Necesario, anhelado y ya palpable, el Festival de la Salsa ha tenido tres exitosas jornadas de estreno en su sede del Parque Metropolitano de La Habana, desde su inicio el jueves último. Gestado por el interés de devolver la corona de monarca de los escenarios al son cubano —exhibida soberanamente en décadas anteriores—, el evento es también un punto de encuentro entre los artistas y su público, un momento para disfrutar del quehacer de creadores de una de las zonas neurálgicas de la sonoridad nacional.
Un gran espaldarazo del auditorio y la complicidad entre los cultores del género han recibido sus organizadores: la Empresa de Carnavales, Artex, la disquera Egrem y otras instituciones culturales.
Todo se debe a la concepción de una propuesta que tiene en cuenta no solo a las agrupaciones de primera línea, sino que integra a noveles exponentes del género y a grupos de un menor formato. Igualmente, suma a representantes de expresiones tradicionales de nuestra cultura, como las comparsas, y a Djs que promocionan la música popular, al tiempo que atrapa a quienes desean aprender o perfeccionar su baile con clases y talleres, tanto para cubanos como para extranjeros.
Es que el Festival de la Salsa llegó para quedarse, según explicó a Juventud Rebelde Maykel Blanco, presidente de honor del evento. «Pensamos que se pueda repetir quizá anualmente. Es la idea inicial y lucharemos por ello», insistió Blanco, a la vez que recalcó la cartelera de lujo que en las noches se ha adueñado del Parque Metropolitano con agrupaciones de la talla de los Van Van, Isaac Delgado y su grupo, Pupy y los que son son, Alexander Abreu y Havana D´ Primera y Klímax.
Maykel destacó que sí se está propiciando que el género «se mantenga en los puestos estelares y que siempre ha ocupado, sin desplazar otras tendencias musicales. Este festival es una oportunidad para exponer el trabajo de cada orquesta y también el de formaciones musicales más pequeñas».
Solo una acotación hace el también líder del grupo Salsa Mayor: «Realmente vamos a valorar si en próximas ediciones la palabra salsa sería la más idónea, dado que en Cuba existen muchos géneros que dieron lugar a lo que después se denominó como salsa. En el mundo entero se comercializa como tal y se nos cataloga como salseros, timberos, soneros... Aunque todo entra en el mismo saco y nos decidimos primeramente por ese nombre, veremos si lo mantenemos o buscamos algo que identifique más».
Consciente del novel y pujante movimiento de soneros en la actualidad, los organizadores del Festival quisieron tomarle el pulso a esa arista creativa del estilo y mostrar algunos de los rostros más visibles, entre ellos Noro Valladares y 1ra. Clase, El niño y la verdad y Papucho y Manana Club.
«La música tiene una continuidad y este festival es un espacio para presentarlos. Nuestro propósito es darlos a conocer, junto a los consagrados», dijo resuelto Maykel Blanco.
Interrogado sobre la posibilidad de incluir a artistas internacionales en las próximas ediciones, el pianista aseguró que «sería un honor y prestigiaría a un evento como este, que músicos internacionales, cultores de la salsa nuestra en muchísimos escenarios del mundo, quieran y puedan estar aquí. Creo que en algún momento tal vez podamos lograrlo. En esta ocasión nos resultó un poco difícil, pero para un futuro esperamos que se pueda».
Su orquesta Salsa Mayor fue otro punto importante en la conversación con nuestro diario. Blanco estimó que sus muchachos ahora mismo marcan un sello en el pentagrama nacional. «Acabamos de sacar nuestro más reciente álbum, Que no me quiten la fe. Aún no se ha presentado. Para Cuba estamos coordinándolo con nuestra disquera Bis Music, y para el mundo con Planet Record. Para nosotros fue una sorpresa que en menos de una semana de la salida a la venta en la red, el disco entrara en el número 18 de la lista de la revista Billboard y también acaparó primeros lugares en sitios como iTunes. Eso nos crea un mayor compromiso con el público y representa una gran posibilidad, no solo para nosotros, sino para todo el movimiento salsero cubano».
Con una proyección escénica que toma conceptos básicos de los espectáculos en vivo, como el uso de pantallas y coreografías danzarias, el secreto de Salsa Mayor en este aspecto es no estancarse ni repetirse, según su director. «Es algo de lo que nos hemos preocupado y ha sido incluido de modo ascendente en nuestras presentaciones. Tenemos muy presente qué le puede gustar a los seguidores. Somos artistas desde que nos levantamos hasta que nos acostamos y debemos aportar siempre más en cada concierto», señaló.
Todo se integra a la estética musical que defienden, el songo, una variante del son cubano, de la que Juan Formell y los Van Van han sido abanderados. Maykel opinó que lo tenían «muy claro desde el primer momento. Igualmente estamos influenciados por géneros cubanos y foráneos como el jazz y la trova, aunque prevalece el songo, pero a nuestra manera. En los comienzos nos comparaban mucho, como era lógico, pues estábamos buscando un camino. Nunca negamos que esta música fuera nuestro paradigma, porque la escuchaba de niño. Siento que con el tiempo Salsa Mayor ha encontrado su propio estilo, algo que ya reconoce el público».
Con compromisos internacionales pactados para Venezuela (marzo), Europa (mayo y junio), y en agosto Argentina, Chile y Paraguay, Salsa Mayor desea llegar a varias ciudades de la Isla, en un periplo que planea con Artex. Por lo pronto, sus seguidores estarán de plácemes esta noche, pues junto a Bamboleo y Elito Revé y su Charangón, es una de las agrupaciones clave de la cartelera de cierre del Festival de la Salsa de La Habana, evento que desde ya se convierte en imprescindible para los bailadores.
Fuente: El Nuevo Día, Puerto Rico. Por: Mariela Fullana Acosta
La cantante India es una mujer de emociones intensas. Cuando ríe, lo hace con fuerza, a carcajadas, contagiando a todos con su alegría. Cuando se entristece, sus ojos y su voz la delatan sin miedos. Y cuando se indigna, frunce el ceño y deja que se escuchen sus truenos.
Como buena intérprete, sabe comunicar con su cuerpo, dice con sus cejas, con sus ojos grandes y oscuros y con sus manos ensortijadas. Cada gesto en ella es una oración o quizás una canción. Porque si hay algo que caracteriza a esta artista puertorriqueña es esa capacidad para comunicar cantando, para mover a la audiencia con ese timbre de soprano con la que logra convertir el sentimiento en movimiento.
Este año India celebra 30 años de carrera y ya planifica un concierto de trayectoria que desea llevar a cabo en el Coliseo de Puerto Rico. Todavía no hay nada confirmado, advierte, pero lanza una carcajada y comienza a hablar, como quien no puede ocultar un secreto.
“Hay algo planificado y queremos ir al Choliseo. Mucha gente me va a decir ‘no, India, ahí no se vende’, pero quiero ir, porque quiero celebrar. El pueblo se merece ir a comprar sus boletos y ver un show entero de mi trayectoria, con bailarines, y quiero hacer de todo un poco”, adelantó la intérprete en entrevista con El Nuevo Día.
En este espectáculo, que aún no tiene fecha, la cantante desea revivir sus comienzos, desde que dio sus primeros pasos con Eddie Palmieri, Tito Puente y Celia Cruz, pasando por los éxitos de su disco “Dicen que soy” (donde se incluyó el éxito “Vivir lo nuestro”, con Marc Anthony), hasta su más reciente producción discográfica, “Intensamente: Con canciones de Juan Gabriel”.
“Yo digo, ‘Dios mío, 30 años de carrera, no puede ser, ya soy una doña. Pero me siento feliz”, expresó la cantante con su particular sentido del humor.
“Empecé jovencita, jovencita, y cuando yo crucé pa’la salsa, ya yo tenía música grabada en dance music, en freestyle, y cuando empecé a grabar con Eddie (Palmieri) yo tenía 21 años y ya tengo 46, imagínate”, agregó.
La India destacó que la clave de su carrera ha sido ser fiel a ella misma y a la música tropical, en la que se ha distinguido por su estilo único y por esa fuerza interpretativa con la que embruja y emociona.
“Cuando Celia Cruz se nos fue, ella le dijo a todo el mundo ‘la próxima es La India de Puerto Rico, no hay más. Ella es mi sucesora’. ¿Y tú sabes por qué lo dijo?, no porque yo canto como ella, sino porque ella sabe que yo vine con mi propio estilo y porque soy una mujer luchadora, talentosa, que defiendo la música antillana, la música tropical, la salsa, que es mi género”, puntualizó.
Pero la fama y la popularidad de la que ha gozado la artista, también han conllevado una gran responsabilidad, pues aún en la actualidad, sigue siendo una de las pocas exponentes femeninas de música tropical.
La intérprete destacó que desde que comenzó su carrera hasta hoy ha tenido que lidiar con el machismo en la industria musical, que entiende no promociona las voces femeninas en la música tropical. India señaló que sus canciones presentan a mujeres fuertes y que eso tampoco gustaba mucho en el inicio.
“El machismo siempre ha estado. Cuando yo empecé decían ‘ella no va a ir pa’ ningún lao’ y me criticaron porque soy primer soprano, y eso es un poquito impresionante. Decían ‘esa muchacha tan chillona, tan alta así, es que no va pa’ ningún lao, no va pa’ ningún lao’. Pero Tito Puente, Celia Cruz. Eddie Palmieri, to’ los pioneros de la música. decían ‘esta muchacha tiene talento, tiene talento’, y Ralph Mercado dijo ‘tiene talento, yo la voy a empujar’, Y todo el dinero que pusieron detrás de mí ellos lo multiplicaron con fortuna, porque las mujeres venden si uno las promueve”, compartió.
Su género: la salsa. La cantante, por otro lado, precisó que en estas tres décadas de carrera nunca ha tenido dudas que su género musical es la salsa, ritmo que defiende con convicción. Aunque ha incursionado en otros géneros, India aseguró que nunca dejará el ritmo que la ha dado a conocer y que es el que rige los latidos de su corazón.
“Yo tengo que defender mi género y tengo que ser fiel a mi género. Ahora mismo se nos están yendo Víctor (Manuelle), se nos está yendo Marc Anthony, porque están haciendo discos urbanos, y eso es bueno porque puedes demostrar que pueden hacer algo diferente, pero ¿qué va a pasar con la salsa? La salsa es lo más importante y no podemos dejar que se muera”, opinó.
La cantante indicó que en la actualidad el país que más respalda su música es Puerto Rico. Dijo que muchos países y ciudades -como su querido Nueva York- no están apoyando su propuesta tropical. Al igual, dijo, que están haciendo los organizadores de los premios musicales, que en las categorías de música tropical incluyen propuestas urbanas.
