Fuente: El País, Colombia. Por: Ossiel Villada Trejos

Corría 1975. Donald Trump aún no aparecía por el vecindario, pero la semilla de su discurso discriminatorio contra los hijos del Sur  ya estaba sembrada en el  ‘American Way Of Life’. Y el arte no escapaba a aquella tiranía. Aunque ya para la fecha los inmigrantes de todo el Caribe ajustaban casi cinco décadas de  aporte a la historia musical estadounidense, en el prestigioso Premio Grammy no existía ni una sola categoría para reconocer el talento latino.

Algunos músicos influyentes, como el  pianista judío Larry Harlow, empujaban de tiempo atrás la idea de crear ese premio. Y el objetivo se alcanzó a finales de 1974. Pocos meses después, el 2 de marzo del año siguiente, en el Uris Theatre de Nueva York, se anunció al primer ganador de la categoría de Mejor Grabación de la Música Latina.

Un pianista salsero de origen neoyorquino, apellido italiano y ascendencia boricua  -- barbudo, un poco gordo, medio loco y absolutamente genial --, subió a reclamarlo. A sus 39 años de edad, Eduardo Palmieri Maldonado escribía su nombre en una página de oro de la música latinoamericana.

40 años después ese mismo pianista  interrumpe una sesión en su casa de Manhattan para atender mi llamada desde Cali. El diálogo será breve porque se alista para salir al estudio de grabación. Y a mí, la verdad, más que escribir un artículo, lo que me atrae es averiguar un poco más de ese extraño disco con que ganó el primer Grammy para un latino.

‘The Sun Of The Latin Music’ es considerado por muchos eruditos como el mejor disco que se haya grabado en toda la historia de la Salsa. Y por eso mismo es uno de esos discos de culto que no resultan fáciles de escuchar ni de digerir.

La primera vez que me atreví a poner en las sesiones rumberas de mi barrio el emblemático tema ‘Un día bonito’, absolutamente fascinado por algo que ni yo mismo entendía,  estuve a punto de ser linchado, con plena justificación.

Claro, para mis amigos no era fácil pasar de un estribillo como “… la temperatura sube, sube; sube la temperatura” , a un tema denso y magistral que abre  con un interludio de piano de seis minutos bajo las influencias del neoclasicismo de Stravinsky y la vanguardia del Jazz, para después dar paso a una serie de efectos electroacústicos, que luego conectan con una comparsa cubana y desembocan finalmente en un poderoso guaguancó. Demasiada dureza para una esquina dura.

Todo eso sin contar la sorpresa que el oyente  se lleva al saber que semejante transatlántico instrumental le da paso a un cantante que solo contaba 16 años en el momento en que se hizo la grabación:
un adolescente con una voz casi sobrenatural, capaz de alcanzar registros altísimos con la claridad de una  mañana soleada.

La historia cuenta que después de ese disco se le calificó como la mejor voz de la Salsa. Y también cuenta que, después de su corto paso por la banda de Palmieri, todo ese talento apenas si alcanzó para un superfluo pero millonario éxito de la salsa erótica  titulado ‘Ven, devórame otra vez’.  Ubaldo ‘Lalo’  Rodríguez hoy está por los 56 y aún goza la fama de aquel premio.

Cuando le pregunto por el asunto, Palmieri se ríe y me contesta que casualmente cuando entró mi llamada estaba escuchando ese tema como preparación para su nuevo disco. Hoy, el Dios de los melómanos es generoso conmigo.

Maestro Eddie. ¿Qué  pasaba por su cabeza cuando creó algo tan extraño  como ‘Un día bonito’?

Lo que yo he hecho toda mi vida es arte. Y el arte nace a partir de observaciones de uno mismo e influencias de otros. Yo tuve grandes maestros que me enseñaron a tocar música clásica desde los 11 años, y de ellos aprendí el gusto por  las variaciones y las extensiones de la música  clásica. Y todo eso, más lo que aprendí de los grandes maestros de la música cubana,  está ahí, en el ‘Día bonito’.

‘Lalo’ Rodríguez tenía 16 años y recién lo habíamos traído a La Perfecta. Antes de eso habíamos ido de gira a California y un día, entrando al hotel, el bajista le dijo al conserje: “Qué día más bonito el de hoy”. Y el señor le contestó: “Aquí siempre son días bonitos en California…”

Yo me quedé con la frase en la cabeza y después escribí la letra y trabajé los arreglos con mi amigo, el gran trombonista Barry Rogers, y nos dimos la libertad de sacar todo lo que teníamos en la cabeza. Para poder dar calidad en el arte yo siempre he escogido los mejores músicos, y Barry era el mejor;  un músico con tremenda formación  que después de mi orquesta se fue al Jazz, porque  estaba preparado para hacer música mundial. Y así nos ganamos el primer Grammy después de 17 años de espera.

¿Y no cree que tal vez también tuvo un poco de suerte…?

Eso no existe. La suerte es cuando la oportunidad se encuentra con la preparación. Y eso es lo que yo le aconsejo a la juventud: la preparación para poder buscar su propia personalidad a la hora de tocar. Eso solo se logra con el estudio. Y después, ya vendrá la oportunidad.

Eddie Palmieri sabe exactamente a qué se refiere cuando pone tanto énfasis en la palabra preparación. Descendiente de inmigrantes italianos que cruzaron el océano  para llegar a Ponce, Puerto Rico, fue influenciado desde sus primeros años por el ambiente musical de la familia, donde guitarra y bajo eran una constante. A los 5 ya cantaba boleros de Daniel Santos y tocaba las maracas, mientras su hermano mayor, Carlos Manuel – Charlie Palmieri – ya era un genio del teclado.

A los 11 años empieza sus clases de piano clásico, en agotadoras jornadas que le enseñan todos los secretos de la técnica purista y la grandeza de la música universal.  Pero, en medio de los rincones del South Bronx, es el ritmo frenético de la calle el que se instala en su oído y su corazón.

Gracias a la influencia de su hermano Charlie, reconocido ya como una autoridad en el ambiente musical neoyorquino, Eddie logra iniciar desde antes de los 20 años una rápida  carrera que le permite conocer a fondo  las complejas facetas de la música cubana, y particularmente los secretos de la clave, esa célula básica sobre la que está cimentado todo el edificio de los ritmos afrocaribeños.

Pasa por la banda del bajista Johnny Seguí,  después integra la orquesta de Vicentico Valdés y de allí salta a una breve estadía en la formación del vibrafonista Pete Terrace. Por último, antes de volar como solista, Palmieri permanece dos años junto a la expresión máxima de la cadencia y la elegancia: el gran Tito Rodríguez.

Lo absorbe todo: desde las disonancias de Thelonius Monk, hasta las diferencias entre el guaguancó, la columbia y el yambú. Y en 1961 todo está ordenado en su cabeza para crear la mítica orquesta que sentaría las bases de lo que harían después todas las bandas que desarrollaron el concepto conocido comercialmente como ‘Salsa’, incluida la ampulosa Fania All Stars.

En un ambiente que había fluctuado durante largo tiempo entre la armonía portentosa de las big bands y la elegancia sabrosa de las charangas, Palmieri  desarrolló un nuevo sonido que reflejaba la dureza del barrio,  la agresividad de la calle, la lucha cotidiana del inmigrante.

Fue una verdadera revolución sonora. La Perfecta, integrada por  una docena de músicos, compite ferozmente en el mítico salón de baile ‘Palladium’ con bandas legendarias de la época como las de Machito, Tito Puente y Tito Rodríguez.

¿Por qué bautiza a su banda ‘ La Perfecta’?

Porque así sonaba. Cuando salió La Perfecta nadie había visto una orquesta así: dos trombones al frente, acompañados con flauta. Desde el  punto de vista de la estructura parecía una charanga, pero en vez de violines tenía trombones. Por eso mi hermano la bautizó como una ‘Trombanga’.  Y después de La Perfecta salieron orquestas con trombones por todo lado. Pero La Perfecta sorprendió a todo el mundo y por eso era única.

¿Y cómo logró ese sonido particular que estaba a medio camino entre la agresividad y la sabrosura?

