Verano salsero en Lima y Callao. Son muchas las orquestas locales que animan todas las semanas el movimiento salsero y timbero en la capital y el primer puerto. A nuestros músicos y cantantes del patio se suman también los artistas internacionales (hace dos domingos el primero fue Ray Sepúlveda) que elevan la temperatura musical en este verano.
Dos de los municipios más importantes de Lima celebrarán su aniversario con Salsa. Mañana domingo 31, La Victoria presenta un “Tributo a la Salsa Mundial” (con exvocalistas de grupos como DLG, Galé, Hnos.Moreno, Adolescentes y Los Titanes) y el próximo sábado 6 el Rímac presenta al Maestro Willie Colon como atracción principal de sus celebraciones. (al aire libre, la cita es en Prolongación Tacna con Av. Alcázar)
Esta noche Tony Vega está anunciado en el Centro de Convenciones Barranco Arena y mañana Cano Estremera (Chepita Royal) y Luisito Carrión (La Choza Naútica) prometen calentar aún más el verano limeño con su cantar salsero.
El Grupo Niche estará el sábado 13 de Febrero en el Centro de Convenciones María Angola, Servando y Florentino se presentan por esos días en Chiclayo (sábado 13) y Lima (domingo 14) y Willie González regresa a Lima (domingo 14 Febrero) vía Chepita Royal.
El Sabado 27 Febrero el Bombazo Afrocaribeño presentará al sonero Héctor Pichie Pérez junto a Kambalache Negro (celebrando su 20 Aniversario) y La Chola Caderona
Las voces originales de La Misma Gente (Ray Calderón y Nelson Morales) estarán el domingo 6 de marzo (Chepita Royal) y el viernes 11 de ese mes vuelve a Lima (Discoteca Vocé Sur) El Gran Combo de Puerto Rico.
Obviamente que no todo será en el verano. Están anunciados los siguientes eventos, los mismos que harán que el calor y la sabrosura se mantengan en los meses que vienen:
Sabado 16 Abril: Noche de Soneros en el Club Apurimac con Frankie Vásquez, Jacky Montoya y los nacionales Lucho Muñoz, Waltinho y César Vega
Sábado 30 Abril: Rescate de la Salsa 3 con Ray de la Paz, Pupy Cantor, Marcial isturiz, Pepito Gómez, Lucho Muñoz y Manolito Rodríguez en Discoteca Miami 305
Sabado 14 Mayo: ¡Apunta y Dispara! Ray Bayona y Waltinho con la dirección musical de Gilberto Colon Jr., también en el Club Apurimac
Hace instantes, a través del Twitter, el locutor El Cacique de Zeta 93 anunció que la familia de Raphy Leavitt ha decidido no continuar más con la Orquesta La Selecta.
El Cacique añade que la noticia ha afectado mucho a Sammy Marrero, la voz histórica de la Orquesta: "Dolido, bien afectado y destruido Sammy Marrero quien se presta a cumplir sus 74 años de vida, luego del rompimiento de "La Selecta"
Fuente: El Nuevo Día, Puerto Rico. Por: Ana Enid López
Colombia y Cuba ya comenzaron a conmemorar el legado de Daniel Santos en el centenario de su nacimiento. Puerto Rico también lo hará, gracias a la iniciativa de un grupo de defensores de nuestra cultura que no permitirá que esta significativa fecha pase desapercibida en la patria de “El Inquieto Anacobero”.
El festejo tendrá lugar el próximo 6 de febrero, a partir de las 2:00 p.m. en la Fundación Nacional para la Cultura Popular (FNCP), en la Calle Fortaleza del Viejo San Juan. Allí, el escritor, periodista y amigo de Daniel Santos, Josean Ramos, presentará la nueva edición conmemorativa del libro “Vengo a decirle adiós a los muchachos”, con la participación del gestor cultural y director de la FNCP, Javier Santiago, así como del musicógrafo cubano Cristóbal Díaz Ayala. Luego se llevará a cabo un tradicional belén por las calles de la antigua ciudad, a cargo de Héctor “Atabal” Rodríguez y un grupo de músicos, hasta llegar al Cementerio Santa María Magdalena de Pazzis, donde yacen los restos de Daniel Santos, quien nació el 5 de febrero de 1916 en Santurce, Puerto Rico.
Frente al panteón del artista -espacio que comparte con sus amigos Mariano Artau y Yayo El Indio- se entregarán como ofrenda floral dos gardenias, en recordación del tema inmortalizado por el bolerista, que será interpretado por la actriz y cantante Carmen Nydia Velázquez. Mientras que el actor y cantante Carlos Esteban Fonseca estrenará una versión del himno de Puerto Rico escrita por Daniel Santos y rescatada por Josean Ramos, titulada “La Borinqueña Nacionalista”, y la actriz Amneris Morales declamará algunas de las letras del cantante, también conocido como “El Jefe”.
“Sé que a este evento se van a seguir sumando artistas para rendirle ese tributo tan merecido a Daniel Santos. Hay que reconocer que este homenaje ha nacido del pueblo, no de ninguna institución gubernamental, así que el pueblo que tanto quiso Daniel Santos, porque él fue un personaje del pueblo, no lo ha olvidado. Desde esa base popular, su gente lo recordará por su valiosa aportación artística y musical, sobre todo, en el aspecto patriótico que tanto cultivó en sus composiciones”, destacó Ramos, quien como secretario de prensa de “El Inquieto Anacobero” fue testigo de sus glorias y fracasos, tanto a nivel profesional como personal.
Más memorias y nostalgia
Sobre la edición conmemorativa de “Vengo a decirle adiós a los muchachos”, Ramos explicó que contiene nueva información que ha recopilado desde que escribió el libro, hace 25 años.
“Incluye otro libro bajo el título ‘Recuerdos, memorias y otras nostalgias de Daniel Santos’ que es una crónica extensa de una información valiosísima. Contiene un álbum de sobre 200 fotos, muchas de ellas inéditas, un cancionero patriótico con 20 temas de muchos otros que conseguí inéditos, y también unos manuscritos de Daniel Santos en sus últimos años. Cada vez que élpodía se metía a una cantina y escribía partes de unas memorias que yo recopile aquí. Este es otro trabajo de investigación, en el que trabajé intensamente desde febrero del año pasado. La primera edición constaba de 198 páginas y esta tiene 480 páginas”, detalló el autor, quien descubrió muchos de estos documentos en unas cajas sin abrir, donde el cantante, que falleció el 27 de noviembre de 1992, guardaba sus documentos personales.
Ramos recién regresó de un viaje a Colombia, donde presentó su libro en seis ciudades -Cali, Caicedonia, Armenia, Manizales, Bogotá y Pereira- a las que fue invitado como conferencista en el marco del centenario de Daniel Santos. Cuenta que, precisamente, fueron los fanáticos del cantautor boricua en ese país quienes lo motivaron a trabajar en la edición conmemorativa.
“En Colombia hay danielistas, danieleros y danielómanos. Entonces, es como ir a bailar a la casa del trompo. Por eso yo quería llevarles algo nuevo, algo diferente a los que ellos ya conocían”, comentó Ramos sobre el libro, que también incluye una genealogía de la familia Santos-Betancourt, preparada por el coleccionista y melómano Jaime Jaramillo, de Medellín.
Esta madrugada falleció Miguel Angel Rasalps "Lele" cantante fundador de Los Van Van de Cuba e integrante también del recordado grupo Reyes 73
A continuación algunas líneas biográficas del fallecido cantante
Fuente: Salsa y Timba
La idea de este artículo es dar a conocer la real historia profesional de quien escribe, LELE (la voz que popularizó Van Van en los primeros años de la década del 70); mi nombre de pila es Miguel Ángel Rasalps Valdés, nacido el 27 de Julio de 1944, en la barriada del Cerro, a un costado del estadio, en la Ciudad de la Habana, Cuba.
Provengo de una familia de raíz africana, yoruba carabalí; mi madre Flora era una excelente cantante de fiestas familiares, hogareñas, lo mismo que mis tías Jacinta, Marcelina y mi tío Andrés (el pájaro); de todos ellos me nutrí y adquirí el gusto por la música y su sentido de afinación natural y autóctono.
Comencé a cantar en forma profesional el 1º de enero de 1962, como integrante del grupo rockero Los Fantásticos, integrado por: Toto Ortega, Álvaro Insua, Tony Lazcano, Ángel Orille, y Luis Adolfo, este último ya fallecido, y desgraciadamente nunca tuvimos acceso a grabar nuestro trabajo.
Posteriormente en el año 1965, participé en la creación del cuarteto Los Primos, integrado por: Silvia, Andrés, Héctor y quien escribe, hacíamos música de Los Platters, Los Zafiros y otros grupos de ese estilo.
A continuación, en enero de 1968, a solicitud de Elio Revé, a la sazón director de la orquesta del mismo nombre, me integré como cantante de dicha agrupación musical e interpretábamos temas del director y posteriormente comenzamos a interpretar temas nuevos cuya autoría era de Juan Formell, quien por ese entonces era el bajista de la orquesta; esto nos permitió conocernos a fondo, y desarrollamos gran afinidad en lo profesional y humano. No nos gustaba el formato típico armónico y vocal de las orquestas típicas, en esta etapa popularizamos temas innovadores como Fifí, Teté y Popó, El martes, Qué volá que bolón y Yo quiero una flaca, a raíz de diferencias ideólogo musicales entre Revé, Formell y yo, diferencias que nos llevaron a separarnos de la orquesta para en forma independiente seguir con el nuevo estilo que nos interesaba cultivar.
Rompimiento que se formalizó en una reunión realizada a principios del año 1969, realizada en el edificio del ICRT (Instituto Cubano de Radio y Televisión) en la cual participaron el director de dicho organismo, el comandante Serguera y M. Ortega como secretario del PCC, todos los músicos de la orquesta, incluidos Formell y yo, además de Revé. Al hacerse irreconciliables las diferencias musicales, Formell decidió retirarse de la orquesta y yo lo secundé en su actitud; a continuación se sumaron la mayoría de los integrantes de la orquesta, me refiero a las cuerdas, piano y conga, y nos autorizaron a crear con esa base una nueva orquesta.
Con este desafío en mente, empezamos a ensayar por lo menos 5 o 6 meses, e integramos nuevos músicos tales como: Blas Egüez, baterista, José Luís Martínez, cantante, y José Luís Quintana, baterista (Changuito) que ingresó en reemplazo de Egüez, quien no podía continuar porque trabajaba en la orquesta Habana Libre.