Critica a los premios Lo Nuestro. Recientemente, India estuvo nominado a los premios Lo Nuestro en la categoría de artista femenina tropical del año, en la que compitió con “un montón de teenagers nuevas”. La ganadora del premio fue la joven Leslie Grace con su propuesta de bachata urbana, lo que indignó a la intérprete boricua, quien criticó a los premios a través de las redes sociales. “Fue un comentario un poco fuerte, pero fue que me molestó mucho”, destacó.
“Nunca dije nada malo de ningún otro artista, no me quejé de los ganadores de los premios, no, al contrario, yo estoy hablando de lo que está pasando con el género mío, qué está pasando con el género tropical femenino”, continuó la artista, a quien le preocupa el futuro de la salsa.
Enamorada. La artista, en tanto, agradeció una y otra vez al pueblo puertorriqueño por todo el respaldo brindado en todos los años y por el cariño que siempre le ha demostrado.
“Debo mi carrera a Puerto Rico”, afirmó con emoción.
La intérprete compartió que se debe a ese público, a su carrera, y que todavía le quedan muchas metas que alcanzar. Y aunque el amor le sonríe en este momento de su vida, no piensa en matrimonio, pues su compromiso es con la audiencia. “Tengo un novio que lo veo, lo visito, me manda flores y nos hablamos to’ los días, pero no me quiero casar. Yo pienso que me debo a un público, me debo a mi carrera, y pienso que hay muchas cosas que tengo que hacer todavía. Hace poco mi novio me dijo que no trabaje tanto y le dije que no me voy a retirar y que aguante el empuje de lo que me falta por lograr”, concluyó con esa voz que abraza y arrasa.
Fuente: El Nuevo Día, USA. Por: Hernán Vera Alvarez
“El bolero es parte de mi vida. Y también es una forma de vivir”, afirma Paquito D’Rivera para el Nuevo Herald. “Siempre me llamó la atención, ya que es un género que me ha dado espacio para improvisar”. El mítico compositor y saxofonista cubano, ganador de 14 Grammy Awards, integrante alguna vez de la banda de Dizzy Gillespie, se presenta en la ciudad de Miami con un show que rinde tributo a un género que, aunque anclado en el Caribe, se ha ganado el corazón de los oyentes alrededor del mundo.
“Gabriel García Márquez decía que él admiraba más a un músico de bolero que a un novelista. El escritor necesita 300 páginas para definir una situación, desarrollarla y llegar a algo interesante, pero los grandes boleristas sólo necesitan un par compases”, afirma el artista que nació un 4 de junio de 1948 en La Habana y ha grabado más de treinta discos.
A pesar del tiempo que siempre corre veloz y el avance de la tecnología, que desarrolla nuevas formas de comunicarse entre la gente, el bolero nunca pasa de moda, es un género que une a muchas generaciones. Por eso, en el show del sábado en el Adrienne Arsht Center junto con el enorme Paquito D’Rivera se presenta la artista Lucrecia, sin duda, una de las nuevas voces referentes de la música cubana en el siglo XXI.
“Ella es una artista muy alegre. Y a mí ese tipo de gente con sentido del humor me gusta muchísimo”, dice con admiración el músico de jazz latino. “Además, el primer instrumento que tuvo Lucrecia antes de la voz fue el piano. Es decir, que es una persona que sabe muy bien armónicamente lo que debe hacerse. Tiene un gran conocimiento de la música. Eso para un artista es algo muy importante”.
Así, entonces, con un show denominado simplemente Bolero, estos artistas ofrecerán un repertorio ilustre, con las canciones compuestas por los más renombrados exponentes del género, como Rafael Hernández, Agustín Lara, Ernesto Lecuona y Rolando Laserie.
“En este espectáculo tenemos pensado en algún momento con Lucrecia hacerle un homenaje a quien cantó el bolero de manera completamente distinta: Rolando Laserie. Fue un cantante de tangos que luego hizo boleros. Casi no se habla de él de la manera que se debería hacer. Es una persona muy importante”, informa Paquito, para completar que también incluirá en el repertorio canciones de su más reciente álbum, Paquito D’Rivera plays the music of Armando Manzanero (2015). El disco se grabó en la ciudad de New York e incluye clásicos del compositor mexicano como Esta tarde vi llover, Somos novios y Te extraño.
Como tantos otros artistas que en el exilio se descubren latinoamericanos, Paquito confiesa que aprendió a querer mucho más la música cubana fuera de su patria. “En Cuba sólo quería escuchar música americana. Yo pienso que era una forma de rechazo al nacionalismo enfermizo que crean los sistemas totalitarios. Entendí aquella frase de Lidia Cabrera: “Yo descubrí Cuba a orillas del Sena”. En mi caso, la descubrí a orillas del río Hudson”.
Paquito D’Rivera abandonó la isla en mayo del 1980 y nunca más regresó. Sobre los cambios políticos entre Estados Unidos y Cuba, el artista opina: “¿Cómo se va arreglar el país con la gente que lo destruyó? Para mí esto es como encargarle la reconstrucción de Europa a Adolfo Hitler. Hay que llamar a elecciones. Más de medio siglo haciendo lo incorrecto, ¿cómo ahora le van a dar la oportunidad a esa gente que ya tiene como 90 años? A mí todo esto no me entusiasma. Ha pasado un año y como dice el bolero, el cuartito está igualito”.
Paquito D’Rivera y Lucrecia se presentan el show ‘Bolero’ este sábado 27 de febrero, a las 8 p.m., en el Adrienne Arsht Center (1300 Biscayne Blvd.). Invitada especial, Malena Burke. Teléfono: 305-949-6722. Más información: http://www.arshtcenter.org
Tras la ola de comentarios en contra del reguetonero Arcángel por este decir que es "más grande" que el salsero boricua Ismael Rivera, el intérprete de "Por amar a ciegas" y "Me prefieres a mí" reaccionó en su cuenta de Facebook.
El artista en una entrevista con Radio La Zona de Perú le preguntó al moderador si conocía a Ismael Rivera y este respondió que "es un salsero".
“Pues yo me crié en la misma calle que ese hombre. Y hoy en día en el barrio mío yo soy más grande que Ismael Rivera, aunque suene feo. La gente dice: ‘de este barrio es Ismael Rivera y, ¿sabes quién más?, Arcángel’”, expuso el reguetonero.
Lee su declaración completa a continuación:
Buenos Dias a todos;
Me encuentro saliendo de Perú después de dos semanas exitosas promoviendo mi nuevo álbum Los Favoritos y me acabo de enterar de la noticia acerca del maestro Ismael Rivera. Le cuento a mis fanáticos y le explico a los compañeros de la prensa que lo que quise decir se malinterpretó por la manera en que lo dije, le quiero pedir mis mas sinceras disculpa a la familia de Ismael Rivera y a todos sus fanáticos ya que no tengo mas admiración para una persona como la tengo por el maestro Ismael Rivera. Lo que quise decir es que hoy en día me considero una gran influencia para los niños y jóvenes de mi barrio ya que estoy presente con ellos jugando, compartiendo, riendo y muchas veces aconsejando no tan solo a que sigan mis pasos si no también los de Ismael Rivera.
Aprovecho para decirles que tanto es mi respeto y aprecio por Ismael Rivera que cuando personas del barrio me dijeron la idea de remodelarle su mural en la calle "Calma" ahí estuve yo para apoyarles en esta obra! Ismael Rivera fue de mucho influencia para el mundo y el ídolo no merecía menos.
Hoy en día me siento orgulloso de donde vengo y de que personas como Ismael Rivera me hayan servido de ejemplo para lograr mis sueños y como seguir sus pasos me ayudó pues entonces que otros niños y jóvenes sigan los míos para que logren los suyos.
Nos llega la noticia del fallecimiento, el día de hoy, de Reinaldo Hierrezuelo, cantante cubano que ganara fama al integrar el recordado dúo Los Compadres, muy popular en nuestro país en los 60s y 70s.
Reinaldo Hierrezuelo de la O., nació en Santiago de Cuba el jueves 30 de diciembre de 1926. Nicolás, su padre, interpretaba el tres y Julia, su madre, tocaba la guitarra y el bongó. Fu el menor entre 11 hermanos. Seis de ellos acogieron la música profesionalmente, descollando Ricardo, Caridad y Lorenzo.
Reinaldo fue fundador en Santiago de Cuba del Cuarteto Patria, en los años cuarenta, con Rigoberto Hecheverría (Maduro), Francisco Cobas y Emilita García. Luego trabajó con Ninón Mondéjar, el fundador de la Orquesta América y con Eddy Alvarez, hermano del bolerista Fernando, en un formato de trío.
En 1950 se estableció en La Habana y comenzó a laborar con Raúl Lima, que dirigía los Cantores de Ariguanabo. Después pasó al Conjunto de Miguel Ojeda. Actuó en la radio con Clavelito, destacado cantor campesino.
Lorenzo, su hermano, nació el lunes 5 de agosto de 1907 en el Cruce de Firmeza, sector de la Gran Piedra, antigua provincia de Oriente. En 1935 se unió a la gran trovadora María Teresa Vera, que había sido directora y propietaria del Sexteto Occidente, el cual vendió a Ignacio Piñeiro, que le cambió de nombre a Septeto Nacional. Lorenzo y María Teresa, constituyeron el dúo de mayor arraigo en Cuba durante 14 años. Después, Lorenzo conforma el dúo Los Compadres en 1949 con Francisco Repilado, (Compay Segundo).
En 1953, Reinaldo reemplaza a Repilado y comienzan los dos hermanos una prolongada época de éxitos. Reinaldo tocaba bongó, bajo, güiro y guitarra. Realizaban efectos guturales semejando la flauta y la clave. Hacían de todo: sones, boleros, guarachas, montunos y hasta música jocosa. Simultáneamente, Reinaldo proseguía su labor como cantante solista. Cantó con Celina y Reutilio. El dúo de los hermanos Hierrezuelo comienza grabando para la exitosa casa Panart un LP, donde figuraron: Como el macao candela, Mi son oriental, Baja y tapa la olla, El vendedor de agua, Sarandonga, Descripción de un sueño, Mujeres conmigo van a acabar, Cañero número 15, Su señoría la conga, Venga guanocaballero, La rumba del yarey, El gallo eyando.
Los Compadres trabajan en 1957 para el sello Seeco y graban un LP que contiene: Todo a tus pies, Con un temporal, El gato y la gata, La rebelión de mayo, En la casa de don Juan, Envidia de amor, Yo tengo pena, En el monte, Pruebe ese tono, Descripción de la rumba, Paloma mensajera, Preparen candela. Este último número fue arrollador.
