Mira el show que acaba de terminar en La Habana, Cuba, con motivo del Día Internacional del Jazz 2017:



Fuente: Granma, Cuba. Por: Pedro de la Hoz

Los participantes en el concierto global por el Día Internacional del Jazz, que tuvo lugar este domingo en el Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso, enaltecieron los valores de la música como plataforma global para la promoción de la paz.

Convocados por la Unesco, cuya directora general, Irina Bokova, viajó a la capital cubana para ser testigo del acontecimiento, y con los auspicios del Ministerio de Cultura, el Instituto Cubano de la Música y la colaboración del Instituto Thelonious Monk, la velada se nutrió de  las contribuciones de más de 50 destacados creadores de Estados Unidos, América Latina, Europa, África y Asia, encabezados por el norteamericano Herbie Hancock y el cubano Chucho Valdés, y en calidad de presentador, el popular actor estadounidense Will Smith, quien como intérprete de rap ha conquistado cuatro Grammy.

El espectáculo, que contó con la presencia de Miguel Díaz-Canel, primer vicepresidente de los Consejos de Estado y de Ministros, y Abel Prieto, ministro de Cultura, fue un ejemplo de lo que puede y debe lograrse en términos de cooperación para el crecimiento espiritual.

«Mientras algunos baten los tambores de la guerra, aquí, ahora y en muchas partes solo habrá oídos para escuchar los tambores que nos invitan a la convivencia y la solidaridad, a la concordia y el entendimiento», recalcó el poeta Miguel Barnet, al introducir el concierto.

El presidente de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba recordó a los presentes y a quienes disfrutaron la transmisión del espectáculo en más de un centenar de países cómo «el jazz se ha hecho parte de nuestra identidad, dialoga con el son y el bolero, cobra sentido en lo que llamamos descarga cubana, se hermana con los toques y cantos rituales trasplantados desde África por nuestros ancestros, se funde con la rumba, encuentra caminos inéditos en la creación de los jóvenes formados en nuestras escuelas de arte y nos representa con dignidad y altura en numerosos escenarios dentro y fuera de la Isla».

Al dirigirse al auditorio, tanto la Bokova, como Hancock y el notable productor y compositor Quincy Jones, especialmente invitado a la cita, coincidieron  en resaltar el compromiso del jazz con la libertad, el respeto a la diversidad y la ética.

Varios momentos, desde el mismo inicio –importante fue ver en proscenio a un incombustible Oscar Valdés-  hasta el cierre, celebraron la saga histórica y actual de la vertiente que se conoce como jazz afrocubano, a partir de Manteca, creación de 1947 donde confluyeron los genios de Mario Bauzá, Chano Pozo y Dizzy Gillespie para estremecer la escena neoyorquina,  la explosión timbera de un todos estrellas insular liderado por Orlando Valle, Maraca, y la recreación coral, de cubanísimo acento, que arropó el clásico Imagine, de Lennon, derivado hacia la Guantanamera,

En medio de la trama, como para iluminar raíces comunes y diálogos posibles, el Bilongo, de Rodríguez Fife, cantado por el camerunés Richard Bona, y un changüí con sabor magrebí aderezado por la cuerdas del tres de Pancho Amat, el laúd del tunecino Dhafer Youssef, vocalista de impresionante registro, y el violinista William Roblejo.

Del jazz afrocubano a otras zonas del jazz latino hubo un trío de interesantes desplazamientos: por una parte el brasileño Iván Lins con Soberana rosa, difundida en el ámbito anglosajón en versiones de Sting y Dione Warwick; por otra la infaltable Bésame mucho, de la mexicana Consuelo Velázquez, en la voz de la coreana Youn Sun Nah y las sutiles invenciones de la gran violinista Regina Carter y la contrabajista Esperanza Spalding, y luego el fraternal duelo de improvisación vocal (scat) entre esta última y el inefable Bobby Carcasés.

Hancock situó en una exacta perspectiva lo que sucedió cuando, pianos de por medio, Chucho Valdés y Gonzalo ­Rubalcaba acometieron Blue Monk, de Thelonious Monk: el arte de dos criaturas que han ensanchado el legado del maestro y, por sí mismo, son íconos indiscutibles del jazz contemporáneo.

Los asistentes al concierto seguramente guardarán en su memoria los ­desempeños de los saxofonistas norteamericanos Kenny Garrett y Antonio Hart, de sus compatriotas Cassandra Wilson –dorada y profunda voz-, Christian Sans (piano), Ambrose Akinmusire  (trompetista), los bajistas Marcus Miller y Ben Williams y el baterista Carl Allen y el vocalista Kurt Elling, y reconocerán cómo el jazz se ha expandido con fuerza y originalidad en otras latitudes representadas por el pianista libanés Tarek Yamani, la saxofonista peruana Melissa Aldana,  el baterista mexicano Antonio Sánchez, el saxofonista ruso Igor Butman, el trombonista italiano Gianluca Petrella, el trompetista japonés Takuya Kuroda y el guitarrista francés Marc Antoine.

Si la velada fluyó se debió también al empeño de sus directores musicales, Emilio Vega y el maestro norteamericano John Beasly, y del responsable de la puesta en escena, Alexis Vázquez.

Chucho Valdés y Herbie Hancock son dos de las estrellas musicales que estarán en La Habana, en la fiesta por el Día Internacional del Jazz

Fuente: Granma, Cuba. Por: Pedro de la Hoz

Cuando la Unesco decidió que la celebración del Día Internacional del Jazz tuviera lugar hoy en La Habana, una de las razones expuestas recordó las contribuciones de los músicos cubanos al desarrollo de ese complejo musical oriundo de Estados Unidos pero de alcance planetario.

Herbie Hancock, uno de los anfitriones de la cita en su condición de presidente del Instituto Thelonious Monk, declaró: «El incomparable trompetista Dizzy Gillespie y los queridos músicos cubanos Mario Bauzá, Machito y Chano Pozo infundieron ritmos afrocubanos al jazz estadounidense y crearon un sonido enérgico completamente nuevo que define a la música moderna. En nombre de toda la familia de los músicos de jazz, de quienes lo enseñan y de quienes lo disfrutan, deseo agradecer a los ciudadanos de La Habana y de Cuba su enorme apoyo a este estilo artístico musical genuinamente global».

Al decir esto evocó la creación de Tanga, pieza de Bauzá, interpretada por Machito y sus Afrocubanos en 1943; el encuentro de Chano y Gillespie en el Nueva York de 1947, propiciado por Bauzá; la deriva del bebop al cubop en esa misma etapa, y el surgimiento de clásicos como Manteca, Tin tin deo, y Cubana be cubana bop, que escribió George Russell pensando en Chano, y, aunque Hancock no lo mencionó, el papel de Arturo O’ Farrill, Chico, quien con sus dos suites afrocubanas, en 1950 y 1952, y obras como Suite Manteca (1954), Oro incienso y mirra, para Gillespie; y Three Afrocuban jazz moods,  para Clark Terry, se consagró en su papel de gran orquestador de esa vertiente.

Sin embargo existen, al menos, otros cuatro argumentos que justifican la centralidad de La Habana en la saga del jazz.

En su libro ¡Caliente! Una historia del jazz latino, el belga Luc Delannoy subraya: «Factor de identidad cultural, la clave cubana, como frase rítmica, de­sembarcó en Nueva Orleans en el siglo XIX, cuando unos músicos locales, de regreso de Cuba, y unos músicos cubanos de paso por Louisiana, se pusieron a interpretar danzas habaneras que estaban de moda.

La clave se desliza después del blues y el jazz; se encuentra en diferentes formas en ciertas composiciones de Louis Armstrong, Jerry Roll Morton y W.C. Handy, que subrayan la influencia fundamental del Caribe hispanófono en el escenario musical de Nueva Orleans».

