Ya hemos presentado la historia del video perdido del programa dedicado a Héctor Lavoe que hiciéramos en Oye lo que te Conviene, para el cual Hugo Abele había llevado algo especial: parte de las filmaciones que él mismo realizó aquellas seis noches de Agosto de 1986 en las que Lavoe cambió la historia de la Salsa en el Perú.

Tal como pasó con la entrevista en La Mula TV, la grabación que Abele llevó para el programa quedó también “extraviada” y la búsqueda de una llevó a la búsqueda de la otra.

Hoy que Héctor cumple 70 años, El blog de El Salsero y La Mula tienen el gusto de presentar los fragmentos que el recordado conductor de Sonido Latino y amigo personal de El Cantante de los Cantantes llevó cuatro años atrás para nuestro programa, pero que no salieron al aire.

Filmados por él mismo treinta años atrás son un documento realmente histórico que nos trae a Lavoe en otras de las seis noches de la Feria del Hogar, diferentes a la que América TV grabó y que tiene cientos de miles de visitas en Youtube.

Regresemos a Agosto de 1986 y celebremos los 70s del “hijo predilecto del Callao” reviviendo aquellos momentos que lo convirtieron en ídolo eterno, inmortal. Héctor vive más que nunca, ¡Feliz Cumpleaños Lavoe!

Fuente: Granma, Cuba. Por: Pedro de la Hoz

Víctima de un paro respiratorio falleció este viernes a los 49 años de edad, en la capital cubana, Pedro Fajardo Alfaga, violinista de la orquesta Los Van Van.

Excelente intérprete de su instrumento y poseedor de una carismática personalidad. Pedrito, natural de Pinar del Río y diplomado en el Instituto Superior de Arte, se incorporó en 1994 a la mítica formación fundada por Juan Formell, luego de haber integrado la Charanga Habanera.

Una buena manera de recordar a Héctor Lavoe es escuchar a Willie Colon. Justo el día de hoy, en que Lavoe cumple 70 años, Willie ofrece una entrevista a W Radio donde habla (por supuesto) de Héctor, Rubén y mucho más.

Escúchenlo acá

Fuente: Utero.pe  Texto: Miguel Flores-Montúfar /Ilustración: Javier Chinchay Ríos


El mensajero

Cuando Rubén Blades llegó a Estados Unidos, era un joven abogado recién egresado de la Universidad de Panamá. Entendió pronto que las condiciones políticas en su país le impedirían el libre ejercicio de su profesión, así que fue a Miami, a darle el alcance a su familia. Durante un tiempo intentó arreglárselas, pero no encontró los medios. Entonces levantó el teléfono y llamó a Fania, el sello salsero más importante de Estados Unidos, cuya oficina estaba en Nueva York. Se ofreció como cantante y compositor. Nada, todas las plazas estaban ocupadas. Antes de colgar, tirando la última moneda, preguntó si había algo más, cualquier vacante para cualquier tarea. “Nos hace falta un mensajero”, le respondieron. Perfecto, lo tomó: desde entonces sería mensajero.

La irrupción de Rubén Blades en la salsa ocurriría todavía unos años más tarde. Primero fue, en efecto, mensajero. Luego realizó algunas composiciones. Luego hizo coros para la orquesta de Ray Barretto, una de las estrellas de Fania. Finalmente conocería a Willie Colón, que por entonces estaba separándose de Héctor Lavoe. Escribió para ellos una canción, El cazanguero, con la intención de que Lavoe la cantara, pero este se negó y le sugirió que lo hiciera él mismo. El tema aparece en El bueno, el malo y el feo, el último disco de la etapa Colón/Lavoe. En los siguientes álbumes de Willie, el cantante y compositor sería Rubén Blades.

Colón le dio a Blades algunos elementos necesarios para el éxito. El primero fue el prestigio que gozaba luego de su etapa con Héctor Lavoe, en la que habían explorado ritmos tradicionales afrocaribeños y los habían mezclado con el sonido de las calles de Nueva York. El segundo fue esa postura, casi ética, de que salsa debía estar siempre descubriendo posibilidades, que era precisamente lo que Blades intentaba hacer. Y el tercero fue la absoluta libertad creativa: aunque la relación entre ambos, vista en perspectiva, parece que nunca fue más allá de una amistad profesional, es evidente que fue en extremo productiva.

Blades convirtió en letras de salsa los asuntos que agobiaban a la sociedad, entonces y ahora, para señalarlos y denunciarlos: la pobreza, la arrolladora superficialidad del consumismo, la migración, la cárcel. Su trabajo fue bautizado como salsa-consciencia (o salsa con-ciencia), y tuvo, creo yo, mejores resultados musicales que mucha trova latinoamericana, por entonces muy moda. Eso, en buena medida, gracias a que nunca invirtió las prioridades: la música y la historia van primero. Luego viene el mensaje.

Porque Rubén Blades, aunque se haya dedicado a un sinnúmero de oficios (cantante, abogado, compositor, político, ministro de Estado, actor), es sobre todo un contador de historias. Antes que poeta, narrador. Prueba de eso son decenas de canciones, muchas de las cuales hablaremos ahora, pero también álbumes como Maestra vida, una larga crónica familiar emparentada con Cien años de soledad, de Gabriel García Márquez y con Pedro Páramo, de Juan Rulfo. U otros, como Canciones del solar de los aburridos, en los que crea un ambiente propicio para las historias del barrio (Tristes querellas de la vieja quinta, el cuento de Julio Ramón Ribeyro, pudo perfectamente ambientarse en el solar de los aburridos, junto a Ligia Elena y Te están buscando).


Cómo se dice la muerte

Dado a contar historias, Blades no evade el tema de la muerte. Al contrario: hace que sus personajes maten y mueran, los hace morir en la canción o los acerca tanto a la muerte que se ven obligados a hablar sobre ella. Que en su obra haya tantas referencias a la muerte es una evidencia de que sus canciones son narraciones biográficas, perfiles, crónicas urbanas, cuentos.

He recogido aquí algunas de ellas. Como decía, no en todas muere alguien, pero en todas se habla de la muerte. En algunas (Sebastián, El padre Antonio y el monaguillo Andrés) mueren los personajes; en otras (Amor y control, La canción del final del mundo), la cercanía de la muerte obliga a los personajes a reflexionar sobre ella. Y en otras (Desapariciones, El velorio) la muerte está allí, rondando, aunque nadie la mencione.

Cuando empecé a escribir en Útero.pe, a fines del año pasado, pensé hacer un post sobre cómo Rubén Blades encara la muerte en tres canciones distintas. Como una resignada acción de gracias (La canción del final del mundo); como una declaración de amor y de locura (Sebastián) y, finalmente, como una responsabilidad que prefiere ignorarse (Desapariciones). En algún momento abandoné la idea hasta que, hace poco, me di cuenta de que había muchos ejemplos más. Hice una lista de catorce o quince títulos, pero he decidido quedarme con diez, que son suficientes para hacerse una idea.

Hace un tiempo, Blades anunció su retiro de la salsa. Vendrá en algunas semanas a Lima, a despedirse de esa etapa de su vida. Que esta lista sirva, también, para entender mejor por qué lo extrañaremos tanto.

Acabo de descubrir las Crónicas que Wilfrido Vargas viene escribiendo para el Diario Libre de República Dominicana.

Una de las primeras, escrita casi cuatro meses atrás, relata la historia de una de las canciones más hermosas (a mi juicio) interpretada por el famoso merenguero, titulada "El Jardinero".

Gracias al propio Wilfrido, hoy aprendí esta interesante historia que comparto con Ustedes





Fuente: Diario Libre, República Dominicana. Por: Wilfrido Vargas

Como cada cabeza es un universo, en el mío sucede algo cuando suena una melodía haitiana. Esa música produce algo raro en la substancia de mi espíritu. Algo eléctrico en mis emociones se altera. Es una sensación tan extraña como hermosa. Algo tan misterioso como alucinante. Es como entrar en un estado de trance que me hace ver el reino de los cielos.

¿Exagerado? Tengo derecho a expresarme como quien está desvariando y siento que eso me hace bien. Se lo he dicho al sicólogo como si se tratara de una patología: “Escuchar a Tabú Combo o a la agrupación DP Express es la medicación más poderosa contra la ansiedad y la depresión. La música haitiana ME EMBRUJA”. Esas son las dos agrupaciones responsables de que yo tomara el gusto por la música haitiana de una manera demencial.

Tabú Combo es una banda haitiana fundada en 1968 en Pétionville, un suburbio de Puerto Príncipe. Ha actuado en todo el mundo: América del Norte, América del Sur, Europa, África, Asia, y especialmente en el Caribe. Se refieren a sí mismos como “los embajadores del konpa.”

El konpa dirèk es un género musical de Haití. Algunos autores consideran que el konpa es una evolución del meringue o merengue. D.P Express es otra de las agrupaciones más importantes de todos los tiempos. Son una nueva generación de este género.

Un día me propuse un reto: tomar dos canciones de ambos grupos para fabricar una obra. Así como cuando mi mamá tomaba una agujeta con hilo y lograba hacer cosas increíblemente creativas. O, como un árbol de navidad lleno de colores, cristales, flores y todo tipo de cosas pintorescas. Una obra de fantasía, la cual titulé: “El Jardinero”, una especie de homenaje a estos dos grupos.