La casa Seeco posibilitó la circunstancia para que el domingo 26 de octubre de 1958, Rey grabara con la Sonora Matancera sus dos únicos temas. Rey luce una juvenil voz, bien timbrada y potente. Desde esta fecha Rogelio Martínez le aconseja que para las actuaciones como solista se nombre Rey Caney, como homenaje al pueblito El Caney en el oriente cubano, lugar donde lo registraron después de nacer. Durante los meses de marzo y abril de 1959, ya establecido el nuevo gobierno de los cubanos, Rey Caney actúa en el conocidísimo Alí Bar, en la compañía del Benny Moré y Fernando Álvarez, secundados por las orquestas de Alfonsín Quintana y Moisés Alfonso. En 1960 actúa en Nueva York en el Palladium, en el Caborrojeño y en el Teatro Puerto Rico, alternando con Miguelito Cuní, Arsenio Rodríguez, Tito Puente, Machito y Cortijo y su Combo, que incluía al archifamoso, Ismael Rivera. Canta además con la Orquesta del boricua César Concepción.
En abril de 1961, Los Compadres ganan en el Perú un Disco de Oro. Inician una extensa gira por: México, Panamá, Venezuela, Unión Soviética, Alemania Federal, Suecia, Polonia, Bélgica, Rumania, España, Francia y Japón. En 1980, participan en México representando a Cuba en el Tercer Festival de la Música Afroantillana. Pasean por doquier las composiciones Caña quemá, de Lorenzo y Hay compadres para rato, de Reinaldo.
Los compadres grabaron aproximadamente 15 LPs. Luego de fallecido Lorenzo en 1987, Reinaldo conforma el Cuarteto Recuerdo de los Compadres, con su hermana Caridad, Ramón Avilés y Rubén Betancourt. En 1991 participó con el Conjunto Caney de Benitico Yanes en la Feria de Cali y al regreso a su patria, recibió con justicia su jubilación como músico por parte de su gobierno.
A comienzos de 1994 organiza un quinteto que denomina Vieja Trova Santiaguera. Allí están: Pancho Cobas (fundador del Cuarteto Patria, guitarra y voz), Aristóteles Limonta (bajo, voz y maracas), Amado Machado (voz y maracas), Reinaldo Creagh (primera voz y clave) y Reinaldo Hierrezuelo (guitarra, voz y flauta). Hicieron una exitosa gira por España, recorriendo todo su territorio en los meses de julio y agosto de 1994. Para el sello español Nubenegra, grabaron un CD que les da renombre y los obliga a retornar en junio de 1995, para un nuevo contrato de seis meses.
Esa fue el cierre merecido de la carrera musica de don Reinaldo, quien en sus últimos años de vida perdió la visión mas nunca la fama de aquellos años gloriosos de la mejor música cubana
¡Que Descanse en Paz!
Los compadres Los compadres. Dúo vocal e instrumental, intérprete de la guaracha, el bolero y, sobre todo, el son al estilo oriental.
El dúo Los compadres fue fundado en 1945 por los primos Lorenzo Hierrezuelo La O (El Caney, antigua provincia de Oriente, 5 de septiembre de 1907-La Habana, 16 de noviembre de 1993) y Francisco Repilado (El Caney, 18 de noviembre de 1907-La Habana, 14 de julio de 2003).
Sus fundadores fueron bautizados respectivamente como Compay Primo y Compay Segundo por el locutor Eddy Martin de la estación CMCH Radio Cadena Habana, donde actuaban como artistas exclusivos hacia finales de la década de 1940.
Lorenzo Hierrezuelo cantaba primera voz y tocaba la guitarra. Francisco Repilado cantaba la voz segunda y tocaba el “armónico” (instrumento de diez cuerdas, de su invención), variante del tres cubano.
Hierrezuelo integró el trío Oriente en Santiago de Cuba, ciudad a la que se trasladó con su familia en 1910. Se radicó en La Habana a inicios de la década de 1930 y en la capital formó parte del trío Lírico Cubano, y de un cuarteto integrado además por Justa García, Isaac Oviedo, y Hortensia López, que hacia 1935 realizaba actuaciones diarias en programas de radio. Más tarde formó parte del cuarteto Hatuey, dirigido por la trovadora Justa García, junto a Francisco Repilado, Evelio Machín y Marcelino Guerra “Rapindey”.
En 1937, en la estación Radio Salas, Lorenzo Hierrezuelo formó dúo con María Teresa Vera, con quien se mantuvo actuando hasta 1962, al tiempo que tocaba y cantaba junto a otros artistas. Su vacante en el Cuarteto Hatuey fue ocupada por Armando “Dulfo” de Wolf.
Por su parte, Francisco Repilado desde muy joven tocaba el tres y la guitarra. Realizó estudios de clarinete con el profesor Enrique Bueno. En 1919 formó parte del grupo Los Seis Ases. Entró como clarinetista de la Banda Municipal de Santiago de Cuba con la cual viajó a la capital del país por primera vez en 1929 y, más tarde, tocó con la Banda Municipal de La Habana dirigida por Gonzalo Roig. Pasó por varios grupos musicales como la Estudiantina de Yayo Corrales, el cuarteto Cubanacán y el trío Relámpago. Como integrante del Cuarteto Hatuey viajó a México. El grupo actuó en estaciones de radio y varios teatros por espacio de seis meses y apareció en dos películas mexicanas: México lindo, de Ramón Pereda y Tierra brava, de René Cardona, estrenadas ambas en 1938.
En 1943 Repilado entró al conjunto Matamoros, en el cual tocó por espacio de doce años. Hierrezuelo también formó parte por algún tiempo de este conjunto hasta que fue sustituido, en víspera de un viaje a México, en 1945, por Benny Moré.
El dúo Los compadres, tras presentarse en cafés y fiestas, debutó en una estación de radio habanera en 1948 con un repertorio compuesto fundamentalmente por piezas de Hierrezuelo y Repilado, sones montunos en su mayoría. En 1951 el dúo apareció en la película Cuba canta y baila, de Manuel de la Pedrosa, junto a otros artistas cubanos muy populares de la época.
En 1953 realizaron sus primeras grabaciones de discos para el sello Sonora –de la discográfica Panart– que de inmediato alcanzaron éxito en Cuba y otros países del área caribeña, como Puerto Rico y República Dominicana.
Entre los primeros números grabados por el dúo se encuentran "Yo canto en el llano", "El penquito e´coleto", "El Paraná", "La calabaza" y "Sarandonga", todos sones de Hierrezuelo y Repilado.
En 1954 Los compadres realizaron nuevas grabaciones para el mismo sello. En los discos incorporaban, ocasionalmente, a Reynaldo Hierrezuelo o a Rafael Ortiz en el contrabajo; Pedro Mena, en el bongó y Florencio Hernández “Carusito”, en el güiro. En ese año grabaron, entre otros, "Mi son oriental" (Hierrezuelo-Juan Murías), "Macusa", "Vicenta", "Tu novia te botó", "Huellas del pasado" (Repilado), que se mantuvieron en el favor del público por muchos años.
El 1 de septiembre de 1955 Lorenzo Hierrezuelo decidió sustituir a Repilado. A partir de entonces el dúo dejó de grabar en disco composiciones de Compay Segundo (Francisco Repilado), quien poco después formó su propio grupo (Compay Segundo y sus muchachos) con el cual continuó grabando discos y se presentó en República Dominicana en 1956. Con Carlos Embale, Pío Leyva y su hija Amparo, Compay Segundo realizó grabaciones hasta 1958. Tras varios años de retiro de la música, grabó en 1975 un disco de larga duración para el sello Egrem, y en Washington, en 1989, registró fonográficamente varios números con el Cuarteto Patria para el sello Folkways, de la Fundación Smithsonian. En la década siguiente Compay Segundo alcanzó notoriedad internacional por sus presentaciones y discos en Europa y, de manera decisiva, por su participación en los espectáculos de Buena Vista Social Club, la película de igual título (Wim Wenders, 1997) y copiosas grabaciones y actuaciones en todo el mundo.
Lorenzo (izquierda) y Reinaldo (derecha), los Hermanos Hierrezuelo: Los Compadres
Reynaldo Hierrezuelo La O (Santiago de Cuba, 30 de diciembre de 1926) comenzó a aportar obras de su autoría al repertorio del dúo Los Compadres en 1955, además de cantar primera o segunda voz, alternativamente, y tocar el tres, el cuatro y el “armónico” o “armonioso”.
Los hermanos Hierrezuelo realizaron exitosas giras por países de América Latina y el Caribe. En la segunda mitad de la década de 1950 popularizaron los sones "Venga guano", "Caña quemá", "Baja y tapa la olla", "El gallo e`jando", "La rumba del yarey", "Su señoría la conga" y "Llegaron los compadres". En Perú recibieron un Disco de Oro por volúmenes de ventas. Como cantante solista, Reynaldo Hierrezuelo hizo grabaciones con el nombre de Rey Caney con otras agrupaciones, como la Sonora Matancera y con su propio conjunto. Sustituyó, hacia 1958 y 1961, a Benny Moré en el cabaret Ali Bar.
Tras el triunfo revolucionario de 1959 Los compadres integraron numerosas delegaciones artísticas. Formaron parte del espectáculo Grand Music Hall de Cuba, que se presentó en el teatro Olympia de París en 1965.
Durante los años siguientes el dúo realizó giras por Japón, México, Perú, España, Argentina, Unión Soviética y varios países de Europa del este.
Su carrera discográfica continuó, en Cuba, con el sello Egrem. Se presentaban sistemáticamente en radio, televisión y filmaron varios cortos musicales. En la estación Radio Liberación mantuvieron por más de veinte años el programa “Amanecer cubano”.
El dúo se disolvió en 1982, año en que Lorenzo Hierrezuelo se acogió a la jubilación por motivos de salud.
En 1994 Reynaldo Hierrezuelo reapareció al frente del grupo Vieja Trova Santiaguera que grabó varios discos compactos para el sello discográfico español Nube Negra, filmó un documental titulado Lágrimas negras y realizó presentaciones en varios países de Europa, algunas de ellas, con su hermana, la cantante de guarachas Caridad Hierrezuelo.
La discografía de Los compadres ha sido profusamente editada en discos compactos dentro y fuera de Cuba. Permanece sin llevar a ese formato una gran cantidad de piezas grabadas para la radiodifusión.
Desarrollaron un estilo de interpretación que se conoce en Cuba como “de monte adentro” por su raíz campesina, propio de las zonas montañosas de las provincias orientales de la Isla, que posee un aire más vivo que el son llamado “habanero”, más lento y acompasado, dado a conocer por grupos musicales (tríos, cuartetos, sextetos y septetos) formados en zonas occidentales, a partir de los últimos años de la década de 1910, y sobre todo, a partir de 1920.