Nuestro estreno como nueva orquesta, llamada Los Van Van, se realizó el día 4/12/69, a las 21 horas en la calle P y 23 (La Rampa) y los temas musicales fueron La compota de palo, Yuya Martínez, El penoso, Laura Chancleta, La candela y Marilú, temas todos que formaban parte de nuestro primer álbum y que tuvieron gran aceptación en el público por el timbre vocal armónico y el nuevo estilo musical denominado Songo.
Inmediatamente después iniciamos una gira por el interior del país, campamentos cañeros, para foguear la agrupación, pasando unos meses de trabajo en provincias. Regresamos a la Habana y nos propusieron representar a Cuba en la Expo 70 en Osaka, Japón, gira que incluyó Francia, Unión Soviética y España; dicha gira duró varios meses y nos consolidamos como el grupo mas popular de Cuba en ese entonces.
Por esa época contraje matrimonio y tuve que trasladarme a Las Villas, hasta el nacimiento de mi hijo, razón por la cual dejé de participar en Van Van; en mi reemplazo ingresó a la orquesta Armando Cuervo y dos meses después Pedro Calvo. Yo por mi parte me integré al grupo rockero Los Reyes; con dicha agrupación inicio un trabajo de fusión conocido hoy como rumba rock y son, también conocido como “la timba”… Los primeros temas popularizados con este grupo fueron de mi autoría, ellos son : Sin libertad no hay arreglo, Me cansé de hablar, Grandes amigos, Ay qué linda es tu cintura, mulata, Picolino Caminante, Pequeño desengaño, Sí llegó la primavera y Necesito alguien como tú, temas todos que alcanzaron gran popularidad en Cuba y además se vendieron a la empresa mejicana Pentagrama Fonograma Panamericana y de amplia difusión en dicho país y el resto de América.
Luego grabamos otro LP, donde se incluyen los siguientes temas: Finalizó el amor, Mucho corazón, Te ansío nena, Tema para una dama, Junto al mar he vuelto y otros. Estas grabaciones dieron inicio a siete años de plena popularidad hasta 1980, fecha en que la mayoría de los integrantes de Los reyes 73 emigraron de Cuba por El Mariel.
Yo opté, por razones familiares, permanecer en mi patria y me evalué como cantante solista, y al carecer de orquesta Juan Formell me invita a reintegrarme a Van Van, e inmediatamente iniciamos las grabaciones del volumen 6 de Van Van, donde dejamos un poco el songo y entramos a la fusión; ello se manifiesta en forma práctica con la incorporación a la orquesta de dos trombones y guitarra rockera. Algunos temas de dicho álbum son: De la Habana a Matanzas, Montuno sin complicacionesLa Rumba no está completa, entre otros que tuvieron rotundo éxito. Permanecí con Van Van hasta el año 1981, cuando fui hospitalizado en el centro de salud La Covadonga.
Posteriormente a un largo período de recuperación, continúo cantando como solista y dirijo el grupo Jibacoa hasta el año 87, cuando obtengo la medalla de la Cultura Nacional de mi patria; posteriormente me acojo al retiro con aproximadamente 8 dólares mensuales que no me permitían sustentar mis necesidades básicas de techo y alimentación, lo que me obligó a trabajar en el contingente del campo Bernardino García por tres años y medio.
En mayo del 98 emigro de Cuba a Chile, donde resido actualmente, y donde grabo un CD denominado Lele en Chile, además trabajo con un quinteto de música tradicional cuba y na.
Fuente: Cubaencuentro.com Por: Miguel Cabrera Peña
Uno de los cantantes populares más escuchados en Cuba entre finales de los sesenta y principio de los noventa es, sin duda, Miguel Ángel Rasalps. Pero este nombre poco dice a muchas personas. Si se recuerda, sin embargo, que Rasalps es "Lele", voz insignia de Los Van Van, Reyes 73 y otras agrupaciones, entonces ya se pisa terreno firme.
Lele irrumpe en la música popular cubana en un período que él llama "idealista", en el que un grupo de compositores e instrumentistas intentaba dotar de colores distintos y sonoridades nuevas a un pentagrama que parecía anquilosarse. Si es cierto que buscaban desde su propia visión un cambio, no profesaban ni bebían entonces —con igual devoción— de las mismas fuentes, aunque la raíz de nuestra música popular se hubiera metido desde mucho antes, tal vez sin que tuvieran una clara conciencia de ello —como en el caso de Lele—, en sus inclinaciones artísticas.
Antes de conocer al director Elio Revé, Lele se había aficionado al rock y a toda hora cantaba Crazy Love y otras composiciones en lengua inglesa. Cantar, aunque fuera al desandar las calles ruidosas de su Cerro natal, era como un desahogo. "La afición por el canto —dice— me viene de mi madre, con su eterno tabaco entre los labios, a veces un 'mocho' que no le interesaba encender. Aquella vieja era linda de verdá. No sabía nada de música pero alcanzaba una gracia, una afinación, una claridad que yo desde muy niño percibí. Todavía, cuando la recuerdo, la escucho cantando".
También, antes del encuentro fundamental con Revé en 1967, Lele había hecho armas en el grupo Los Fantásticos, cuyo director en la práctica era un profesor de psicología de la Universidad de La Habana, quien luego se convertiría en locutor de Radio Martí, Álvaro de Inzua. "Los Fantásticos éramos rockeros y yo cantaba allí a Los Platers, Paul Anka, Four Seasons... Su influencia y la de Los Zafiros no la niego...".
"Elio Revé fue quien me dio la mano —asegura—. Él me hizo entrar en la música popular. Me habló de su proyecto, lo que deseaba que yo hiciera. Pasaron ocho meses y ya pensaba que se había olvidado de mí cuando se me aparece en la casa".
Trabajar con Revé no era poco mérito, pero pronto los criterios musicales chocaron. "Juan Formell, que había llegado antes, y yo, queríamos hacer una música distinta". El cuatro de diciembre de 1969, en 23 y P, en El Vedado, efectúan Los Van Van su primera presentación. Lele se convertía en la voz de un grupo sin el cual no se puede hacer la historia de la música popular cubana.
"Juan Formell, su creador, siempre será mi amigo. Nunca me engañó. En mi opinión él es un gran músico, probablemente el más relevante de corte popular en gran parte del siglo XX. Pero él también sabe que yo generé el estilo, la fusión de rock, rumba y son. Él hacía sus arreglos contando con mi forma de cantar. En las orquestas populares el estilo lo ponen los cantantes. Luego vinieron otros... Yo jugaba libremente con la armonía, los inarmónicos, de falsetes y tenores, andaluces, guitarras y negros, lo cual hice aún más libremente con los Reyes 73". Aquí dejaría a un lado las cuerdas e introdujo los trombones.
Claro que entre lo que opina sobre su obra un artista y la realidad suele acomodarse todo un elefante. Frank Padrón, crítico musical, expresó al aludir a la habilidad vocal en Los Van Van: "Lele se proyecta con una voz ronca, típica, de amplio cromatismo, admirable en el grave y el falsete, capaz de conferir una impronta al grupo". Y otro crítico, Pedro de la Hoz, admite que en la puesta al día de la música bailable jugaron también un importante papel agrupaciones como Rumbavana, Ritmo Oriental y Reyes 73.
Luego de mencionar a creadores e instrumentistas como Changuito Quintana y José Luis Cortés, un grato recuerdo que atesora el cantante de La compota de palo y Yuya Martínez fue el colaborar en algunos ensayos con Albita Rodríguez, quien fue su vecina puerta a puerta: "Ella vivía en Juan Bruno Zayas 403 y yo en el 405". La Rodríguez marca hoy pautas en la música cubana que se crea fuera de la Isla.
Los contratiempos
"Cuando uno es famoso y además joven, vive como mareado, atendiendo más de la cuenta a lo que su cuerpo le pide. Yo no soy un santo, y errores he cometido. Pero mi principal problema en Cuba fue que nunca quise pertenecer al Partido. Mi partido fue y será siempre yoruba... Por cierto, que tengo que hacer Obbatalá... Todo el mundo sabe que durante mucho tiempo tener creencias religiosas estaba prohibido".
Los problemas de Lele tuvieron un punto culminante cuando varios de los integrantes de Reyes 73 —fecha que se agregó al nombre del grupo como índice de una nueva etapa musical— abandonaron el país en 1980, durante los sucesos de Mariel. Lele se haría solista y fue el primer evaluado artísticamente mediante un polémico mecanismo creado por el Ministerio de Cultura. La Comisión contaba entonces con figuras como José Antonio Méndez, Omara Portuondo, Osvaldo Rodríguez, Ela Calvo y otros. El cantante pasó el trance sin inconvenientes.
Pero este habanero recuerda algunos sucesos anteriores que, amén de disgustarlo, le mostraban ciertas caras de su dilema como artista. "Los coros que yo hacía, 'sin libertad no hay arreglo' o 'la libertad es el comienzo de la vida', 'me cansé de hablar', provocaron que varios jefes de núcleos del Partido me llamaran la atención. Yo creaba esos coros con la más absoluta inocencia política. El número Mañe, mañengo, que es una frase utilizada en el oriente del país y describe a personas descuidadas y mal vestidas, lo prohibieron porque decían que así se le llamaba a los que habían bajado de la Sierra. El estribillo y el título del número lo tuve que cambiar. Pasó a llamarse Baila que baila".
Poco antes de mediar los ochenta, comienza a enfrentar obstáculos que nunca imaginó. Una de las voces que había ayudado a definir su época en la música popular no hallaba trabajo. El ex cantante y compositor con Los Van Van, ex líder de los aplaudidos Reyes 73, con los cuales había grabado dos long play y varios singles, la garganta que había hecho bailar a uno de los pueblos más exigentes en este sentido, estaba desempleada. En su esplendor, Lele llegó a realizar 40 presentaciones al mes.
Hacia 1983 era la empresa Adolfo Guzmán la que en Cuba empleaba a los artistas. Había que acudir a ella. "Durante un año me dijeron invariablemente que yo no tenía demanda", aunque en el centro del asunto había también un complicado tejemaneje burocrático. A Lele no se le puede imaginar como la clásica estrella en declive. En 1980 había regresado con Los Van Van y actuaría con ellos durante algún tiempo. Si Formell lo había vuelto a llamar, ello era índice inequívoco de que sus facultades permanecían intactas.