Gracias a músicos como el gran Barry Rogers y el gran José Rodriguez, que llevaron el trombón a un registro y a una expresión única. Barry tenía una forma muy particular de hacer sus solos. Era único, nadie ha podido llegar a eso. Pero además, La Perfecta  también tenía una sección rítmica con los mejores músicos. El ritmo en la orquesta de Vicentico Valdés eran Manny Oquendo, Tommy López y Mike Collazos, y después los tres tocaron  conmigo en La Perfecta.  Yo siempre he escogido a los mejores músicos.

Cualquier melómano que medianamente haya escuchado y estudiado la evolución de los géneros agrupados bajo la etiqueta ‘Salsa’ sabe que frente a Eddie Palmieri no caben las comparaciones. No aplica aquello de que “suena parecido a …”

En su largo recorrido  entre los géneros afrocaribeños puros, el Jazz y la música clásica, su música siempre ha sonado distinta a la de todos y distinta incluso, de sí misma.  No es gratuito que en los círculos académicos se hable de  un ‘Sonido Palmeriano’, explosivo, inconforme, ardiente, por momentos etéreo.

Palmieri nunca siguió el rebaño. Jamás pensó sus obras en la línea tradicional que siguieron músicos de su misma época, como todos los del sello Fania.

En los arreglos palmerianos  los trombones suenan como una jauría de lobos hambrientos, las trompetas se alzan hirientes hasta las nubes, los timbales son casi tambor de guerra. El mismo Palmieri ataca el piano como si fuera una conga –no es gratuito que le bautizaran el ‘rompeteclas’–, mientras mueve los ojos desorbitados, gesticula y emite sonidos guturales.  Con Palmieri siempre hay sorpresas.

¿Qué es la Salsa para Eddie Palmieri?

La salsa no tiene significación para mí. La Salsa, como dijo Tito Puente, es solo para los spaghettis. Lo que importa para mí es la música bailable que viene de la raíz de África y después se encuentra en el Caribe y pone al mundo a bailar. Esa es la que sigo estudiando y trabajando.

¿Por qué la música afrocaribeña ya no suena como  La Perfecta?

Porque se graba más pensando en vender discos que en hacer arte. Todo artista, naturalmente, quiere que su disco sea de éxito y quiere vender. Pero hoy eso es lo único que prevalece. Y en esos discos ya no se hacen ‘solos’. Y por eso mismo es que si hoy en día tú te vas a bailar con una pareja, yo les recomiendo que lleven un par de almohaditas, porque se van a quedar dormidos bailando.

Eso pasa porque a la Salsa le quitaron la tensión y la resistencia que tiene que haber para poder llegar a un climax musical máximo. Y a eso se llega después de un solo de piano con un solo de bongó o conga.
Y eso va creando  más tensión y resistencia hasta que se llega al mambo. Eso ya no existe. Y eso es lo que va a tener este disco que estoy grabando.

 ¿Cómo va a ser ese disco?

Es un disco dedicado a mi señora, se llama ‘Mi luz mayor’ y estará sonando en febrero próximo.  Ahora mismo estamos grabando con 20 músicos. Cinco temas los va a cantar Gilberto Santa Rosa, incluido el que le escribí  a mi esposa.

Y los otros cinco los hará Herman Olivera, el sonero al que yo bauticé como ‘La voz del Caribe’. Entre ellos estará un tema que grabó el gran Tito Rodríguez, llamado ‘Abarriba cumbiaremos’ y que es dedicado a Colombia. También voy a tener Carlos Santana tocando el tema ‘Mi Congo’, que se lo cambié para rock.

Van a salir primero dos clásicos – ‘Pa la ocha tambó’ y ‘Vamonos pal monte’ –  con nuevos arreglos hechos por José Madera para una orquesta de 20 músicos. Y también estoy trabajando en ese disco con el gran arreglista Ray Santos, que tocaba saxo tenor con Machito, Tito Rodríguez y Tito Puente;  el único arreglista que queda vivo de esa época.

En mi nuevo disco vas a oir un solo de bongó, un solo de timbal, uno de conga, uno de bajo, de trompeta, trombón.  Te puedo asegurar que ‘Mi luz mayor’ va a ser la mejor grabación de música latina de todo el siglo 21.  Ese disco se los dejaré a los estudiantes jóvenes y cuando escuchen ese trabajo se van a asustar. Viene con potencia concentrada.

Mientras lo escucho hablar, pienso que tal vez la música de Palmieri tiene algo que detiene el paso del tiempo, revitaliza la energía y desafía a la muerte.

No hay otra razón para explicar porqué, solo meses después del fallecimiento de doña Iraida González, su eterna compañera de vida, y con casi 80 diciembres a cuestas, este hombre suena alegre, desafiante, prometedor, más vivo que nunca.

¿Por qué bautizó ese disco así, maestro?

Porque mi suegra me dijo una vez a mí que mi señora era mi luz mayor. Entonces yo le escribí un número para ella y le pedí a Gilberto que lo cantara en este nuevo disco.

 ¿Y cómo es seguir viviendo sin ella?

Hay un vacío muy grande en mi alma. Porque ella era mi guía espiritual. Y eran 60 años casados, más dos de novios. Y falleció de cáncer. Pero antes de morir ella escuchó todas las canciones de este trabajo, y por eso decidí grabarlo en su honor con los mejores músicos del mundo.

Maestro, ¿ya terminó de conocer el piano?

El piano no se termina de conocer nunca. Ahora mismo yo estoy buscando una maestra porque Estoy preparándome para tocar dentro de un año y medio mi música con una orquesta sinfónica que estará acompañada de tambores batá. La vamos a presentar en el Carnegie Hall y necesito un maestro que me ayude en la preparación de ciertas composiciones mías en música clásica.

Al otro lado de la línea, en Manhattan,  ya acosan a Palmieri. Pero antes de despedirse me confiesa: “Es un honor tocar en Cali, porque es la Capital Mundial de la Salsa, y allá ustedes bailan muy bien. Estoy loco por poder hacerlo”.

Colgamos. La ventana no miente: en la Sucursal del Cielo, como casi siempre, el de hoy también es ‘Un día bonito’.

Fuente: El Heraldo, Colombia. Por: Andrea Jiménez

Adalberto Santiago, Ismael Miranda y ‘Perico’ Ortiz sacaron lo mejor de su repertorio para complacer al público en la última gala de Barranquijazz.

“Nadie se salva de la rumba”, llegó avisando Adalberto Santiago, potente, como si no supiera nada de las canas que cubren su cabeza, ni de sus 78 años.

La orquesta Guasábara, de José Lugo, nueva sangre salsera boricua, lo secundó en su demostración musical. Un homenaje tempranero a la ciudad, tarareando “En Barranquilla me quedo”, fueron sus “buenas noches”, para no guardarse nada y continuar con su éxito La noche más linda del mundo.

El clásico No volveré emocionó al público del salón Jumbo del Country Club, que se contagió de la frescura y emoción de Santiago, el primero de los miembros de la mítica Fania en subirse al escenario de la cuarta y última gala de Barranquijazz.

Ay, caray, esa que canta que “en este mundo de malos, el bueno no tiene nada”, puso la cuota bailable en su punto más alto. Doug Beavers, de los Titanes del Trombón, acompañó a Santiago en esta canción.

Santiago arrancó los aplausos del público, que se puso de pie y se cansó de pedir “¡otra, otra!”, porque Adalberto no regresó.

Era momento de darle paso a un Señor Sereno, el tema con el que abrió su segmento Ismael Miranda, el ‘Niño Bonito de la Salsa’.

Lewis Kahn, prodigio de la música, escoltó en el violín a un Miranda que hizo gala de su mote vestido de esmoquin, pañuelo en el bolsillo, de aspecto impecable.

El ‘Niño Bonito’ ‘subió’ a la tarima, con su voz, a Cipriano Armenteros, protagonista de uno de sus éxitos musicales, un tema que aplaudió y coreó el Jumbo, así como ocurrió con la intervención de Luis ‘Perico’ Ortiz, el otro miembro de la Fania que completó una de las nóminas más esperadas y elogiadas de Barranquijazz.

La previa al show, Adalberto, Ismael y Perico fueron a rendir homenaje al desaparecido cantante colombiano Joe Arroyo...