En los últimos años, uno de los ingredientes infaltables alrededor del Día Nacional de la Zalsa ha sido la previa de Viera Discos, donde se han presentado distintos intérpretes salseros.
Este año será especial puesto que, como es de conocimiento público, la conocida "Casa del Coleccionista" cerrará sus puertas a fines de marzo, debido al fin del contrato de arrendamiento del local que han ocupado por años. En otras palabras, esta será una suerte de despedida de la reconocida casa de discos liderada por Rafael y Richie Viera.
La cita está pautada para el próximo sábado 12 de marzo y el cartel de artistas incluye a:
Wito Colón
Aníbal de Gracia
Jean Paul Tamayo
Alex D'Castro
Orquesta Salsa, Timba y Son
José Lugo & Guasábara Combo
Melina Almodóvar
Carlos D'Castro
Nayibe La Gitana
Además, se anuncia un invitado sorpresa...
La cita es desde las 11:30 am; la entrada es gratuita
Esta es la segunda vez que se presenta en el Festival de Música Colombiana. En el pasado tocó salsa y este año tiene el reto de hacer un homenaje a Lucho Bermúdez. Dentro de la gran obra del maestro, ¿qué canciones han elegido?, y, ¿cuál será su aporte?
Tocaré junto al Dueto Nocturnal de Bogotá. Hemos escogido canciones célebres como Carmen de Bolívar, Tolú y Fiesta de negritos, con arreglos un poco más estilizados. Contaremos con el tiple, el piano, el bajo, un par de instrumentos de percusión y dos voces maravillosas. Vamos a mezclar zona Andina con la Costa Caribe.
¿Cómo es la relación que tiene con la música colombiana?
Me identifico mucho con la andina, porque mi padre, quien fue tenor de ópera, me hizo escuchar bambucos, guabinas y torbellinos desde muy niño, todo ello gracias a Disco 78, en los años 60. Cuando se habla de la música colombiana se piensa en la andina, que tiene una magia para combinar las raíces de los instrumentos. Para mí tocar La gata golosa o Las juanas es algo maravilloso, a pesar de que Colombia ha sido para los salseros la mejor plaza del mundo, porque si no fuera por este país la salsa se hubiese muerto hace mucho tiempo.
Llegó al país en los años 80 y se quedó.
Sí, vine a tocar a Cali en el año 82 a Juanchito y me quedé 14 años. Mi adicción la paré en Medellín en el 1986, cuando me iba a presentar en la visita del papa Juan Pablo II. Haber incumplido esa cita con Su Santidad me hizo tocar fondo. Cuando llegué a Colombia había terminado de hacer mi primer disco, en el cual hay un tema que se llama Somos los reyes del mundo, del que no me he podido liberar, porque lo debo tocar en todas mis presentaciones. En este país me volví solista, ya no era un violinista acompañante y eso se lo debo al público colombiano.
Pero una de las razones de su llegada a Colombia fue porque en Estados Unidos lo estaban acusando de narcotraficante.
Eso me sucedió por rumbero. Estaba en una casa de rumba y cuando llegó la Policía me detuvo. Finalmente pude demostrar mi inocencia, pero quedé con un sabor amargo con la justicia de Estados Unidos, porque me estaban acusando de expendedor de droga, entonces eso me hizo cambiar de ambiente. Creo que si no hubiera venido a Colombia, nunca me hubiera rehabilitado.
Héctor Lavoe, su gran amigo, intentó hacer lo mismo, llegó a Cali con la esperanza de que aquí iba a dejar su adicción.
Héctor venía huyendo de su adicción a la heroína, buscando desintoxicarse, pero las rumbas eran iguales, mi casa era la casa del ritmo. Recuerdo que una vez Héctor me desbarató el apartamento buscando a un hombrecito de 10 centímetros con una metralleta, porque decía que lo que iba a matar. Para esa época él estaba escribiendo “Triste y vacía” y “Juanito Alimaña”. Con él tuve una gran amistad, las primeras rumbas las empezamos cuando yo tenía 12 años en Nueva York. Trabajé con él, hice los violines de “Periódico de ayer”.
Siente que su misión, al haber pasado por estas circunstancias, es llevar un mensaje de esperanza a quienes están en esta situación similar?
Sí. La vida me dio esa oportunidad de no morir, así que debo dar testimonio de ello. Pero también de las cosas buenas que han pasado por mi vida. Sólo alguien que ha estado atrapado por el vicio sabe que no es fácil enfrentar esa enfermedad de la que nunca te curas, porque si mañana empiezo a consumir de nuevo voy a terminar peor. Ese monstruo se puede poner a dormir.
Comenzó su carrera a los 12. ¿Cómo es la vida de un músico profesional a esa edad?
Fue pasar de jugar con carritos a una vida nocturna, una vida de drogas, porque a esa edad conocí la droga que casi me mata y que afortunadamente hace 30 años la dejé. También hice mi primera gira por Europa y ese tipo de situaciones me hicieron madurar biche, pero no me arrepiento de nada, porque mi destino es llevar la música.
Pero, ¿cuándo determinó que esa pasión se debía profesionalizar?
A los 12 años empezó a llegar el trabajo, tuve la oportunidad de estar al lado de un gran músico como José Antonio Fajardo, el mago de la música cubana y la flauta, quien me enseñó las raíces de mi música y siempre conté con esa suerte de que lo que yo hacía le gustaba a la gente, así que me llamaron de diferentes agrupaciones.
Pero no siempre fue así, a usted lo bajaron en una oportunidad del escenario, cuando se presentó al lado de la Orquesta de Broadway, en Nueva York.
Era la primera vez que tocaba con una orquesta. Me dijeron que nunca iba a servir para la salsa, para la música cubana, que siguiera con lo clásico, pero eso fue como un empujón, me dio el coraje de seguir adelante y demostrar todo lo contrario. Años después esa misma orquesta que me bajó del escenario me llamó para que participara en uno de sus discos.
¿Cómo definiría el sonido de aquel violín que lo acompañó en sus primeros años de músico?
Recuerdo que ese primer violín llegó a mi casa, porque mi papá lo encontró en la basura y no tenía cuerdas. Las primeras cuerdas y el arco me los dio Celia Cruz, mi madrina de bautizo, con el compromiso de que llevara la música y el legado de Cuba al mundo. Luego inicié mis estudios en el Conservatorio Amadeo Roldán de La Habana. Recuerdo que la primera vez que llegué allí había guardado el violín en una funda de almohada y todos se burlaron, pero dos años más tarde gané una beca para estudiar en Polonia. Desafortunadamente ese violín se quedó en Cuba, cuando nos fuimos a Estados Unidos.
¿Y ahora qué violines tiene?
Tengo uno de 1823, que compré a los 15 años con la venta de las joyas que mi papá me había regalado al graduarme de la escuela. También tengo un acústico y dos violines eléctricos. Siempre trato de innovar, por eso he pasado de un violín de 5 cuerdas a uno de 7.
Mirando hacia atrás, ¿cree que fue necesario estudiar el instrumento fuera, en Varsovia, durante seis meses?
Sí, creo que las cosas no se dan por casualidad. La mejor escuela fue el Conservatorio de Cuba, pero el haber tenido ese roce cultural a los 11 años con un país europeo es difícil de olvidar, porque salí de la comodidad de mi casa a estudiar en un país donde no se hablaba español, en donde estudiábamos de seis de la mañana a once de la noche, lo que se tornaba en un ambiente muy frío.
Su papá tenía un gusto por la música clásica, fue cantante de ópera. ¿Cree que él quería continuar el sueño en usted?
Él también fue precursor de la salsa en Cuba. Nunca me impuso nada, él dejo que yo siguiera mi camino, así que no tengo ninguna culpabilidad de no haber seguido la música clásica. Son muy pocos los que hacen salsa con un violín y creo que eso me dio la oportunidad de ser único en algo, de viajar por todo el mundo.
Además de ser ahijado de Celia Cruz, trabajó con ella durante 5 años. ¿Cómo recuerda la última vez que la vio?
Fue en su lecho de muerte en Fort Lee, New Jersey. De hecho, ese día estaba de aniversario, pero ya estaba en coma y Pedro Knight la tomo de la mano y le dijo: “Negra, hoy estamos cumpliendo años de casados, te amo”, y ella le apretó la mano. Luego, cuando yo estaba en Manhattan, me enteré de la noticia y con una tristeza muy grande grabé una canción en honor a ella. No he borrado su número de teléfono, lo conservo.
¿Qué aprendió de ella?
De Celia aprendí la puntualidad, ella llegaba tres horas antes a un aeropuerto. Pero no sólo me enseñó de puntualidad, también lo hizo Tito Puente. Una vez no me sonó la alarma en Francia y me quedé dormido, cuando bajé, diez minutos después se habían ido, no me dejaron dinero ni pasajes. Cuando llegué a Fráncfort, donde íbamos a tocar, me encontré con él y me dijo: “La próxima vez no vengas, vete” y yo era el director. Me enseñó disciplina.
Este año cumple medio siglo de carrera artística. ¿Cómo recibe ese aniversario? ¿A qué más está dedicado?
A pintar. Hice unos violines que en el mes de agosto expondré en el Museo de Arte Moderno de Cartagena para celebrar mis 50 años de vida artística. Parte de lo que se recaude irá a una fundación que tenga que ver con música, con jóvenes con talento artístico.
¿Y en cuanto a la música?
Voy a lanzar mi disco. Allí estarán Iván Villazón, Poncho Zuleta, Alvarito Meza, Gonzalo el Cocha Molina y otros artistas. En el año 85 estuve en una rumba y llegué con mi violín, y había un señor tocando acordeón. Después de unas horas me acerqué y le dije que si podíamos tocar juntos y me miró como un zapato. Ese hombre era Colacho Mendoza, uno de los grandes del vallenato, que me llevó a amar ese estilo musical. También voy a tocar con los bravos de la Fania, que somos los que quedamos de las Estrellas de la Fania en el mes de abril.
El músico puertorriqueño Marlow Rosado y el veterano pianista neoyorquino Larry Harlow se adentran en los sonidos afrocubanos y el jazz latino para hacer "resurgir" el movimiento de la salsa dura.
El músico boricua indicó que los ocho temas del álbum 'Harlow Marlow volumen 1', que sale a la venta en marzo próximo, pretenden llevar al público a la "era en la que la salsa reinaba. Este disco nos lleva a esto otra vez, a ese concepto de orquesta", dijo en una entrevista el productor, compositor, arreglista y director de orquesta.
Sin embargo, para 'A mí me está', primer adelanto del disco, apostaron por sonidos más cercanos a las nuevas tendencias del género caribeño.