Se ha documentado el origen cubano de Manuel Pérez —nació en La Habana en 1863 y no en Estados Unidos como todavía consignan algunas semblanzas biográficas—, cornetista que hizo época en Nueva Orleans y Chicago, particularmente con la Onward Brass Band, para Armstrong lo mejor que escuchó en su etapa formativa.

También el complejo jazzístico, que incluye el blues, influyó de modo decisivo en la evolución de la música cubana. Por un lado, el filin no se explica sin esa fecunda cercanía. La introducción de nuevos giros armónicos en el estilo filinesco, representado al más alto nivel por César Portillo de la Luz, José Antonio Méndez y Marta Valdés, se debe a la asimilación del lenguaje jazzístico que les era familiar. Como tampoco debe soslayarse la adopción del formato de las bandas de jazz en las orquestas que desde la tercera década del pasado siglo hasta los años 60 sentaron cátedra en sesiones bailables y de grabación y espectáculos en la vida musical cubana: Casino de la Playa, Hermanos Castro, Hermanos Palau, Bellamar, Riverside, Tropicana (con el maestro Armando Romeu), la Banda Gigante del Benny, Bebo Valdés, Leonardo Timor y la Orquesta Cubana de Música Moderna, por citar solo algunas.

Otro argumento a tomar en cuenta pasa por los vasos comunicantes entre las llamadas jam session y la descarga cubana. La costumbre de los jazzistas de reunirse a improvisar de manera informal se corresponde con una práctica de los músicos de la Isla, que solían encontrarse al final de sus trabajos en centros nocturnos para dar rienda suelta a imágenes y sentimientos.

Por último, pero no menos importante, resultan los empeños que músicos, aficionados y promotores en la Isla han desarrollado a lo largo del tiempo no solo para mantener vivo el género sino en función de su definitiva inserción en nuestra identidad cultural. El Día Internacional del Jazz es ocasión propicia para honrar a los fundadores del Club Cubano del Jazz, de los festivales Jazz Plaza («De la Unesco a la Casa de la Cultura de Plaza de la Revolución, lugar de nacimiento del festival Jazz Plaza, en el 70 aniversario de las relaciones entre la Unesco y Cuba», reza la placa develada el miércoles en Calzada y 8), a investigadores y promotores que han hecho historia como Bobby Carcassés, Horacio Hernández y Leonardo Acosta o la siguen haciendo como José Dos Santos, Miguel Ojeda y Miriam Ramos, estos dos últimos desde la radio, a Alexis Vázquez que se le ocurrió la idea de los festivales Jojazz, a Redento Morejón que revivió La Zorra y el Cuervo y Alberto Lescay, promotor del Iris Jazz Club en Santiago de Cuba.

Chick Webb, Mario Bauzá y Ella Fitzgerald

Fuente: La Jiribilla, Cuba. Por: Pedro de la Hoz

Él era seis años mayor que la muchacha, pero muy joven todavía. Al escucharla cantar, quedó impactado. Aquella voz fresca y diáfana reflejaba a la vez una sabiduría ancestral, herencia de cantos de dolor y júbilo, resistencia y esperanza.

Frente a frente, Mario Bauzá y Ella Fitzgerald. Estamos en Harlem, 1935. Mario viene de Cuba. Desde 1930 reside en Estados Unidos y cuatro años más tarde asume la dirección musical de la orquesta de Chick Webb, percusionista emblemático de la era del swing. El cubano, también primera trompeta de aquella formación, hará muchas cosas en lo adelante, la más importante de todas, forjar una de las ramas más vigorosas del jazz, llamado afrocubano o latino. La chica, negra como él, había debutado en 1934 en un concurso de jóvenes talentos en el teatro Apolo. Había nacido el 25 de abril de 1917 en Newport y arrastraba una infancia de pobreza y marginación.

En varias biografías de la cantante se dice que Benny Carter, exitoso saxofonista de la época, fue quien descubrió a Ella, cuando la verdad es que Bauzá convenció a Webb para que la fichara. Carter, en efecto, recordó con el tiempo cuánto le había estremecido el modo de cantar de la jovencita en el Apolo, pero testimonios fidedignos, no muy publicitados por cierto, de colegas de Bauzá —y él mismo, a regañadientes, puesto que no le gustaba robar primeros planos— dan fe de que el cubano habló con Webb para que la admitiera en la orquesta.

Hay que recordar, como lo hizo el musicólogo e historiador Leonardo Acosta, que Bauzá es el responsable de introducir en la escena musical norteamericana una década después a Chano Pozo; lo puso en contacto con Dizzy Gillespie y ya se sabe lo que sucedió: Manteca, el cubop y el providencial maridaje entre las congas y el saxofón.

Con Chick Webb, la Fitzgerald comenzó una rutilante carrera que abarcó las más diversas especies y estilos de la música popular norteamericana, y alcanzó elevadas temperaturas al empatarse artísticamente con Louis Armstrong, Duke Ellington y Count Basie.

Hace pocos días, a propósito del centenario de Ella, la colega chilena Marisol García se lamentaba de ciertos usos actuales del legado de la artista como “comodín para la ambientación de espacios amables, de quieta invitación al consumo; en cafés de diseño y bandas sonoras para historias sin tropiezos, pálidas, casi contrapuestas a la aspereza y el rigor que definieron su propia vida”.

Quizás esto tenga explicación en la banalización con que los mecanismos de la industria hegemónica del entretenimiento suelen asimilar y neutralizar los valores de la cultura popular. También la propia Ella, en su afán de legitimar el título de Lady of the Song, se excedió en empeños de mero valor comercial, lo cual ha dado pie a comparaciones con el legado de Sarah Vaughan y Billie Holiday.

El arte no es una carrera de velocidad —¿quién se atreve a definir entre iguales un orden de llegada?— sino de fondo, y a la Fitzgerald le sobra aliento para conmovernos cuando canta un tema de Cole Porter, o el estremecedor Summertime, de Gershwin, o el chispeante Cheek to cheek, de Irving Berlin, o cifra el fabuloso scat al comienzo de Blues skies.

Sí, Ella sigue siendo esa gran dama que nos hace sentir y ayuda a vivir. En la celebración global del Día Internacional del Jazz, que tiene lugar esta vez en La Habana, convendría recordar a su mentor Mario Bauzá y no olvidar lo que significó esa mujer negra para el género.

Fuente: El Nuevo Día, Puerto Rico

”¡Yo estoy bien hace rato!”.

Así respondió el percusionista Giovanni Hidalgo al saludo de un amigo ayer durante esta entrevista.

Es que el afamado músico, considerado por muchos como uno de los mejores congueros y quien llegó ayer a Puerto Rico procedente de Nueva York para participar en el Primer Festival de Jazz en la Montaña, ha atravesado por complicaciones de salud relacionadas a su padecimiento de diabetes que han requerido amputaciones en algunos de sus dedos.

Aun así Hidalgo fue puro derroche de energía y alegría durante su visita a las oficinas de GFR Media en Guaynabo, donde conversó animadamente, saludó y se tomó fotos con personas que lo saludaron.

“Yo estoy bien de salud, me bebo mis medicinas, me bebo mis vitaminas, me voy de paseo con mis perritos -Amber y Blue- por la mañana, me alimento bien, yo cocino. De vez en cuando me como mi pastita, mi arrocito, mi pancito, pero yo soy más de pollo, de pescado, ternera, las ensaladas, ¡pero ensaladas!, no eso de lechuguita con tomate: repollo con 'celery', ajo, alfalfa”, explicó el artista de 53 años de edad.