Este es el video publicado por Tony Succar, a raíz del reclamo que presentó por la descalificación de su disco Unity: The Latin Tribute to Michael Jackson, dentro del proceso de elección de los Latin Grammy.

Se dice que el motivo de la descalificación fue que el jurado concluyó en que el disco no era "suficientemente latino" como para pasar a las nominaciones finales.

Adicional al video, Succar publicó la carta que les dirigió a los miembros de LARAS.

Comparto con ustedes esta importante carta que viene desde el fondo de mi corazón para las personas del Latin Grammy con el fin de lograr un resultado positivo. Hasta el día de hoy, esta carta continúa sin recibir una respuesta.

No recibí nada a excepción de un simple:

“Nos encontramos muy avanzado en el proceso de premiación como para tener la disponibilidad de considerar este caso a fondo.”

——–

Estimada ***,

Gracias por su respuesta. La semana pasada me encontraba verdaderamente ocupado alistando todos los materiales para nuestra premier en PBS. Le envío aquí el adelanto que PBS acaba de enviar para nuestro show, en caso de que guste verlo.





Volviendo a su nota y con respecto al conteo de palabras… Le pido el favor de tomarse el tiempo para tomar en cuenta las siguientes preguntas/preocupaciones.

A propósito, le envíe una copia a Mr. ****** acerca de este caso. Con todo respeto Señor ******, pienso en verdad que debería revisar este caso personalmente, puedo enviarle una lista detallada de toda la correspondencia enviada hasta la fecha. También incluí en el correo a mi disquera Universal Classics y Universal Latin Entertainment en la conversación.

Cuando usted afirma que:
Los álbumes deben contener 51% o más de tiempo total de material nuevo* en Español o Portugués, que no haya sido previamente lanzado

A mi entendimiento, un tiempo total constituye un espacio de tiempo medido en horas, minutos, segundos y milisegundos. Por lo tanto, contar un número de palabras no significa que está midiendo el tiempo. La longitud de las palabras es variable, por ello para cumplir con las viñetas que me envió se debe medir correctamente la longitud de las palabras que se cantan en el álbum. Esto es lo que hice, y los porcentajes eran muy distintos a los que me acaban de enviar a mí.

Yo realicé el conteo de palabras, y aunque me parece ridículo que debamos contar palabras a fin de emitir un juicio adecuado de un álbum, hacer esto me hizo notar las cosas que hacen que todo este “proceso de investigación” absurdo. Tome la primera línea del documento como ejemplo:

Uh-huh huh huh huh

Fueron contadas como 4 palabras en inglés.

¿Desde cuándo son las palabras uh y huh consideradas como palabras en inglés? En mi defensa, quien dice si el cantante o los coristas están cantando uh? Si usted lo hace sonar hacia fuera, realmente escucharía un “ah”.

Si este es el caso, entonces ¿no sería “ah” supuestamente considerada una palabra en español? Cuando grabé la canción, hice que los coristas cantaran Ah … y luego ooo … pero definitivamente no estaba pensando “bueno, es esto Español o Inglés?” … Los efectos de vocales son voces armonizadas que son muy comunes en cualquier idioma y por supuesto se utilizan en muchos géneros musicales.

No estoy seguro de quién exactamente se tomó la tediosa tarea de contar palabras, Que Dios lo bendiga … Pero esto demuestra que se trataba de un enfoque muy robótico que involucra 0% de lógica musical y, sobre todo, muestra que internamente no existe un método de “investigación” adecuado para cuando pasan este tipo de situaciones. Me di cuenta de esto al principio cuando en repetidas ocasiones le pedí a **** más información acerca de cómo se calculan los porcentajes, y sobre lo que “el libro de normas” (si existe) del Grammy Latino dice acerca de este procedimiento. Ella sólo se dedicó a copiar y pegar la misma viñeta que me dieron, la cual es obviamente muy vaga en su contexto, y no explica en nada lo que respecta a la forma en que se debe calcular el “tiempo total en español”.

Por lo tanto, lo que usted me ha enviado claramente NO, como señala la evidencia, muestra una “investigación” adecuada que concuerde con el “material de investigación” como usted lo ha querido hacer ver. Si los Grammy Latinos van a pegarse de un método tan arbitrario, entonces debe haber un procedimiento propiamente establecido con un lenguaje escrito muy detallado/específico que lo apoye. De otra forma, todo este “número de palabras / conteo de tiempo” o como usted lo quiera llamar es muy subjetivo y lo peor de todo es que no tiene sustancia musical alguna. Volvamos a lo básico, no se trata de juzgar libros, es la música quien nos preocupa. Entiendo que el lenguaje deba ser tomado en cuenta en la ecuación, pero para situaciones como estas donde la música se encuentra en esa delgada línea entre “izquierda o derecha / negro o blanco / Inglés o español”, lo lógico es simplemente mirar toda la ecuación y factorizar el resto de los valores que componen una obra maestra musical.

Lo más preocupante de esta situación Ann es que ninguno de ustedes me ha enviado una respuesta coherente en todo este proceso de “investigación”. Viniendo del Grammy Latino yo esperaría algo muy diferente.

Corto y conciso … **** me escribió claramente y me dijo que ella ESCUCHÓ el ÁLBUM, y en resumidas cuentas se burló de mí diciendo “¿Cómo puede no estar de acuerdo con la decisión?”, Como si yo no fuera lo suficientemente competente para realizar un juicio apropiado de mi propio proyecto. Mientras tanto, ella declaró falsamente que 2 canciones fueron cantadas en español, y determinó que el álbum tenía sólo el 17% en español. Entonces mi padre tuvo una conversación con el Sr. ****** en la oficina de LARAS del Doral, ****** afirma que escuchó el álbum y determinó que el álbum está en un 40% en español, y ahora usted concluye que es solo 29,9% en español con un número de palabras que es extremadamente cuestionable. Una persona dice que es tiempo, y otra quiere decir que son palabras, pero en la definición de álbum dice “tiempo total”.

***, *****, ****, ****, *****, y el resto del equipo de Latin Grammy … es EVIDENTE que existe un GRAVE defecto en la forma en que las grabaciones se están manejando. Estoy seguro de que tienen una gran cantidad de discos por revisar, y quizás es imposible dedicar suficiente tiempo para todos y cada uno de los álbumes, pero sin duda tiene que haber un protocolo apropiado a seguir que vaya en paralelo con lo que se supone que el Latin Recording Academy representa.

Quisiera pedirles el favor de retroceder por un momento y analizar la situación desde una perspectiva más musical, más allá de un procedimiento arbitrario tan oscuro. Para nosotros tener que sentarse y literalmente contar palabra por palabra para probar un punto, que se supone que es un punto musical, es algo que nunca hubiera pensado que tendríamos que llegar a hacer ni siquiera en mi sueño más descabellado a fin de calificar para una pre-nominación al Grammy Latino, en especial cuando se trata de un proyecto en el que todo es sobre lo Tropical / latino. Por favor utilice el instrumento que todos usamos con el fin de sentir la música, nuestros oídos. Cierre los ojos y simplemente escuche. La música no entra a través de los ojos en un documento de Microsoft Word. Hay instrumentos, arreglos, ritmos, orquestaciones, tantas cosas que suceden al mismo tiempo y si simplemente se colocan a escuchar a este proyecto, no habrá duda en la mente de nadie de que este es un proyecto tropical. Le expliqué esto parte por parte a **** en mis primeros correos electrónicos; incluso le expliqué nuestro # 1 en las listas Billboard Latino Tropical, la actividad en las listas de “Latin Radio”, nuestras apariciones en los medios de comunicación Latinos – Univision y Telemundo (Despierta América, Nuestra Belleza Latina, Un Nuevo Día, etc, etc, etc.) A decir verdad, yo no sé cuánto más Latino se puede conseguir hacer el proyecto.