Esta canción, en su primera parte es una transcripción exacta de una composición de DP Express. La introducción del teclado, los arreglos, la melodía... todo igual. Para componer las letras puse a Trivedi Dacy, mi secretaria de entonces, a buscar en un diccionario todos los nombres de flores posibles. Extraje los que me parecieron más coloridos y se ajustaban fonéticamente a lo que estaba produciendo, no traduciendo. Aclaro esto, porque lo que dice El Jardinero no tiene nada que ver con lo que dice ninguna de las canciones originales, pues yo no sé creole, por tanto no entiendo de qué hablan.

Y luego, como un avión buscando pista, empecé a dar vueltas con justificaciones melódicas y líricas; coros y elementos que nada tienen que ver con ninguna de las dos obras haitianas. Solo pretextos para empalmar una cosa con la otra. De manera que, estas dos obras pasaron a ser nada más que piezas sueltas para el juguete que empezaba a fabricar.

Para el rap en español busqué al mejor hombre para eso: El Súper Frank. Un locutor famoso que le enseñó a República Dominicana que había una corriente llamada rap. Él es un genio, un creativo inigualable, que logra conectar con el público, con un lenguaje juvenil, agradable, efectivo, rápido y fresco.

Hizo un trabajo tan atractivo y comercial que todo el mundo se dio a la tarea de aprenderse ese rap interpretado por Eddy Herrera. El público competía en tarima a ver quién tenía la osadía de hacerlo de manera fiel. Luego llegó el segundo puente para entrar al rap en inglés, también interpretado por Eddy, pero que nadie se atrevía a imitarlo por su nivel de complejidad. Quien osaba interpretarlo era consciente de que iba a hacer el ridículo o a decir disparatadas para que la gente se riera. Pero, independientemente de que lo hiciera mal o bien, si se atrevía se robaba el show de la noche.

Con el personal de entonces era posible hacer este tipo de laboratorio. Para hacer todas esas travesuras también tenía otro as bajo la manga. Ese “as” no era nada más ni nada menos que Jorge Gómez. Lo conocí en septiembre de 1983, en un concierto que ofreció en La Glorieta Buenos Aires, en la ciudad de Puerto Cortez, en Honduras.

Desde un lugar lejano del escenario, alcancé a escuchar una voz que sonaba femenina. Capturó tanto mi atención que dejé con la palabra en la boca a los que estaban conmigo y como un loco fui corriendo, por el centro de la multitud, a ver de cerca a esa muchacha que cantaba como los dioses. Según me fui acercando, se me iba poniendo la piel de gallina al percatarme que la muchacha tenía bigotes. Luego descubrí que era otro fenómeno. Algo fuera de este mundo. Alguien capaz de dominar un falsete con tanta perfección que era imposible diferenciarlo de una cantante soprano. Lo felicité y le pedí que me contara su vida.

Para no alargar más el cuento, solo digamos que le ofrecí que formara parte de mi orquesta. Como en mi orquesta se viaja tanto, no podía estar sin visa americana. Así que me lo llevé a Tegucigalpa, con toda su familia, a la Embajada de Estados Unidos y en dos días les saqué la visa a todos. Después los embarqué en un avión rumbo a República Dominicana.

Estando en Santo Domingo le asigné una tarea no menos compleja que la que le puse a Eddy, (la cual les conté en el pasado artículo: No hay magia para el éxito). No consistía en el rap, sino en darle luz verde para que en el desarrollo de la melodía, hiciera las alteraciones necesarias con tal de que me exhibiera de manera contundente el falsete.

No pretendo darles clases sobre la parte estilística del canto, por lo cual dejaré lo técnico a un lado. Sin embargo, es necesario que explique en qué consiste el falsete, para que puedan comprender su complejidad.

El falsete es un recurso que se utiliza cuando la voz de pecho, o voz normal, alcanza su último agudo. El cantante entonces recurre a esta técnica para seguir subiendo, pero de manera falsa. Es fácil de notar el cambio, porque es como cruzar de una frontera a otra.

Sin embargo, en el caso de Jorge este cambio no es notorio. Él educó su voz de manera que, no se sabe cuándo terminó su voz natural e hizo uso del falsete. Produce la ilusión de una voz mixta. Esto resultaba inentendible porque para cuándo se produjo El Jardinero ningún cantante conocido había hecho uso de este recurso, por lo que no fue fácil asimilar.

Aproveché esa habilidad de Jorge Gómez y le di un casete con la voz de Miriam Cruz como guía. Le dije: “Toma, apréndete eso y haz lo que tú quieras”.

Inmediatamente después que la producción salió al aire, comenzó la controversia. Respecto a Jorge Gómez la gente decía: “¡Pero, qué es eso! ¿Quién es esa cantante que canta tan bello y sube tanto?”. Mientras que de Eddy Herrera se preguntaban: “¿Y quién es ese que habla con tanto ritmo?”, queriendo referirse al rap, pues esta tendencia no era muy conocida para entonces. Luego de que terminaba la parte en español y seguía la versión en inglés, entonces la gente se alarmaba más y decía: “¡Pero y qué vaina es esta, ahora está haciendo lo mismo pero en inglés!

El trabajo demoró en digerirse justamente porque la gente no sabía qué estaba pasando. Era demasiada información para una obra de cuatro minutos. La gente se quedaba en el limbo con ese experimento que se le adelantó al reguetón. Cuando al fin se logró asimilar esta producción, duró 12 semanas consecutivas en los primeros lugares de preferencia y se convirtió en el tema de Navidad de toda Latinoamérica.

El jardinero es un fenómeno anormal, y no porque lo diga yo, sino porque científicamente hay estudios que supuestamente determinan los parámetros que debe tener un hit.

Algunos de ustedes quizás hayan leído sobre estudios que se han realizado para lograr establecer qué es lo que hace que una canción se transforme en un hit. Los parámetros que se toman en cuenta son: año, estructura, métrica, tempo, repetición, duración, tonalidad y armonía, además de factores culturales. “Si se siguiesen dichos patrones en la construcción/producción de una canción popular es altamente probable que dicha canción, al menos en lo que a la producción musical respecta, esté bien encaminada para ser el próximo hit”, concluye Nicolás Espinosa, egresado de la Escuela de Música y Tecnología de la Universidad del Pacífico.

Pero, El Jardinero no tomó en cuenta nada de eso. Al contrario, este trabajo es más bien un rompe cabezas que desafió todos esos parámetros y se impuso como un éxito mundial.

Y así fue que logré cumplir el sueño de utilizar mis dos grupos haitianos favoritos, dar rienda suelta a mi obsesión por su música y, como un niño caprichoso, construir mi propia fantasía.

Fuente: Primera Hora, Puerto Rico. Por: Melba Brugeras

Wilfredo “Willito” Otero Matos no está de acuerdo con la forma de pensar de  fanáticos salseros,  e incluso algunos veteranos exponentes de ese género, que consideran “que hay escasez de talento en la nueva cepa”.

Sin aires de grandeza, Otero se considera ser una de esas voces en la salsa que tiene potencial para despuntar y mantener la buena calidad del catálogo salsero en estos tiempos.

“Yo pienso que ahora es cuando más talentos preparados tiene la salsa. Pero, hay un problema, y es que muchos de esos talentos no poseen el capital, los recursos ni la exposición necesaria para darse a conocer. El mundo del disco está bien difícil y tratar de despuntar como solista en este momento es bien cuesta arriba”, opinó en entrevista con Primera Hora el salsero, quien realizará hoy una presentación en vivo para los medios de comunicación con la idea de dar a conocer su nuevo disco Que comience la función.

Figuras de la talla de Willie Rosario, Charlie Aponte, Bobby Valentín, Juan José Hernández y Gilberto Santa Rosa –entre otros- fueron invitados al evento musical del joven sonero y compositor.

Willito Otero es un naranjiteño de 32 años que viene de un hogar humilde en el que despertaba todos los días a son de música jíbara. La vena la heredó de su abuelo paterno y de su padre. Fue así que el joven desarrolló talento para la improvisación, convirtiéndose, de inmediato, en una promesa de la trova. Solo tenía 8 años y los que lo observaban de cerca, sabían que ahí había futuro.

Nueve años después, el cantante demostró de qué estaba hecho en las orquestas La Clave, Son de Madre y Comborican, con quienes se presentó durante 10 años en el Nuyorican Café, en el Viejo San Juan. Ese escenario lo expuso aún más, y las ofertas para colaborar como corista y cantante en distintas producciones salseras le comenzaron a llover.

Según mencionó Otero, como cantante invitado ha participado, hasta el momento, en 16 producciones discográficas, y ha sido invitado a cantar en vivo con varias orquestas, como Batacumbele, Salsa Libre, La Orquesta Cimarrón, con Bobby Valentín, Johnny Bravo, “Pupy” Cantor y Pete Perignon, con quien se presentó en el Día Nacional de la Zalsa, de Z-93.