Detalló que ha manejado su diagnóstico de diabetes tipo 2 combinando medicina convencional con medicina tradicional y herbaria, y en ningún momento ha dejado de hacer música. Su 'pad' y los palitos son la principal herramienta de trabajo que usa varias veces al día para mantenerse en forma tanto musical como físicamente. En la maleta los trajo.

“Yo le meto a mi 'pad'. Las últimas cuatro semanas he estado casi todos los días y lo tengo aquí grabado en mi iPhone. Meto, un ejemplo, 45 minutos, 20, 15, una hora practicando en el 'pad' porque eso es lo único que te va a ayudar a proliferar”, indicó mostrando los archivos de audio en su teléfono inteligente.

Aseguró que la pérdida física no ha cambiado para nada su acercamiento a la música. Y recordó que aunque la enfermedad que tocó las manos, lo que usa para tocar, cuando no hubo más remedio que amputar, lo afrontó con optimismo. “Le dije al doctor 'mire, zumbe'. Le dije 'Soler, mire, a mis 53 años yo me siento conforme con lo poquito que yo he hecho con mi conga, de Puerto Rico pa'l mundo, y yo he venido tocando con el palo, sin el palo y con lo que no es palo hace 40 años, técnica de mi papá”, afirmó Hidalgo, que interpreta desde los tres años.

Reconoce que en ciertos momentos de soledad desearía un milagro que le devuelva sus dedos, y lo mismo desea para todos aquellos que pasen por lo mismo que él, pero luego piensa “yo no puedo pugilatearme”, y a los dos o tres segundos, “dale pa'lante, vamos, zumba”.

La preocupación por su salud juntó a amigos y colegas en un concierto benéfico celebrado en el Lehman College el pasado 22 de marzo cuyo fin era recaudar fondos para ayudarlo con los gastos médicos.

“¡Eso salió increíble! ¡Un miércoles. Rubén Blades, José Alberto 'El Canario', Domingo Quiñones, Tony Vega, Chachi, Sergio George, Bernie Williams, Batacumbele -que fue Eric Figueroa y Jerry Medina-, Wiri, jemberos (que tocan jembe). ¡Increíble, en el Lehman College! ¡Eso estuvo repleto!", contó y agradeció el esfuerzo emocionado aun cuando rechaza que lo vean con pena o suspicacia.

“Hay gente pendiente a las debacles de uno, a ver si hay un fallo, entonces cuando uno hace bien hablan poquito. Me han mata'o quinientas mil veces. Así he sido, así soy y así seré, y cuando yo me retire es cuando yo me muera. Si yo no vivo en mi alegría y ayudar y desear bien a los demás, pa'eso me quedo en casa”, expresa.

Sobre su próxima presentación en Cidra expresó igual euforia, aun cuando compartirá escena con estudiantes de todos los niveles académicos, desde escuelas elementales hasta universitarios.

“¡Muchacha! Cuando yo me vea con ellos, ahí es que nos vamos a reír”, anticipó sobre los dos días de actividades del Festival de Jazz en la Montaña. El domingo a partir de las 3:00 p.m. será el concierto público en la Plaza de Recreo de Cidra, donde Hidalgo compartirá tarima con Bernie Williams, Luis “Perico” Ortiz, Ramón Vázquez (quien los convoca), Eric Figueroa, Jorge Laboy y Tony Escapa; el grupo Hologram; el Taller de Música Caribeña y Jazz de la Universidad de Puerto Rico en Río Piedras; San Juan Dixieland Band (compuesto por alumnos del Conservatorio de Música de Puerto Rico); miembros de la Banda y la Tuna Escolar de Cidra, y del estudio de violín Mi, La, Re, Sol.

Hidalgo dijo tener múltiples proyectos en agenda desde el año 2000 que no ha podido completar, entre ellos un tributo a Tito Puente y otro a leyendas del jazz. “Yo creo que ahora es el momento de desarrollarlos”, afirmó, haciendo un llamado al País a hacer lo propio: “Sigan su intuición benévola, de sacrificio, de labor, de armonía, de paz, de música, de adelanto espiritual y salud, que a la larga salimos a flote. Mañana es un día más fructífero”.

Tres semanas atrás Renzo Padilla estrenó su nuevo tema titulado "El Bandido", nueva composición suya con arreglos de Ramón Sánchez.

Ayer Renzo estrenó el videoclip del tema (grabado en New Jersey con Oscar Iván al piano, Rubén Rodríguez en el bajo, Maneco Ruiz en la trompeta, Rey David Alejandre en el trombón, Erik Piza en las congas y bongó y Luisito Quintero al timbal) y queremos compartirlo con Ustedes



A propósito de Padilla, él empezará a sonar desde mañana en las radios comerciales con el tema "Si te vas que haré", que grabó el año pasado con José Luis Arroyo "El Lobo" de la Sociedad Privada. Un nuevo logro en la carrera de nuestro crédito salsero.

Paso a paso y Gracias a su talento como sonero, el joven cantante peruano César Vega va afirmando su camino propio en el mundo de la Salsa. Natural de Huacho (ciudad al Norte de Lima), ha empezado a ganar popularidad no solo dentro de nuestro medio sino también en el extranjero, habiendo sido ya requerido al frente de su orquesta en Europa, Sudamérica y los Estados Unidos.

Ahora César acaba de dar el paso que todo músico anhela, la grabación del disco propio, el mismo que lleva por título Coverizando, trabajo que reúne ocho de los temas que normalmente ejecuta en sus presentaciones:
Opening
Hombre Casado
Yo No Soy Un Angel
Te Vi Pasar
La Mitad
Medley Boleros (Homenaje a Héctor Lavoe)
Margie
Incomprendido

El medley de Lavoe incluye los boleros "Taxi", "Ausencia" . Las piezas bailables han sido éxitos en las voces de Paulito FG (con Irakere), Hermán Olivera (con La Exclusiva), Cheo Feliciano, Gilberto Santa Rosa (con Willie Rosario), Adalberto Santiago (con Ray Barretto) e Ismael Rivera.

Los músicos que participaron en la grabación son:
José Guerra - Piano
Juan Chumbiray - Bajo
Juan Ponce - Trompeta
Miguel Cabanillas - Trombón
Paul Estrada - Percusión 
John Flores de la Cruz y Jorge Obregón - Coros

Coverizando es el paso inicial en el mundo del disco para el joven Vega y ya está disponible en las plataformas digitales ITunes, PlayStore y Spotify. Sabrosura!

Escucha Coverizando en Spotify

Por su vibrante riqueza cultural y musical, La Habana ha sido seleccionada para ser la ciudad anfitriona mundial del Día del Jazz 2017. La Directora General de la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO), Irina Bokova, y el músico Herbie Hancock, Embajador de Buena Voluntad de la Organización, anunciaron que la celebración será el 30 de abril y en colaboración con el Instituto del Jazz Thelonious Monk.

Como en cada año, ésta celebración mundial tiene el propósito de poner al jazz como una fuerza de libertad y creatividad, promover el diálogo intercultural a través del respeto y el entendimiento y la unión de los pueblos de todos los rincones del planeta.

Los eventos en todo el mundo culminarán con un concierto que tendrá lugar en el Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso, bajo los auspicios del Ministerio de Cultura de Cuba, el Instituto Cubano de la Música y la Comisión Nacional Cubana de la UNESCO. Durante el concierto, que se transmitirá en directo vía streaming, un extraordinario elenco de artistas rendirá homenaje al jazz como forma artística internacional.

“El foco que este año ponemos en Cuba es testimonio del poder del jazz para construir puentes y unir a mujeres y hombres en torno a valores y aspiraciones compartidos”, declaró la Directora General de la UNESCO, Irina Bokova.

