed, pointedly, alongside photographs of dancing audiences and memorabilia from dancers.

Salsa was never short on bling. The exhibition includes Celia Cruz’s gold platform shoes, Marc Anthony’s microphone stand (with a big silvery crucifix built in) and Tito Puente’s red sequined tailcoat and his multicolored timbales, looking like psychedelic stained-glass windows. Other objects commemorate salsa milestones, like Eddie Palmieri’s Grammy Award for “The Sun of Latin Music,” the album that inaugurated the Grammy category for Latin music in 1975, and a 1973 poster for an all-star Carnegie Hall performance of Larry Harlow’s “Hommy,” salsa’s answer to the Who’s “Tommy.”

Shoes from Eddie Torres, who danced with Puente’s band before systematizing his knowledge and becoming a leading Latin dance instructor, have his name embroidered into their soft leather sides and holes worn into them, one syncopated step at a time. An instructional 1990s videocassette from Mr. Torres plays on a screen and through headphones, detailing steps and hip twists. Elsewhere in the exhibition, the music is analyzed, too, in an interactive video display by Stephen C. Phillips that lets visitors hear and combine the components of a Latin percussion section.

Underfoot in the exhibition’s main room is a gallery-length map of salsa’s global sources, traced back to rhythms and dances from Cuba, Puerto Rico, Spain, Togo and Ghana, and connected to the jazz and R&B that would give salsa its New York City brawniness. Like the exhibition, it packs broad historical ambition into its limited space.

The show concentrates on salsa’s past and on its New York City home turf; the music’s worldwide repercussions are beyond its scope. “Rhythm & Power” glances back to salsa’s New York City predecessor: the mambo craze of the 1950s, driven by an influx of Afro-Cuban musicians and ideas in the years before the embargo on Cuba. Salsa’s emergence was catalyzed by new migration — primarily the surge of Puerto Ricans to New York in the 1950s — and by the ferment of the 1960s, as well as by the cross-cultural encounters with neighbors that New York City makes inevitable.

For a shining moment, during the 1960s and the 1970s, salsa songs addressed all that their primary listeners faced: discrimination, inequality, crime. (R&B songwriters like Marvin Gaye, Stevie Wonder, Sly Stone and Curtis Mayfield were making similar choices.) A wall of the exhibition is devoted to salsa in the early 1970s, when songwriters moved far beyond love ballads and party tunes. Musicians like Willie Colón, Rubén Blades and Ray Barretto linked their music to Latin pride and Latin struggles, both in the United States and across the Americas.

The exhibition includes the album cover of “The Big Break — La Gran Fuga,” a 1970 album by Mr. Colón, a bandleader whose songs have reached into politics for decades, with the singer Hector Lavoe. Mocking stereotypes, it’s a parody of an F.B.I. wanted poster, warning that “Willie Colón and Hector Lavoe have been known to kill people without provocation with their exciting rhythm.”

Although Mr. Colón, Mr. Blades and others have persisted with politically aware songwriting, in recent years hip-hop and reggaeton have largely seized the mantle of urban realism. Salsa has survived commercially as Latin pop: in the form of love songs called salsa romántica. But, as the exhibition shows with its images of mass salsa gatherings in the 21st century, people are still dancing to it.

Wisely, “Rhythm & Power” reaches beyond the museum. Free concerts presented with SummerStage will feature music by the longtime salsa performers Joe Bataan (July 21 at Thompson Park in Staten Island), Frankie Negrón (July 29 at St. Mary’s Park in the Bronx) and Andy Montañez (Aug. 11 at East River Park in Manhattan), with dance workshops before each show.

Rhythm & Power: Salsa in New York
Through Nov. 26 at the Museum of the City of New York, Manhattan; mcny.org.

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