"Este tema tiene el formato tradicional de la salsa de hoy, es el que más se asimila a la canción natural que se está oyendo ahora", dijo Rosado, que ha trabajado con El Gran Combo de Puerto Rico, Alejandra Guzmán, Yolandita Monge, Charlie Cruz, India, Celia Cruz y Ricky Martin, entre muchos otros.
Aun así, este músico que apostó en el pasado por incorporar a los ritmos caribeños elementos de rock, bachata, hip-hop y reguetón tiene claro que su nuevo proyecto discográfico "no se va a prestar para la radio comercial. En este disco nos damos el permiso de hacer música sin preocuparnos de otra cosa", argumentó, emocionado, el ganador de un Grammy en la categoría Mejor Álbum Tropical Latino por su disco de salsa ácida 'Retro'.
Y es que Rosado optó por sentarse junto al veterano Larry Harlow, también reconocido por la Academia Latina de la Grabación con un Grammy Latino a su Trayectoria musical, para que las piezas de piano compongan su ingrediente principal.
Los temas de este disco grabado en Miami fueron escritas por Rosado y coproducidas por el también conocido como 'el Judío maravilloso' Harlow, con el que se apoyó en el jazz latino y las tradiciones afrocubanas.
Los tracks incluidos en esta producción son:
1. Gitana
2. Me Despierta el Cuerpo
3. Marlow Harlow
4. Ebo
5. Me Gusta
6. A Mi Me Está
7. Cataño
8. Ebo Resao
El disco, explicó Rosado, surgió de una forma "muy natural, de un vacilón a otro" y supone, además, el "paso de la antorcha" de un director musical a otro.
"Esto es lo que yo espero que se sobreentienda con el disco, una gran leyenda de nuestra música está diciendo: 'Toma, agarra, sigue tú con esto que ahora te toca a ti", explicó Rosado, que en Miami se sacó su maestría en educación musical.
Ambos artistas comparten más que una similitud en sus nombres, pues los dos son pianistas, productores, directores de orquesta y ganadores de Grammys. "Lo peculiar del disco es toda la similitud, todo lo singular que hay entre él y yo", apuntó el salsero sobre un álbum que cuenta con la colaboración de vocalistas invitados como José Arroyo, que ya participó en los tres álbumes anteriores del puertorriqueño, y el cantante de la Orquesta Harlow, Luisito Rosario, que le pone voz a "A mí me está".
Rosado describió a Harlow como "su maestro" y no quiso pasar la ocasión de mostrar la emoción que le supondría poder subir a recoger un Grammy con la persona que cuando "tenía 7 años escuchaba su música para aprender a tocar el piano. Poder subir con él, como dos pianistas, no como dos cantantes, sino como directores de orquesta, yo creo que sería un gran ancla para la música tropical", compartió.
Esta unión de artistas presenta por el momento el primer volumen de su colaboración, pero con la intención de publicar una segunda edición a principios del próximo año.
Escucho la música, cierro los ojos e imagino estar en aquel sótano del 1963 Gildersleeve Avenue en el South Bronx, en la casa de los jóvenes Jerry & Andy González. Vuelvo a escuchar el disco y pienso en esa frase que dice: “Nunca es tarde cuando la dicha es buena”.
Con 65 años de edad (más de 50 como músico) y con más de 800 grabaciones (con distintos intérpretes) a cuestas, el Maestro Andy González ha estrenado esta semana Entre Colegas, su primer disco como líder, un real Masterpiece donde se combinan con sobriedad esas dos fuentes de las que el bajista ha bebido toda su vida: la música cubana y el jazz americano.
Más allá del talento y sabiduría que Andy ha demostrado y obtenido a través de su carrera, hay un detalle personal que le da más significado a este disco. Durante el periodo de grabación de Entre Colegas, González tuvo que iniciar su tratamiento de diálisis (uno de los temas del CD se llama precisamente “The Dialysis Blues”), una de cuyas consecuencias fue producir rigidez en sus dedos y manos. Gracias a la acupuntura, el Maestro pudo tocar el contrabajo. El resto lo hizo la magia y el feeling que solo la música producen.
Ahí está Carlos Abadie y su trompeta estelar pero sin alarde que destaca en dos de mis temas favoritos: las versiones en clave de “Ode to Joy” (“Himno a la Alegría”) de Beethoven y de “Misty” de Erroll Garner con lírica (y voz) de Manuel Alejandro Carro (la letra surge de su inicial confusión entre las palabras Misty, que significa brumoso en español, y Mistic).
Ya que estoy hablando de mis temas preferidos, debo mencionar “Conversando Conversa”, con Abadie sobresaliendo al lado del tres cubano de Nelson González. ¡Típico! Y también el tributo de Andy a Israel López con el tema “Inspiración de Cachao” que reúne a Nelson con Charlie Santiago (bongó) y Nicky Marrero (timbal).
La referencia a Borinquen también está presente en Entre Colegas con el cuatro de Orlando Santiago en los cortes “Vieques” y “Mostro’s Aguinaldo”, mientras que “Sabor a Mí”, vocalizado por David Oquendo, es la dosis de bolero que todo buen disco debe tener.
Más de una generación musical comparte talento en Entre Colegas. Están los percusionistas Camilo Molina, Rolando Guerrero, Ricky Salas y Vincent George. Está Keith Thomas, mano derecha de Andy en los últimos años. Y está también el Dr. Benjamin Lapidus, quien aparte de destacar con su guitarra y tres en varios de los temas, es responsable de las “liner notes” del disco.
La producción de Entre Colegas está a cargo de Luques y Zaccai Curtis, “The Curtis Brothers”. Para ambos, Andy González ha sido un soporte especial en sus inicios musicales y este disco está lleno de significado para ellos, es una muestra de respeto y agradecimiento hacia su guía y mentor.
Luques y Zaccai también participan en el disco destacándose en el bajo y piano, respectivamente, en el tema “A Flower is a Lovesome Thing” al lado de, nuevamente, Carlos Abadie y su trompeta.
Mi amigo Luques también toca al lado de su Maestro en “The Adams Family Theme”, un dúo de contrabajos para el tema que identificó la popular serie de televisión del siglo pasado, y que resulta ser el último track de este muy buen trabajo.
Entre Colegas es un disco hecho Entre Maestros. Es íntimo y extrovertido. Es Cubano, boricua y Newyorrican. Es la música que amo. Gracias Andy. Oyelo que te conviene!
San Juan- El exreguetonero puertorriqueño Julio Voltio, quien tras más de quince años dedicados al género urbano ha optado ahora por la evangelización, ha lanzado su primer disco de salsa.
Según explicó en un comunicado de prensa emitido hoy Ángelo Torres, el productor musical del disco, llamado "Salsa con Voltaje", la idea de sacar esta producción surgió en 2009 "como experimento" del excantante, interesado en "coquetear" con la salsa".
"La idea surge gracias a la experiencia obtenida por Julio Voltio en proyectos anteriores" que hizo junto a los salseros puertorriqueños Andy Montañez y Jerry Rivera, y las orquestas La Sonora Ponceña y N'Klabe, indicó Torres.
"Salsa con Voltaje", que sale al mercado internacional bajo el catálogo de CODISCOS, está compuesto por diez temas escritos por Torres y Julio Ramos -nombre verdadero de Julio Voltio- exceptuando los temas "Salsa", "La vida" y "El chamaco lo botó".
En el álbum, según Torres, "se puede apreciar la capacidad vocal y artística de Voltio, que descubrió nuevas habilidades al cantar bajo líneas melódicas".
Con este disco, "El Voltaje", como se conocía al reguetonero, se despide de los escenarios para dedicarse al evangelio. Es, dijo, "un regalo para sus seguidores, de quienes espera comprensión en esta decisión".
Durante su carrera como reguetonero, Julio Voltio lanzó varios discos, entre ellos "Voltage AC" y "En lo claro", así como el DVD "Voltio, en vivo desde el Oso Blanco", en el que el artista hizo una presentación para el último grupo de confinados que permanecieron en la antigua cárcel ubicada en la capital puertorriqueña de San Juan.
En dicha presentación, donde Voltio estuvo acompañado de una agrupación liderada por el percusionista y salsero Francisco Rosado "Pirulo", interpretó varias canciones en salsa, como "Adivínalo", exitoso tema que cantaba el fenecido salsero puertorriqueño Chamaco Ramírez.
Pedro Rivero González, fundador y voz de la Orquesta Original de Manzanillo, una de las agrupaciones más representativas de la música bailable en Cuba, fallecido el domingo 14 de febrero, fue sepultado el lunes 15 en el cementerio de esa ciudad de Granma, en la cual nació hace 68 años.
Según reportes de medios oficiales, una manifestación de duelo popular dio el último adiós al singular vocalista, cuyo cadáver fue tendido en el salón principal de la Casa Municipal de la Cultura.
Tras 52 años de vida artística, todos en la Supercharanga de Cuba, Pedrito (como popularmente le llamaban) falleció debido a un paro respiratorio provocado por la severa insuficiencia cardiaca que padecía.
La estatal Agencia Cubana de Noticias señala que músicos y otras figuras conocedoras recordaron que, durante varios años, Rivero González y Rogelio Mendoza (Nono) integraron uno de los mejores dúos de la música bailable en Cuba, junto al de la gran orquesta Aragón.
En uno de los momentos de las honras fúnebres, Pedro Rivero Ruiz, hijo de Pedrito, interpretó al piano las conocidas piezas "Cuando un amigo se va" y "El son de la montaña".
Desde la Casa Municipal de la Cultura, en el centro de la ciudad de Manzanillo, hasta la necrópolis local, el cortejo fúnebre estuvo encabezado por la centenaria Banda Municipal de Conciertos y autoridades de Granma.
Fundada el 21 de diciembre de 1963, la Orquesta Original de Manzanillo posee una vasta obra musical. Sus interpretaciones, dotadas de un sonido auténtico y particular, han sido aplaudidas por públicos de México, Panamá, Colombia, Nicaragua, Venezuela, Alemania, Bélgica, Rusia, Francia, Canadá, España, Costa de Marfil, Togo, Mali y otros países.
Imágenes del sepelio de Pedrito Rivero
A continuación, una entrevista del año 2010 (original de Radio Juvenil.icrt.cu) a Pedrito Rivero:
Cuando se hable y escriba sobre las agrupaciones musicales cubanas que más impactan en las fibras sentimentales de los bailadores cubanos, el nombre de la Orquesta Original de Manzanillo no puede faltar.
Fundada hace casi medio siglo, esta agrupación es fiel deudora de la centenaria tradición charanguera, dueña de una enorme capacidad para asumir las más importantes vertientes de la música popular cubana.