Muchos aclamados músicos y educadores de Cuba y de todo el mundo brindarán actuaciones gratuitas, clases magistrales, talleres de improvisación, jam sessions y otras iniciativas comunitarias. Escuelas, espacios artísticos, centros comunitarios, clubes y parques de La Habana y de toda Cuba serán escenario de eventos relacionados con el jazz desde el lunes 24 de abril hasta las festividades del 30. A todo ello se agregarán miles de actuaciones en vivo y programas educativos y comunitarios que tendrán lugar en más de 190 países de todos los continentes.

La fecha está reconocida como celebración oficial en los calendarios de la UNESCO y las Naciones Unidas. Los actos del día serán posibles también gracias al apoyo de la empresa Toyota, patrocinadora principal de 2017.

La celebración en La Habana del Día Internacional del Jazz este 2017 coincide con el septuagésimo aniversario del ingreso de Cuba en la UNESCO y la fundación de la Comisión Nacional Cubana para la UNESCO.



Blues, montunos y el jazz por venir
Fuente: Granma, Cuba. Por: Pedro de la Hoz

Nada mejor que haber comenzado las jornadas por la celebración del Día Internacional del Jazz, que en esta ocasión tendrá a La Habana como sede central de la cita global convocada por la Unesco en torno al 30 de abril, con un concierto de Bobby Carcassés.

Por iniciativa del maestro y del sello Bis Music, que puso a circular su disco Blues con montuno, el escenario de la sala teatro del Museo Nacional de Bellas Artes se pobló de probados intérpretes que demostraron la vitalidad con que el complejo musical cuajado a orillas del Mississippi a finales del siglo XIX, forma también parte inalienable de nuestra identidad cultural.

Si en el preámbulo, con el estreno del video clip realizado por Mildrey Ruiz sobre La noche, el cha cha cha se asomó al territorio del jazz —arropado por la nómina de Interactivo, banda liderada por Roberto Julio Carcassés, que sirvió también de sostén al concierto—, ya en proscenio, solo con su voz en Son de la loma, Bobby recordó la pauta que desde hace muchísimos años ha cultivado: juntar en una corriente única los modos más auténticos de decir de la música cubana y la norteamericana de matriz africana.

Orlando Maraca Valle (flauta) y Bobby Carcassés

Él es un maestro indiscutible del scat —el arte de la improvisación vocal que alcanzó niveles de excelencia con Louis Armstrong, Ella Fitzgerald y Sara Vaughan, sin olvidar a los precursores cubanos Francisco Fellove y Tony Escarpenter—, con la sabiduría, el ingenio y el buen gusto para definir un estilo propio.

Así fue capaz de apropiarse de clásicos como Tenderly (Gross-Lawrence, 1946) y Night in Tunisia (Gillespie, 1942), experimentar con la guajira (Cubana y sensual) y la rumba (Rumbibop), traer a Benny Moré a un primer plano (Blues con montuno) y rendir tributo al autor de Round midnight con Thelonious Monk-Tuno, para de­sem­bocar en una abrumadora descarga bajo el pretexto del toque latino que Juan Tizol y Duke Ellington adelantaron en 1936 con Caravan.

Entre los más destacados colaboradores de Bobby en el concierto clasificaron los trompetistas Yasek Manzano, esta vez con el fliscorno, y Jesús Ricardo, un jovencito del que mucho se debe hablar en lo adelante; el flautista Orlando Valle, Maraca, y el saxofonista César López, con lecciones de improvisación; el baterista Enrique Pla, un músico en toda la extensión de la palabra, Roberto Julio, pianista imaginativo y fértil; y Rey Baró, espectacular bailarín que funde rumba con tap.

Por si fuera poco subió a escena Horacio Hernández, el Negro, baterista virtuoso pero esencial, que mucho ha tenido que ver con las bases rítmicas en presentaciones y grabaciones de Eddie Palmieri, Carlos Santana, Gary Burton, Michel Camilo y Roy Hargrove.

A partir de este lunes 24 la jornada por el Día Internacional del Jazz se ha intensificado, con énfasis en acciones educativas programadas en la Universidad de las Artes y la Universidad Pedagógica Enrique José Varona, intercambios a los que asistirán profesores y alumnos del Instituto Thelonious Monk, con sede en Washington y extensiones en países de todos los continentes.

En vísperas de la celebración, prevista el propio 30 en el Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso, el Pabellón Cuba acogerá un encuentro excepcional el sábado 29 a las 4:00 p.m., en el que disertarán sobre los vínculos entre el jazz y el cine el notable pianista Herbie Hancock, que comparte con Chucho Valdés el auspicio de la velada, y Quincy Jones, ganador de 23 premios Grammy, autor de la banda sonora del filme El color púrpura, de Steven Spielberg basado en la novela homónima de Alice Walker, y productor y director de la grabación colectiva de We are the world, de Michael Jackson y Lionel Richie.

Esa misma tarde, pero a las 5:30 p.m., en los jardines del teatro Mella la rumba cantará y bailará al jazz y por la noche, en el teatro Nacional, Ruy López Nussa protagonizará un concierto.

Los Salseros de Acero vuelven a hacer de las suyas. El próximo sábado 22 de Julio Lima será testigo del encuentro de tres grandes soneros de la actualidad: Hermán Olivera, Frankie Vásquez y Pupy Cantor, quienes se presentarán en el local del Ministerio de Transportes y Comunicaciones, Jr. Cervantes 159 (entre las cuadras 2 y3 de la Av. Brasil) para ofrecer un show repleto de Salsa Dura.

Por si fuera poco, ellos estarán acompañados del trombonista Jimmy Bosch, para completar un homenaje en Perú al recordado Manny Oquendo, el creador del afamado Conjunto Libre.

Las orquestas nacionales La Chola Caderona y La Fragua completarán el cartel de artistas para esta imperdible noche musical. Mucho soneo!

A comienzos de Marzo salió al mercado el nuevo disco de Jon Secada, titulado To Beny More, with Love, un fino homenaje a "El Bárbaro del Ritmo" que trae a la Big Band dirigida por Charlie Sepúlveda con los arreglos musicales del Maestro Ray Santos.

En un homenaje a la música que oía de niño, Secada reprisa diez éxitos de la discografía de Moré incluyendo una versión de "Como Fue" en la que (gracias a la tecnología) se unen las voces del cantante cubano-americano (sobrino de la vocalista Moraima Secada quien fuera integrante del Cuarteto Las D'Aida y de la orquesta femenina Anacaona) con las del propio Beny.

Con Ustedes el album documentario de To Beny More, With Love de Jon Secada Featuring The Charlie Sepúlveeda Big Band con arreglos de Ray Santos

A continuación secuencias del "make up" y entrevistas a los músicos que participaron en la grabación del nuevo disco de Isidro Infante, con muchos cantantes cubanos: Isidro Infante Presenta Cuba y Puerto Rico un Abrazo Musical

Tito Puente cumpliría hoy, jueves 20 de Abril, 94 años y en su memoria el Hostos Center for the Arts & Culture presentará hasta el sábado 22 una retrospectiva alrededor de la figura de "El Rey"

Las actividades incluyen conversatorios, talleres musicales, proyección de documentales y un concierto donde participarán figuras como José Madera, Carlos Henríquez, Joe Conzo Sr., Johnny Dandy Rodríguez y The Mambo Legends Orchestra.

A continuación compartimos la programación de la retrospectiva en homenaje al legendario músico, uno de los más importantes en la historia de la música latina

Un día como hoy, cuarenta años atrás, debutó en El Gran Combo de Puerto Rico Jerry Louis Rivas Díaz.

Jerry ingresó a la orquesta dirigida por Rafael Ithier para ocupar el lugar que había dejado Andy Montañez, quien había sido contratado por La Dimensión Latina de Venezuela.

Vaya un saludo especial al cantante y tresero, con quien he tenido la ocasión de compartir más de un momento especial en los cuales me demostró, además de sus cualidades musicales, que es un gran ser humano.