"En el fondo, yo no caía bien. Mi integración política distaba de ser la que de mí se esperaba. Tampoco rechacé nunca a esas personas que viven en las fronteras de la marginalidad y que suelen seguir fielmente a las agrupaciones como en las que yo participaba. Ellos forman también parte del pueblo y poseen una tremenda intuición musical. Yo era como una tuerca que no encajaba en el engranaje".
En 1986 creó el grupo Jibacoa, que se disolvería cerca de los noventa. "En esta etapa me sancionaron porque no quise ir a cantar a Bayamo, donde ya había actuado anteriormente. En el mes de la sanción yo había sobrecumplido la meta que imponían los reglamentos de la institución cultural para el período. En todo caso correspondía una amonestación, pero me sancionaron, y luego me llevaron a un juicio laboral".
Al promulgarse la ley que daba la posibilidad de retirarse a los 25 años de trabajo en el sector cultural, se acogió a ella, aunque el salario era lógicamente más bajo y no le alcanzaba para vivir. "Mi divorcio de la que había sido mi esposa por muchos años fue por esta etapa. Así, me vi con una jubilación insuficiente y en la calle".
Durante tres años, y hasta que salió para Chile, vivió en campamentos en Alquízar, Quivicán y La Salud, donde trabajaba como obrero agrícola, bastante lejos de la capital. Se trata, en realidad, de empobrecidas poblaciones rurales. Cada quince días recibía pase, y entonces dormía en casa de sus hijos o de su compadre Alfredo —"a quien querré siempre"—, ex utilero en Reyes 73.
Con un expediente repleto de medallas y diplomas, que se le concedieron por cantar, componer y bailar para el pueblo durante 33 años, en 1995 fue a una dependencia del Estado a solicitar una vivienda, "la más modesta que hubiera". Le informaron que existía una larga cola de personas con el mismo objetivo. En 1998 salió de Cuba y todavía no le había llegado el turno.
Fue en ese extenso período de trabajo agrícola, en que salía de la cama a las cinco de la mañana, que "se me cayeron los dientes a causa de la diabetes que no sabía que padecía, y la mala alimentación. Los nervios se me descontrolaron. Trabajaba fuerte en el campo, y bebía mucho...".
El artista y sus derechos de autor
"La EGREM, la única entidad encargada en los setenta de comercializar la música en Cuba, ha vendido números míos sin consultarme. Conozco que vendió a una empresa (llamada Pentagrama-Fonograma-Panamericana) un disco cuya identificación era LPP006 y el apellido del dueño Palomares. En ese disco había cinco temas, compuestos y cantados por mí. El director de EGREM en esa etapa era un tal Quijano. Los números que incluye ese disco son: Grandes amigos; Sí, llegó la primavera; Adeoei; Necesito de alguien como tú y Finalizó un amor. Yo estaba en Cancún cuando me enteré, me lo dijo Tata Güines".
A principios de 2002 a Lele lo llama por teléfono desde La Habana un familiar, y le informa que él contaba, por sus derechos de autor, con 80 pesos cubanos, menos de cuatro dólares al cambio actual. "Cuba nunca defendió mis derechos, sobre todo internacionalmente".
En una ocasión coincidió con la viuda de José Antonio Méndez en el Centro Nacional de Derecho de Autor, donde también se cobraba. La cifra que le dieron fue realmente irrisoria. "Luis Miguel, el cantante mexicano, ya para entonces había vendido decenas de miles de discos con música de José Antonio".
Hace poco, Lele renunció a que Cuba representara sus derechos, con el propósito de reclamarlos desde Chile. Le resultaba irracional hacer otra cosa recordando "la mierda" que le pagaron a la viuda de un compositor como José Antonio Méndez, una gloria de la cultura nacional.
Pero esta decisión no se basó únicamente en el disco vendido, a espaldas suyas, por la EGREM. Lele conoce que Ned Sublette, codueño de Qbadisc, y artista él mismo de múltiples posibilidades, grabó un popurrí de música cubana. "El mismo me enseñó el disco en La Habana, allá por 1994 o 95. Entre ambos se generó una franca simpatía, y me hubiera pagado si alguien se lo hubiera solicitado legalmente".
También supo que en Cancún había un programa radial que cree recordar se llamaba "Baila, que baila mi son", y tenía como número de presentación precisamente a Mañe, mañengo, pero en su título recodificado, es decir, Baila, baila...
Lele en Chile
"Llegué a este país con 80 kilos de peso, muy inferior a mi promedio, pues soy un hombre de seis pies de estatura. Aquí, además de recuperar lo físicamente perdido, encontré a una mujer admirable, Lina Maulme, amiga y compañera. En ella hallé apoyo de todo tipo, pero sobre todo espiritual, algo muy importante para quien vive fuera de su país".
Gracias a ese apoyo, pudo volver a la música. Después de buscar y armar un equipo de excelentes instrumentistas, chilenos y cubanos, ha puesto el punto final a un nuevo CD, que no podía titularse de otra forma que Lele en Chile.
El disco es, por supuesto, una evocación de aquella música que hizo bailar a tanto isleño, llena de gracia y raíz, y que al encontrarse luego con la salsa se abriría ancho campo en los mercados internacionales. Tu recuerdo, de Juan Formell; el popurrí de Reyes 73, con números de Lele; El breve espacio, de Pablo Milanés, en tiempo de son; y la letra de Vuelvo para vivir, de los chilenos Illapu, se encuentra entre la música del disco.
"En Chile ahora es que está entrando, lentamente, el tipo de música que yo hago. No es fácil interesar a un empresario de este país. Por eso espero que alguna disquera de otras latitudes lo escuche y valore".
Entre triste y sonriente, Lele recuerda el homenaje que, como fundador de Los Van Van, se le rindiera cuando la agrupación cumplió 25 años de creada. Pero especial emoción le produce recordar que el número De La Habana a Matanzas, grabado por él en 1980, se volvería a grabar, ya sin su voz, y se le agregó el estribillo "escucha mi canto 'Lele', donde quiera que tú estés". Los Van Van sabían que él estaba entonces viviendo en campamentos agrícolas, fuera de su medio natural, lo cual generó el estribillo que "entendí como una velada crítica al sistema cultural cubano".
"Mucha gente, sin embargo, creyó que yo había muerto. A uno de mis hermanos, en Miami, le llevaron el disco y pensó lo mismo. Él murió al poco tiempo, convencido de que ya yo no existía...". Luego de un breve silencio, Lele añade: "Pero estoy vivo, mi hermano, y trabajando...".
La más antigua e importante casa discográfica cubana, la Empresa de Grabaciones y Ediciones musicales de Cuba, Egrem, ha dedicado un álbum completo con canciones escritas a Santiago de Cali, grabadas por las voces más importantes de las orquestas de Cuba. Esta es la primera vez en la historia de la discografía de Cali y Colombia, que la Egrem le dedica un álbum a la ciudad.
De la idea de un musicólogo y coleccionista caleño, Óscar Jaime Cardozo Estrada, nace el proyecto que fue propuesto a la gerencia general de la casa discográfica Egrem, y el cual fue aceptado de inmediato con la asignación de un presupuesto.
Óscar Jaime recibió la orden de invitar a varias de las mejores orquestas cubanas para participar en la grabación del histórico trabajo discográfico.
Por la importancia del álbum para la casa discográfica Egrem, Mario Escalona, gerente general, anunció que este trabajo ha decidido incluirlo en los discos que presentarán a los premios Grammy de este año.
El maestro Emilio Vega, quien ha logrado varias nominaciones al Grammy Latino y a los premios Cuba disco, estuvo a cargo de la producción musical.
Las orquestas que participarían en el proyecto musical, fueron escogidas por Óscar Jaime Cardozo, Alejandro Rodríguez, Mario Escalona y Emilio Vega, quien recuerda que fue una tarea difícil la selección de las orquestas, ya que desde el principio se quiso tener agrupaciones de primer nivel, pero cuando se contactaban, estaban de gira fuera de Cuba, sin embargo al fin se logró unir en el estudio a orquestas de alto nivel.
La selección de los temas del álbum, la realizó Óscar Cardozo, pionero de la idea.
Diez de los 11 temas que se programaron en el álbum son de autores colombianos, entre ellos ‘Cuba le Canta a Cali’, nombre del trabajo discográfico. Este fue compuesto por Pascual Cabrejas, Alejandro Rodríguez Díaz y Oscar Jaime Cardozo Estrada, dos cubanos y un colombiano.
En el disco se incluyó una canción que honra el espíritu, la pasión y la dedicación de los coleccionistas, por ser Cali el epicentro universal de la memoria musical en diferentes formatos de grabación, y además sede del encuentro de coleccionistas más importante del mundo.
El disco fue lanzado oficialmente el 30 de diciembre en el Encuentro de Melómanos.
“Es un motivo de orgullo ser pionero de esta idea, pues debemos destacar que Cali es una ciudad muy importante a nivel mundial en la salsa. Los cubanos me copiaron y también se sienten orgullosos de cantar canciones caleñas, las cuales muchas veces las han bailado”, aseguró Óscar Jaime Cardozo, creador del proyecto.
Por el momento, se continúa con el lanzamiento independiente en Colombia y en el exterior, con la ayuda de coleccionistas como Luis Felipe Hadad, Richie Rivera y Jesús Alberto Arteaga.
Posiblemente para el mes de septiembre se tendrá el volumen 2. Según Cardozo, este nuevo CD pretende ser grabado con artistas caleños y las orquestas cubanas.
Temas del CD:
1. Cali pachanguero, interpreta El Niño y La Verdad
2. A la loma de la cruz, interpreta Pedrito Calvo
3. Las caleñas son como las flores, interpreta la Orquesta Aragón
4. Caleño, interpreta Raquel Zozaya
5. Cuba le canta a Cali, interpreta Tumbao Habana
6. El beso Caleño, interpreta Waldo Mendoza
7. Mi son para Cali, interpreta María Victoria Rodríguez
8. Homenaje, interpreta la Orquesta Estrellas de Areito vocalizando Moisés Valle "Yumuri"
9. Linda caleñita, interpreta el Grupo Polo Montañez
10. A Cali, interpreta Los Van Van
11. Caliche, interpreta El Zun Zun de la salsa.
“Por favor, no deje de escribirme apenas tenga una noticia sobre esos dos LPs de MAG”. Fue ese su último pedido, antes de cortar el teléfono, dos semanas atrás. Es increíble que eso haya ocurrido hace apenas dos domingos y que hoy por la mañana Sergio Santana me avise que Alfredo Valdés Jr. murió.