Por otra parte, figuras como Edwin Clemente, William Cepeda y Jimmy Bosch han creído en su talento desde sus comienzos. Con Bosch recorrió el mundo, y hace dos años grabó la canción Romance del campesino para el especial del Banco Popular. Más recientemente fue considerado por el líder de El Gran Combo de Puerto Rico, Rafael Ithier, para sustituir a Charlie Aponte, puesto que finalmente ocupó Anthony García.

Ahora todas las energías de Otero están centradas en su nuevo disco Que comience la función, el cual contiene en total nueve temas, incluyendo varios del autor Jorge Luis Piloto. Los arreglos de las canciones estuvieron a cargo de los músicos Carlos “Cuto” Soto y Ramón Sánchez.

“Este disco es una producción de ensueño. Es el disco que cualquier cantante quisiera tener por el grupo de trabajo que lo respaldó”, consideró Willito, quien esta noche, durante su presentación en vivo, será dirigido por el músico Carlos García.

Por: Eduardo Livia Daza

28 de Setiembre del 2012. Después de “perseguirlo telefónicamente” por semanas para convencerlo, Hugo Abele llegó a los estudios de La Mula para el especial que le íbamos a dedicar a Héctor Lavoe en “Oye lo que te Conviene”.

Para hacer honor a su amigo “El Rey de la Puntualidad”, Hugo llegó unos minutos tarde a los estudios de La Mula llevando, tal como me había ofrecido, fragmentos de algunos videos de su colección para ponerlos durante el programa que tenía a Oscar Soto en los controles y a Rafael Ponce en la producción.

Quiso el destino que esa fuera la última entrevista que Abele ofreciera a un medio de comunicación. Hugo falleció casi nueve meses después y, tal como lo escribí el 1 de julio pasado  (cuando se cumplieron tres años de su muerte) aquel programa se perdió, ya que la cuenta de Ustream de La Mula se descontinuó y esa emisión no llegó a grabarse en Youtube.

Da la casualidad que después de escribir sobre esa “entrevista perdida”, conversé con Raúl Tirado (gran coleccionista salsero y mejor amigo) y me di con la grata sorpresa que él había grabado aquel “misterioso programa” que hoy verá de nuevo la luz, exactamente cuatro años después de haber sido realizado.

28 de Setiembre del 2016. Gracias a Raúl presentamos esa emisión de “Oye lo que te Conviene” que fue más que interesante, no solo por los recuerdos que Abele compartió con nosotros sino también por aquellas imágenes inéditas de Héctor Lavoe en la Feria del Hogar que sacamos al aire, filmadas por el propio Hugo en 1986 y nunca antes difundidas en medio alguno.

Recordemos a Héctor Lavoe y a Hugo Abele en “Oye lo que te Conviene”

Fuente: Primera Hora, Puerto Rico. Por: Damaris Hernández Mercado

Los veteranos Richie Ray y Bobby Cruz confirmaron que como dueto musical la historia está contada, dado que a partir del próximo fin de semana el famoso binomio salsero  entrará a una etapa de mentores musicales. 

Los apodados “Durísimos de la Salsa” anunciaron ayer que el concierto “Agúzate que hay Fuego en el 23” de este sábado, 1 de octubre en el Coliseo de Puerto Rico José Miguel Agrelot, se perfila como el cierre de la etapa de Richie Ray y Bobby Cruz.

Para volverlos a ver juntos interpretando los éxitos "Sonido bestial" , "Mi bandera" y "Bomba camará" y su amplio repertorio condicionaron a que se le pague por artista y no como dúo, ya que ambos han labrado una carrera individual. 

"Richie Ray es un artista y Bobby Cruz es otro artista. Nosotros aceptamos ser un dos por uno para poder tener una audiencia a la que podamos predicar a través de la música y ya lo hemos hecho desde el 1999. Tengo bisnietos y quiero pasar tiempo con ellos. No nos estamos retirando, pero el que quiera a Richie Ray tiene que hablar con Richie y el que quiera a Bobby tiene que hablar conmigo. Ya no nos pueden comprar dos por uno”,  afirmó Bobby durante la conferencia de prensa celebrada en el Coliseo de Puerto Rico. 

En esa misma a línea Richie Ray añadió que no se trata de un divorcio, sino que entran a una faceta de mentores para talentos nuevos que se abren paso en la música. 





El reconocido pianista detalló que en su caso la etapa de mentores la inició hace unos meses con varios jóvenes salseros del patio, entre ellos Edgar Daniel, que estará a cargo de la apertura del concierto que “Los Durísimos de la Salsa” alternarán con la orquesta Sonora Ponceña.

Richie Ray y Bobby Cruz anunciaron además que irán el 13 de octubre a Colombia a recibir la ciudadanía colombiana otorgada por el gobierno de ese país por su trayectoria artística en combinación con llevar aliento espiritual a través de la canción. 

Del espectáculo adelantaron que será un bailable histórico de buena música y “salas dura de verdad”. 

Ismael Miranda y Richie Ray en Washington


Fuente: Fundación Nacional para la Cultura Popular, Puerto Rico. Por: Jaime Torres

La trayectoria de las Estrellas de Fania, concepto que revolucionó la música latina a nivel mundial, ha sido reconocida con el Premio a la Herencia Hispana, en su vigésimo novena edición, celebrada el pasado viernes, en el Warner Theatre en Washington D.C.

“Quisieron hacer un homenaje a la Fania. Fuimos Ismael Miranda, Nicky Marrero y yo. Cerramos el show con ‘Quítate tú’ y ‘Qué rico suena mi tambor”, dijo Richie Ray a la Fundación Nacional, a su llegada ayer a Puerto Rico.

Nicky, Ismael y Richie conversaron entre sí y acordaron que al recibir el galardón lo debían dedicar a Johnny Pacheco, fundador de la Fania.

“Ismael habló a nombre de los tres. Él reconoció que el honor le corresponde a Johnny Pacheco, que fue el fundador de las Estrellas de Fania, pero como se encuentra enfermo, ya no puede salir ni hacer nada. Nos pusimos de acuerdo para que Ismael dijera que el premio realmente es para Johnny Pacheco”.

Nicky, Richie e Ismael son boricuas y como tal se sienten orgullosos porque se trata de un reconocimiento a la aportación de Puerto Rico al concepto más trascendental de la historia de la salsa.

“Nos trataron súper bien; nos dieron regalos y nos llevaron a cenar. Nos reservaron las mejores habitaciones y fue como pasar unos días como reyes”, abundó Richie.

A manera de una anécdota, Richie dijo que los acompañó una orquesta de configuración cuasi sinfónica. Ismael envió el arreglo del popurrí de “Quítate tú” y “Que rico suena mi tambor”, transcrito por Carlos García.

Pero hubo un problema: los músicos norteamericanos, por desconocimiento de la cultura salsera, ignoraban que había que reservar tiempo para el coro y los soneos.

“Ismael mandó a preparar el arreglo, pensando en que Nicky pudiera tocar su solo de timbal. Pero sucede que en nuestra música está lo que es el soneo. Eso es abierto en el arreglo y en el momento se da el ‘cue’ o la señal. Era una pequeña sinfónica. Cuando llegamos vimos que no había coristas y un grupo mexicano, que se entusiasmó con nosotros, nos hizo el coro. Cuando escuché la canción me sonaba a un ‘minuet’ y dije: ‘Oh, my God, ¿cómo vamos a bregar esto?’ Nos reunimos Ismael, Nicky y yo y les explicamos que repetiríamos varias partes. Y les advertí que yo toco duro y que debían engancharse con el ritmo”, contó Richie al revelar que hoy se anunciará el homenaje que próximamente recibirá junto a Bobby Cruz en el Paseo de la Fama de Puerto Rico por su contribución a la salsa.

La ceremonia en el Warner Theatre en Washington D.C. fue grabada y filmada para ser retransmitida este viernes 30 de septiembre a las 10:00 p.m. por PBS.

La presentación de Fania fue coordinada por Bruce Mcintosh, gerente general de Codigo, la compañía que adquirió el catálogo de Fania.

Richie Ray, Ismael Miranda y Nicky Marrero viajaron a Washington con sus respectivas esposas. Participaron de una serie de actividades, que incluyeron un homenaje en la Casa Blanca, una cena-recepción, el desfile por la alfombra roja y la ceremonia de premiación.

Los anfitriones de la velada fueron las celebridades afroamericanas Elizabeth Rodríguez y Berto Colón.

Los artistas que amenizaron el espectáculo son J. Balvin, Angélica María, Jason Cerda, Ailyn Pérez, Nicholas Rodríguez y, como parte del gran cierre, Ismael Miranda, el timbalero Nicky Marrero y Richie Ray, ex integrantes de la Fania All Stars.

Los maestros de ceremonia, que presentaron a los homenajeados, son Prince Royce, Becky G., Angélica Vale, el actor Nicholas González, Raúl Castillo, la cineasta Carmen Marrón y el cantante Frankie Negrón.

Entre los homenajeados estuvieron la juez Sonia Sotomayor, la actriz Angélica María, el escritor dominicano Junot Díaz y los ex miembros de la Fania All Stars.

La disquera Fania revolucionó la escena de la música latina cuando en 1971, gracias a la visión de Jerry Masucci, Johnny Pacheco y Larry Harlow, reunió a sus estrellas en un concierto en el Cheetah, donde se rodó parte del histórico filme “Our Latin Thing” que proyectó al mundo el impacto de la diáspora caribeña en la escena sociocultural niuyorquina del umbral de la década de 1970.