Sencillo, generoso y muy preocupado por el futuro de la Salsa, apoyando siempre a la difusión del trabajo de los más jóvenes,
Felices 40s Jerry... Y después que le pongan Salsa!!!

Para el productor Ramón Sánchez la última generación de salseros tiene que apostar a la originalidad si quiere sobresalir en el género.

Fuente: Primera Hora, Puerto Rico. Por: Brenda Peña López

Nuevas voces han surgido en la escena puertorriqueña de la salsa durante los últimos 15 años y han despertado con sus propuestas la esperanza de que mantendrán con vida el género.

Figuras de la llamada “nueva generación”, como NG2, N’ Klabe, Juan Pablo Díaz, Orquesta El Macabeo, Willito Otero, Pirulo y la Tribu y Carlos D’ Castro han buscado con sacrificio y tesón un lugar dentro de un género cuya fanaticada históricamente ha sido evasiva a todo aquel estilo que se aleja de lo tradicional.

Pero entrar en el corazón de los salseros de la mata no es el principal obstáculo que enfrentan estos talentos jóvenes para poder ser considerados los sucesores de todos esos boricuas que tienen su nombre estampado en la historia de la salsa. De acuerdo con el productor y arreglista puertorriqueño Ramón Sánchez, con los cambios en la industria de la música, cada día es más difícil que un artista nuevo trascienda países y generaciones, como lo hicieran Héctor Lavoe, Ismael Rivera, Cheo Feliciano y Tito Puente, y tal cual ocurre con cantantes como Gilberto Santa Rosa, Víctor Manuelle, El Gran Combo de Puerto Rico, Tito Nieves, Cano Estremera, Tito Rojas y Jerry Rivera, entre otros. 

Es harto conocido que ante la merma en las ventas de discos que vino con la digitalización de la música, cada día existen menos compañías disqueras que quieran invertir en un artista y brindarles exposición mediática e internacional. Esa divulgación es vital para el éxito de cualquier artista.

“La salsa siempre ha estado en buenas manos, no solo con esta generación, sino con todas las que yo he tenido la oportunidad de trabajar. El único handicap (obstáculo) que tienen estos jóvenes en particular es que una parte bien importante de la ecuación, que es la compañía discográfica o la persona que hace la inversión, está ausente”, explicó el también profesor de la Universidad Interamericana.

“Estamos en un momento en el que crear estrellas como las que se creaban antes, o sea, crear ese culto, es un poquito más complicado. Crear un salsero de la magnitud de Gilberto (Santa Rosa) o Víctor (Manuelle), lo veo bien complicado porque ellos tienen una trayectoria, llevan de 20 a 25 años grabando, siendo megaexitosos, habiendo tocado en todos los rincones del mundo al igual que El Gran Combo, eso le falta a la generación de ahora, poder tener esa exposición”, opinó.

El pianista, que ha trabajado con el “Caballero de la Salsa”, Víctor Manuelle, Andy Montañez, Maelo Ruiz, Yandel, y algunos de los artistas de la nueva generación, destacó que si bien la música es un arte, cuando esta se convierte en negocio hay que tener en cuenta que el trabajo que se haga resulte atractivo en y fuera de Puerto Rico.

“Cuando es comercio, escribo arreglo y produzco para mi target y me quito un poquito el sombrero de músico en ese momento porque hay que hacer música para que guste fuera de los 100 X 35 (medida aproximada de la Isla)”, sentenció.

“Hay que crear éxitos que sean exportables”, reiteró.

También exhortó a los nuevos salseros a no tener miedo en explorar estilos nuevos, pues podría ser así que encuentren aquel aspecto que los diferencie del resto. Ejemplo de lo anterior, mencionó, es la propuesta con que la voz de "Loco pero feliz" se pegó en 2013.

Francisco Rosario "Pirulo"

“Pirulo siempre fue bien diferente, no se parecía a nada. Las personas que le apostaron a él, le apostaron al 100% y el tipo tuvo un buen equipo de trabajo, se mercadeó superbién”, subrayó.

“Cuando Willie Colón sale, que fue a mediados de los 60, lo que dominaba en la ciudad de Nueva York eran los big bands -Tito Puente, Tito Rodríguez, Machito-, salen estos tipos vestidos calle, tocando una música bien calle con una instrumentación bien reducida e impactan porque la gente no lo vio venir. Ese es un tipo que cambió muchas de las cosas que estaban pasando en la salsa. Cuando Rubén Blades introdujo la lírica social a la salsa, también cambió lo que estaba pasando. Y así, cada época ha tenido una figura destacada”, continuó.

Basado en su experiencia de 30 años en la música, Sánchez instó a los nuevos talentos a emular la manera en que trabajan los artistas urbanos, aprovechar aun más las ventajas que proveen las redes sociales y plataformas digitales, y apostar mayormente por la creación y lanzamiento de sencillos, en lugar un disco per sé.

“Yo creo que si los jóvenes, como están haciendo los artistas de la música urbana, crean su idioma, crean su manera de arreglar, su manera de producir, su manera de hacer sus letras y buscan su manera de promoverse sin depender de otros medios que les puedan cerrar las puertas, yo creo que se puede (trascender)”, afirmó.

“Tratar de rememorar épocas puede ser que le funcione a uno o a dos, pero no va a crear ese culto que crearon un Willie Colón y un Héctor Lavoe en su momento porque ellos se salieron de todo lo que permeaba”, añadió.

Aun cuando no se cuente con el apoyo de una disquera o un inversionista, señaló es fundamental el poder tener un equipo de trabajo que incluya un experto en medios de comunicación que se encargue de desarrollar las estrategias para mercadear su figura y producto de la manera más eficaz, sobre todo en esta era en que los artistas muchas veces escriben, producen, arreglan, graban y mezclan su música.

“Hace falta buscar la manera de que se pueda crear un movimiento que les dé más exposición y se cree esa fanaticada que hace falta porque, por ejemplo, muchos de estos compañeros jóvenes viajan Latinoamérica. En contraste con otros países, allá pasan fenómenos bien raros. De repente, algún programador de radio le gusta una canción y la empieza a promover y la pega”, puntualizó.

Mongo Santamaría (derecha) al lado de Israel Lopez Cachao

Un día como hoy nació Mongo Santamaría, uno de los más importantes percusionistas en la música cubana de todos los tiempos.

Muchas notas biográficas anotan que Mongo nació en 1922, mientras que otras fuentes indican que nació cinco años antes, en 1917. Es decir que hoy estaríamos el centenario del natalicio del gran músico cubano.

Sean 100 ó 95 los años que Mongo cumple, es motivo para recordar su vida y obra musical. Con tal motivo, recordamos un artículo que escribimos para el portal perusalsa.com el 4 Febrero 2003, pocos días después que Santamaría falleciera (Mongo murió en Miami el 1 Febrero 2003)


AFRO-MONGO : UN TOQUE DE RECUERDO PARA MONGO SANTAMARIA

“Saludando señores, con un ritmo tropical……..
Descarga de bongó, bongó, bongó …”
Así recitaba Johnny Pacheco abriendo uno de aquellos históricos conciertos de la Fania en los 70s y dando paso a aquella monumental descarga “Congo Bongo”, disputa musical entre el percusionista principal del “All Stars” Ray Barretto y uno de los invitados especiales de aquel conglomerado, el recientemente desaparecido tamborero cubano Mongo Santamaría, para entonces un nuevo asimilado al imperio discográfico de aquellos años, pero con un curioso y vasto curriculum musical que siguió alimentando hasta no hace mucho.