La música es para mí mucho más que sólo un recuento de palabras, en realidad, es todo aquello que va antes de un número de palabras. En palabras de Quincy Jones “La música es la única magia verdadera de la vida.” Eso lo dice todo. El hecho de que hemos producido un álbum que incluye letras originales de las canciones de Michael, no significa que se trata de un disco de pop. Mezclar Inglés y Español en la música ha estado alrededor por décadas. Estoy seguro de que usted conoce de esto muy bien, que los hispanos en los EE.UU. están en constante crecimiento a un ritmo rápido, y la mayoría de nosotros somos de la generación del milenio; crecemos hablando español en nuestras casas, pero con amigos que son tan estadounidense como se pueda ser. El ser bilingüe es nuestra naturaleza, ¿por qué no crear música de esta manera?, yo veo los conceptos bilingües como una oportunidad para que nuestra verdadera CULTURA LATINA siga evolucionando para llegar a más y más gente.

He escuchado, DEMASIADAS veces, a discos que se consideran “Latinos”, y por supuesto “pasan” su proceso de nominación y ganan, cuando tienen, literalmente, 0% cultura musical latina en sus producciones. Discos que son, básicamente, producciones de baile con letras en español. Y yo no soy nadie para juzgar, pero sólo quiero mencionar esto ahora como referencia, pero en realidad, ¿está esto realmente añadiendo a la evolución y la preservación de la música latina? Su institución lleva el nombre de los Latin Grammys, no los Grammys en español. Aquí tenemos una producción en la que todo es latino, todos los ritmos, los sonidos, los arreglos, los artistas y músicos, los ingenieros. Grabados en Puerto Rico, Miami, Perú, donde nuestro enfoque es preservar el sonido y la cultura latina, e incluir letras en español en una forma de buen gusto. Donde Respetamos las canciones originales de Michael y usted nos está diciendo que nosotros, el elenco de más de más de 100 personas que trabajaron en este proyecto de 5 años, ¿no merecemos la oportunidad de ser reconocidos por nuestro proyecto entre nuestra comunidad de la música latina? ¿Una comunidad que todos sabemos que apoya este proyecto? La mayor parte de quienes han escuchado este disco son latinos (y usted puede utilizar Google como su referencia), especialmente en el círculo de los profesionales de la música y los críticos, ellos están muy impresionados con el nivel de calidad del proyecto y lo identifican como latino. Pero, de nuevo, ellos están escuchando el disco, no están simplemente leyendo la letra.

La razón principal por la que soy parte de la familia GRAMMY, NARAS y LARAS, se debe a la integridad artística que afirman representar; para premiar la excelencia en el arte y ciencia de la grabación, otorgado por y para los artistas por sus logros artísticos. En este punto, lo que más me duele es el tipo de tratamiento que he recibido y la falta de integridad que se ha demostrado por su equipo. Si usted lee las conversaciones con ****, se dará cuenta de lo mal que esto ha sido manejado.

En conclusión, y en respuesta a su correo electrónico, su investigación/materiales de investigación no “satisfacen mis necesidades” (muy bonita y diplomática elección de palabras ******). Sin embargo, lo más preocupante es que demuestran una gran falla en la forma en que usted y su equipo manejan el proceso de premiación. Al final del día, esto no sólo hace daño a sus miembros, sino que nos muestra que la verdadera esencia de la música latina es secundaria e insignificante para la academia. Para nosotros, la Academia representa “los más prestigiosos premios de la industria de la grabación”; para todos los miles de latinos, artistas, productores, músicos e ingenieros que sueñan con ser reconocidos por sus vidas de trabajo, quienes invirtieron un innegable e inmenso tiempo / dedicación / esfuerzo / sangre, sudor y lágrimas. Aquellos de nosotros que tomamos mucho orgullo en nuestro trabajo, y verdaderamente hacemos esto por todas las razones correctas, nuestra percepción es muy diferente y mantenemos al Grammy en el más alto pedestal.

Sin embargo, toda esta experiencia ha sido muy desalentadora y decepcionante para todos los que trabajaron en este proyecto. Incluyendo muchos músicos que han recibido premios Grammy, los artistas, y los ingenieros. Se siente como una discriminación hacia nosotros y todos estamos consternados, horrorizados y entristecidos por la forma en que se ha manejado el asunto. En esa medida, sólo porque verdaderamente me importa lo que se supone que la Academia representa para nosotros, me gustaría pedir una reunión con el Sr. ****** aquí en Miami tan pronto como sea posible para ayudar a que esta negativa y lamentable situación pueda tener un resultado positivo a largo plazo. Yo siempre he creído en lo que mi corazón me dice, y esta actitud es lo que me abrió camino hacia proyectos muy exitosos, incluso cuando estuve en contra de todas las probabilidades. Soy verdaderamente apasionado y dedicado a la música, sobre todo a la música latina, mis raíces latinas, y a la integridad de la música de calidad en general.

Creo que el proyecto UNITY lo refleja.

Sinceramente,

Tony Succar

P.S. Los invito el 9 de octubre a las 9 pm a sintonizar en PBS para ver la premiere de nuestro concierto en vivo. Cuando vean esto en vivo, les garantizo que no habrá duda en su mente en cuanto a que tan Latino es este proyecto realmente. Hay una razón por la que se está poniendo en marcha en la celebración del mes de la Herencia Hispana para honrar con orgullo nuestra cultura latina, si escuchan la música sabrán claramente el por qué.

Maestro Eddie Palmieri, ganador de 10 premios Grammy y mundialmente reconocido como uno de los mejores pianistas, arreglistas y compositores en la música Afro‐Caribeña, lanzó hoy al mercado dos nuevos “singles” de sus famosos temas: "Vámonos Pa'l Monte" esta vez con arreglos y orquestación de banda extendida (“Big Band”) y "Pa'La Ocha Tambó", grabada por vez primera en un estudio.

"Vámonos Pa'l Monte" ha sido un éxito internacional por varias décadas; un himno para los latinos. Lanzado al mercado en 1971, esta pieza era una extensión de los temas políticos abarcados en su álbum “Justicia” y en otras piezas como “Revolt/ La Libertad Lógico” y una respuesta a la turbulencia social y política de los 60’s y comienzos de los 70’s.

Eddie entendió que el crimen y la pobreza eran síntomas de la injusticia que siempre están presentes en cada generación, y en consecuencia, se requería de un canto de batalla que fomentase una revolución cultural.

Tal y como dijo el co‐autor de la canción y cantante Ismael Quintana: “la letra trata de lidiar con las injusticias en el mundo. Se trataba de ‘salir de este caos insensato y de tanta negatividad en la que vivimos e irnos para la montaña; ‘pa’l monte’”

La grabación original incluye a su hermano mayor, Charlie Palmieri, quien ejecuta un solo

de órgano que Eddie describe como “un monstruo! Lo que hizo Charlie en esa pieza nunca será igualado!”

Con arreglos del percusionista José Madera, esta versión contemporánea es un arreglo para una banda extendida que incluye la crema y nata de músicos basados en Nueva York. Ahora con Herman Olivera como cantante líder, Palmieri cariñosamente se refiere a esta pieza como “un clasico.”

Por otro lado Palmieri graba (por vez primera en estudio) su tema “Pa’la Ocha Tambó”, recordando que el arreglo original fue concebido y terminado solo un día antes de que se grabara en vivo en la

Prisión de Sing Sing en 1972.

La orquestación original fue realizada por Rene Hernández. Esta versión incluye un solo en el tres de Nelson González y también a Herman Olivera como cantante líder.

Las similitudes entre las dos grabaciones se encuentran en la manera en que los fraseos rítmicos de la banda expanden la musicalidad del tema. Es la manera clásica e infatigable como Palmieri entiende las armonías y melodías afro‐caribeñas ‐ típicas de su estética musical, lo que le imparte el aspecto moderno a esta versión. Esta grabación es la esencia del clásico estilo Palmieri que pone al mundo a bailar!

Eddie Palmieri II, su hijo y manager por más de 20 años, fue un factor determinante durante la concepción y ejecución de estas nuevas versiones. Fue él quien motivó a su padre para embarcase en el proyecto de crear arreglos de Big Band para “Vámonos Pa'l Monte”, aspirando a igualar la icónica grabación original que incluye a su tío Charlie Palmieri. También fue Eddie II el que impulsó a

grabar por primera vez "Pa' La Ocha Tambó" en un estudio, una tarea que estaba pendiente por más de 40 años, desde que se grabara por única vez en vivo en la Prisión de Sing Sing.