Lo había llamado para entrevistarlo sobre su amigo Alfredo “Chocolate” Armenteros y la charla fue de casi una hora, conversando de otros temas y recordando nuevamente aquel episodio de comienzos de 1965 cuando quedó varado en Lima con los integrantes de la Orquesta de Machito (por falta de pago del empresario) y él se ofreció a Manuel Guerrero, de la disquera peruana MAG, para grabar dos discos y solventar, con la paga, el retorno a Estados Unidos.
Más tarde, junto a mi hermana Norma, lo llevamos a cenar a un chifa limeño y de ahí fuimos a la casa de mi papá a grabar una entrevista.
Ahí nos relató de aquella visita con Machito, que tocaron en el Círculo Militar de Ancón, en el Sky Room del Hotel Crillón y en la televisión nacional, sumando casi diez presentaciones.
Recuerdo que sacaba los LPs que tenía en mi colección y Alfredo empezaba a relatar historias y anécdotas al respecto, entre la grabadora, sonrisas a la cámara de video y las tazas de café. Ese sábado se tornó domingo y ese recuerdo toma vigencia mientras escribo estas líneas recordando al gran pianista cubano que se ha ido.
Alfredo Valdés Jr. no pudo cumplir el deseo de conseguir esos primeros dos discos, que deben considerarse como los iniciales en su discografía como solista, con el nombre de Al Valdés:
Comenzó en Lima
Gózalo
La música afrocubana está nuevamente de luto, Descanse en Paz Don Alfredo Valdés Jr.
Alfredo Valdés Jr. estuvo en Lima Por: Eduardo Livia (24 mayo 2010)
El sábado que pasó fue diferente. Mis planes iniciales se vieron “trastocados” cuando mi amigo Manuel Paredes me llama y dice: “¡Alfredo Valdés Jr. está en Lima!”
Sí, el gran pianista cubano, recordado por esa gran etapa de la disquera SAR, de la cual fue gran protagonista como Productor y Director Musical en decenas de grabaciones, había llegado a nuestro país por motivos particulares y la ocasión sería propicia para conocerlo y (por supuesto) entrevistarlo.
Coordinando con Manuel y, acabando la tarde del sábado, paso con Norma para recogerlo de su hospedaje en Miraflores. No demora mucho en aparecer en Recepción y le comentamos acerca de El Salsero y de nuestro interés en conversar sobre su vida: “¡A la orden!” es su respuesta.
La primera parada será en Radio Libertad. El Rincón Caliente empieza a las 7:00 p.m. y más de la mitad del programa contaría con su participación, entrevistado por Manuel.
En este fragmento Alfredo habla sobre su disco Descarga en el Guateque
También estaban en cabina Luis Fernando y Anthony (“Estamos en Salsa”), quienes escuchan atentos los recuerdos de Alfredito. El maestro “vive” cada solo de piano que se escucha durante el programa.
Su currículum es vasto y valioso: Alfredo Valdés (padre), Arsenio, Barretto, Machito, Graciela y Mario, Cachao, Estrellas Caimán, Cuban Masters y muchos más; aparte de su discografía propia, donde destacan títulos como: A Cataño, Su Piano y Ritmo, Up Tempo Mood, Descarga en el Guateque y De La Habana a Nueva York.
Alfredo Valdés Jr. recuerda el hit de Ray Barreto “El Watussi”, grabación en la cual participó como pianista
Termina la secuencia en El Rincón Caliente y, antes de empezar nuestra entrevista, nos vamos a compartir un momento en un restaurante limeño. La noche avanza y los recuerdos se suceden: Monguito, Arsenio y algo poco conocido y comentado: Alfredo Valdés Jr. tocó un tiempo con Cortijo y su Combo en Puerto Rico.
Decidimos ir a la casa de mi padre para grabar la entrevista. Ahí están aún los viejos Long Plays, entre ellos los de la SAR. Los busco y los vamos viendo con Alfredo, quien comenta y nos da detalles sobre los mismos.
Al inicio de nuestra entrevista, don Alfredo recuerda sus estudios y quienes fueron sus maestros en la música.
Empezamos la entrevista, que con un café de por medio, es más una charla de experiencias recolectadas en más de medio siglo de actividad profesional.
Para nosotros, uno de los datos más valiosos resulta su primer viaje a Lima con la orquesta de Machito, sus casi diez presentaciones en hoteles y televisoras de la época, y lo que vino después: el empresario que los deja varados y sin pago en Lima y la decisión de Alfredo de grabar para la disquera MAG dos discos (que resultarían los primeros como solista en su discografía): Comenzó en Lima y Gózalo, con muchos músicos de Machito y otros músicos y cantantes peruanos
Es casi medianoche y vamos terminando. “Mañana domingo regreso para New York y estas entrevistas han hecho que el viaje valga la pena”. Al final nos confiesa otro detalle poco conocido de su vida: su actividad como “terapista musical”, ayudando a los ancianos con problemas de salud.
Un joven Alfredo Valdés Jr. al lado del legendario Arsenio Rodríguez
Vamos de regreso al hospedaje y don Alfredo compara la Lima de hoy con la de hace cuarentaicinco años atrás. La madrugada del domingo empieza y nos despedimos de don Alfredo Valdés Jr. con la certeza de haber conocido a un excelente músico y persona.
¡Vaya que había planeado un sábado diferente!, pero valió la pena. No todos los días se conoce a un personaje de esta música que tanto nos gusta.
Entrevista a Alfredo Valdes Jr. Por: Juan Carlos Angel L. (El Sonero de Barrio) y Julio Ramírez
Con ocasión de la realización del Festival de Jazz y músicas del mundo realizado en el mes de septiembre en la ciudad de Medellín, que se ha convertido en uno de los más importantes que se realizan en la actualidad, por la convocatoria y organización así como de los músicos que anualmente concurren a él; Cachao “El Eterno Maestro” fue invitado de gala y con él Alfredo Valdés el gran pianista cubano guerrero de muchas lides y uno de los maestros más representativos de nuestra música caribeña, el pianista cubano amable y muy dispuesto con sus admiradores nos concedió la entrevista que a continuación transcribimos, agradeciendo su disponibilidad y caballerosidad. Esperamos que sea de su agrado.
P. Maestro ¿su lugar de nacimiento y fecha de la misma?
R. Yo nací en La Habana, Cuba, en Calixto García, el 31 de mayo de 1941, y me crié en Marianao, provincia de La Habana.
P. ¿Cómo fueron sus inicios en la música y más detalles?
R. Bueno, mi tío Óscar Valdés convenció a mi madre para que me pusiera a estudiar música con el mismo profesor de mi primo Lázaro: el maestro José Ochoa Berrios, él era del Oriente de Cuba, miembro de una orquesta muy popular que se llamaba Los Ochoa, era un profesor muy disciplinario, catedrático del Instituto Torrens de La Habana, éste era un lugar donde llevaban a todos los muchachos que tenían problemas de conducta. Ochoa había sido miembro de la banda de la policía del Oriente; fue mi primer profesor, tocaba trombón, trompeta, bajo y piano; él era un músico completo; estudié con él desde los once años hasta los catorce cuando partí a New York, lo recuerdo con mucho cariño, por que fue el que me disciplinó; yo era muy sinvergüenza, no quería estudiar ni hacer nada, sólo quería jugar pelota y él me enseñó a tocar el piano y aprendí muy rápido a tocar el método de piano Orbón, en dos años me lo comí todo y en cuatro meses yo aprendí lo que se enseñaba en un año. Cuando llegué a New York en 1956, ya estaba en sexto año de estudio, en tres años hice seis años de piano.
P. ¿Antes de su viaje a New York integró alguna orquesta en Cuba?, ¿qué motivó su partida a los Estados Unidos?
R. No, nunca toqué profesionalmente en Cuba, pero sí me crié en los estudios de las emisoras CMQ, Radio Progreso, Unión Radio presenciando y escuchando tanto ensayos como presentaciones de los miembros de mi familia, mi viaje a los Estados Unidos lo motivó el deseo de mi familia de emigrar, yo aún era menor de edad; tanto mi madre como mi padre (Alfredo Valdés, otra leyenda de la música cubana) vivieron la mayor parte de su vida fuera de Cuba. Desde mucho antes de mi nacimiento ellos tuvieron ansias de emigrar; mi padre vino a Estados Unidos primero en el 33 con el Septeto Nacional de Ignacio Piñeiro y mi madre con la Orquesta Anacaona en el 35. Yo me crié prácticamente con mi abuela materna. Posteriormente con la ayuda de mi tío Vicentino (Valdés), al cual mi padre había ayudado previamente a instalarse aquí en New York, los tres emigramos legalmente a los Estados Unidos en el 56.
P. Usted pertenece a una familia de estirpe musical, ¿cómo fueron sus influencias?
R. En mi casa se cantaba, se tocaba guitarra y era el punto de encuentro preferido de artistas y deportistas de renombre, para mencionar algunos: Ruth Fernández cantante gloria de Puerto Rico y mi madrina, Eligio Sardiñas Montalvo conocido como “Kid Chocolate” Campeón Mundial de Boxeo, Cándido Camero el conguero, etc.
P. Cuéntenos del legado de su padre Alfredo Valdés.
R. A mi padre le debo el amor y respeto por la música a la cual me he dedicado desde que tengo uso de razón, desde que llegué a Estados Unidos me integré a la orquesta de mi padre Alfredo Valdés y seguí estudiando con Rafael Óscar Muñoz Bouffartique, un gran maestro cubano, profesor de solfeo, todos los grandes músicos estudiaron con él, inclusive el Bebo Valdés, cuando Bouffartique vivía en el Bronx. Después seguí estudiando con un profesor panameño que se llamaba Nicolás Rodríguez, posteriormente fui a la escuela estatal de California, donde recibí clases con el profesor Aurelio de la Vega que era cubano y director del departamento de música de esa escuela, fui graduado en la Universidad de Queens Colin, sacando un grado en el magisterio de música en la especialidad del piano y composición, después la cambié a literatura y terminé graduándome; pero en realidad tengo suficientes créditos para sacar un grado en música. De allí entré a trabajar al sello SAR Record, luego con el sello Caimán y más adelante lo hice con Son Boricua, trabajé en el primer disco de Mario Bauzá, con “Chocolate” Armenteros, la India de Oriente, Roberto Torres, Henry Fiol.