El tambor de Mongo abarcó desde el típico estilo cubano del son tradicional hasta el sofisticado jazz afrocaribeño, su toque rindió tributo a las deidades africanas lo mismo que sirvió de puente entre los ritmos americanos y latinos y su obra influyó tanto en sus contemporáneos como en músicos e intérpretes más jóvenes y de diversos orígenes. Así, alguna vez el propio Tito Puente dijo: “Mongo me adelantó en la rumba y el son más que si hubiera ido a una universidad”. Nosotros podemos recordar una muestra de aquella influencia, no muy lejos y no hace mucho: la ganadora del Grammy Latino, nuestra Susana Baca, le rindió tributo en sus dos conciertos de fines del 2002 en Lima con una singular versión de Afro Blue (con letra adaptada de Ricardo Pereira y la invocación inicial de Juan “Cotito” Medrano: “para ti Mongo”) tema compuesto por el cubano en 1959 y que es uno de los principales standars del latin jazz contemporáneo.

La suya fue una respetada carrera que sólo una enfermedad a las manos detuvo, hasta su parada final en un hospital de Miami el sábado 1 de Febrero de 2003. La historia empezó en La Habana, Cuba, el 7 de Abril de 1922 (¿o 1917?), fecha de nacimiento de Ramón Santamaría. Durante la edad escolar empieza el apego por la música y, aunque en un primer momento se inclina a convertirse en violinista, oye “el eco del tambor” que lo embruja, optando por la percusión.

Terminado el colegio, el joven Ramón inicia su carrera profesional llegando a tocar conga y bongó en el Club Tropicana, el local más importante en la Cuba de los 40s, bajo las órdenes de Armando Romeu y luego con el Conjunto Matamoros y el Conjunto Azul. Para entonces gustaba tanto de la música cubana y de sus exponentes como el legendario Luciano “Chano” Pozo, con quien llegó a alternar en escenarios de La Habana, como del jazz americano, en especial de la big-band de Duke Ellington.

Sin embargo, por aquellos años Santamaría alternaba su pasión musical con el oficio de cartero. Ya era percusionista regular en el Hotel Sans Souci y en Mayo de 1948 decide aceptar la propuesta para viajar a Mexico como bongocero del grupo de baile The Black Diamons (donde brillaban los célebres bailarines Lilón y Pablito). Allí se une al grupo del Maestro Dámaso Pérez Prado y de regreso a New York alterna en la charanga de Gilberto Valdés y en Los Dandies de Johnny Següí. Ingresa como tumbador a la orquesta del timbalero Tito Puente, quien para entonces ya combinaba lo afrocaribeño con el jazz, género en el que, para entonces, predominaba el be-bop. Con el futuro Rey del Timbal, Santamaría estuvo por espacio de seis años participando en las grabaciones de discos como Cuban Carnival, Cubarama: Let's Cha Cha, Mambo Beat...The Progressive Side Of Tito Puente (Vol. 1), Top Percussion y los clásicos Puente in Percussion (experimental disco de percusión pura donde participan Puente, Willie Bobo y Patato Valdés) y DanceMania.

Hacia 1957, Mongo deja su lugar en la banda de Puente al conguero Ray Barretto y empieza su estadía regular en el quinteto del vibrafonista Cal Tjader, músico abocado al latin jazz en la Costa Oeste y con quien graba placas como Cal Tjader's Latin Concert, Black Hawk Nights, Más Caliente, Black Orchid, Concert at the Campus, Latino Con Cal Tjader y Los Ritmos Calientes. En 1958 debuta como líder de banda con el disco Yambú, dedicado a la santería africana, y en 1959 graba Mongo (diminutivo de Ramón con el cual lo empiezan a llamar), donde incluye su composición Afro Blue que ganó fama mundial en la versión del saxofonista de jazz John Coltrane. Por entonces regresa a Cuba brevemente y graba dos discos con Merceditas Valdés y El Niño Rivera.

Empezados los 60s, Mongo ya es uno de los nombres principales del jazz afrocaribeño, género que sufre una merma en popularidad debido al boom del rock and roll. Una noche de 1962 en un club del Bronx y debido a la escasa concurrencia a una de sus presentaciones, el cubano permite el estreno de una composición de su pianista suplente Herbie Hancock titulada Watermelon Man,  que, escuchada por el productor Orrin Keepnews, es grabada de inmediato por el sello Riverside y lanzada al mercado en 1963. El resultado: el puesto 10 en el ranking pop de los Estados Unidos, algo nunca alcanzado hasta entonces por algún músico latino, excepción de Pérez Prado.

Ese mismo año Mongo y su banda sirven de soporte a una recién llegada cantante cubana, quien buscaba repetir la fama (producto de su peculiar y “escandaloso” estilo) ganada en la isla. La cantante se llamaba Lupe Yoli Raymond y el disco se tituló Mongo introduces La Lupe, preludio en New York de la carrera de la más electrizante vocalista femenina que ha dado el género.

Con Watermelon Man el camino a seguir estaba señalado: nacía el latin-soul, mezcla del jazz y el R&B con toques latinos, que sería el nuevo estilo abrazado por Mongo, uno en la misma dirección del naciente boogaloo,  pero en sentido opuesto a éste. El gran éxito de este tema le abrió las puertas de la poderosa disquera Columbia, donde grabaría una serie de discos instrumentales con el estilo ya mencionado. Para entonces comienza su asociación con un joven trompetista americano, Marty Sheller, quien se volvería su arreglista principal y director musical y en 1969 vuelve a trepar en los charts del pop americano con el tema Cloud Nine.

En 1971 firma para Atlantic donde solo graba dos producciones, cuando es reclutado por Johnny Pacheco, un camarada de la época de la charanga de fines de los 50s, quien ya era el cerebro musical del creciente sello Fania. Los gustos musicales de los latinos habían cambiado y Mongo era un ilustre deconocido para la juvenil audiencia seguidora de la nueva SALSA. Establecido en Vaya, una división de la disquera latina, Mongo modificó en algo su estilo musical, pero siempre envuelto en aires jazzeados, algo poco recomendable, desde el punto de vista comercial, para la época.

Sin embargo Mongo recibe el espaldarazo de Fania cuando es invitado con su grupo a alternar en las presentaciones del ostentoso All Stars del sello. Una de aquellas actuaciones es lanzada al mercado en 1974 con el título de Live at Yankee Stadium y en su nuevo grupo, además de Sheller figuran los jóvenes Luis “Perico” Ortiz y Justo Almario, además del peruano Héctor Veneros.

Parte de dicha actuación aparece en el film Salsa, producido por Jerry Masucci para la Fania All Stars, donde Mongo interviene como invitado especial, lo mismo que viaja con dicho grupo al Japón y graba algunas placas como Rhtythm Machine.

La asociación con Fania-Vaya dura hasta 1980, lapso en el que realiza un disco por año, entre ellos el Afro-Indio, ganador de Grammy en la categoría de música latina en 1977 y el recordado Ubané, grabado con el sonero cubano Justo Betancourt.

Empezando los 80s, el ya reconocido conguero se une al legendario jazzista Dizzy Gillespie y a Toots Thielemans para una presentación en Montreux y la grabación del disco Summertime, tras lo cual ocurre un silencio discográfico de más de un lustro, interrumpido por una invitación de Carl Jefferson, del sello Concord, para volver a los estudios de grabación en 1987 con el disco Soy Yo, que tiene como invitado en el piano a Charlie Palmieri, y una serie de grabaciones hasta 1990, entre ellas una en vivo en el Jazz Alley. Por entonces se lo puede ver por breves segundos en el film Salsa It’s Hot, donde también figuraron Palmieri, Celia Cruz, Willie Colon, el Grupo Niche y Wilkins.