Los nuevos singles "Vamonos Pa'l Monte" y "Pa' La Ocha Tambó", ya están disponibles en iTunes, Amazon, Spotify, Deezer y otros portales de música digital. Una CD de Edición Limitada para coleccionistas también estará disponible muy pronto.

Esta tarde estrenamos ambos temas y muy pronto tendremos una emisión especial con la participación del propio Maestro Palmieri presentando estos nuevos temas y comentando su nuevo trabajo musical. Los dejamos con unos extractos del estreno emitido esta tarde de "Vamonos Pa'l Monte" y "Pa'la Ocha Tambó"

Estos son los discos y artistas nominados al Gramyy Latino 2015. La ceremonia está programada para el jueves 16 Noviembre 2015 en el MGM Grand Gaarden Arena en Las Vegas

Mejor Álbum de Salsa:
Para álbumes vocales o instrumentales que contengan por lo menos 51% de tiempo total grabado con material nuevo de Salsa.

• Son De Panamá - Rubén Blades Con Roberto Delgado & Orquesta  [Ruben Blades Productions]

• Jukebox Primera Edición -  Luis Enrique  [Ariel Rivas Music]

• Que Suenen Los Tambores -  Víctor Manuelle  [Sony Music Latin/Kiyavi]

• Son 45 -  Ismael Miranda  [Im Records/Kiyavi]

• Estaciones - Rey Ruiz  [Luna Negra Productions Inc.]


Mejor Album Tropical Contemporáneo
Para álbumes vocales o instrumentales que contengan por lo menos 51% de tiempo total
grabado con material nuevo de música Tropical Conteporánea.

• Buen Camino -  Lucas Arnau  [Arnau Musica]

• Lloviendo Estrellas -  Leslie Grace  [Sony Music Latin]

• Presente Continuo -  Guaco  [Latin Pulse Group]

• Todo Tiene Su Hora -  Juan Luis Guerra 4.40  [Capitol Latin/Universal Music Latin Entertainment]

• Johnny Sky -  Johnny Sky  [Premium Latin Music, Inc.]


Mejor Álbum Tropical Tradicional
Para álbumes vocales o instrumentales que contengan por lo menos 51% de tiempo total
grabado con material nuevo de música Tropical Tradicional.

• #SiguedeModa  - Checo Acosta  [Codiscos]

• Tributo A Los Compadres No Quiero Llanto -  José Alberto "El Canario" & Septeto Santiaguero  [Los Canarios]

• Homenaje A Tito Rodríguez -  Rafael "Pollo" Brito  [EBD Records]

• El Alma Del Son – Tributo A Matamoros -  Alain Pérez  [Warner Music Spain S.L./Peermusic]

• Locos Por El Son -  Sonlokos  [No Pares Records]


Mejor Canción Tropical
Premio al Compositor(es). Una canción debe contener por lo menos el 51% de letra en Español
y deberá ser una canción nueva. Solamente sencillos o cortes.

• Agua Bendita -  Andrés Castro & Víctor Manuelle, songwriters (Víctor Manuelle)  Track from: Que Suenen Los Tambores  [Sony Music Latin/Kiyavi]

• Cómo Duele El Silencio -  Edgar Barrera, Efraín Dávila, Guianko Gómez & Leslie Grace,  songwriters (Leslie Grace)  Track from: Lloviendo Estrellas  [Sony Music Latin]

• Tú Tienes Razón (Bachata) -  Gusi, songwriter (Gusi)  [Sony Music/Peermusic]

• Tus Besos -  Juan Luis Guerra, songwriter (Juan Luis Guerra 4.40)  Track from: Todo Tiene Su Hora  [Capitol Latin/Universal Music Latin Entertainment]

• Ya Comenzó -  Alex Cuba, Luis Enrique & Fernando Osorio, songwriters (Luis Enrique)  Track from: Jukebox Primera Edición  [Ariel Rivas Music]


Mejor Álbum de Jazz Latino
Para álbumes vocales o instrumentales que contengan por lo menos 51% de tiempo total
grabado con material nuevo de Jazz Latino.

• Jazz Meets The Classics -  Paquito D'Rivera  [Sunnyside / Paquito Records]

• Jazzeando -  Eddie Fernández  [The Orchard]

• Ayer Y Hoy -  Iván "Melón" Lewis  [Cezanne Producciones]

• Negroni Piano +9 -  José Negroni  [Sony Music Latin]


• I Make You Want To Move -  José Valentino Ruiz & The Latin Jazz Ensemble Featuring Giovanni Hidalgo  [JVR Music Works Inc.]


Otras nominaciones:

 - Juan Luis Guerra y 440, en la categoría Grabación del Año con su tema "Tus Besos"

- Rubén Blades con Roberto Delgado y su Orquesta, en la categoría Album del Año con su disco Son de Panamá

- Juan Luis Guerra y 440, en la categoría Album del Año con su disco Todo Tiene su Hora

- Gianmarco, en la categoría Canción del Año, con su composición "Vida de mi Vida"y en la categoría Mejor Album Cantautor con su disco Libre

- Iván "Melón" Lewis, en la categoría Mejor Nuevo Artista

- Gilberto Santa Rosa, en la categoría Mejor Album Vocal Pop Tradicional con su disco Necesito un Bolero

- Ed Calle y Mamblue, en la categoría Mejor Album Instrumental con su disco Dr..Calle Presents Mamblue

- Ciro Hurtado, en la categoría Mejor Album Folclórico con su disco Ayahuasca Dreams

Fuente: Primera Hora, Puerto Rico

La experimentada orquesta puertorriqueña Zaperoko lanzó su producción musical “30 aniversario”.

El grupo de música afrocaribeña, liderado por el trombonista Edwin “Zaperoko” Feliciano, presenta un disco que celebra sus 30 años de trayectoria en el pentagrama musical nacional e internacional.

En “30 aniversario”, Feliciano explora diversos ritmos afrocaribeños, pero predomina la salsa.

“Hicimos un disco bien variado, en el que exploramos la versatilidad musical que siempre nos ha caracterizado”, indicó el músico, quien fue nominado al Grammy en la categoría de mejor álbum de salsa, en el 2004, por su trabajo como director y productor musical del disco “Música universal” de Truco & Zaperoko.

La nueva producción, que fue grabada en el estudio del productor musical José Lugo y fue realizada gracias a la aportación del National Endowment for the Arts y el Instituto de Cultura Puertorriqueña, cuenta con 10 canciones y con las participaciones de destacados instrumentistas que han sido parte de la historia de Zaperoko, entre ellos Tito de Gracia, Kalani Trinidad, Jan Santana, José Lugo, Efraín Hernández, Antonio “Toñito” Vázquez, Darvel García, Gino Meléndez, Chegui Ramos y Chelo Rodríguez.

En la grabación participaron como cantantes invitados Noel Rosado y Luis “Chaiky” González, que también forman parte de Truco & Zaperoko; Roberto René Ortiz, Osvaldo Román y Jose Carlos Ribot. En la producción también participó la cantautora Nore Feliciano, hija del director musical de la agrupación, cantando la canción “Cría”, un tema brasileño originalmente grabado por la cantante María Rita. La cantautora hizo la traducción de la letra al español.

La producción está a la venta en formato físico y digital. El primer sencillo promocional de este trabajo es “Yo nací del África”, una composición de Arsenio Rodríguez con arreglo musical de Feliciano.

La orquesta Zaperoko fue fundada por Edwin Feliciano y el percusionista y cantante Frankie Rodríguez en 1983. Con tres producciones musicales (“Cosa de locos”, “Still Crazy” y “Tarde en la noche”), Zaperoko se destacó ampliamente en el Caribe, Centroamérica, Sudamérica y Europa, y fue una de las primeras agrupaciones en trabajar con la fusión del songo con ritmos puertorriqueños y afrocaribeños, entre otras vertientes musicales. Grandes músicos han pasado por esta agrupación, entre ellos Giovanni Hidalgo, William Cepeda, Ángel "Cuquito" Palacios, Giovanni Lugo y Tony Jiménez.

Luego de un hiato de aproximadamente 15 años en los que se concentró en trabajar en su fusión con Truco & Zaperoko, Feliciano regresa con su magnum opus, Zaperoko, “30 Aniversario”, trabajo que resume su trayectoria.