P. Maestro, ¿qué orquestas integró a su llegada a New York? tengo entendido que grabó con Arsenio Rodríguez y aparece en las grabaciones iniciales de Ray Barreto entre otras.
R. Así es, al llegar a la mayoría de edad ingresé al Conjunto de Arsenio Rodríguez y sus Estrellas fue en el año 1959. Al año siguiente grabé mi primer disco con Arsenio “Fiesta en el Harlem” para el sello SMC y al año siguiente grabé otro disco con Arsenio para el sello Ansonia.
Un año después fundé la charanga original de Ray Barreto. En el primer disco llamado “Pachanga con Barreto” para el sello Riverside, el maestro Héctor Rivera tocó y arregló, pero la producción se hizo sin haberse fundado la orquesta, eso fue en el año 61. En la primavera del 62, grabamos oficialmente el primer disco para el sello Riverside con el “Negro” Vivar, “Chombo” Silva, Willie Rodríguez, Wito Kortwright, Pete Bonet, Ricky Jackson, Joe Canoura, Mike Stancerone, Ralph Carrillo (en esa grabación también participaron Rudy Calzado y Ray Mantilla); el disco se tituló “Latino” y es considerado un clásico del Jazz Latino.
Después saltamos para Tico, yo grabé cinco LP con Barreto en dos años.
P. Maestro Valdés ¿usted fue testigo y protagonista de la época de la pachanga, por que no nos cuenta cómo se sucedió este fenómeno musical de inicios de los 60´s de la pachanga, por que no nos cuenta cómo se sucedió este fenómeno musical de inicios de los 60´s.
R. La pachanga llega a New York con artistas como Rolando Laserie y José Fajardo al Palladium. Éste era el lugar donde actuaban los músicos recién llegados de Cuba y Puerto Rico. Por esos días las charangas estaban de moda, recuerdo que Alfredo Valdés grabó un LP que tituló “Charanga en Órbita”. Además de Arsenio yo tocaba con Dioris Valladares en el Caravan Club en el Bronx y en el verano del 61 con Pete Terrace, neoyorkino de padres puertorriqueños y también graduado en La Academia Julliard. En lo concerniente a repertorio nunca nos faltaron obras de (Eduardo) Davidson, su creador.
P. ¿Cómo lo impactó la aparición del Boogaloo y con quién tocaba en esa época?
R. El Boogaloo fue una mueca grotesca al son montuno, como una reacción a la política anti-yankee de Fidel Castro y a la interrupción de la corriente afro-cubana hacia Estados Unidos. Yo me encontraba en Los Ángeles, California, con la Orquesta de René Bloch cuando oí la palabra Boogaloo por primera vez.
P. Cuando el boom de la salsa aparece, ¿cómo impacto su carrera musical?
R. La llamada salsa no es más que un “gimmick”, una estrategia, un truco de publicidad para hacer más global lo que se estaba tocando.
P. ¿Cuándo estuvo por primera vez en Colombia?
R. Eso fue en el año 1964; mira, de esa gira recuerdo una anécdota tremenda, me llama René Hernández, el pianista de Machito, y me dice… oye Alfredo, yo estoy ensayando con la orquesta de Tito Rodríguez y no quiero estar en una gira que va a hacer la orquesta de Machito y me dice ¿tú quieres ir?, yo le contesté… claro que sí, para mí es un orgullo tocar con Machito, esa orquesta es una institución muy grande; esta experiencia es importante para mi carrera, me glorifica, además mi esposa está esperando nuestro primer bebé y la plata me viene bien; entonces él me dijo: saca el pasaporte que yo no voy a ir, ya hablé con Mario Bauzá y le dije que tú estabas interesado. Al final salimos de gira en diciembre de ese año para Colombia, hicimos vuelo directo de New York a Bogotá, eso fue en Avianca, yo todavía conservo la foto del avión, que fue uno de los primeros que compró Avianca, íbamos como sesenta personas; músicos, bailarines, hasta cómicos, como el enano “Tuntún” esa era toda una compañía “Tuntún” esa era toda una compañía.
En Bogotá nos presentamos en el Hotel Tequendama y luego volamos a Cali a hacer las casetas campestres, después viajamos a Lima, Perú, recuerdo que algunos músicos no pudieron salir de Colombia; como “Chocolate”, Valdés el conguero, Julián Cabrera y algunos otros; ya que tenían pasaporte cubano, después salieron del problema y pudieron viajar. Nos iban a pagar doscientos dólares a cada músico, que en aquel entonces era muchísimo dinero, cuando llegamos a Lima, nos estaba esperando el empresario argentino Mauricio Tamara. Luego empezaron a llegar los demás músicos que no habían podido viajar e hicimos los programas de televisión pero resulta que Tamara se fugó con treinta mil dólares y nos dejó varados, en esos momentos no teníamos ni con qué comer, nos tuvimos que trasladar del hotel Crillón, para el Bolívar que era inferior, en el momento no teníamos pasajes ni dinero para regresar. Mario Bauzá tuvo que viajar a New York para conseguir dinero para el retorno de toda la compañía.
Entonces yo dije: no me voy a morir de hambre, no voy a pasar las de Caín, tengo una orquesta con músicos de mucho nombre; me puse las pilas y dije: lo que tengo acá son recursos na má, salí y pregunté dónde quedaban las casas disqueras, me dieron la dirección de la compañía de Discos Mag (no me olvido Oroya 114), hablé con el propietario de la compañía, el ingeniero Miguel Ángel Guerrero y le vendí dos producciones, el sueldo era insignificante en comparación a lo que nosotros estábamos acostumbrados a ganar en New York, pero era un dinero que en ese momento caía muy bien y los músicos querían tocar, de ese modo hicimos los dos discos con mi nombre. Los trabajos los coloqué como “Al Valdés y su Orquesta”, esos fueron mis dos primeros discos y fueron grabados con grandes músicos, la integraban entre otros artistas de las calidades de Mauricio Smith (flautista), “Chocolate” Armenteros, que por ese tiempo tocaba la trompeta súper bien y estaba el primer saxofonista de la orquesta de Count Basie (Danny) entre otros; en esos discos yo arreglé, canté y toqué el piano y la percusión; no invité a Graciela, Machito, ni Bauzá por respeto con ellos; es importante agregar que la grabación no la hice con la Orquesta de Machito, la hice con un grupo escogido de músicos voluntarios e indignados como yo con la situación. En estas grabaciones participaron músicos argentinos y peruanos que no pertenecían a la orquesta.
P. A su regreso, ¿cómo desarrolló sus actividades artísticas?, ¿sigue su carrera como Director o vinculado con otras orquestas?
R. A mi regreso me trasladé a Los Ángeles, California, y toqué con la orquesta de René Bloch, que estaba integrada por varios músicos de New York como Pat Rodríguez (de la orquesta de Tito Rodríguez), Rolando Lozano (de Mongo Santamaría), Papi Torres (de Tito Rodríguez), Don Ellis (famoso trompetista de jazz, compositor de música experimental y temas de películas), Rudy Calzado (de Mario Bauzá y José Fajardo) y otros.
A finales de los sesenta René Bloch disolvió la orquesta y se dedicó a la dirigencia sindical de músicos en Hollywood (Local 47), y acto seguido ingresé a la orquesta de Johnny Martínez coincidencialmente también dirigente sindical, en total mi permanencia en Los Ángeles duró 11 años, de finales del 65 al año 1976; cuando regresé nuevamente a New York. En los Estados Unidos sòlo he vivido en New York y Los Ángeles y una corta estadía en Puerto Rico que no fue mas de cuatro meses.
Nota: Las grabaciones de la Orquesta de René Bloch son espectaculares y muy perseguidas por los conocedores y coleccionistas explicables con una planta de músicos del calibre de los antes mencionados.
P. ¿Cómo fue su vinculación con SAR, donde fue figura muy activa?
R. A mi regreso a New York, Monguito “El Único” me llamó para que le arreglara dos temas y tocara el piano en un disco para la SAR. Eso ocurrió en 1979; Roberto Torres, uno de los directivos del sello, me pidió que ingresara como director musical ya que su pianista, arreglista y director, el maestro Manolo Albo, se quería dedicar de lleno a su trabajo de día. Hicimos la Charanga Vallenata y todo lo demás inclusive los discos de Henry Fiol con la SAR.
P. La época de la salsa romántica ha sido calificada como un “bache” para la música del Caribe; ¿por qué no nos da su concepto y cuál fue su situación en esa época?
R. En los 80´s, cuando la salsa romántica hace su aparición, yo simplemente seguí con la charanga y el son montuno, la música tradicional; además hice cabaret aquí en el Queens; creo que la salsa romántica fue un intento de hacer “másbailable” la música romántica la cual siempre tuvo un mayor número de fans que la del Caribe, a esa fórmula se le agregaron voces juveniles, para recrear el estilo popular de la década de los cincuenta (el duap), intentando tocar una nota sensible al latinoamericano, fue una vez más una estrategia de mercado para vender más discos.
P. Maestro Valdés, ¿cuál es su opinión y su participación en el movimiento del Jazz Latino?
R. Es un movimiento interesantísimo, existen una cantidad de recursos sin límites; desde instrumentos pre-colombinos hasta instrumentos de todo el mundo. Hay además diferentes maneras de enfocar la fusión. Se puede tratar de mantener la tradición afro-caribeña agregándole armonías variadas. Yo tengo dos grabaciones instrumentales de piano y ritmo, no he tratado de experimentar más, no sé por qué, pero aparece en mi agenda. Grabé un disco en 1962 (con Ray Barreto) para el sello Riverside que es un clásico de la discografía del jazz-latino, coincidencialmente titulado “Latino”.
P. Maestro, ¿qué significa “De La Habana a New York” en la carrera de Alfredo Valdés y su nominación al Grammy?
R. Significa varias cosas, la oportunidad de expresar que a pesar de haber vivido en Estados Unidos por más de medio siglo, sigo siendo cubano. Significa que cuando yo vine a este país que tanto me ha dado y que tanto quiero ha tenido muchos cambios… por ejemplo Miami no era lo que es hoy en día, para uso práctico..no existía. Además esta nominación al Grammy me da un orgullo tan grande que no encuentro palabras para expresarlo.