Son los nuevos tiempos del latin jazz y Mongo se adecúa a ellos con facilidad. Se reencuentra con su viejo amigo Tito Puente y participa en 1992 del Golden Latin Jazz All Star's, grabando los discos Live At The Village Gate e In Session, donde cede simbólicamente su “trono” en la percusión latin-jazzera a Giovanni Hidalgo. De esa época data el disco póstumo de Puente, Live At The Playboy Jazz Festival, editado el 2002, y donde Mongo también forma parte de la banda.

En los 90s, participa como invitado en varias producciones de figuras como Poncho Sánchez y otros más, quienes le rinden merecidos homenajes por su longeva carrera. En 1993 se le dedica en Puerto Rico el Festival de Jazz de Heineken y en 1995 edita su último disco titulado Mongo Returns! en el sello Milestone. Entre 1998 y 1999, Columbia y Rhino Rcds. lanzan al mercado distintas recopilaciones que incluyen cortes inéditos. Los años mermaron su condición física y el nuevo siglo lo encuentra ya retirado de toda actividad artística, lo que le impide participar del proyecto The Conga Kings que reunió a figuras de la talla de Patato Valdés, Candido Camero y Giovanni Hidalgo.

Lo más reciente es conocido. Tras sufrir un ataque cardiaco la última semana de Enero 2003, es internado en una clínica de Miami, donde el sábado 01 se acalló su vida. Enterrado ayer, lunes 3, en un cementerio de la Florida, su aporte a la fusión de las culturas africana-latina-americana enriqueció el desarrollo del género con una versatilidad poco común. Un toque de silencio para ti, descansa en paz, Mongo Santamaría.

EDUARDO LIVIA DAZA
04 de febrero de 2003

COMPAÑEROS RECUERDAN A MONGO SANTAMARIA

Algunas de las principales figuras de la escena musical afrocaribeña manifestaron su pena por la partida, el pasado sábado 1, del conguero cubano Ramón “Mongo” Santamaría. Estas declaraciones fueron brindadas al periodista boricua Jaime López y publicadas en el diario El Nuevo Día.

"Mongo significó mucho para el desarrollo de lo que llamamos latin jazz. Aparte de ser un tremendo tamborero, fue una persona muy buena y todos aprendimos de él", dijo desde Miami el trompetista cubano Arturo Sandoval.

Desde Nueva York, Carlos "Patato" Valdés recordó entre sollozos que en la década del 50 Mongo lo ayudó a gestionar el pasaporte para trasladarse a Estados Unidos: "vivimos juntos en un apartamento en la Calle 31 con la Séptima Avenida. En 1953 me envió el affidavit para venir a Nueva York. Es muy triste. Se me fue un compañero, amigo, hermano y padre".

Otro percusionista que lamentó su partida fue el puertorriqueño Ray Barretto, quien ocupó su banqueta en la orquesta de Tito Puente.

"El dejó una marca bien fuerte en la orquesta de Puente y yo, que era joven, sentí la presión de mantener el estilo, la fuerza y su dominio del ritmo. Me inspiró y aunque nunca fuimos amigos, siempre lo respeté y admiré", comentó Barretto.

Larry Harlow expresó que Mongo fue el percusionista cubano que más aportó al desarrollo del jazz: "primero Mongo y después se puede hablar de Armando Peraza, Cándido y Patato. Lo conocí bien porque estuvimos de gira por el mundo. Mongo es un caballero. Nunca habló mal de nadie y siempre tuvo consejos para la juventud".

Eddie Palmieri recordó que a fines de la década del 60 Mongo abrió las puertas del mercado estadounidense a los músicos latinos con el éxito Watermelon Man de Herbie Hancock: "nadie había oído un tambor como el de Mongo. También fue tremendo bongocero. Con su arreglista Marty Sheller y su representante Jack Hooke llevó muy lejos nuestra música".

DISCOGRAFIA COMO LIDER DE BANDA

Yambu - Afro Roots (Prestige 24018) 1958
Mongo (Fantasy) 1959
Our Man In Havana (Fantasy 24729) 1960
Chango Afro Cuban Drums (Tico 1017)
At The Blackhawk (Fantasy 24734) 1962
¡Arriba! (Fantasy 24738)
Viva Mongo (Fantasy 2095)
Mighty Mongo (Fantasy 2349)
Explosion (Riverside 3008)
¡Sabroso! (OJC 5281)
Go Mongo (Riverside 423)
Mongo Explodes (Riverside 3550)
Watermelon Man (Riverside) 1963
Mongo Introduces La Lupe (Milestone 9210) 1963
Mongo At The Village Gate (OJC 490) 1963
El Pussycat (Columbia 9098)
La Bamba (Columbia 9175)
El Bravo (Columbia 9211)
Hey, Let’s Party (Columbia 9273)
Mongo Mania (Columbia 9412)
Explodes at the Village Gate (Columbia 9570)
Soul Bag (Columbia 9653)
Stone Soul (Columbia 9780)
Working on a Groovy Thing (Columbia 9937)
All Strung Out (Columbia 9988)
Afro American Latin (Columbia 62220) 1969
Dock of the Bay (Columbia/Harmonic)
Mongo '70 (Atlantic) 1971
Mongo At Montreux (Atlantic 6401) 1971
Mongo's Way (Atlantic 1581)
Up From the Roots (Atlantic 1621) 1972
Feeling All'right (Atlantic)
Fuego (Vaya 18) 1973
Live At Yankee Stadium (Vaya V 26) 1974
Afro-Indio (Vaya 38) 1975
Ubane – con Justo Betancourt (Vaya V 44) 1976
Sofrito (Vaya V 53) 1976
Drums And Chants (Vaya 56) 1977
Dawn (Amanecer) (Vaya 61) 1977
A La Carte (Vaya 74) 1978
Mongo-Mongo (Vaya 76) 1978
Red Hot (Columbia) 1979
Images (Vaya V 92) 1980
Summertime (OJC 626) 1980
Mongo Magic (Roulette 79001) 1983
Free Spirit (Tropical Budda 002)
Soy Yo (Concord Picante 4327) 1987
Soca Me Nice (Concord Picante 4362) 1988
Olé Ola (Concord Picante 4387) 1989
Live At Jazz Alley (Concord Picante 4427) 1990
Mambo Mongo (Chesky 100) 1993
Mambo Mongo: Fania Super Hits (Fania 77)  1994
Brazilian Sunset (Candid 79703) 1995
Mongo Returns (Milestone 9245) 1995
Skin On Skin: The Mongo Santamaria Anthology (1958-1995) (Rhino 75689)  1999
Afro-Roots (Prestige 24018)

Fuente: Fundación Nacional para la Cultura Popular, Puerto Rico. Por Jaime Torres Torres

Descubrió a Ray Barretto en la esquina del barrio Galán de su natal Bogotá.

Allí tuvo unos vecinos, procedentes de Cali, que literalmente escuchaban sus discos de salsa durante la mañana, tarde y noche.

Si bien pudo escribir sobre paisanos como Joe Arroyo o el Grupo Niche, el periodista y locutor colombiano Robert Téllez Moreno enfocó su primer libro en la carrera del percusionista y director de orquesta boricua Ray Barretto, cuyo libro “Fuerza Gigante”, en honor de la composición del pianista Gil López y el conguero de las Estrellas de Fania, compartió con este medio durante su reciente visita a Puerto Rico.

Motivo de orgullo patrio que un comunicador de otra latitud asuma el proyecto de documentar la vida de una leyenda de nuestra música, la obra –con prólogo del profesor universitario y productor radial Elmer González Cruz- pasa revista a los inicios de Barretto en el jazz; la influencia del Barrio Latino; la época de su charanga La Moderna; su etapa con United Artist; su firma con Fania y su retorno al jazz al frente de la banda New World Spirit.