Hoy se confirmó la nómina de músicos que formarán parte de la Orquesta del Maestro Eddie Palmieri en su próxima presentación dentro del marco del Festival All Access 2016, del próximo sábado 22 de Octubre.

Orquesta de Salsa - Eddie Palmieri

Eddie Palmieri - Piano
Hermán Olivera - Sonero
Vicente Rivero Jr. "Pequeño Johnny" - Congas
Camilo Molina - Timbal
Nicky Marrero - Percusión
Luques Curtis - Bajo
Louis Fouche IV - Saxofón
Jimmy Bosch - Trombón
Joseph Fiedler - Trombón
Jonathan Powell - Trompeta
Joseph González - Coro
Nelson González - Tres Cubano

Matías Jiménez, de la organización de All Access, confirmó que los horarios programados para cada artista se cumplirán con exactitud y que Palmieri y su Orquesta subirá al escenario del Estadio Nacional a partir de las 9:00 pm,, previa a la presentación de Rubén Blades en su despedida de los escenarios.

Sigue abierta la posibilidad de que ambas figuras de la Salsa compartan escenario en alguna canción ¿Ustedes creen que será posible? Yo espero que sí

En los últimos doce meses el Callao, primer puerto peruano, ha sido motivo de tributos musicales de diferentes músicos y cantantes.

A fines del año pasado El Gran Combo de Puerto Rico grabó su versión de "Callao Puerto Querido", original del Combo Espectáculo Creación mientras que, en el presente año, el cantautor boricua Yova Rodríguez grabó su composición "Chimpun Callao".

Por si fuera poco, estrenada para el reciente aniversario chalaco, Gilberto Santa Rosa grabó la composición de Richard Terry, titulada "El Callao de Fiesta".

Esta vez es el turno de Combinación de La Habana, dirigida por el pianista Gerson Valdés, que el pasado domingo 25 estrenó su tema "No es tan Complicao (Homenaje al Callao)" y que trae como invitados a Lucía de la Cruz, Kllao Salsa, Son Tentación, Michel Robles, Josimar y Alain Almeida.

Acá está el video del tema compuesto por el baterista Eduardo Leiva Collado y filmado en el ya emblemático barrio de Las Caras de Atahualpa

Fuente: La República, Perú

A ritmo de ‘La Flor De La Canela’ de la recordada Chabuca Granda muy pronto escucharemos la voz del cantante y político panameño Rubén Blades, en la producción discográfica que se presentará a nivel internacional como homenaje a la cantautora y folclorista peruana.

En esta producción también participarán cantantes internacionales como el argentino Kevin Johansen, los españoles Joaquín Sabina y Ana Belén, entre otros. Este disco es grabado en distintas ciudades con músicos peruanos y extranjeros.

Es importante precisar que con este homenaje musical a Chabuca Granda es la primera vez que se realiza una producción discográfica de esta envergadura en el Perú, la cual está a cargo de Mabela Martínez y Susana Roca Rey para el sello de Sonidos del Mundo.

Recordemos que Rubén Blades llega al Perú este 22 de octubre para su concierto de despedida en el Estadio Nacional, donde lo acompañarán Alejandro Sanz, Drexler y Palmieri en un show de más de 6 horas de duración, donde cada cantante presentará un concierto diferente para el deleite de sus seguidores. Pueden adquirir sus entradas en Tu Entrada de Plaza Vea y Vivanda, aprovechando el 20% de descuento hasta el 30 de setiembre.

Con respecto a este proyecto Mabela Martínez, de Sonidos del Mundo, escribió en su página de FB:

Se acabó el misterio... Hace tres años que trabajamos en este proyecto. Invité a mi gran amiga y melómana Susana Roca Rey para que me acompañe en esta aventura. Mi sueño era que el mundo le cante a Chabuca.

Gracias a la confianza inicial de dos grandes, Ana Belén y Joaquin Sabina, logramos convocar a un increíble grupo de artistas, para que interpreten a Chabuca bajo nuestra propuesta musical o bajo la suya.

El resultado: sorpresa tras sorpresa que ya iremos develando. Si, Rubén Blades cantó con un respeto conmovedor hace unos días, La Flor de la Canela, desde un estudio en Panamá, como lo hicieran Joaquín Sabina (José Antonio) y Ana Belén (El Dueño Ausente) desde Madrid.

Estamos lográndolo en los Estudios EOG de Edu Olivé Gómez junto a Edu y Manuel Garrido-Lecca. Participan Lucho González, Sergio Valdeos, Ernesto Hermoza, Leonardo Parodi Cisneros (Gigio) y José Luis Madueño entre otros grandes.

A la distancia se sumaron Alex Neciosup Acuna, Nestor Torres y más talentos que ya destaparemos.


Todo gracias al apoyo de Samaca Orgánico de Alberto Benavides y con la colaboración de Minera Las Bambas. De otra forma, seguiríamos tan solo soñando y no grabando... GRACIAS!!!!

"Hipocampo, La Cuna del Son" fue el primer programa radial que tuve la chance de conducir y que salía vía Radio La Crónica (1320 Kcs Amplitud Modulada) cuatro veces por semana (Lunes, Miércoles, Viernes más el especial de los Sábados por la mañana), allá por 1993.

Entre los varios invitados que tuvimos con Carlos Jiménez (con quien perpetrábamos aquella aventura radial) figuró el Dr. Luis Delgado Aparicio, uno de los difusores más importantes que ha tenido la Salsa en el Perú.

La entrevista ocurrió el Sábado 15 de Mayo 1993 y fue realizada vía telefónica durante una secuencia especial dedicada al "Sonero Mayor" Ismael Rivera.

Esta semana el recordado "Saravá" cumpliría años (nació el 28 de Setiembre de 1940) y a manera de recuerdo y sencillo homenaje, me adelanto un poquito en la fecha para compartir con Ustedes aquella entrevista

En los primeros minutos de la grabación, Carlos presenta diferentes temas hasta que empieza la secuencia a Maelo. Alrededor del minuto 28 entra la llamada con Delgado Aparicio y luego viene nuestra conversación para luego cerrar el programa.

Otras voces, otra radio.... ¡Otro tiempo!... Saravá en Hipocampo

Fuente: Salserísimo Perú. Por: Daniel Alvarez


Pirulo y La Tribu descargaron por primera vez en Lima. El timbalero se lució. Aunque un desatino por parte del animador, provocó que el artista se gane un abucheo. En la larga velada también participó Ismael Miranda. Aquí, lo bueno, lo malo y lo feo del espectáculo.

LO BUENO. Sin duda, lo mejor de la noche fue Pirulo y La Tribu. Este músico puertorriqueño, exintegrante del equipo reguetonero de Tego Calderón, demostró en el Callao por qué está pegado en Puerto Rico e hizo bailar a los asistentes. Su sonido, que entremezcla la salsa afincada de borinquen y la timba cubana, se paseó con éxito por los rincones de la Isla del Paraíso.

Durante las dos horas de su show, que empezó cerca de la una de la mañana, Pirulo se mostró agradecido por la invitación que le hicieron para llegar al Callao y confesó sentirse feliz por el recibimiento que los chalacos le hicieron desde que pisó el suelo peruano.

“Aquí ya no están los bravos como Ismael Rivera, pero estamos nosotros gracias a Dios. Lo que estamos haciendo es traer de Puerto Rico nuestro estilo, de corazón. Lo mío es la salsa, lo mío es la calle”, indicó Francisco Rosado Rosario.

LO MALO. Ismael Miranda empezó a cantar pasadas las 3:00 A.M., después de un pequeño show a cargo de la orquesta local Zaperoko, que además se encargó de acompañarlo. ‘Señor sereno’ fue el tema con el que arrancó. Palmas para su voz y palmas para el público en la pista de baile. Sin embargo, en la tarima el exceso de personas jugó en contra. Bailarines y las mascotas de la noche (dos panteras rosas), empezaron a achicarle el espacio a Ismael, cosa que le generó evidente molestia.

Por ello, no sorprendió que durante los coros del tema ‘Abran paso’, el salsero hizo notar su incomodidad en el soneo: “En tarima ahora veo tantos animalitos, que se hagan para un costadito”, rimó Miranda. Y siguió: “Los bailarines los están haciendo bien bonito, pero póngase a un ladito”. Pero los personajes ni se inmutaban. “Muñequito ponte para acá”, y el cantante apartó a una de las mascotas. El sonero parecía vivir un cuadro de estrés. A ello se sumó su fastidió con un problema de sonido. “Los vientos están muy altos”, llegó a decir. Segundos después, el Niño Bonito se despidió con un escueto “Gracias Callao, hasta pronto”.

LO FEO. Pirulo anunció que terminaba su presentación con el tema ‘Loco pero feliz’. Sin embargo, luego de ello, el presentador -Oscar Godos- preguntó al público si querían una canción más de Pirulo. Y la mayoría, dubitativa, gritó que no. El animador repitió la pregunta y esta vez el “no” fue unísono. Parecía una broma. Sin embargo, el presentador insistió por tercera vez, y el tercer ‘no’ se sintió peor. Godos se retiró y Pirulo, con una mirada de “no puede ser”, preguntó: “díganme de corazón, ¿tiramos otra o no?”. Y pasó lo que menos quisiera un artista que suceda, que el público le responda que no.