La noche de este viernes, los bailadores de este municipio holguinero de Calixto García desafiaron las bajas temperaturas las que, en la plaza principal de Buenaventura, fueron elevándose a medida que la Original “calentaba” motores, para entregar otra inolvidable actuación. Con Pedro Rivero “Pedrito”, vocalista y uno de los pocos fundadores que se mantienen en la agrupación, es este diálogo que les presentamos.
¿Cuántos fundadores quedan en la Orquesta?
“Quedamos tres, el guirista Enrique Arango, Wilfredo Naranjo “Pachy”, el director y este servidor”.
En múltiples oportunidades hemos tenido el privilegio de bailar “a piernas sueltas” con la Original, aquí, en esta propia plaza y siempre los bailadores terminan satisfechos, complacidos, ¿cuál es la fórmula que aplican para mantenerse en la preferencia de bailadores y no bailadores?
“La fórmula es muy simple, adaptarse a la juventud, tu tienes que ir a la par del gusto de los jóvenes, sin apartarte de tu sonoridad, tu timbre, tu tradición como agrupación musical, tampoco podemos darle las espaldas al desarrollo tecnológico, como observas, tenemos modernos teclados, máquina de ritmos, se ha enriquecido la percusión, todo esto, reitero, sin perder el timbre y las raíces, así de sencilla es nuestra fórmula”.
¿Y de dónde provienen esas raíces que los sustentan con tanta lozanía y verdor?
“En primer lugar de una música que aquí en “Calixto García” es patrimonio, la música de Órgano, de igual manera, tenemos fuertes influencias de la rumbita del Cauto y de la conga manzanillera”.
Pedrito, dentro de tres años, arribarán al medio siglo de existencia, ¿cómo recuerdas los días de la fundación en aquel 1963?
“La Original de Manzanillo surge de la unión entre un grupo nombrado Los Traviesos, estudiantes todos de la Secundaria Básica, en el que estábamos los tres fundadores que quedamos y otros que ya no están, así como algunos trabajadores manzanilleros que se reunían los domingos para descargar. A ellos lo que le gustaba era el jazz y a nosotros, la música de las orquestas típicas como la Aragón, Estrellas Cubanas, Fajardo y sus Estrellas y, por suerte, prevaleció la preferencia nuestra”.
¿Cómo se las arreglaron para definir quiénes serían cada uno de los instrumentistas?
“En realidad no fue fácil, pero poco a poco fueron aprendiendo la ejecución de distintos instrumentos, como el violín y la flauta, pues en aquella época en Manzanillo casi no existía cultura en cuanto a esos instrumentos musicales. Nos ayudó mucho el optimismo y los enormes conocimientos de aquel jovencito llamado Wilfredo Naranjo, hoy conocido en el mundo entero como “Pachy”. Nunca olvidaré la primera presentación oficial, la que marca nuestro debut, fue el 21 de diciembre de 1963, fue un día muy tenso, pero uno de los más felices de nuestras vidas, pues la acogida del pueblo se fue muy por encima de las expectativas que teníamos”.
Además de los excelentes arreglos hechos para los violines, a la Original la distingue sus voces, ¿cómo logran mantener ese sello único?
“Yo diría que lo primero es la seriedad con la que asumimos el canto, porque uno de los patrones distintivos de la agrupación es el timbre de los coros, yo mismo hice un dúo de voces con Rogelio Mendoza, ya jubilado, que gustó mucho y con el paso del tiempo se ha mantenido con los cantantes que van entrando. No buscamos voces específicas, trabajamos con los que entran para que se adapten a lo establecido y que sabemos que es nuestra marca de éxito.
Estamos a punto de abrazar el nuevo año, ¿qué mensaje le envía Pedro a nombre de la Original de Manzanillo a todos sus seguidores, que son millones en todo el planeta?
“A todos nuestro seguidores aquí en Buenaventura, en todo el municipio de Calixto García, en Cuba y en el mundo, mucha salud y prosperidad y que sepan que todos los integrantes de la Orquesta Original de Manzanillo, tenemos en nuestros corazones un lugarcito para cada uno”.
Día especial para los Salseros nacionales. Hoy cumple años Luis Young Agüero, uno de los pianistas más importantes en la historia de la música tropical en el Perú.
Hijo de Doña Juana y Don Luis (quien también fuera músico), el pequeño Luis nació en Lima el 18 de Febrero de 1930 y empieza su carrera tocando la batería en la orquesta de su padre, apenas a los diez años de edad. El joven se convierte en pianista y su nombre se hace cada vez más conocido en el medio nacional.
Trabaja con Freddy Roland y con Roberto Menéndez viaja a Ecuador, donde toma la decisión de formar su propia orquesta. Es el año 1955 y ya de regreso en Perú se decide por el formato de sonora para su grupo musical (la otra opción era una big-band, la cual descartó por motivos económicos).
Así nace, tras ganar un concurso musical en Radio La Crónica, La Sonora de Lucho Macedo (nombre adoptado artísticamente por el joven pianista) que causa sensación por su sonoridad muy parecida a la famosa Sonora Matancera, lo que le vale ser elegido para acompañar a Celia Cruz, Bienvenido Granda, entre otras figuras que visitaban nuestro país.
En 1956 Macedo y su Sonora son contratados por la disquera MAG, iniciando una constante discografía que traspasa fronteras. Son requeridos en Venezuela, Bolivia y Colombia, actuando con gran suceso. No es exagerado afirmar que, dentro de la gran cantidad de conjuntos musicales dedicados a la música afrocubana en el Perú en los 50s y 60s, la Sonora de Lucho Macedo fue la más importante, reconocida por la mayoría como La Primera Sonora del Perú.
Con el tiempo, Macedo no se limitó a seguir el estilo de la Matancera sino que intentó también definir un estilo más personal, destacando también su virtuosismo al momento de ejecutar un solo de piano.
En los 60s grabó con Nelson Pinedo y en 1971 es contratado por el Restaurant El Tumi, donde se presentaron muchas figuras importantes de la música tropical; una de ellas el gran Tito Rodríguez, con quien grabó el recordado disco 25 Aniversario.
En 1974 graba con Daniel Santos el disco Florista Limeña y un año después viaja a New York, presentándose con su Sonora en el Madison Square Garden. Muchos años después, en 1987, regresaría a La Gran Manzana, convocado por Johnny Pacheco.
Sin duda la extensa trayectoria de Lucho Macedo es un capítulo especial en el desarrollo de la música tropical peruana. El año pasado, al cumplirse 60 años de la creación de su Sonora, se le rindió un merecido homenaje. Hoy, que Don Lucho cumple 86 años de edad, estas cortas líneas han intentado resumir apenas lo más resaltante de una carrera longeva y fructífera. Un abrazo musical Maestro!
No quiero terminar este artículo sin compartir un hermoso video, producido por Martín Gómez y Antonio Alvarez de Salserísimo Perú. a raíz del homenaje de Noviembre 2015 dedicado a Luis Agüero Young, Lucho Macedo para el Mundo
Johnny Pacheco, Eddie Palmieri, Tito Puente y Ray Barretto en los 70s
Fuente: Fundación Nacional para la Cultura Popular, Puerto Rico (www.prpop.org) Por Jaime Torres Torres
Luquillo – El testamento más fiel del amor de Ray Barretto por Puerto Rico es su música.
En la coyuntura del décimo aniversario de su fallecimiento, un vistazo a su discografía revela su respeto por la Nación, documentado en sus interpretaciones de “Recuerdos de Borinquen” y “A Puerto Rico” (elepé “La Moderna de Siempre”), “Testigo fui” (“Barretto”), “Al ver sus campos” (“Rican-Struction”), “Mi dedicación” (Rhythm Of Life”), “Si me voy para mi islita” (“Aquí se puede”), “Aguadilla”, (“Irresistible”), “Caribeña” (“Handprints”), “Canción de El Yunque” (“Taboo”), “Lamento borincano” (“Portraits In Jazz And Clave”) y “Guajira para Vieques” (“Live 50th Anniversary”), entre otras.
Lo mismo con su Charanga La Moderna, con su banda de salsa o con su conjunto de jazz New World Spirit, Barretto siempre se inspiró en los paisajes de Puerto Rico, en su cultura y la hospitalidad de su gente.
Días después de su fallecimiento, el 17 de febrero de 2006 a los 76 años en Hackensack, Nueva Jersey, su viuda Annette Hernández Rivera, apodada Brandy, cumplió su última voluntad: esparcir sus cenizas en la franja del Atlántico que acaricia La Perla y el Castillo San Felipe del Morro, en el Viejo San Juan.
“Lo hicimos gracias a la ayuda de nuestro amigo Luis Álvarez, de Méndez & Compañía y productor del Puerto Rico Heineken Jazzfest, que le dedicó en vida. En uno de sus helicópteros se sobrevoló el área y se esparcieron sus cenizas, quedando abrazado a Puerto Rico”, recordó Brandy.
En varias ocasiones, durante la entrevista con la Fundación Nacional efectuada en la mañana de ayer en Boardriders en Luquillo, Brandy estalló en llanto al intentar articular cómo recuerda a Ray Barretto en la coyuntura del décimo aniversario de su muerte.
Se conocieron en 1975 en el club de jazz Playboy en Nueva York. Brandy, 29 años menor que Ray, acababa de cumplir 18. Luego coincidieron en El Corso y jamás se separaron, hasta que la muerte se interpuso en su camino.
“Él lo fue todo para mí. Estuvimos juntos 30 años. Me crié con él. Fue mi maestro, mi enamorado, mi padre, amigo, esposo… Fue mi todo. Hasta la fecha me hace falta, pero estoy tan alegre por todos esos años que estuve con él. Aprendí mucho con él. La mujer que soy se lo debo a mi madre y a Ray”, dijo Brandy, mientras secaba sus lágrimas.
Hace tres años, Brandy lo recordó con una misa en la Catedral de San Juan, acompañada por sus amigos mutuos Bobby Valentín y Cheo Feliciano (qepd). Aquella noche, sumida aún en una profunda depresión, Cheo tomó sus manos, las apretó y le dijo: “Nena, ya no llores más. Es suficiente”.
A partir de ese momento, Brandy sintió paz y serenidad. De hecho, recordó que tres meses antes de morir, la pareja conversó de establecerse en Puerto Rico.
Ella cumplió, pero siente que el Rey de las Manos Duras la acompaña espiritualmente. En particular, su hijo Chris, dedicado hoy al rock, es el reflejo más vivo de su padre. Precisamente, fue Chris el encargado de concluir su última grabación “Standards Rican-Ditioned”, que realizó con los boricuas Hilton Ruiz, Papo Vázquez, David Sánchez, Adam Cruz y John Benítez para demostrar al mundo que los músicos puertorriqueños pueden interpretar el jazz con tanta o más pasión que los norteamericanos y europeos.