Fuente: El Heraldo, Colombia. Por: Catalina Rojano Ovallos

El trombonista estadounidense habló sobre su trayectoria y su proyecto musical Titanes del Trombón, con el que esta noche se presentará en el Teatro Amira de la Rosa.

Uno de sus conciertos más explosivos y contundentes del Barranquijazz Festival 2015 será el que esta noche brindarán en el Teatro Amira de la Rosa los Titanes del Trombón liderados por el trombonista estadounidense Douglas Beavers, quien reúne en su proyecto musical a 11 afamados músicos del mundo.

En el concierto, ‘duros’ del trombón como Lewis Khan y Reynaldo Jorge, evocarán el sonido clásico del jazz y la música latina propio de Nueva York, rindiendo un homenaje a la orquesta La Perfecta, del neoyorquino Eddie Palmieri y al Conjunto Libre, del percusionista norteamericano Manny Oquendo.

Movido por la intención de sacar adelante un proyecto de latin jazz “de alto nivel”, que incluyera descargas cubanas de la década de los 50 y la presencia de quizá los mejores trombonistas de Nueva York, Beavers creó Titanes del Trombón. El artista habló con EL HERALDO sobre su trayectoria musical y la de su agrupación, y anticipó que hoy presentarán ‘Sunflowers’, un tema que escribió especialmente para Barranquijazz.

¿Por qué surgió la idea de realizar un proyecto en el que el trombón fuera el protagonista?
 Con Titanes del Trombón quise hacer un tributo a los grandes trombonistas, de dos idiomas: los de jazz y los de música latina. Me pareció muy importante resaltar a trombonistas como el cubano Generoso Jiménez -quien tocó con artistas como Benny Moré-, Jack Teagarden, Barry Rogers y J. J. Johnson, entre otros. Estos hombres no solo fueron grandes trombonistas sino también increíbles arreglistas y compositores. Ellos tenían el oído para saber dónde debía ir un trombón.

Doug Beavers, Luisito Quintero y Danilo Pérez, esta noche en tarima del Barranquijazz


¿Y dónde cree que se puede poner a sonar un trombón?
En la música latina es perfecto, porque los trombones dan mucha potencia a la música; son como motores. Un ejemplo de eso son la orquesta de Mon Rivera, en Puerto Rico, y La Perfecta, de Eddie Palmieri. De hecho, con Palmieri empecé mi carrera profesional, he tocado muchas veces y he aprendido mucho de él, quien ha sabido incluir los trombones en su grupo. Barry Rogers y José Rodríguez eran los trombonistas de La Perfecta, y estos se ajustaban tan bien a la estructura de las partituras que al momento de llegar el clímax de un tema era cuando entraban fuerte los trombones.

¿Qué caracteriza a los Titanes del Trombón?
 Nosotros estamos introduciendo algo nuevo en el sonido. La orquestación es muy especial porque no solo tenemos trombones, sino también tubas, cornos franceses, violines, violas y chelos, entre otros.

¿Qué significa el trombón para Douglas Beavers?
Es un instrumento que lleva energía, fuerza y potencia a las orquestas y a los grupos. Pienso que suena como la voz humana, se puede modular casi de igual forma que esta. El trombón ofrece un campo muy amplio para expresar  diversos sentimientos y emociones en la música. Pienso que en el momento que entran los trombones, nada es como eso.

En los Titanes del Trombón ha reunido a algunos de los más grandes trombonistas ¿cómo ha logrado que su proyecto hoy sea una realidad?
He trabajado con ellos por mucho tiempo. Cuando yo entré a la orquesta de Palmieri por seis años, ahí tocaban Johnny ‘El Dandy’ Rodríguez y George Delgado, que ahora hacen parte de Titanes del Trombón. Y después trabajé en la Spanish Harlem Orchestra, donde encontré a mi gran hermano, Luisito Quintero. Desde ese entonces he escrito temas para él y para muchos otros músicos. Cuando quise ver, estaba rodeado de todos estos músicos de alto nivel, a quienes ahora considero como familia.

¿Quiénes son esos músicos que considera como si fueran de su familia?
A Barranquilla he venido con 11 de ellos, entre los que se encuentran cuatro trombones. El costarricense Luis Bonilla y dos estrellas de La Fania, Reynaldo Jorge y Lewis Khan -quien también trajo su violín- están en esa lista. Sé que el público de Barranquilla va a disfrutar del show a lo máximo, porque lo que vamos a presentar es algo natural. Para el grupo y para la música en general, que siempre pide algo diferente, esto lo vamos a presentar en el Amira. Tengo mucho orgullo de todos estos músicos que me acompañan y estamos listos y sin miedo para poner a gozar al público barranquillero.

Eddie Palmieri, ganador de 10 premios Grammy y mundialmente reconocido como uno de los mejores pianistas, arreglistas y compositores de música Afro-Caribeña, lanza al mercado dos nuevos “singles” de sus famosos temas: (1) "Pa'La Ocha Tambó" y (2) "Vámonos Pa'l Monte" esta vez con arreglos y orquestación de banda extendida (“Big Band”).

Estos nuevos singles vienen al mercado luego de que Palmieri lanzara sus últimos 2 álbumes “Listen Here" y "Simpático", cada uno ganador del prestigioso premio Grammy.

El tema Vámonos Pa'l Monte ha sido un éxito internacional por varias décadas; un himno para la genta Latina. Lanzado al mercado en 1971, esta pieza era una extensión de los temas políticos abarcados en su álbum “Justicia” y en otras piezas como “Revolt/ La Libertad Lógico”.



Tal y como dijo el co-autor de la canción y cantante Ismael Quintana: “la letra trata de lidiar con las injusticias en el mundo. Se trataba de ‘salir de este caos insensato y de tanta negatividad en la que vivimos e irnos para la montaña; ‘pa’l monte’.” La grabación original incluye a su hermano mayor, Charlie Palmieri, quien ejecuta un solo de órgano que Eddie describe como “un monstro! Lo que hizo Charlie en esa pieza nunca será igualado!”

Con arreglos del percusionista José Madera, esta versión contemporánea es un arreglo para una banda extendida que incluye la crema y nata de músicos basados en Nueva York. Con Herman Olivera como cantante líder, Palmieri cariñosamente se refiere a esta pieza como “un clasico.”




En el segundo single, por primera vez, Eddie Palmieri graba “Pa’ La Ocha Tambó” en un estudio. El famoso pianista apunta que el arreglo original fue concebido y terminado solo un día antes de que se grabara en vivo en la Prisión de Sing Sing en 1972. Este se suma al magnetismo y virtuosismo eléctrico de la grabación original que presenta a Ismael Quintana como cantante líder.

“Estos dos nuevos singles serán unos “killer hits“, dice Eddie Palmieri. “Nuevas versiones de temas clásicos; uno de ellos orquestado con una banda extendida y con los mejores músicos que existen en el género afro-caribeño en la ciudad de Nueva York, la “Meca” de la música en el mundo.”

Los nuevos singles "Vamonos Pa'l Monte" y "Pa' La Ocha Tambó", estarán disponibles en iTunes, Amazon, Spotify, Deezer y otros portales de música digital desde el Viernes, Septiembre 25 y una CD de Edición Limitada para coleccionistas también estará disponible muy pronto.




Gilberto Santa Rosa comparte su emoción de haber grabado con Palmieri. Fuente:Primera Hora

Innovador, creador, estilista, una leyenda viva de la música latina... Eddie Palmieri. Su aportación a la música y su sello particular le han asegurado una página dorada en el libro de este género musical y ha servido como inspiración a muchos que, como yo, han seguido su carrera y han disfrutado de sus presentaciones y grabaciones. La pasión y el respeto que este legendario puertorriqueño tiene por la música y los músicos no solamente es admirable, sino también contagiosa.

Como si fuera poco todo lo que me ha regalado este oficio de cantante, hace unos meses -por conducto de mi buen amigo Luis Álvarez- recibí la llamada del maestro Palmieri invitándome a formar parte de su nueva grabación.

Después de una semana dejándonos mensajes mutuamente, pudimos comunicarnos.