Por respeto, como todo caballero, y continuando con lo pactado, Pirulo tocó su nuevo tema ‘Crema, crema’. Buenísimo. Terminó, agradeció nuevamente por la oportunidad, y se retiró.

Actualizando....

Ismael Miranda envía mensaje a Salserísimo

El cantante pouertorriqueño Ismael Miranda aclaró a través de un mensaje el porqué de los percances durante su presentación el pasado sábado en La Perla, Callao. Aquí el texto completo enviado a nuestra web:

“Estimado Hermano Daniel Álvarez F. que alegría me da de saber que estaba pendiente a todo mi espectáculo el día 24 de septiembre en Callao, me agrado la forma en que redactaste los sucesos.

Quiero aclararte algunas cosas con mucho respeto. Se me hizo muy complicado el cantar cuando en tarima tenía 4 camarógrafos con tus cámaras grandes y un drone dando vueltas encima de mi como si me fueran a disparar, jajaja, 4 bailarines y unos cuantos animalitos bastante grandes, 3 coristas a los cuales felicito por la excelente labor que hicieron y un maestro de ceremonia que a cada rato me solicitaba que si podía hablar, estas son cositas que a nosotros nos desconcentran a la hora de presentar un show. La tarima era pequeña y normalmente en mis espectáculos cuento con tarimas cómodas para así poder compartir con mi gente con más facilidad.

Quiero decirte que como el Callao no hay dos, mi gente me conoce, la próxima vez que usted tenga la oportunidad de presenciar uno de mis shows procurare que esta situación no vuelva a ocurrir para así poder brindar un espectáculo sin stress y poder gozarme el cariño de mi gente. No puedo terminar sin antes darle las gracias a Zaperoko, pues me sorprendieron con la calidad, profesionalismo excelencia de su acompañamiento. El sonidista hizo muy bien su trabajo, solo tuve que solicitar que ajustaran el sonido de la banda porque no podía escuchar mi voz, y esto se debió a que no pudimos hacer un prueba de sonido antes de comenzar.


Una vez más quiero agradecerle al público que estuvo presente el haber permanecido conmigo aplaudiendo, cantando, bailando y solicitando temas en medio de un apagón de luz que duro prácticamente toda la noche. Eso es el Callao, esa es mi gente a la cual le agradezco su respeto, su amor y cariño. A ti mi hermano Daniel una vez más gracias por haber sido testigo de lo difícil que es hacer un show sin coordinación en tarima. Un abrazo, Ay na’ ma”.

Ultima actualización....

Pirulo también comenta (Fuente: FB de Salserísimo Peru)

Buenas Noches Usualmente No Reaccionó A Artículos,escritos y Comentarios Por Este Medio Ya Que No Tengo Tiempo Ni Energías Para Esto Y Soy Un Respetuoso Al 100% De Las Opiniones Y Percepciones De Los Demás Pero Bueno Me Nace Del Alma... Agradezco A Salserisimo Peru Por Sentir Que Fui Lo Mejor De La Noche Sin Embargo Me Sorprende Mucho La Nota De Que Fui Abuchado Y Desplantado,Nunca Pasó Para Mí 


Nunca Sentí Ninguna Falta De Respeto Hacia Mi Ni Nada Por El Estilo, Sin Restarle Méritos A Su Sentir Quizás Unos Cuantos A Su Alrededor En Un Lugar Lleno Completo Con Más De 2000 Personas .Si Yo Llego A Escuchar Que Me Abuchean No Me Atreviese A Cantar Soy Un Respetuoso Del Público,Por Ellos Estoy Aki Ellos Deciden.Que Siempre Hay Dos O Tres Habladores,Falta De Respeto,Cara De Mazamorras? Si Siempre Han Existido En Todas Las Épocas.Yo Por El Contrario Me Fui Con Tremenda Alegría Y Muy Agradecido De Un Callao Que Me Trato Con Mucho Cariño Y Respeto Y Bailaron Y Disfrutaron De Lo Que Hago De Corazón Y Hasta Cantaron Conmigo A Coro Aún Sin Conocerme Muchos.No Creo Que Tengan Que Pagar Justos Por Pecadores,La Gente Que Estuvo Allí Buenas Fueron La Norma En Mi Sentir De Mi Participación De Una Hora Y No Dos Como Dice El Escrito.

Millon D Gracias A Los Productores WTMH Entertaiment Que Trabajaron Durísimo Pa Que Se Dieran Las Cosas En Bien D Todos Y Con Mucho Amor,Gracias A Todos Los Que De Alguna Manera Hicieron Que Mi Visita Fuese Inolvidable Gracias Perú Gracias Callao De Corazón Por Tanto Gestos D Cariño Y Respeto Hacia Mi Persona. La Vida Se Ve Del Color Del Cristal Con Que Se Mira Tratemos De Ser Más Positivos Y Fomentar Lo Bueno,Es Lo Que Necesita El Mundo Gente Buena. Estoy Seguro Que Muchas Cosas Se Pueden Mejorar,,, Como Todo En La Vida, Pero Es Trabajando Con Amor Que Avanzamos Y Logramos Cambios. Que Viva Perú Que Viva El Callao Que Viva La Gente Buena Que Viva La Timba Y Que Viva La Salsa.Gracias Por Tanto Les Estaré Agradecidos Eternamente, Alma,VidaYCorazon Pirulo

Por: Leonardo Acosta, Cuba

Desde sus inicios y por más de dos décadas, la música que conocemos como Salsa no ha dejado de ser motivo de polémicas sin cuento, tanto en Nueva York como en la Habana, en Caracas como en Cali o San Juan. Los principales temas en debate han sido: ¿Existe realmente la Salsa como una música original? ¿Se trata de un "género", de un "estilo", de una " corriente" o a penas de una "manera de hacer"? ¿Posee elementos originales, o es una mera copia de la música cubana de los años 40 y 50, sobre todo del son? Si es algo más que una moda o un sello comercial, ¿cuáles son sus aportes y cuáles sus diferencias con la música cubana anterior? Finalmente, no podía faltar la discusión sobre quién —y cuando— acuñó el término Salsa, que pegó de inmediato y se internacionalizó.

La propia génesis de la Salsa fue problemática. Hoy nadie puede ignorar que sus principales propulsores fueron músicos puertorriqueños residentes o nacidos en Nueva York. Ya desde los años 40 y 50 brillaron en la escena musical neoyorquina varios boricuas y baste recordar que de las tres bandas que abarrotaron el Palladium, la ya legendaria Meca de la música afrocubana y el mambo, dos eran dirigidas por puertorriqueños: la de Tito Puente y la del muy llorado Tito Rodríguez. La tercera fue la de Machito y sus Afrocubanos, que sin duda fue la más importante y la que trazó pautas en la música afrocaribeña de su época. Si a esto agregamos la presencia de otros estelares músicos y cantantes cubanos en Estados Unidos, podemos explicarnos por qué fue nuestra música -aparte de otros factores- la que se impuso entre los hispanoamericanos e incluso entre los públicos tanto negro como blanco de Nueva York y gran parte de los Estados Unidos.

Aparte de Machito (Frank Grillo), su hermana Graciela y el imprescindible Mario Bauzá, estaban Miguelito Valdés, Arsenio Rodríguez, Chano Pozo, Chico O' Farrill, Anselmo Sacasas, René Hernández, Cándido Camero, Vicentico Valdés, Armando Peraza, Gilberto Valdés, Chocolate Armenteros, Mongo Santamaría, Marcelino Guerra y Chombo Silva, entre otros, más los que llegaron a fines de los 50 como Israel López (Cachao) o José Fajardo. Si a esto añadimos el peso de las grabaciones de verdaderas leyendas como Benny Moré o la Orquesta Aragón, puede entenderse porque los puertorriqueños y newyorricans se dedicaron a la música cubana más que a la suya propia; hubo que esperar a Ismael Rivera y Rafael Cortijo para que se prestara atención a la plena y la bomba. En la década de los 60, los ritmos cubanos y sus intérpretes pasaron a un segundo plano debido a dos motivos: la ruptura de relaciones entre Estados Unidos y Cuba, que impidió el libre flujo de músicos cubanos, y la "invasión" del rock británico, que acaparó la atención del público joven en todo el mundo y desplazó incluso a músicas afronorteamericanas como el jazz y los rhythm & blues, ese popular género que engendró al rock-and roll en los 50 y nutrió al propio rock de los 60.

Los nuevos ritmos cubanos no llegaban ya a Nueva York, y el éxito de la bossa nova brasileña y de la "pachanga" resultaron efímeros ante la incontenible marea roquera. Por otra parte, en USA nunca se habló de "música popular cubana", sino de 'mambo' o 'chachachá'. Y nada parecía surgir para reemplazarlos. Mientras tanto, talentosos músicos de Nueva York (principal centro de difusión mundial de la música cubana) preparaban el relevo: se llamaban Johnny Colón, Héctor Rivera, Joe Cuba (Gilberto Calderón ), los hermanos Charlie y Eddie Palmieri, Joe Bataan, Ray Barreto, Willie Bobo, Bobby Marín, King Nando, Ralfi Pagán, Larry Harlow, TNT Band, Joey Pastrana, Johnny Zamot, Pete Rodríguez.