La fecha del décimo aniversario del deceso de Ray Barretto no ha pasado inadvertida en países como Colombia y Perú, donde Ray era un ídolo. Desde hace una semana le dedican especiales radiales.
Sin embargo, Brandy lamentó que, al presente, ha sido la Fundación Nacional el único medio que ha recordado a Ray en la presente efeméride.
El legado de Ray y su memorabilia son custodiados por Brandy. Detalló que ha confrontado dificultades al cobrar por la música y el uso del nombre de Ray, que se siguen capitalizando a nivel comercial.
“Usan su música pero no quieren pagar. Hay gente en la industria que usa su nombre. He tenido que hablar con abogados, pero no tengo dinero para pagar. Eso se lo hacen a casi todos los músicos que mueren. Bueno, la Fania se vendió, pero yo sigo recibiendo pagos por regalías”.
Barretto, Mongo Santamaría y Los Papines
En la agenda de Brandy hay varios proyectos que reveló con exclusividad para la Fundación Nacional para la Cultura Popular. Uno será la Fundación Ray Barretto, sin fines de lucro para ayudar a los estudiantes de percusión de escasos recursos en Puerto Rico.
También proyecta ordenar su memorabilia (instrumentos, ropa, arreglos, discos, fotos, casetes con música inédita de Tite Curet Alonso, etc.) en un museo o sala de exhibiciones, preferiblemente en Aguadilla, la cuna de sus padres.
Posiblemente, la obra que más esfuerzo le exigirá es un libro sobre las memorias de Ray, que debían comenzar a elaborar en Luquillo, precisamente en febrero de 2006.
“Habíamos alquilado un apartamento aquí para comenzar a escribir su libro. Deseaba escribir aquí en la playa. Pero nunca llegamos”.
Parte de la historia es la felicidad que Ray experimentó al ser investido por el National Endowments For The Arts y la Asociación Internacional de Educación del Jazz como Maestro del Jazz, convirtiéndose en el segundo músico latino en ser honrado con semejante lauro, después del cubano Paquito D’ Rivera.
Pero ya Ray Barretto estaba enfermo. Se pensaba que era asma, pero Brandy reveló que lo aquejaba un padecimiento de obstrucción coronaria.
En el concierto “Toda una vida”, efectuado en 2004 en el Coliseo Rubén Rodríguez de Bayamón, con Tito Allen, Rubén Blades, Adalberto Santiago, Ray de la Paz y Tito Gómez, ya se observaba bastante cansado. Luego mejoró y al año siguiente presentó “El sueño de Ray” en el Centro de Bellas Artes de Puerto Rico.
“Él estaba enfermo. Pero me dijo que con toda su voluntad y los deseos de su corazón mejoraría. La semana del reconocimiento en el National Endowments él estaba malo. Hacía las entrevistas y después se acostaba. Enfermo asistió a un show de televisión con Chick Corea y Tony Bennett”.
El 13 de enero de 2006, tras la ceremonia en que fue investido como Maestro del Jazz, se dirigía a su casa, localizada en las afueras de Nueva York. Manejaba su chofer y Ray se disponía a dejar a Brandy en su hogar y regresar a la ciudad para concluir la grabación del cedé “Standards Rican-Ditioned”.
Una nevada obstruyó la carretera, a pocos metros de su casa. Ray se molestó. Bajó del auto y caminó por la nieve hasta el vecindario.
“Cuando entramos a la casa, ya le había dado el ataque cardiaco. Lo senté. Llamamos a emergencia. Estuvo hospitalizado. Días después le dieron un medicamento equivocado. Lo volvieron a intervenir y murió”, narró Brandy al añadir que las prioridades de Ray, en estricto orden, eran su hijo Chris, la música y ella.
Ray Barretto y Héctor Lavoe, dos grandes de la Salsa y de la Fania
En el décimo aniversario de la despedida de Ray Barretto, el deseo de la señora sería que las emisoras divulguen su música día y noche. Reconoce que, con la excepción de las nuevas emisoras alternativas por Internet, parece que no será posible en la radio convencional porque otras son sus prioridades y compromisos.
“Espero que los fans de Ray escuchen bien alta su música. Que no lo olviden porque él amó a Puerto Rico y está aquí, en su islita. Que le prendan una velita y escuchen su música, sea salsa o jazz, porque Ray vivió orgulloso de ser boricua”.
VIDEO: Arturo O'Farrill y su Grammy a Best Composition Instrumental
Ha terminado la ceremonia previa de los 58 Grammys americanos en la cual ya se premiaron las categorías latinas.
Roberto Delgado recibe el Grammy por Son de Panamá de Rubén Blades, Best Latin Tropical Album
Rubén Blades gana el octavo premio en su carrera (es el premio trece si sumamos los Latin Grammy) al obtener el premio en la categoría Best Tropical Latin Album con su ya laureado disco Son de Panamá, en el cual fue acompañado por la Orquesta de Roberto Delgado.
En la categoría Best Latin Jazz Album la ganadora fue Eliane Elias por su disco Made in Brazil
Mención especial para Arturo O'Farrill, quien ganó el premio en la categoría Best Instrumental Composition por su tema "The Afro Latin Jazz Suite", incluida en su disco Cuba: The Conversation Continues
La ceremonia central del 58 Premio Grammy empieza a las 8:00 pm En la misma se rendirá homenaje a nuestra Celia Cruz con el Lifetime Achivement Award.. Atentos!
El día de hoy se pusieron a la venta las entradas para "El Rescate de la Salsa 3", espectáculo a realizarse el próximo sábado 30 de abril y que trae un cartel tremendo:
José Pepito Gómez
Marcial Isturiz
Ismael Rivera Jr.
Ray de la Paz
Pupy Cantor
Dirección Musical: Manolito Rodríguez
Maestro de Ceremonias: Jessie Ramírez
Por el Perú: Luchito Muñoz
La cita será en el Miami 305, Candamo 169 (Centro Comercial Arenales), desde las 9:00 pm.
Vaya la felicitación a Alex Cárdenas, productor del evento, por el gran esfuerzo de ofrecer al salsero peruano tantas figuras salseras en una misma noche.
Tite Curet (izquierda) rie al lado de Marvin Santiago
Por: Eduardo Livia Daza
Puerto Rico celebró el fin de semana pasado el Centenario del nacimiento de Daniel Santos, el mítico cantante conocido como “El Inquieto Anacobero”. Este fin de semana, la fecha exige recordar a otro boricua que resulta imprescindible en la historia de la música popular que el Mundo conoce como Salsa.
El 12 de febrero de 1926 (es decir hace 90 años) nació Catalino Tite Curet Alonso, El Compositor Número Uno de la Salsa. Cosas de la vida, Curet empezó tarde como compositor. Primero fue periodista y cronista y luego trabajó en la oficina del Correo (ojo, no fue cartero sino empleado administrativo) hasta que Joe Quijano le grabó (recién los 60s) su primer tema.
Fue a través de La Lupe, que Curet obtiene sus primeros reconocimientos como autor; sin embargo su ingreso a Fania convirtió su nombre en la leyenda que es. Si bien su “engreído” fue Cheo Feliciano, Curet escribió éxitos para casi todos los All Stars, con temas “hechos a la medida” del cantante u orquesta. Es curioso que, a pesar de la asociación con la disquera más importante del boom de la Salsa, Tite haya grabado su único disco como cantante en otro sello (West Side Latino). Otra curiosidad: El Gran Combo de Puerto Rico, uno de los grupos emblemas de Borinquen, no ha grabado (hasta hoy) tema alguno de Tite.
Sus letras hablaron de todos los temas que el ser humano puede enfrentar, desde el amor (o el desamor) hasta la denuncia social. Aquellos que dicen que la Salsa es música sin letra con contenido (puro baile) no han escuchado bien las letras escritas por el hijo de Guayama.
Rubén Blades habla sobree Tite Curet
En una entrevista publicada en Herencia Latina, Curet dijo que 115 de sus temas había sido éxitos y que, en total, había escrito más de dos mil composiciones. Años atrás emprendí el reto de compilar la mayor cantidad de sus composiciones.
A continuación les presento el resultado de la recopilación. Los invito a repasarla y a recordar al más grande compositor salsero: Tite Curet.
Hace instantes mi amigo Oscar Jaime Cardozo me hizo llegar un mensaje de Claudia Mondragón, la viuda del cantante colombiano Héctor Viveros, fallecido el pasado viernes 5 de febrero.
En dicho mensaje se denuncia que la persona que aparece en la foto que acompaña el mensaje (en la página de Facebook de Viveros) contrató a Héctor para una presentación el pasado 31 de Diciembre y nunca le pagó, a pesar de los insistentes reclamos hechos por el propio cantante, el último de los cuales se habría hecho incluso el día previo a la operación, tras la cual Viveros falleció.
Oscar refiere: "... es un acto enorme de injusticia... quiero pedirle a la comunidad salsera peruana, que interceda porque se le pague a la familia del amigo fallecido Héctor Ranulfo Viveros Palacios por los servicios que prestó...
Nadie se muere la víspera y uno se muere cuando le toca, pero Hector viajó a Perú extremadamente enfermo, solo por cumplir el contrato... y ese viaje fue definitivo en el deterioro de su salud... Ahora este señor no quiere pagar... hasta cambió el número telefónico. .."
Cumplimos con comunicar el mensaje y esperamos que el tema pueda aclararse y solucionarse.
Fuente; Primera Hora, Puerto Rico. Por: Brenda Peña López
Tener éxito en la salsa, si se es mujer, debe más sencillo hoy día que lo que lo fue para las pioneras de este género.
Cantantes como La Lupe, Mirta Silva, Celia Cruz, y La India, abrieron caminos y han inspirado a otras féminas a seguir una carrera en ese ritmo, pero aun así, no son muchas las que se aventuran cantar salsa.
Aunque mucho se ha avanzado en la lucha por la igualdad de géneros, la salsa continúa distinguiéndose por ser uno de esos sectores donde las intérpretes femeninas tienen muy pocas voces. No obstante, no se trata de un círculo selecto donde las mujeres no son bienvenidas. Más bien, lo que sucede es que no muchas vocalistas se atreven a cantar ese género, afirmó la salsera Choco Orta.
“Yo creo que hay mujeres que prefieren cantar otros géneros que son más lineales –no menos interesantes o importantes–, pero en la salsa tú tienes que tener los pantalones bien puestos”, manifestó la artista al ser entrevistada por este medio en el hostal playero Oceana, en San Juan.