Él me hablaba de sus planes, del repertorio de los arreglistas, destacando al maestro Ray Santos y la participación de su cantante estrella, Herman Oliveras, a quien distingo, aprecio y respeto como cantante, sonero y persona. Así, entre anécdotas y canciones, conversamos largo rato mientras yo no salía de mi asombro e iba entendiendo que, en efecto ¡me disponía a grabar con Eddie Palmieri!

Varios meses después de las conversaciones se materializó el encuentro. Llegué al estudio Alfa del querido Héctor Iván Rosas con una puntualidad que obedecía más a mis nervios que a la disciplina. Estaba tan nervioso como aquel mes de abril de 1976 cuando grabé por primera vez con el maestro Mario Ortiz. Entro al estudio y me encuentro a Palmieri rodeado de su equipo de trabajo y nada más y nada menos que de Jerry Medina (cantante original de Batacumbele) y Juan Pablo Díaz (cantautor puertorriqueño); grandes intérpretes, dos generaciones de talento extraordinario.

Palmieri, gran conversador y contador de historias, escoge compartir algunas anécdotas de su repertorio, muchas de ellas relacionadas con las canciones que me disponía a cantar. De esa manera - cual psicólogo musical- consigue que yo me relaje un poco para entrarle a la tremenda y seria tarea de cantar en el disco de Palmieri, ¡con Palmieri desde el control  mirándome y escuchándome!

Para calentar motores, “el Rumbero del Piano” escoge el bolero Que falta tú me haces del maestro Bobby Capó, con un arreglo magistral de Ray Santos. La atmósfera se torna un poco emocional; Palmieri recuerda y me hace saber la falta que le hace su querida e inolvidable esposa doña Iraida, fallecida el año pasado, lo que aumenta el nivel de responsabilidad para mi trabajo.

Me uno a Jerry y a Juan Pablo para grabar los coros... ya me siento más relajado, y el maestro con sus comentarios y aprobación me va dando más confianza. Termina la sesión, nos vamos a descansar y me dirijo a prepararme para el segundo día de grabación: el más importante. Tengo que llevar al sonero que vive en mí a su máxima expresión para poder estar a la altura de Eddie Palmieri, su orquesta, los arreglos y a mi colega Herman.

Llegado el gran día me siento bien, el ambiente sabroso para trabajar; cantamos, reímos, bailamos, recordamos y, por qué no, lloramos un poco de la emoción y la nostalgia.

Gracias maestro Eddie Palmieri por regalarme esta experiencia y por la confianza en mi talento, por su trato cariñoso y respetuoso, por confiarme la canción La luz mayor, misma que es la piedra angular de este proyecto.

Y aquí voy en un avión rumbo a la Florida, con una sonrisa mientras escribo, disfrutándome todavía el privilegio de haber grabado con el maestro Eddie Palmieri...

¡Camínalo!

Fuente: Granma, Cuba. Por: Rafael Lam

Dimensión Latina había estado anteriormente en Cuba en el verano de 1979, en el estadio Guillermón Moncada, de Santiago de Cuba, alternando con Adalberto Álvarez y el conjunto Son 14.

“Aquella visita –recuerda Adalberto- fue muy significativa, Dimensión vino acompañada por el cantante Andy Montañez. Entonces el empresario Orlando Montiel hizo las gestiones para que Son 14 participara en el Festival de la Divina pastora en Barquisimeto, Venezuela, donde estuvimos 12 días y ganamos el Premio Crepúsculo Dorado. Después regresamos en otro momento para presentaros frente a Oscar D´ León en el Poliedro de Caracas”.

Dimensión Latina es una orquesta patrimonio de Venezuela, se apoya de la música cubana en un 75 % y ha grabado 75 discos. De sus integrantes de aquella primera visita a Santiago de Cuba, solamente quedan tres: El trombonista y director César Monge, Elio Pacheco, José Rodríguez.

“Cuba es para nosotros el faro de la música de América –asegura César Monge—, es el patrón básico de nuestra orquesta. Eso no se puede cambiar. “Lo que Cuba dio al mundo es tan grande que eso queda para siempre. Yo me desarrollé en mi casa en Caracas, escuchando la emisora Radio Progreso, que difundía lo mejor de las orquestas y los conjuntos de la Isla”.

Por la orquesta Dimensión Latina pasó Oscar D´León, quien dejó de conducir un autobús para convertirse en músico.

En 1972 Oscar D’León buscó afanosamente y emprende un proyecto de mayor envergadura salsera: Dimensión Latina con la dirección del trombonista César "Albondiga" Monge y el pianista Enrique "Culebra" Iriarte.

Se estrenan el 15 de marzo de 1972 en el centro nocturno "La Distinción". En 1973 la orquesta graba su primer disco de larga duración y tiene su primer éxito, con el tema Pensando en ti, por lo que son contratados para participar en las fiestas del carnaval de Maracaibo. El primer gran hit internacional de la agrupación fue Llorarás, compuesto por el mismo Oscar y grabado junto al bolerista Vladimir Lozano.

Dimensión Latina se apoya en una cuerda de cuatro saxofones, muy usual en bandas salseras y en una base rítmica de conjunto sonero cubano. Un estilo propio de la década de 1970.

Pues bien, la presentación de Dimensión Latina en el festival Habanarte fue un verdadero suceso, respaldado por un entusiasta público cubano y venezolano. Tocaron Frutas del Caney, del compositor cubano Félix B. Caignet, el Zun zun dadae, de Rogelio Martínez, y Mira que eres linda, de Julio Brito, demostrando que no abandonan el repertorio imprescindible de la música de la mayor de las Antillas.

“Vinimos a este evento en La Habana –afirma Monge-, porque sabemos que en la década de 1990 aconteció un verdadero boom de la salsa cubana, uno de esos logros fue Isaac Delgado, quien ahora cantó con nosotros en este concierto en el Teatro Nacional.

“También quisimos encontrarnos con Adalberto Álvarez, que es ya un clásico del Son en Cuba.

“También nos interesa alimentarnos de la historia de la música cubana, que tanto interés despierta en Venezuela y en toda América. No olvidemos que a los carnavales de Caracas asistían siempre importantes orquestas cubanas, que dieron vida a las fiestas de mi país”.

Dimensión Latina se presentó también en el escenario del Salón Rosado Benny Moré, de La Tropical, donde se presentó el 8 de septiembre con la orquesta del salsero de la Isla Emilio Frías (El Niño y la Verdad) y un día después con NG La Banda del profesor José Luis Cortés.

“Es un honor para Dimensión Latina –termina diciendo César Monge- haberse presentado con algunos de los soneros y salseros consagrados y con la nueva generación de la música bailable cubana. Estamos complacidos, llevamos muchas experiencias y buenos momentos para Venezuela”.

Empezó la cuenta regresiva. El próximo 02 de Octubre será el lanzamiento del nuevo disco del 35 Aniversario del Grupo Niche.

Mientras tanto, este es el video oficial de "Niche Como Yo", adelanto de esta nueva producción

La música de Machito y Tito Puente, "el rey del timbal", con la que hicieron historia y que reinó en el Palladium de Nueva York, será revivida en un concierto esta noche en homenaje a las "big bands" que les acompañaron durante varias décadas.

La orquesta del cantante y compositor cubano Machito (1912-1984), que desempeñó un papel clave en la creación del jazz afrocubano, dirigida por su hijo Mario Grillo, será la encargada de llevar al público a una travesía de la música de su padre, en el Lehman Center for the Performing Arts en El Bronx, que celebra los 35 años de su fundación.

"Vamos a tocar los temas que representan los años 40, 50 y 60 de la música. Y, como lo que es bueno es bueno y dura cien años, los interpretaremos igual que fueron compuestos, con la diferencia que será con la energía de nuevos músicos y otros 'sazonados' de las orquestas de Machito y Puente", dijo a Efe Mario Grillo.

Tendrán como invitados a Giovani Hidalgo, considerado el mejor percusionista latino, el pianista Emilio Morales y el tresista y guitarrista Nelson González,

"Será un concierto muy especial, una noche extraordinaria, de música sublime", dijo el músico, que ha continuado con el legado de su padre, el primer afrocubano en estar al frente de una de las big bands más importante de esa época.

Destacó que este año la orquesta celebra 75 años "de darle la vuelta al mundo" y recordó que un año después de que su padre la fundara llegó su tío Mario Bauzá (1911-1993) como director musical.