“En 2011 organicé un homenaje a Barretto por motivo de los cinco años de su fallecimiento y en mis archivos de entrevistas encontré varios músicos que habían trabajado con él, como Orestes Vilató, Tito Allen, Oscar Hernández, Adalberto Santiago y Ray de la Paz. Recordé que se habían publicado varios libros dedicados a la salsa, como los de Héctor Lavoe, Tito Puente, Celia Cruz e Ismael Rivera y me motivé a escribir sobre Barretto porque me pareció que en ese momento estaba un poco olvidado”, dijo el autor.

Así, se fijó como meta el 2016, año del décimo aniversario de su muerte, con el interés de exaltar y resaltar el legado del Rey de las Manos Duras.

Téllez superó tropiezos como la falta de tiempo y la imposibilidad de viajar a Puerto Rico y Nueva York, aparte de que a ninguna de las editoriales en Colombia le interesó el libro. Hasta que Ediciones Unos & Otros, con sede en Miami, se interesó en su publicación.

Cinco años demoró la investigación que, gracias a los contactos sugeridos por el fenecido José M. Lugo, incluyó entrevistas con Annette ‘Brandy’ Rivera, la viuda de Ray, y George Rivera, su amigo íntimo, entre otras personalidades.

“Ray Barretto será uno de los referentes de siempre para cualquier persona que se acerque a la historia de la salsa. Como uno de los líderes de orquesta, que tuvo una orquesta de la denominada salsa dura en la ciudad de Nueva York”, afirmó Téllez, quien presentó el libro en Miami, luego en Colombia durante la pasada Feria de Cali y recientemente en el Museo de la Salsa de Roberto Padilla en Caimito, Río Piedras.

El impacto de Barretto en Colombia es indiscutible. Lo sustenta la militancia en su orquesta de salsa del pianista colombiano Eddie Martínez y décadas después en su New World Spirit la presencia del pianista Héctor Martignón y el saxofonista Jay Rodríguez.

“Lo vi tocar en vivo en varias ocasiones. La primera en Cali en 1995, cuando se hizo la gira de las Estrellas de Fania, luego del álbum grabado en 1994 en Puerto Rico. Recuerdo muy bien la sensación que causó en el público la interpretación de Ray con Adalberto de ‘Quítate la máscara’ que en los clubes de salsa se convirtió en una de las más solicitadas en esa época”, detalló Téllez, que también comenta en su libro las visitas de Barretto con su New World Spirit a Cali y Bogotá.

Robert Téllez, cuyo álbum favorito es “El ‘Ray’ Criollo”, editado por United Artists en 1966, incluye fotos, carátulas, una discografía detallada y letras de algunas de sus composiciones.

El autor reitera su agradecimiento a Dios, a su esposa e hijos, a su amigo Elmer González Cruz, a su editor Armando Luyola y en particular al fenecido José M. Lugo, quien canalizó las entrevistas a George Rivera y la viuda Brandy Rivera.

“He mantenido un archivo de las entrevistas que he realizado desde que empecé en la radio, que es como mi gran biblioteca sonora y es una fuente de continuas referencias. Esto surgió debido al ejercicio periodístico al que nos dedicamos desde 1999, luego de que estudiara comunicación, periodismo y locución de radio y televisión. He tenido la fortuna, desde que ingresé en la radio colombiana, de tener espacios al aire en las distintas estaciones por las que hemos pasado dedicados completamente a la salsa”.

El libro “Ray Barretto Fuerza Gigante” se consigue en los formatos tangible y digital en amazon.com

La oportunidad de empezar una carrera como cantante salsero. Eso es lo que ofrece el concurso de Juventud Salsera "Concurso de Canto Perú".

Dirigido a jóvenes hasta los 28 años de edad, el concurso ofrece al ganador un premio de USD 500 y la oportunidad de realizar una gira nacional e internacional.

Para participar, los concursantes deben preparar un video y enviarlo al correo juventudsalseraperu@gmail.com

Se trata de una buena oportunidad para iniciar una carrera en el mundo de la Salsa

Fuente: Granma, Cuba. Por: Ricardo Alonso Venereo

Desde su fundación, la orquesta Charanga Forever ha contado con la presencia de jóvenes músicos que le han aportado frescura y altos niveles de aceptación entre el público bailador de dentro de la Isla y del exterior.

Hoy, cuando se prestan a celebrar su cumpleaños 18, una nueva pléyade de jóvenes egresados de las escuelas de arte de nuestro sistema de enseñanza artística, integran esta destacada orquesta. Ellos se prestan a iniciar, este martes 4 de abril, una gira por barrios de la capital y de las provincias de Artemisa y Mayabeque, en saludo también al aniversario 55 de la UJC.

Según confesó a Granma  su director, el maestro Isaac Bocalandro, los muchachos están entusiasmados pues ofrecerán su música a miles de jóvenes igual que ellos, con una gran dosis de amor. Son muy talentosos y trabajadores, enfatizó Bocalandro, quien se siente muy orgulloso de ellos, porque son parte de una actual generación que sigue el camino de prestigiosos músicos que en algún momento pasaron por la orquesta.

La presentación en el Instituto Universitario de Farmacia y Alimentos, ubicado en el reparto La Coronela, en la Lisa, el mismo día 4 de abril a las 8:30 p.m. marca el inicio de la gira que los llevará el viernes 8 a las 10:00 p.m. hasta 124 y 33, en Marianao; el sábado 8 se presentarán en San Antonio de los Baños; el viernes 14 a partir de las 10:00 p.m. se harán sentir en el reparto Eléctrico, en Arroyo Naranjo y el viernes 21 a la misma hora en la Plaza Roja del municipio de Diez de Octubre, pondrán al público a bailar.

Igual harán el viernes 28 a las 10:00 p.m. en la Avenida Los Cocos en el reparto Alamar, de La Habana del Este y el sábado 29 en Güines. El domingo 30 en horas de la tarde en el Salón Rosado Benny Moré de La Tropical, será el gran cierre de la  gira en la que la Charanga Forever  promocionará temas nuevos que incluirá en una nueva producción discográfica con Bis Music, de Artex.

«Mil veces yo, es el nombre que llevará nuestro quinto disco. Han pasado muchos años desde la primera grabación: La Charanga soy yo, que hicimos entonces con Bis Music. Entre los temas de este nuevo CD están el que le da título al volumen, explica Bocalandro.

«Repasaremos temas de anteriores discos como Tú eres mi mecánica y Tumbando,  y vamos a invitar a músicos que pasaron por la orquesta como el bajista Pedro Pablo Gutiérrez, el saxofonista y flautista Jorge Emilio Mora, el pianista Juan Carlos González y el cantante Armando Cantero, conocido como Mandy Van Van», comentó su director.

Defensores de nuestra música popular bailable, Isaac  Bocalandro y la Charanga Forever, tienen muy bien definido quién es el principal destinatario de su música, el pueblo, y específicamente los jóvenes. «Si nos hemos mantenido con éxito entre las orquestas salseras del país es porque respetamos mucho al bailador y no hacemos concesiones. Claro que utilizamos timbres y sonoridades más actuales, que nos acercan cada vez más a la juventud de hoy pero siempre respetando nuestras raíces musicales», agregó Bocalandro.

Sin dudas, esta nueva gira por los barrios de la Charanga Forever dejará una importante huella en su joven colectivo y en la experiencia de su director, empeñado en ser siempre un músico enamorado de su país y su cultura.

Ayer por la tarde Ismael Miranda plasmó sus huellas en el Paseo de la Música ubicado en el Jr. Hualgayoc Cdra. 4.

Acompañado del alcalde Enrique Peramás, funcionarios municipales y vecinos rimenses, el "Niño bonito de la salsa" en un gran gesto con nuestro distrito, plasmó sus huellas e inmortalizó toda su trayectoria en el Rímac, y deleitó al público presente con un canción "a capela"