Por esos años surgió una nueva modalidad bailable entre los negros norteamericanos: el bugalú (boogaloo), que inspiró a los latinos para crear la fusión que se conoció como Latin boogaloo o "bogaloo latino". Entre los cultores de esta nueva onda estaban Richie Ray, Johnny Colón, los hernanos Lebrón, Joey Pastrana, Pete Rodríguez, Willie Colón, Ray Barreto y el sexteto de Joe Cuba con Jimmy Sabater y Cheo Feliciano. Algunos de ellos emplearon letras en inglés y español y lograron cruzar la fronteras entre distintos públicos: ante todo, en 1967 lograron impactar a los afronorteamericanos, pues en medio de su lucha por los derechos civiles, varios textos de "bugalú latino" expresaban solidaridad con su causa; pero incluso hubo números que se impusieron a escala nacional, llegando a penetrar Joe Cuba en las listas de los hit parade.

Tal como señaló César Miguel Rondón (El libro de la Salsa, 1980); el éxito inmediato del boogaloo y el auge de las descargas improvisadas —siguiendo la pauta trazada por Cachao— contribuyeron a marginar aún más las grandes bandas de los años 50 y a los propios géneros tradicionales cubanos. La reacción no se hizo esperar, y algunos de los 'monstruos' de esta corriente, como Tito Puente, junto con varios empresarios y disc-jockeys, se confabularon contra el boogaloo, que finalmente pasó a mejor vida. Poco después, a finales de los años 60 y a principios de los 70, comienza a abrirse paso, con distintos cambios en los ritmos, orquestaciones y enfoques, lo que pronto se llamó Salsa, de la cual han dicho los críticos Charley Gerard y Marty Sheller (1989) que: "Surgió a la palestra a través de la moderna tecnología del estudio de grabación!" (....) La Salsa fue indudablemente el primer estilo de música latina en que los valores del proceso de producción fueron de importancia primordial. La Salsa fue recibida con enorme interés debido a la promoción que le hicieron los que tenían un interés financiero en su éxito(...) En gran parte, la Salsa se convirtió en la creación de la Fania Records. A fines de los 60, la Fania comenzó a distribuir discos bajo su propio sello y también los de las pequeñas compañías de música latina independientes. La Fania estaba interesada en controlar la dirección de la música que ayudó a popularizar y que distribuyó tan exitosamente por el mundo entero.

Debido a esta tendencia, se quería persuadir a los artistas que no se apartaran del sonido característico que los había dado a conocer. Se insiste aquí en el giro comercial que, en efecto, imprimió la Fania a la música. Entre altas y bajas, aciertos y errores, la disquera promovió, bajo la dirección artística de Johnny Pacheco, cierto auge de la charanga cubana en Nueva York (que ya había inciado Palmieri) y en general, lo que Rondón ha calificado de tendencia "matancerizante", y a la larga perdió su hegemonía al poner trabas a las tendencias más progresivas dentro de la Salsa.


REACCION CUBANA ANTE LA SALSA

Quizás con excesiva vehemencia, los cubanos impugnaron airadamente la Salsa desde que se acuñó el término: y lo curioso es que hubo entera coincidencia entre los cubanos de la isla y los de Nueva York. Mario Bauzá, Machito, Cachao, todos a una negaron que la Salsa fuera otra cosa que la misma música tocada por ellos en los años 40. Tito Puente, totalmente identificado con la música cubana de la fructífera Era del Mambo, el Chachachá, y el Afro-Cuban Jazz, no se cansa de repetir que la única salsa que conoce es la salsa de tomate.

En Cuba no se trató solo de los músicos, sino también de periodistas, musicólogos y todo el aparato difusor de la música, y en cierto momento llegó a establecerse una prohibición no formulada contra la Salsa. (Como de costumbre la radio nacional nos libró entonces, al menos en parte, de lo que se había convertido en otro tabú ridículo, como el impuesto antes contra el rock). La Salsa fue indudablemente el primer estilo de música latina en que los valores del proceso de producción fueron de importancia primordial.

Quizás con excesiva vehemencia, los cubanos impugnaron airadamente la Salsa desde que se acuñó el término. Veteranos músicos como Enrique Jorrín, Antonio Arcaño, Rafael Lay, Rosendo Ruiz Quevedo, Richard Egues y otros, rechazaron la Salsa en actitud muy similar a la de sus cofrades en el exterior. Fue casi un problema de honor nacional. No faltó quien pensara en una cuestión generacional, pero sin duda esta reacción contra la Salsa partía de una lamentable realidad: las imitaciones y hasta plagios de estilos y números cubanos por parte de ciertos músicos inescrupulosos de allá que afectaban directamente a los cubanos, imposibilitados además de establecer reclamaciones legales por tales abusos. Por otra parte, surgía allá una Salsa 'política' con Rubén Blades y Willie Colón, que fue aceptada en Cuba sin reservas. Y el bloqueo cultural contra Cuba, y más concretamente contra nuestras agrupaciones musicales, entró en una fase de 'distensión' hacia 1978. La CBS grabó un LD y patrocinó una gira de Irakere por Estados Unidos, así como su participación en el Festival de Jazz Newport, y propició el Encuentro Cuba-USA en el teatro Karl Marx, donde paradójicamente actuó, junto a las estrellas de jazz y pop de la Columbia, la orquesta Fania All Stars. La ausencia de promoción por la parte cubana se sumó a la ya existente, y la presencia de las estrellas de Fania en la Habana pasó prácticamente inadvertida salvo para algunos músicos que hicieron contactos amistosos con los salseros. Ni siquiera hubo lugar para la controversia, como sí ocurrió luego con la infortunada visita a bombo y platillo de Oscar de León, que significó un 'bandazo' de 180 grados en la política del aparato difusor musical.

En la década de los 80 el panorama salsero fue decayendo en Estados Unidos; el emporio de la Fania se derrumbaba y algunos críticos vaticinaron el fin de la Salsa. Llegaba el reinado de los 'cantautores' y divos de esa música cursilona, azucarada y comercial bautizada con acierto por la crítica norteamericana como "Spanish-pop", pues no es otra cosa que una imitación servil de lo peor del pop anglosajón. Varios salseros intentaron responder con la 'Salsa erótica', otra etiqueta a modo de reclamo publicitario, sin demasiado éxito.

En cambio, en Venezuela, Colombia y Puerto Rico se mantenía la popularidad de la Salsa y verdadera pasión por los ritmos caribeños, así como grupos y orquestas de auténtica relevancia. Mientras tanto, en Cuba seguía languideciendo la música bailable, afectada de una parálisis sin precedentes en nuestra historia y que comenzó hacia 1968-1970 cuando la juventud sólo parecía interesarse por la nueva trova o el heavy metal y otras variantes del rock. Que se trataba de una situación artificial lo vino a demostrar la televisión en 1979 con un programa titulado Para bailar, que evidenció el interés del público joven en nuestros ritmos bailables. Así quedó demostrado que los jóvenes cubanos se habían 'alejado' de su música simplemente porque no existían ya locales dónde bailar, como tampoco las orquestas tenían dónde tocar. Casi imperceptiblemente, se fueron creando en los años 80 las condiciones para lo que puede anunciarse como una verdadera explosión de agrupaciones de música cubana bailable. Estas orquestas supieron aprovechar el más mínimo espacio o coyuntura que se les iba presentando en esos años. Entre éstas podemos citar:


1.    La celebración de los festivales Jazz Latino Plaza, donde probaron fuerza y se dieron a conocer músicos y grupos que luego derivaron del jazz latino a la música bailable.

2.    La habilitación de algunos locales y espacios para el baile.

3.    El resurgimiento del turismo internacional.

4.    La creación de programas televisivos como 'Mi Salsa'

5.    La apertura hacia el exterior, con lo cual nuestras agrupaciones se han presentado en vivo en las Américas, Europa y Japón.

6.    El creciente interés de las disqueras y la radio de diversos países por difundir nuestra música más nueva, llegando algunos números y orquestas a situarse en el tope de la popularidad incluso en Nueva York.

7.    El renacimiento internacional de la Salsa y la música afrocubana, que incluso ha ganado adeptos en los países escandinavos, España, Suiza, Holanda y Japón, superándose el impasse de los años 80.


COMPONENTES Y APORTES DE LA SALSA

A todas estas, hemos soslayado la cuestión central: el debate en torno a la Salsa y los argumentos esgrimidos al respecto. ¿Es que la Salsa en realidad no es otra cosa que la amalgama de ritmos afrocubanos ya tradicionales? En este sentido la polémica puede muy bien terminar, pues casi todos los salseros admiten que la base de esta música es el son cubano, y otros ingredientes importantes, como el guaguancó, el mambo o el chachachá que también son de Cuba.