P. ¿Cómo visualiza desde New York el futuro de la salsa o si lo prefiere de la música del caribe? ¿la Gran Manzana sí resulta tan influyente como los 60´s y 70´s?, ¿qué opina de los movimientos que surgen aisladamente en países europeos?
R. Soy optimista y veo a la salsa muy prometedora, la música del Caribe es parte de nuestra cultura; según vaya tomando auge la economía latinoamericana y seamos más en número en los países primer mundistas, así se moverá todo lo que simbolice lo nuestro. Creo que New York seguirá siendo influyente porque lo es en otras actividades humanas, al fin y al cabo es el centro financiero del mundo. Los movimientos musicales que surgen aisladamente en países europeos no son más que ecos de la música cubana de hoy, a pesar de que los músicos son excelentes, no tienen nada que ver con la música que puso a Cuba en el mapa.
A continuación relacionamos su discografía como líder:
Al Valdés y su orquesta Vol. 1 y 2
Up tempo Mood
La fiesta no es para feos
Descarga en el guateque
Charanga ranchera
A Cataño
Su piano y su sabor
De La Habana a New York
Debemos agregar que la participación de Alfredito como pianista en trabajos de otros grupos es muy extensa y comprende a músicos de la talla de Arsenio Rodríguez, Ray Barreto, René Bloch, Roberto Torres, Monguito, Henry Fiol, Son Sublime, entre otros.
P. Agradeciendo su colaboración y deseándole lo mejor, sólo una curiosidad de colombiano, cuéntenos de la participación de Juan Piña en su último trabajo.
R. El amigo Juan Piña le dio una pincelada muy bonita a mi producción. Está en mi agenda hacer algo con él independientemente en un futuro no lejano, Dios mediante. Un abrazo a todos…
La semana pasada, en la víspera de mi cumpleaños, el pianista, arreglista, productor y director musical José Lugo me hizo uno de los regalos más especiales que un aficionado salsero puede recibir, el cual compartiré con Ustedes al final de esta reseña.
Con la misma habilidad con la que un farmacéutico dosifica componentes para obtener la medicina adecuada, Luguito (como le decimos los amigos) ha “amalgamado” nuevamente ritmos, tiempos y voces en ¿Dónde Están? (2016) su cuarto disco como líder del Guasábara Combo.
Precedido por Piano con Mata (2003), Guasábara (2008) y Poetic Justice (2011), este nuevo disco mantiene la línea maestra de vanguardia y tradición que Lugo ha mostrado en los discos mencionados y reafirma su status como uno de los músicos boricuas más completos de su generación, aquella que dio sus primeros pasos en la Salsa de los 80s.
¿Dónde Están? se compone de doce temas compartidos en las partes vocales por JoséMa Lugo (hijo del líder del Combo) y Luis Omar Sanabria y con los coros de Pichie Pérez, Ricky Villanueva, Jorge Yadiel Santos (voz estable del Guasábara Combo) y un sobresaliente Lalo Rodríguez.
Pablo Padín, percusionista y “compinche” de Lugo desde los inicios del Guasábara, ofrece dos composiciones: “¿Dónde Están?” (lanzado semanas como avance de la producción) y “Dime Que Sí”. El compositor cubano Jorge Luis Piloto aporta dos temas más: “Y Todavía Duele” y “Pastilla de Alegría”, tema que el Doctor Lugo “receta” y vaticina como futuro éxito en nota de Salsa romántica.
Mis favoritos (aparte del track que da título al CD) son “Vete”, “Yo Te Quiero” y el instrumental “Taíno”, original de Mandy Visozo (uno de los héroes musicales de Lugo) donde figura el venezolano Luis Perdomo en el piano eléctrico Wurlitzer A200.
Menciones especiales merecen la versión del clásico de Luis Kalaff “Si Tú No La Otra” y la inclusión del tema “La Princesa”, que fuera interpretada por Rafael Cortijo y su Combo en la película “La Criada Malcriada” de 1965 (vean a Cortijo desde el minuto 6:54 de este enlace). Cortijo nunca grabó ese tema en disco y en la versión de Lugo, tributo al Maestro de la Bomba y la Plena, destaca el genial Giovanni Hidalgo en las Congas Solo.
¡Vaya forma de empezar el 2016! Luguito, Felicitaciones por este nuevo logro musical y Gracias de nuevo por ese detalle tan especial: tu mención hacia mi persona (junto a otros buenos amigos difusores de la Salsa en el Mundo) en los Créditos de ¿Dónde Están? ¡Oyelo que te Conviene!
Fuente: El Nuevo Día, Puerto Rico. Por: Ana Teresa Toro
El sonido no miente. No puede. Hay sonoridades que nos convocan, que nos resultan familiares y otras, pues no. No nos hacen ni cosquillas. Es a veces cuestión de empatía, de sintonía, en fin, que nuestros nervios y -¿por qué no?- también nuestra sangre, conectan con las ondas sonoras que nos invitan al movimiento, a la incomodidad o al placer.
Por lo general, es una cuestión de las culturas que nos han forjado, pero también, y en casos como este, de los procesos históricos relacionados a la movilidad de esas culturas. Se trata de la conexión puertorriqueña con los ritmos de las Antillas Menores. Para entenderlo, tomemos como ejemplo el calypso. Un género que nace en la segunda mitad del siglo XIX en la isla de Trinidad y que rápidamente se popularizó por todo el Caribe. Así lo expone en su texto Viajes de la música afrodescendiente (80 grados, 2012) el productor del programa radial Rumba Africana (WRTU) Errol Montes Pizarro, estudioso de la música africana y caribeña.
Montes Pizarro, explica además que el calypso es un ritmo que se origina en el mismo periodo en que en Liberia y Sierra Leona surge la llamada palmwine music (llamada así porque surge en bares donde la bebida más popular era -y sigue siendo- un licor fabricado fermentando la savia de una especie de palma), que pasa a diseminarse por África occidental.
"La relación entre estos dos géneros, es bien estrecha y continua, al punto que muchos de los artistas africanos que desarrollaron e interpretaron un género, también tocaban el otro. Desafortunadamente, esta relación cercana entre el calypso y la palmwine music no se reconoce y, cuando se menciona, las personas tienden a adjudicarle a uno el rol de precursor del otro. Sin embargo, ninguno de estos géneros es “raíz” del otro. Ambos se desarrollaron en un contexto de diálogos e intercambios mutuos", lee el ensayo que arroja luz acerca de los lazos originales de estos ritmos que han tenido resonancia constante con la música puertorriqueña.
En el caso del calypso, en la isla municipio de Vieques, la presencia es total y forma parte de la identidad de los viequenses. El documental Vieques, ¡manos arriba! de la profesora Nadjah Ríos Villarini se detalla el vínculo histórico de la isla con esta música.
Y es que el calypso, en un contexto general en Puerto Rico, es un sonido que muchas personas asocian inmediatamente con el espíritu festivo que se observa en el archipiélago antillano, con el turismo de cruceros y con algo cercano, más no enteramente familiar. Por ello, muchos puertorriqueños distanciados por la barrera del idioma y el legado colonial que complicó el flujo de personas entre las islas, no se sienten relacionados con un ritmo como este de manera directa. Pero las relaciones están ahí y fueron el fruto del periodo histórico en que la movilidad de una isla a la otra era verdaderamente sencilla. Incluso personas vivían en una isla y trabajaban en la otra, cruzando a diario el mar.
Aunque esto se vio manifestado en diversidad de orquestas, no es exagerado decir que la que lo trabajó de manera más profunda y contundente lo fue la orquesta de Rafael Cortijo. La canción titulada Calypso, bomba y plena, lo ejemplifica claramente.
"Había un movimiento literal de gente, de músicos que iban y venían entre las islas y que se relaciona con una historia más larga que es la de las migraciones intracaribeñas del siglo XVII, XVIII y XIX", anota el etnomusicólogo y cantidato doctoral de la Universidad de Columbia, César Colón Montijo, quien ha profundizado en sus estudios de la música caribeña con énfasis particular en la figura de Ismael Rivera "Maleo" en todas sus etapas.
"Por lo que he estado investigando hay unas relaciones musicales entre la música de Cortijo y otras orquestas del momento, relaciones directas con músicos del calypso y de otras músicas del Caribe que no son únicamente el son y la rumba cubana y eso se ve reflejado en el repertorio de Cortijo de distintas formas. De hecho, Cortijo iba a tocar a Curazao y a algunas de las islas", añade el antólogo de la publicación Cocinando suave: ensayos de salsa en Puerto Rico (Editorial El perro y la rana, 2015).
Colón Montijo acerca esa experiencia migratoria que describe a la historia de San Mateo de Cangrejos, que "era el lugar designado por la corona para los migrantes que no hablaban español", dice toda vez que recuerda lo significante de este dato si se piensa en la historia de ese barrio y de la bomba y la plena, así como de la salsa.
"Uno de los argumentos centrales de mi tesis va a ser que la música de Maelo y Cortijo nos permiten pensar la historia de la salsa con relación al Caribe no hispano para, de esa manera, retar el discursos sobre la salsa que se centra en Puerto Rico, Nueva York y Cuba", expone Colón Montijo quien a su vez nos recuerda que "existe calypso panameño, costarricense y venezolano, por ejemplo".
"Es una historia que no se cuenta mucho en Puerto Rico y en esos países es discriminado porque es calypso en inglés, hecho por inmigrantes de Barbados y Jamaica que se fueron a hacer el canal y se quedaron", detalla.
Cortijo y su combo, formó parte de ese intercambio. "Tocaron en los carnavales de Panamá del 1958 en adelante. Maelo posteriormente hace covers de esos grupos panameños con mezclas de inglés y español... Todo eso para decir que la música de Cortijo es reflejo de las migraciones históricas, los intercambios musicales que se dan entre gente que siempre se ha movido de una isla a la otra. Eso cambia en los años 30 con la presencia de los Estados Unidos que resulta en cosas tan absurdas como el hecho de que no podamos ir de Puerto Rico a Jamaica en avión", dice y aprovecha para destacar que los reguetoneros a través de colaboraciones musicales han retomado en menor escala esa conexión.