“Una cosa es cantar balada o cantar merengue, pero cantar salsa no es una cosa que cualquier persona puede hacer porque tú tienes que tener, primero ritmo. Tienes que tener sabor. Tienes que tener ‘cholocochon’. Tienes que tener swing. Tienes que tener improvisación, el llamado soneo, que es un discurso que ocurre espontáneamente”, abundó.
ENCANTADA DE PARTICIPAR EN EL DÍA NACIONAL DE LA ZALSA
Choco Orta será la única mujer que se presentará en la próxima edición del Día Nacional de la Zalsa.
Más que discrimen, afirmó, lo que existe es una falta de entusiasmo de muchas mujeres de cantar el género tropical.
A juicio del locutor Néstor Galán, mejor conocido como “El Búho Loco” en los inicios del género, muchas mujeres pudieron haberse sentido intimidadas porque la mayoría de los salseros eran hombres, pero aseguró que nunca se trató de rechazo.
Al mismo tiempo, comparó la situación actual de las féminas en la salsa con la del reguetón, donde con más de dos décadas que tiene el ritmo, solo una mujer ha tenido éxito en el mismo.
“Con excepción de Ivy Queen, yo no conozco a otra reguetonera que se haya destacado en la música”, subrayó. Recordó que lo mismo sucede también en oficios como la mecánica y la construcción, donde antes no se veían mujeres, y ahora aunque las hay y pueden ser muy buenas, no son muchas las que se dedican a ello.
El “Día Nacional de la Zalsa”, evento que organiza la estación radial Z-93, ha sido tarima de muchas de las exponentes femeninas del género salsero. En ese escenario han brillado cantantes como Celia Cruz, la India y Yolanda Rivera junto a la Sonora Ponceña, cuando era vocalista de esa orquesta.
Este 13 de marzo, le tocará Virgen Milagros Orta Rodríguez, mejor conocida como Choco Orta, llevar el toque femenino a esa plaza salsera.
Para la también percusionista, esta es una oportunidad que ha estado esperando durante sus 28 años de carrera.
“Yo tengo tres sueños, y no voy a decir los otros dos. Este es el primero que se cumple de esos tres sueños. Es una oportunidad grande, tan grande que yo creo que ni lo he digerido”, manifestó emocionada.
La sonera, que con su música ha recorrido lugares como Senegal, Suiza, Canadá, Estados Unidos, España y Francia, indicó en el ‘Día Nacional de la Zalsa reclamará el sitio que merece en el género y que por “humildad” ha cedido.
“En la tarima del Día Nacional de la Zalsa o te catapultas o te sepultas. Yo voy a catapultarme, pero bien duro”, afirmó.
Su actuación será a las 12:00 del mediodía, y tendrá oportunidad de tocar cinco temas.
“Voy a cantar tres canciones de los discos míos y una en especial que mi pidieron los organizadores del ‘Día Nacional’, ‘Marido majadero’, y cierro con una canción violenta con un arreglo bien potente… severa”, adelantó la intérprete.
“Este año, representando a las damas, estamos muy contentos de tener Choco Orta en el Día Nacional de la Zalsa, porque estamos conscientes de que no solo es una gran cantante, es actriz y es percusionista. Estábamos deseosos de tenerla en el Día Nacional de la Zalsa, y bueno, se nos hizo este sueño realidad”, expresó “El Búho Loco”, por su parte.
Importante el sello femenino
Galán indicó que darle espacio a las mujeres tanto en el ‘Día Nacional de la Zalsa’, como en otros eventos artísticos de la estación y darles presencia en la programación es un compromiso que tiene La Z, siempre que se trate de talento de verdad y un producto de calidad.
Otras voces que se han destacado en esa tarima lo son la japonesa Nora, voz principal de la Orquesta de La Luz; Miki Vimari, junto a Richie Ray y Bobby Cruz; la cubana Aimeé Nubiola; Fe Cortijo, sobrina de Rafael Cortijo. También se han presentado artistas de otros géneros como Ivy Queen, quien tuvo exitosa una participación, en una ocasión, como invitada especial de la Sonora Ponceña y la exmerenguera Jailene Cintrón.
Entre los momentos más memorables de las mujeres en ese escenario, Galán destacó las dos ocasiones en que la llamada “Guarachera de Cuba” cantó para el exigente público salsero y las actuaciones de La India, que siempre han sido más que acogidas por los boricuas.
“La India ha estado en varias ocasiones, la más reciente en 2013, que fue el 30 aniversario del ‘Día Nacional’. Fue una presentación magistral”, rememoró.
Sobre la interpretación de “La Caballota” en 2008 comentó que cantó junto a la Sonora Ponceña el éxito “Ahora sí”, cuya grabación en vivo es una muy solicitada en La Z.
Quien no corrió la misma suerte, fue Jailene, cuyos arreglos en salsa de unos merengues no fueron del agrado de algunos de los asistentes.
“Obviamente, ella era una cantante identificada con el merengue; ella es una gran animadora, gran persona y muy querida, pero en el ‘Día Nacional’ el público más exigente y quizás a algunas personas no les gustó mucho que ella estuviera por ahí”, recordó el locutor.
Fuente: Primera Hora, Puerto Rico. Por: Damaris Hernández Mercado
“Me puedo ir feliz. Yo he disfrutado la vida bien”, proclama Enrique “Quique” Lucca Caraballo con la certeza y convicción de que los 103 años de vida pesan en su cuerpo, pero no en su conciencia ni en su corazón. No tiene pendientes, asegura, seguido de “hasta que Dios quiera”.
El mero hecho de vivir más de un centenario hace que despierte la curiosidad de quien lo conoce y le estrecha su mano. Verlo llegar a paso lento, de la mano de su hijo Papo Lucca, al Museo Castillo Serrallés en Ponce, sorprende y hasta lo hace extraordinario.
Cualquier otra persona de su edad pudiese estar postrado en una cama a la espera del último aliento terrenal.
Sin embargo, el fundador de la Sonora Ponceña no es de los que se sienta en la cama a contar los días en el calendario.
Al contrario, don Quique todavía se sube al escenario, se ubica en una de las esquinas y observa la dirección de la orquesta que fundó hace más de 60 años. Lo hace con su distintiva gorra y marcando la cadencia con sus manos.
Aunque no va a las todas las presentaciones por cuestiones de salud, trata de ir a las emblemáticas como fue la reciente edición de las fiestas de la calle San Sebastián y este sábado, 13 de febrero, asistirá al bailable Celebrando en Grande los 103 de Don Quique Lucca en el Winner Convention Center en Canóvanas.
Además de la participación de la Sonora Ponceña, la actividad que inicia la 7:30 p.m. contará con Don Perignon y La Puertorriqueña, y Adalberto Santiago y la orquesta Abran Paso.
Don Quique, consciente de que posee genes longevos, ya que la mayoría de los miembros de su familia ha sobrepasado la edad de 90 años, ve como un regalo divino haber cumplido 103 años el pasado 12 de diciembre de 2015.
Según recuerda, su hermano Pellín murió a los 94 años. Su otro hermano falleció a los 98, igual que su madre.
Su abuela materna falleció a los 105 años.
“Lo menos que me imaginé es que yo llegaría hasta aquí a pesar de que me han dado infartos del corazón. No imaginé nunca que llegara tan lejos. Dios me tiene aquí con un propósito. Tengo varias enfermedades y son seis doctores que voy cada tres meses. La salud está bien y mientras pueda voy a ir a todos los bailes. La música es lo que me gusta y gracias a Dios puedo ir a los bailes”, menciona el músico que no visitaba hace 60 años el Castillo Serrallés.
Al lado de don Quique se encuentra, como de costumbre, su hijo Enrique “Papo” Lucca, virtuoso músico que, gracias a la visión de su padre, pudo encontrar la sonoridad pesada que caracteriza a la Sonora Ponceña; esa salsa gorda que tanto aclaman los cocolos de la mata.
Papo logró encaminar la consolidación del estilo musical de la orquesta gracias al respaldo de don Quique, quien fue un director visionario que le dio espacio a su hijo para juntos crear la fórmula perfecta para que la Sonora Ponceña se impusiera desde la década del 70 hasta el presente como una de las agrupaciones más admiradas y respetadas en Puerto Rico y en el exterior.
Para el bailador esta orquesta es una de las predilectas y donde quiera que se presenten logran avivar el ambiente. Éxitos memorables como "Hacheros pa’ un palo" y "Fuego en el 23" son imprescindibles en el repertorio salsero.
“Cuando voy a los bailes me siento mejor porque veo a la Sonora Ponceña, y siempre hemos buscado que la gente disfrute y baile con nuestra música. Eso nunca puede cambiar. Eso me llena de sentimiento”, afirma el músico que llegó en 1928 a Ponce, ciudad que hizo suya además de su natal Yauco.
De cuánto ha cambiado la Ciudad Señorial y su historia contesta que “mucho”.
Ha sido testigo de la trasformación social y económica de la ciudad.
Desde ser taxista del área de la Playa de Ponce al casco urbano, hasta fundar y dirigir la orquesta salsera.
De ese pasado dice que añora la parte social de la gente donde “ el vecino te ayudaba”, pero por lo demás dice haberse adaptado al progreso y la modernidad.
Asimismo, es consciente de la crisis económica que atraviesa el País porque, aunque parezca increíble, la parte administrativa de la Sonora Ponceña todavía la trabaja él y lo proclama con orgullo.
“La mente la tengo bien al extremo que la parte de Hacienda de la orquesta la sigo haciendo yo. Ese trabajo es mío. Tengo que sumar y restar y eso lo hago yo”, afirma el músico que todos los jueves recibe a los músicos de la orquesta en su casa en la calle Baldorioty en Ponce.
A la sangre nueva
De las nuevas agrupaciones salseras afirma que en “Puerto Rico hay mucho talento con estudios avanzados, y eso se nota en la música que suena”.
La recomendación que le sugiere a la sangre nueva salsera es que busquen una sonoridad única y distintiva como grupo, tal y como lo hizo Papo al ingresar en la Sonora Ponceña.
La primera agrupación que don Quique formó fue un conjunto que era un tres, tumbadora, bongó, guitarra y trompetas bajo el nombre de Sonora del Mambo.
Luego le cambió el nombre a Sonora Ponceña, y la entrada de Papo fue la que impartió ese sonido particular en los arreglos que logran la distinción entre otras agrupaciones.
“La música tiene que seguir y eso es importante para vivir y ojalá sigan más grupos”, indica el músico que asegura no tiene “voluntades por cumplir”, porque repite con frecuencia que estará “hasta que Dios quiera”.
De su receta para vivir tantos años, concluye sigue siendo la misma: no ingerir alcohol ni fumar.
“Nunca me he dado un palo de ron", concluye el veterano músico que suele seguir al pie de la letra las indicaciones de sus médicos