En cuanto a otros ritmos afrocaribeños, es cierto que varios músicos han logrado experimentalmente excelentes trabajos de fusión con la plena y la bomba, con el merengue, la cumbia o el joropo. Pero se trata de casos más bien asilados, no de la norma, y resulta difícil hablar de un género que no sea cubano y forme parte integral de la Salsa. Es más, el reciente auge del merengue ha venido a profundizar la brecha ya existente entre éste y la Salsa, y ambas partes enfatizan sus diferencias de manera acaso exagerada y hasta belicosas (una saludable excepción la constituyen Juan Luis Guerra y la 440). Los aportes salseros deben buscarse por tanto en otra parte.

En los momentos en que se era salsero o antisalsero, es decir, cuando dejó de emplearse la razón, el maestro Armando Romeu ilustró en varias charlas -o clases magistrales- las principales diferencias, al menos entonces (años 70) entre la Salsa y la música que se ejecutaba entre nosotros; y con una simple ecuación de primer grado explicaba la diferencia en los planos tímbrico y orquestal; allá (en Nueva York) habían cambiado y modernizado las secciones de vientos, manteniendo el ritmo tradicional; aquí se había hecho todo lo contrario, introduciendo la electrónica en el bajo y los teclados. Veinte años más tarde, diríamos que en líneas generales hay diferencias en: la manera de tocar y combinar los instrumentos de percusión; los montunos del piano; los bajos; los arreglos y formatos orquestales; las voces (inflexiones vocales, improvisaciones y estribillos); los movimientos escénicos, y los textos cantados.

Es un hecho conocido que los salseros en sus textos reflejan la vida cotidiana y la lucha social de la minoría hispanoparlante más o menos marginada en Nueva York y otras grandes ciudades de Estados Unidos y el Caribe. Y el hecho de que haya características propias de los textos de un género o estilo de música popular es importante, como lo demuestran la guaracha, el guaguancó, el tango, la ranchera, los blues, el bolero, y más recientemente la nueva trova.

En cuanto a parámetros exclusivamente musicales, hemos señalado los arreglos y formatos orquestales, con la preeminencia del trombón entre los vientos, lo cual proviene de una tradición boricua que pasa directamente de Mon Rivera a Willie Colón y se impone hoy en Cuba. Otro ejemplo sería el del contrabajo, que en Nueva York y el mundo salsero sigue la línea establecida por Cachao, Julio Andino y Bobby Rodríguez, mientras en Cuba se impuso el bajo-guitarra. Andy González lamenta con razón este cambio, con el cual se pierde la profundidad y el swing que proporciona el contrabajo acústico a la sección rítmica afrocubana (y al jazz). Andy, quien ha visitado Cuba, atribuye esa pérdida al hecho de que en la isla no entró el 'baby bajo' –sólo producido por la Ampeg en USA-, que posee las ventajas de la amplificación electrónica sin perder la calidad del sonido del contrabajo (Larry Birnbaum, 1992). En cuanto a los cantantes, al escuchar a ciertos salseros resulta evidente lo que deben a los pleneros y demás tradiciones vocales del Caribe. Por este camino y mediante el análisis de una discografía bien seleccionada, podríamos llegar a enumerar una serie de aportes de esta música a la tradición afrocubana y afroantillana. Baste ahora señalar que gracias a la 'actualización' o 'reinterpretación' de nuestra música por los 'neoyorricans' y otros caribeños, ésta siguió difundiéndose por el mundo durante tres décadas de aislamiento de la música cubana.

Actualmente estamos comprobando que ésto fue positivo. Y felizmente, sin perder nuestras propias características y con espíritu innovador, en Cuba hemos asumido la Salsa como parte de una herencia común, dejando de verla como un alien al que se debe combatir. Y sin embargo, no creemos que llegue a cesar la polémica sobre un fenómeno cuyas raíces mismas nacen en zona de conflicto, como lo prueba la controversia sobre quién inventó o acuñó el término Salsa. Otro motivo para el debate, y acaso para otro artículo.

Notas

1.  Vernon Boggs. Salsiology: Afro-Cuban Music and the Evolution of Salsa in New York City. New York, Excelsior, 1992.

2.  Cesar Miguel Rendón. El libro de la salsa.  Caracas, Editorial Arte, 1980.

3.  Charley Gerard y Mary Sheller. Salsa! The Rhythm of Latin Music.  Indiana.  White Clifft Media, 1989.

4.  Leonardo Acosta. Del Tambor al sintetizador. La Haban, Editorial Letras Cubanas, 1983.

5.  Larry Birnbaum.  «A Botton Man Speaks Out: Andy González, Bassist», en Vernon Boggs. Salsiology: Afro-Cuban Music and the Evolution of Salsa in New York City. New York, Excelsior, 1992.

Este artículo fue publicado originalmente en el periódico El Nuevo Día, de San Juan, Puerto Rico, el domingo 16 de junio de 1995; luego en Música Cubana, La Habana, No. 0 1997 y lyego en el protal Herencia Latina

AUDIO: RCN Colombia

Fuente: RCN Colombia

El artista cubano radicado en Colombia, Alfredo de la Fe, celebra 50 años de carrera artística en Bogotá el próximo 14 de octubre en el Teatro Julio Mario Santodomingo con el lanzamiento de su nuevo disco, Melao: The new wave of salsa, que fusiona ese género musical con electrónica interpretada en vivo.

Alfredito, como le dicen muchos de cariño, se emociona cada vez que habla de Colombia, un país que lo acogió hace más de 15 años: “Llegue por 3 semanas a Colombia y me quedé 14 años desde el año 1982, me fui a Italia a dirigir la orquesta de Celia Cruz, después regrese a New York donde crecí y no me hallaba, por eso regrese a Colombia, y me quede del todo; Soy muy feliz estando aquí, está llena de tesoros, la gente me ha recibido con mucho cariño, por eso todo lo que uno pueda hacer es poco para retribuir ese amor”.

De igual forma, de la Fe manifestó que es momento para que la salsa evolucione y los mas jóvenes se interesen por el género: “Es hora de cambiar un poco la salsa, una que le llegue a la juventud para hacer que las nuevas generaciones se interesen por la raíz del género, para que se pregunten por la historia de la salsa, por eso hice Melao”.

Alfredo de la Fe, es el primer violinista solista en actuar con una orquesta de Salsa, además ha realizado giras por el  mundo, apareciendo en conciertos y participando en más de cien álbumes para artistas latinos como Eddie Palmieri, Tito Puente, Celia Cruz, Jose Alberto “El Canario”, la Fania All Stars, entre otros.

Fuente: Peru 21. Por: Mijail Palacios Yabar

Primero vino a Lima como pianista de Paquito D’Rivera, luego para tocar con el gran Alex Acuña y ahora llega como Michel Camilo y su trío. El maestro dominicano del latin jazz se presenta este 27, en el Gran Teatro Nacional. Y antes lo entrevistamos.

- Por fin llega para mostrar su repertorio y como trío.
- El trío es el fundamento de mi carrera. Tengo como 24 discos, la mayoría son en formato de trío. Mi concepto está basado en música de cámara para sección de ritmo. El trío es una miniorquesta.

- ¿Se considera músico de jazz o de world music?
- Me considero más que músico, artista. Para mí, el músico toca las notas del papel, el artista toca el mensaje detrás de esas notas, las emociones.

- Al jazz se le asocia con el virtuosismo. ¿Es correcto?
- En el mundo del jazz siempre han habido las dos escuelas: la minimalista y la virtuosa. Entonces, yo trato de estar en el medio, como Chick Corea.

- ¿El jazz es para élites eruditas musicalmente?
- El jazz es composición al instante, la improvisación es el reto en el jazz, cómo un músico delante de su público se autodescubre y cada vez que sube al escenario es capaz de encontrar nuevos caminos aunque toque la misma pieza.
Tener un espíritu creativo y simplemente lanzarse al vacío sin paracaídas.

- ¿La audiencia tiene que estar entrenada para comprender una pieza de jazz?
- Depende del estilo. En mi caso, como se nutre de los ritmos latinos y caribeños, quizá sea un poco más accesible.

- ¿Optó por ese camino para llegar más fácilmente al público?
- No, simplemente para no dejar mis raíces. Cuando me fui a Nueva York, en el 79, el peligro era diluirse y perder la identidad y volverse fotocopia. Al contrario, busqué afianzar mis raíces y sacar a flote mi herencia

- ¿Hoy qué es el jazz latino?
- Antes era el mambo, el chachachá y hoy es el songo, calypso, soca, merengue, afro. Estamos viviendo una segunda época de oro del jazz latino. La primera fue en los años 30, 40, 50 y 60 y luego vino la salsa. A mediados de los ochentas hubo un resurgimiento, una escuela nueva a la cual pertenezco y creo que va en crecimiento.

- Usted también ha explorado en el pop. Sin embargo, este género a veces es señalado como elemental, superficial en relación con el jazz.
- Estamos en el siglo XXI y hay que tener mente abierta. Han caído los muros.

- ¿Existe mala música?
- Un gran maestro decía que solamente hay dos tipos de música: la buena y la no tan buena. Siempre hay algo que aprender.

- ¿Interpretaría un reggaetón?
- ¿Y por qué no? Depende de qué calidad tenga. Es bueno romper barreras.