A su juicio y sin restarle al valor de otras agrupaciones, es enel sonido de Rafael Cortijo donde mejor se sienten esas relaciones. Los saldos están por ahí, sonando en la radio a diario y ni nos enteramos. "El autor de una canción emblemática de Maelo, El Nazareno, se llama Henry Williams, un hombre que era de las Antillas Menores según me contó el arreglista de Maelo, Javier Vázquez. También compuso San Miguel Arcángel".
Es cuestión de que cada día miremos más hacia la comunidad isleña a la que pertenecemos por designios de la geografía, sin las gríngolas que nos deja la experiencia colonial, para así poder abrirnos a la posibilidad de pensar nuestro país como lo que es, parte de un archipiélago antillano con infinidad de cosas en común que será fructífero recordar.
Fuente: El Nuevo Día, Puerto Rico. Por: Rosalina Marrero Rodríguez
Andy Montañez colmó de sabor a la San Sebastián
En una gran pista de baile se convirtió la Plaza del Quinto Centenario del Viejo San Juan y sus calles aledañas con la exquisita presentación del cantante Andy Montañez en esta edición de las Fiestas de la Calles San Sebastián.
El público movió sus brazos, caderas, piernas y cuerpos enteros al ritmo de la clave que le marcó la orquesta de “el Niño de Trastalleres” dirigida por el pianista Pedro de Jesús.
Andy Montañez se presentó puntual a las 7:30 p.m., y con una voz tan diáfana como en los principios de su carrera cantó un repertorio de éxitos que complació a quienes lo siguen desde El Gran Combo de Puerto Rico hasta la actualidad.
El clásico “Payaso” inició el espectáculo de una hora y media de duración. “Vámonos Puerto Rico, esas manos arriba. ¡Viva la san Sebastián!”, exclamó el cantante para agitar a la multitud que atestó la plaza y sus balcones.
“Recordando viejos tiempos” interpretó otro clásico, “Hojas blancas”.
Acompañado en los coros por sus hijos Andy Jr., y Harold y doce músicos, Montañez continuó motivando a los asistentes con peticiones como “Yo quiero ese coro” y “Hagamos una buya bien grande… que se oiga en la China” mientras sonaban los temas “Julia”, “Casi te envidio”, “Ay Cucu”, “El son de Santurce” y “Vagabundo”.
La fiesta salsera cerró con el orgullo nacional en su más alto nivel con “Puerto Rico patria mía”, que muchos bailaron en coreografías. Andy, entretanto, sonreía emocionado, como quien cumple su compromiso.
Pícara y sabrosa la India en las Fiestas
Ella se vistió con todo el brillo que encontró, pero por más lentejuelas que exhibió, su voz opacó todo lo demás.
La voz de India es cosa aparte. “Como canta esa señora”, decía con asombro el hijo de Andy Montañez, Harold, cuando aún la cantante no había subido a la tarima y no se equivocó. India canta y canta, no baila mucho –aunque quizás era por los tacos que se quitó porque le molestaban-, pero canta hasta dejar boquiabiertos.
Fuerte, como es toda ella, clara y cargada de picardía, la salsera se presentó este sábado como acto de cierre en la Plaza del Quinto Centenario ante un público que la abrazó con coros y frases de admiración. “India te la comiste”, le gritó un caballero que la observaba detrás de la valla que separaba la tarima de la multitud que abarrotó la plaza desde temprano en la noche.
El masacote comenzó con “Mi primera rumba”, dirigido por Isidro Infante. Desde ese momento la intensidad de la artista en tarima fue óptima.
“¡Que viva Puerto Rico y muchas bendiciones!”, fueron de sus primeras expresiones, las que luego se tornaron más pícaras. A los hombres boricuas les llamó “satos de verdad” para más adelante invitar a todos a “hacer el amor mentalmente”.
"El amor es dulce, es bueno, el amor no tiene precio", añadió.
La intérprete compartió temas de su más reciente producción “Intensamente India” y otros clásicos de su discografía. “Dicen que soy” fue uno de los más celebrados por el público que en muchos momentos la acompañó cantando.
“Dímelo”, “Háblame de ti”, “Sedúceme”, “Mi mayor venganza” y ‘Ese hombre” fueron parte de una presentación de altura, que ella se disfrutó tanto como los presentes. “Yo les voy a cantar hasta que me boten de aquí”, dijo cuando todavía restaban un par de canciones en el repertorio.
Tengo una anécdota con Yova Rodríguez. El año 2013 me hizo llegar su disco Letras, Canciones y Sueños el mismo que generó una reseña publicada en el blog y una entrevista para el programa que hacíamos por ese tiempo en La Mula (Ver Parte 1 y Ver Parte 2).
El hecho es que esa reseña escrita para La Radio de El Salsero fue publicada nada menos que en Descarga.com durante el tiempo que el CD estuvo disponible en esa web, la tienda de discos salseros más importante de internet.
Como muchos músicos y cantantes de la actualidad (y seguro que de tiempos pasados) Yova es un talento que tiene que bregar a “pulmón records”, o sea de manera independiente, para destacar en el mundo de la música. Son tiempos difíciles, donde la inversión en grabar un sencillo o disco completo no siempre retorna, pero los mismos no amedrentan a personajes como Rodríguez, cantautor que el año pasado publicó la recopilación Mi Musa en Voces de Amigos, siendo un motivo de orgullo especial para él que el gran Danny Rivera le haya grabado su tema “Libertad para Oscar”, dedicada al independentista boricua Oscar López Rivera, preso desde 1981 y con una condena de 70 años de prisión.
La semana pasada, Yova Rodríguez tuvo la gentileza de enviarme su nueva grabación titulada “Me Quedaré”, que refiere a esa “saudade” de los boricuas lejanos a la isla. Aparte de la letra, destaca nuevamente ese sonido típico, propio del Sakao Aká, arreglado y masterizado por el gran trompetista e ingeniero de sonido Nelson Jaime “Gazú”.
A Yova va mi agradecimiento por el envío y las felicitaciones por el nuevo disco y a Uds. les presento el nuevo tema de Geovanni Rodríguez, Yova para los salseros del Mundo entero. Oyelo que te Conviene…
SANTA MÓNICA, California — La fallecida diva cubana Celia Cruz, Earth, Wind & Fire y Herbie Hancock recibirán el Premio a la Excelencia Musical de la Academia de la Grabación.
Ruth Brown, Jefferson Airplane, Linda Ronstadt y RUN DMC también serán reconocidos con el Premio a la Excelencia Musical, anunció la academia el miércoles en un comunicado.
El Premio del Consejo Directivo será otorgado a John Cage, Fred Foster y Chris Strachwitz. Mientras que EMT y Dr. Harvey Fletcher recibirán el Premio Grammy Técnico.
Una ceremonia especial y concierto para celebrar a los galardonados se realizará en los primeros meses de 2016. Los detalles adicionales sobre la ceremonia serán anunciados en las próximas semanas.
Celia Cruz, fue una de las cantantes latinas más populares. Conocida internacionalmente com la Reina de la Salsa, grabó 23 álbumes certificados oro por sus altas ventas y recibió la Medalla Nacional de las Artes en Estados Unidos. A lo largo de su carrera Cruz recibió tres premios Grammy y cuatro Latin Grammy. Murió el 16 de julio de 2003 a causa de un tumor cerebral.
El Premio a la Excelencia Musical reconoce a los artistas que han hecho contribuciones destacadas al campo de la grabación, mientras que el premio del Consejo Directivo reconoce a personas que han hecho contribuciones en áreas fuera del campo interpretativo. Ambos premios son determinados por el voto del Consejo Directivo Nacional de la Academia de la Grabación.
El Grammy Técnico es determinado por el voto de la sección de productores e ingenieros de la Academia y son ratificados por el Consejo Directivo. El premio es otorgado a personas y empresas que hagan contribuciones técnicas relevantes en el campo de la grabación.
Hoy se hizo el primer anuncio de los artistas que se presentarán el próximo domingo 13 de Marzo en el Día Nacional de la Zalsa 2016:
Lalo Rodríguez
Papo Lucca y Sonora Ponceña
Charlie Aponte
Tito Rojas
Robeerto Roena
Johnny Rivera
Eddie Palmieri
Pete Perignon
Hermán Olivera
Choco Orta
Papo Sánchez
Sammy Rolo Gonzalez
Tito Cruz
Los principales homenajeados serán Lalo Rodríguez y Tito Rojas. Palmieri recibirá el Premio Estrella a la Trayectoria y Excelencia
Fuente: El País, Colombia. Por: Andrés Carmona Barrero
Richie Viera, productor y mánager puertorriqueño que ha seguido de cerca la carrera artística de salseros como Héctor Lavoe, Cheo Feliciano, Rubén Blades, Ismael Miranda y demás integrantes de la mítica Fania All Stars, surgida en 1968 en Nueva York, Estados Unidos, ha estado detrás de las tarimas desde que tenía doce años.
Se crió en los 'backstage' de los principales teatros de la 'Capital del mundo' donde se presentaban las estrellas salseras, aprovechando que su padrino era el empresario Jerry Masucci, fundador del sello Fania Récords.
Viera, quien participó por segunda vez en el Encuentro de Melómanos y Coleccionistas de la Feria de Cali, le contó a Elpaís.com.co sus inicios en el mundo de la música, algunos secretos de la Fania All Stars y cómo fueron los últimos días de vida de Héctor Lavoe tras varios episodios trágicos.
"Mi madre no parió un disco porque tenía que parir un muchacho, pues yo trabajo en la música, profesionalmente, desde los doce años. El dueño del sello Fania Récords era Jerry Masucci, quien era mi padrino, entonces tenía la posibilidad de entrar a todos los eventos 'backstage'. Además mi padre, Rafael Viera, era la mano derecha de Jerry", afirma Richie.
Tiene anécdotas y recuerdos de los primeros discos que se empezaron a producir bajo el sello de su padrino, que en diferentes momentos de la historia salsera tuvo otros títulos como Fania Récords Inc y Fania Inc.
"Tenía un trabajo que consistía en recibir las producciones o los 'test pressing', es decir, el primer vinilo o acetato que salía del estudio para yo escucharlo y decir si estaba bien grabado o habían errores", cuenta este boricua, quien junto a su padre tiene en San Juan, Puerto Rico, la empresa Viera Discos, la 'Catedral de la música latina' desde 1964.