- ¿Solo es músico el que estudia?
- No. Cualquiera puede ser músico. Grandes músicos de jazz ni leían partituras. Paco de Lucía no leía ni una sola nota. Una vez Tomatito me dijo que quería aprender a leer música. Le respondí que para qué se va complicar la vida.

- ¿Alguna vez pensó no ser músico?
- Tuve la suerte de que mi maestro de composición era el director de la Orquesta Sinfónica Nacional de República Dominicana. Cuando yo tenía 16 años me dijo: “Usted tiene un futuro brillante y para que no deje la música lo voy a nombrar en la sinfónica”. Y fui el miembro más joven y me quede con la música.

Datos:
Michel Camilo ha sido maestro, en Berklee, de la virtuosa Esperanza Spalding.
Los músicos que acompañan a Camilo son el reconocido Cliff Almond, en la batería, y la figura del momento Ricky Rodríguez, en el bajo.

Fuente: La República, Perú. Por: Raúl Mendoza

El miércoles se anunció que Cosa Nuestra, la grupación peruana de salsa criolla, fue nominada al Grammy Latino por su disco Pregoneros de la calle. Su líder Tito Manrique cuenta porqué está seguro de que este trabajo los catapultará al éxito internacional.

Cuenta Tito Manrique, director de Cosa Nuestra, que días después de su retorno de Viña del Mar el año pasado, donde su agrupación se llevó la Gaviota de Plata con su tema Sonero de callejón, el reportero de un programa de televisión le preguntó: "¿Y ahora, qué sigue Tito?". Y él, todavía emocionado por el gran triunfo en Chile, dijo "Lo que sigue es el Grammy, el próximo año".

En ese momento no tenía un disco nuevo entre manos, nada sobre lo que pudiera decir "esto es lo que voy a presentar". Pero sí se tenía una confianza a prueba de balas. Había estado planificando un disco el 2014 y a comienzos del siguiente año decidió retomar ese proyecto musical. Este 2016 por fin lo tuvo listo y lo lanzó al mercado en abril con un nombre recontra vendedor: Pregoneros de la calle.

Ese es el disco de Cosa Nuestra que el último miércoles fue anunciado como nominado al Grammy Latino en la categoría mejor álbum de fusión tropical. "No sé si lo que dije el 2015 acerca de ganar el Grammy fue premonitorio. Pero ser nominado me hace cumplir en parte con esa promesa", dice Tito en su estudio de grabación, en San Martín de Porres, sonriente y con su guitarra en las manos.


Fusión poderosa

A las 10 de la mañana del último miércoles, Tito estaba yendo a una grabación cuando la buena noticia le llegó por Whatsapp. Era su amigo Yuri Juarez, desde Estados Unidos, que lo felicitaba por la nominación. "No me engañes", respondió él. "Cómo voy a hacer eso. Fíjate en las redes", le dijo Juarez. Y Tito entró a Facebook y confirmó la buena nueva. Entonces puso un mensaje dando gracias a la música, a sus compinches de Cosa Nuestra y al disco que lo puede consagrar en el mapa musical del mundo.

Pregoneros de la calle es un trabajo donde Tito se dejó llevar por el espíritu de la música afroperuana, la salsa y la rumba, y el hip hop y las sonoridades electrónicas. "Es un disco bien power", dice convencido, sacándole unas notas a su guitarra. Él tiene una forma especial de trabajar: "Entro solo al estudio, hago los arreglos, armo las maquetas, canto, bailo, escucho, me paro de cabeza (ríe) y después decido: este tema lo canta Alex, este Zophia, o Carlos y así".

El disco nominado no sólo tiene a los cantantes de siempre de Cosa Nuestra sino que aquí están el gran Mayito Rivera, cantante de muchos años de Los Van Van, haciendo una formidable versión de La chola caderona; y el no menos reconocido Rico Walker, hoy vocalista de Don Perignon y antes de la orquesta de Willie Rosario, que interpreta una renovada versión de Anacaona. "Tremendos cantantes", se apresura a precisar Tito.

Como anécdota cuenta que antes de este disco a ninguno lo conocía personalmente. A Mayito, el poeta de la rumba, el líder de Cosa Nuestra lo contactó a través de un promotor de espectáculos, Juan Carlos Velásquez, que justo le mandó un Whatsapp invitándolo a una presentación del cubano. "Lo llamé a su teléfono y le dije que me interesaba grabar con él. Y me puso en contacto". Mayito, sencillo y cordial, acudió al estudio de Tito, grabó su canción y hasta un reel promocional del disco. Un crack.




El neoyorkino-boricua Rico Walker, en cambio, sí conocía la música seductora y al mismo tiempo rumbosa de Cosa Nuestra y hace tiempo que quería hacer algo con ellos. No tuvo problema en aceptar la invitación de Tito. Y hay más. En el disco también está el cantante de pop y salsa Michael Stuart, el intérprete de la recordada Nadie Sabe y también Pedro Martínez, percusionista y cantante que la rompe con su sexteto allí donde se presente y que hace un solo de congas espectacular en el tema que canta Mayito. "Ninguno de estos invitados cobró un mango", comenta Tito.

El disco ha quedado con un sonido envidiable y puede competir con cualquier producción del mundo. Como siempre, se luce la guitarra maestra de Tito, los vientos invitan al desmadre, y la percusión afroperuana que convierte todo lo que toca en salsa criolla. En el Grammy Latino, Pregoneros de la calle competira con producciones de grupos tan conocidos como Gente de Zona o Cali Flow Latino.


Proyecto personal

Tito Manrique se empapó de la musica criolla y afroperuana desde muy chiquillo, a través de su padre, Javier Manrique, que tocaba la guitarra y en un principio no quiso enseñarle porque su hijo era zurdo y cogía la guitarra al revés. Fue a los 14 años que Tito decidió aprender con la derecha y entonces su padre le enseñó las primeras notas. Desde entonces no se separó más de la guitarra. "Se convirtió en algo así como una extensión de mi cuerpo", dice Tito esta mañana, recordando esos años iniciales.

El aprendió con maestros de la guitarra como Alvaro Lagos o Carlos Hayre, estudió teoría musical y tuvo una exigente formación y aprendizaje sobre los mismos escenarios, porque desde muy joven empezó a tocar con Eva Ayllón y pudo recorrer el mundo con ella. Estuvo quince años con la estrella, cinco de ellos como su director musical.

Y sin embargo, dejó esa zona de confort para apostar por su propio proyecto. "Siempre tuve el bichito de sumar a la música peruana desde mi posición de creativo", explica. Él quería plasmar sus ideas sin que nadie le dijera lo que tenía que hacer, quería hacer lo que le diera la gana y que la gente que caminara con él se sintiera involucrada.

"Eso pasó con Cosa Nuestra, todos han sumado y han hecho que este proyecto se vuelva grande. Ellos han caminado conmigo desde la nada", dice orgulloso. El primer tema que hizo en estilo de salsa criolla fue uno de Ruben Blades, Sin tu cariño, ese que dice: "Sin tu cariño no tengo sol y me falta cielo, Sin tu cariño y sin tu consuelo, no sé...". Gustó entre quienes lo escuchaban y ese fue el germen del proyecto que lo ha llevado a ganar en Viña y ser nominado al más grande galardón de la música.

Tito está seguro de que su disco puede ganar un Grammy porque suena "del carajo". "Con el tiempo hemos ido fusionando no sólo el género con el repertorio, sino también los ritmos: el afro, el festejo, con el guaguancó y la rumba", dice. Y para que el combo sea completo han juntado guitarras, cajones, castañuelas con tumbas y trompetas. Y convocando a cantantes de salsa de fuera, han juntado también el sentimiento latino del Caribe con el sentimiento del barrio y el callejón de la música criolla y afroperuana.

"Al centro está la musica afro y eso hace que la fusión sea natural, fluida. Los portorriqueños, los cubanos la escuchan y sienten que su música está ahí. 'Es guaguancó' dicen. 'A ver tócala', decimos. Y no es guaguancó, aceptan. ¿Que es entonces? Es salsa criolla", expone Tito sobre su creación.

La foto de la carátula de Pregoneros de la Calle

El disco entonces es de alto nivel. Y ahí están como siempre los cantantes que han hecho grande a Cosa Nuestra: Carlos Mosquera, con su estilo elegante y abolerado cantando Qué voy a hacer sin ti o la voz del gran Alex Ramírez cantando Sonero de Callejón el temón que lo consagró como el mejor intérprete en Viña del Mar o Zophia con Z rompiéndola en Saca las Manos. Y están Noelia Herencia, César Castillo, Jair Mendoza, César Mansilla; y todos los músicos que le han dado su estilo a Cosa Nuestra.

Llegar a estar en la terna de los cinco nominados en su categoría no es poca cosa. "Los prenominados son como 200 y de allí quedan 30. Los jurados escuchan las producciones, califican y votan. Y entonces salen los cinco finalistas. Ahí estamos", cuenta Tito. El disco salió en abril y en mayo fue inscrito a los premios por un amigo de Tito, Juan Murrillo. "Le pedí que lo escuche y le pareció genial", se enorgullece. Desde entonces no supo nada hasta que el miércoles se enteró por su amigo Yuri. Y parece que el sueño empieza a cumplirse.