Entre sus recuerdos musicales de esos LP de prueba tiene melodías de Roberto Roena, Cheo Feliciano, Ismael Miranda, Celia Cruz, Rubén Blades y todo los míticos de la Fania All Stars. Dice que de esas grabaciones aún hay muchos que nadie conoce y que son producciones inéditas de los grandes.
"Dentro esos 'test pressing' hay un tema que grabó primero Cheo Feliciano después de salir de Joe Cuba pero que la gente conoce solo en la voz de Ismael Rivera: el título de la canción es La Cumbita", afirma Richie.
La canción fue presentada durante el Encuentro de Melómanos. En su Facebook, Richie Viera montó una fotografía del folder en cartón donde está la grabación, acompañado de una dedicatoria de Cheo Feliciano.
Dice que en el año 2005, a orillas del río Hudson, en un lugar no mencionado por él, fueron rescatadas cerca de 6.000 grabaciones que habían sido guardadas por Masucci entre 1970 y 1980 durante una persecusión del Gobierno americano para cobrarle impuestos por las producciones.
"Jerry en un momento fue perseguido por el Servicio de Impuestos Interno, IRS, de Estados Unidos, pero como era mucho dinero, él simplemente cambiaba de nombre al sello y mandaba a guardar producciones en una bodega de New York sin decirle a nadie. Él alcanzó a invertir en la Fania cerca de cinco millones de dólares para posicionarla en los primeros lugares", afirma este productor boricua.
Dice que en lo encontrado hay grabaciones originales de la Fania, Sonora Ponceña, Ismael Miranda, Héctor Lavoe, Rubén Blades y seis producciones de los Hermanos Lebrón que nadie conoce.
Lo más valioso es que de allí se rescató la producción 'Fania All Stars San Juan 73', una presentacion de la orquesta en el coliseo Roberto Clemente que no había salido a la luz pública.
"La mayoría de lo encontrado se está perdiendo allá en ese almacenamiento, está abandonado porque la Fania la compró una empresa llamada Código que solo quiere vender camisetas y gorras con la imagen de Héctor Lavoe y los demás artistas a través de internet, sin saber lo que tienen entre las manos", afirma el reconocido productor.
Recientemente los Hermanos Lebrón afirmaron en entrevista a El País que “la Fania destruyó las vidas de mucha gente” porque las producciones de Lebrón no fueron promocionadas en Puerto Rico.
"Ellos jugaron un papel muy importante para la Fania, pero lo que pasa es que en ese momento (1970-1980) cuando mi padrino quería tener un artista y no lo podía firmar, iba donde el dueño de la casa discográfica y la compraba. Eran personas que no eran muy confiadas con nadie y a veces la desconfianza te hace ver cosas que no son o te deja pasar oportunidades", afirma Viera.
Dice que se ha reunido con ellos varias veces acá en Cali, incluso en la discoteca de los Hermanos Lebrón, donde han tocado el tema. "Les dije que cómo querían que los contrataran si no hacían promoción allá (en Puerto Rico)".
Viera compartió muchas veces camerino con leyendas de la salsa, incluso hasta con Héctor Lavoe, de quien supo hasta sus últimos días de vida en Nueva York.
"Sus últimos días fueron muy feos porque estaba orinado, defecado y las uñas de los pies y las manos llenas de excremento. Estaba sin dientes, no podía hablar. Héctor era un persona enferma, era una persona que vivió los excesos de la vida. Cuando tú haces algo bueno o malo, no importa, pero si lo vives en excesos te puedes morir", afirma Viera.
Recuerda a Lavoe como un niñito travieso que hacía muchas maldades. "Si tú te dormías, te pintaba la cara con un 'lipstick' de esos de mujer. Te ponía un sombrero, te manchaba la camisa, te tiraba una foto con cualquier cosa ridícula. Héctor era un niño grande", dice el productor boricua.
Pero de lo que no le queda duda es que Lavoe cuando subía a la tarima era un animal llamado el 'Rey de la puntualidad'.
"Tú le decías a las ocho te presentas y él decia espérame que estoy acá hablando con un amigo, ya voy, y podía quedarse ahí dos horas mientras la gente lo esperaba. Decía: "yo voy a salir a cantar, no te preocupes, solo deja que yo abra la boca en tarima". Él tenía un poder de convencimiento que cuando abría la boca no importaba", dice Richie.
Recuerda que si 'Jéctor' no llegaba a un show, la gente no pedía que le devolvieran el dinero de las entradas sino que se esperaba para verlo al otro día. Una entrada para ver a Lavoe en un teatro de Nueva York en los años 70 podía costar 15 o 20 dólares.
Cuenta que para contratar al 'Cantante de los cantantes' los empresarios tenían que pagarle entre 8.000 y 15.000 dólares, un buen dinero para la época. Por lo general Héctor accedía por 8.000 dólares.
Tiene una versión de que Lavoe no se intentó suicidar en 1988 tirándose de un noveno piso del Hotel Regency del Condado, en Puerto Rico. Afirma que a él lo empujaron.
"Si Héctor se hubiera querido matar eran bien fácil para él porque usaba heroína y era solo darse doble razón de heroína e irse en un viaje, mira como es de fácil. Así y todo él luchó por vivir a pesar de tener sida", indica Viera.
Era la segunda vez que sobrevivía: en 1987 Lavoe había saltado de un quinto piso en el barrio Queens, de Nueva York, luego de que su apartamento se incendiara.
Viera dice que en Colombia busca crear una agrupación All Stars que incluya a salseros de la ciudad.
"Quiero juntar los mejores músicos, compositores y arreglistas en un estudio de acá para hacer todo el repertorio y ver quiénes van a hacer duetos y quiénes solistas, eso quedaría en DVD. La idea es hacer un proyecto para que se presenten en el Superconcierto, en el Encuentro de Melómanos, que queden para la historia lo que se graba", afirma Viera.
Añade que por el momento está buscando patrocinadores que se quieran sumar a este proyecto, similar a lo que ya hace con la Puerto Rico All Stars, orquesta de la que es productor y mánager en su país y de la que han hecho parte grandes como Luisito Carrión, Papo Lucca, Luigi Texidor y otros grandes salseros.
Viera ha manejado artistas de salsa como Isaac Delgado, de Cuba, y hasta los últimos días fue el mánager de Cheo Feliciano. Lo ha sido también de Pedro Arroyo, Wichy Camacho y diferentes orquestas como la Sonora Ponceña.
Ha muerto Alfredo Chocolate Armenteros, el legendario trompetista cubano, héroe de mil y una batallas musicales y es obvio que surgen las remembranzas alrededor de su figura y obra.
En más de una entrevista que pude leer, Chocolate declara que en su carrera de más de seis décadas pudo recorrer el mundo, llegando a visitar 76 países. ¿Fue el Perú uno de los países en los cuales tocó Armenteros? ¿Cuántas veces lo hizo?
Diciembre de 1964. Culminada la Feria de Cali (edición recordada por un polémico fallo en el concurso de la Reina Internacional del Azúcar) en la cual fue una de las atracciones principales, Machito y sus Afrocubans viaja al Perú. Dentro de la nómina de músicos integrantes del big band están Armenteros y su tocayo Alfredo Valdés Jr.
Chocolate era uno de los trompetistas estelares y Valdés viajó como pianista sustituto (el “titular” era René Hernández) en esta gira sudamericana, cuya experiencia limeña se prolongó inesperadamente, debido a incumplimientos de parte del empresario (ir)responsable.
El asunto fue que la mayoría de los músicos de Machito (después de las presentaciones programadas) se quedaron varados en Lima, sin recursos para poder retornar, motivo por el cual Valdés Jr contactó con Manuel Guerrero (propietario de la disquera MAG) y ofreció sus servicios para grabar algunos discos, bajo el logo de Al Valdés Jr. y su Orquesta.
Chocolate destaca entre los músicos que grabaron estos temas: “ Que Rico Sabor”; “Guajira”, “Tabaquera”, “Pachanga se Baila Así”, “Corazón en Cristal”, “El Jaleo”, “Gózalo”, “Pachanga con Guaguancó”, “Aprieta (¿Oye como va?)”, “Dame tu Cariño”, “El Columpio” y “Si Me Pudieras Querer”, que aparecieron en Febrero 1965.
Alfredo Valdés Jr. cuando estuvo en Lima el año 2010
Con el motivo de obtener los originales de esa grabación (que por estos vaivenes casuales se convirtió en su primer disco como solista) Valdés Jr. llegó a Lima el año 2010, ocasión en la que pude conocerlo y departir más de un momento especial, uno de los cuales fue en la cabina de Radio Libertad, con Manuel Paredes en su programa Rincon Caliente.
Pero volvamos a Chocolate. La segunda (y creo que última) visita de Armenteros a Perú fue a finales de 1978, cuando era integrante de La Sonora Matancera. Víctor Montero, en su libro “Tiempo de Matancera” hace el recuento de esa gira que incluyó Iquitos, Trujillo, Huacho, Arequipa y Lima, donde tocaron para la Fiesta de Fin de Año de la Hacienda Villa y al día siguiente, 1 de Enero, en la explanada del Estadio Alianza Lima.
Don Jorge Eduardo Bancayán, creador del espacio radial “Hit Parade Latino” y quien fue el encargado de presentar a la Sonora en esta gira, recuerda el carácter bromista de Chocolate quien se “jugaba” con todos, incluido Don Rogelio. Por aquel entonces ya era furor el tema “Mala Mujer” vocalizado por Jorge Maldonado.
La relación personal y profesional de Valdés Jr. con Chocolate apenas empezó en aquella época de los 60s con Machito y después se prolongó en los años de la SAR, Caimán y Cobo. Es por eso que, siendo una de los colegas con quien más alternó en tarimas y estudios de grabación, esta tarde llamamos a Don Alfredo a su casa en Queens para recordar al amigo que recién partió.
Armenteros falleció el pasado miércoles 6 de Enero. Haber tocado y grabado con Arsenio, El Beny, La Matancera, Machito, Cachao, Eddie y Charlie Palmieri, entre muchísimos otros; haber sido director musical de la SAR, invitado en más de un “All Stars” y haber sido trompeta solista en cientos de discos: todo eso no es poca cosa. Para Valdés Jr. el mérito principal de Chocolate es “haber hecho la transición entre la música popular cubana de los 50s y la música popular de New York en los 70s y 80s”.
Cierro la nota con mi charla de esta tarde con Don Alfredo Valdés Jr. ¡Oyelo que te Conviene!