"Cuando mi padre se fue al ejército en 1943, llegó mi tía, la gran cantante Graciela", que fue conocida como "la reina del latin jazz" y "la madrina" de los ritmos afrocubanos, indicó.

Grillo aseguró además que está complacido de poder tocar en El Bronx junto a los integrantes de la Mambo Legends Orchestra, compuesta por algunos de los músicos de Tito Puente, luego de que su orquesta fuera disuelta tras su muerte, el 1 de junio del 2000, mientras era sometido a una intervención quirúrgica.

La Mambo Legends Orchestra, liderada por John "Dandy" Rodríguez, y que tiene como director musical a José Madera y Mitch Frohman tendrá la responsabilidad de interpretar la música del "rey del timbal".

Grillo indicó además que aunque su padre grabó más de cien discos, con un promedio de diez tema en cada uno, elegirá para mañana entre los temas más conocidos como "Qué bonito es Puerto Rico", "Bailan Cha chá y guaguancó", "Piñero tenía razón" o "Ahora sí", entre otros.

La Habana, (AIN) La Empresa de Grabaciones y Ediciones Musicales (EGREM) y la homóloga estadounidense Sony Music Entertainment, firmaron ayer en La Habana contratos para la distribución internacional a gran escala de la música cubana, comprendida en el catálogo de esta disquera nacional.

Con la participación de Edgar Berger, Presidente Internacional de Sony Music, Afo Verde, Presidente de Sony Music para Latinoamérica, España y Portugal, y Mario Escalona, Director General de la EGREM, tuvo lugar este hecho legal de carácter inédito en la historia de la discografía cubana.

Los acuerdos abarcan las producciones fonográficas y audiovisuales realizadas, ininterrumpidamente desde la década de 1960, que integran el más amplio catálogo atesorado en la nación antillana.

Cerca de 30 mil canciones generadas durante este período serán procesadas y preparadas para circular en los más diversos y avanzados formatos de la era digital, con el fin de expandir ese mítico repertorio a todos los lugares del mundo.

Así, la obra de artistas como Bola de Nieve, Elena Burke, Ibrahim Ferrer, Compay Segundo, Celina González, César Portillo de la Luz y Guillermo Rubalcaba, por solo citar algunos, será divulgada y distribuida a través de los diversos canales que posee Sony Music Entertainment.

También agrupaciones como La Orquesta Aragón, Irakere y Los Van Van –incluyendo el disco “La Fantasía. Homenaje a Juan Formell-, formarán parte de este prolífero proyecto de colaboración.

Es un honor para Sony Music llevar a todos los rincones del mundo esta música icónica que representa cinco décadas de cultura cubana, aseguró  Edgar Berger en conferencia de prensa.

Asimismo, agregó que durante dos años trabajaron en este maravilloso proyecto que hoy se hace realidad con el beneplácito de que estas grabaciones de tan talentosos artistas podrán recorrer el orbe.

Estamos muy agradecidos por la confianza que EGREM  ha depositado en nuestra compañía; nos encontramos trabajando en preparar este gran tesoro para que esté disponible en todas las plataformas posibles de música y video, precisó por su parte Afo Verde.

Vemos en este acuerdo una oportunidad para el manejo conjunto durante los próximos años de nuestro catálogo; el liderazgo de la EGREM, sumado al de Sony Music, será la mejor forma de dar un nuevo impulso a la difusión mundial de la música cubana, aseguró por la parte nacional Mario Escalona.

Fundada en 1929, Sony Music Entertainment es la segunda de las tres grandes compañías discográficas que dominan el mercado mundial musical.

Perteneciente a Sony, esta es una empresa estadounidense que está integrada, a su vez,  por un conjunto de varias compañías discográficas menores.  

El Gran Combo de Puerto Rico será reconocido por los Latin Grammy


Gato Barbieri, Ana Belén y Víctor Manuel, Ángela Carrasco, Djavan, El Gran Combo de Puerto Rico y Pablo Milanés recibirán el Premio a la Excelencia Musical de la Academia Latina de la Grabación.

Mientras, Federico Britos, Humberto Gatica y Chelique Sarabia serán reconocidos con el Premio del Consejo Directivo.

La información fue ofrecida ayer por la academia en un comunicado.

Los homenajeados de este año serán reconocidos el 18 de noviembre en el KA Theatre del MGM Grand Hotel & Casino, como parte de las festividades de la edición 16 de los Latin Grammy.

Los Premios a la Excelencia Musical son otorgados a artistas que han realizado contribuciones de gran importancia creativa en el campo de la grabación. Se eligen por la votación del Consejo Directivo de la Academia Latina de la Grabación. El Premio del Consejo Directivo se entrega a individuos que han realizado importantes contribuciones, excluyendo interpretaciones, en el campo de la grabación durante sus carreras, también se definen por votación del consejo.

El cantautor cubanoPablo Milanés


Ana Belén y Víctor Manuel han actuado y colaborado durante más de cuatro décadas. En la década de 1980, el dúo alcanzó fama internacional con "La Puerta de Alcalá". Milanés es reconocido como uno de los fundadores de la nueva trova cubana y sus canciones, como "Yolanda" y "El breve espacio en que no estás", se han convertido en himnos.

Ángela Carrasco, originaria de República Dominicana e hija del guitarrista Blas Carrasco, ha tenido una carrera de más de 30 años. El cantautor brasileño Djavan ha grabado más de 30 álbumes, que incluyen sus composiciones más aclamadas como "Meu Bem Querer" y "Oceano".

El Gran Combo De Puerto Rico cumplió en 2012 su 50 aniversario como embajadores de la música puertorriqueña y se mantiene en activo. Por su parte el saxofonista argentino Gato Barbieri es considerado una leyenda viviente del jazz.

El violinista uruguayo Federico Britos


Britos, compositor y violinista uruguayo, ha colaborado con renombradas orquestas sinfónicas de Cuba, Perú, Uruguay y Venezuela y ha trabajado con músicos como Cachao, Bola de Nieve, Juan Luis Guerra y Astor Piazzolla.


El productor musical e ingeniero de sonido chileno Humberto Gatica ha trabajado con Celine Dion, Michael Jackson, Luis Miguel, Alejandro Sanz y Shakira, entre otros. Mientras que el compositor venezolano Chelique Sarabia tiene un catálogo de más de 1,000 canciones, incluyendo el himno "Ansiedad" popularizado por Nat King Cole.

Otra mañana triste. Despeertar y enterarnos de la partida de otro querido músico, animador del movimiento salsero.

Tras sufrir una larga enfermedad, esta madrugada ha fallecido el pianista Wayne Gorbea. Nuestras condolecias a su familia.

A continuación un resumen de la carrera musical del recordado Wayne.... Descanse en Paz!

(n. 22 de octubre de 50, Manhattan, NYC, de ascendencia puertorriqueña) Músico de salsa, pianista, percusionista, productor, arreglista, compositor, jefe de la etiqueta. Comenzó a estudiar violín y orquestación de secundaria 65; pronto se cambió a la trompeta; tocó conga en calle rumbones (percusión de rumba y sesiones de improvisación vocales); hicieron conciertos amateurs. Se desilusionó con la escuela; se unió a US Army 69-71; aprendió piano copiando Charlie y Eddie Palmieri y Richie Ray; aprendió a leer música mientras servía en Corea; Después de descarga se casó con novia coreana Myong 71. Allí volvió a NYC, organizado Orquesta Cuda vivió corto; cambió a conga y fundó la banda La Nueva Comparsa; cambió al piano y formó Conjunto Salsa 73 (con formación de dos trombones, trompeta y sección de ritmo latino), haciendo álbum debut con Salsa Boricua de SMC. "El álbum fue grabado en un día de verano caliente en junio de 1974 en el estudio de Gabriel Oller en Queens, fuera Woodhaven Boulevard," recuerda Wayne. "Era unos 90 grados fuera y al menos 10 grados más calientes en el estudio con sólo ventiladores para refrescarse nosotros. La banda había terminado jugando cuatro conciertos y no había había tenido ningún sueño. Nos comenzó a las 9:00, pero eran gung ho y con ganas de grabar!"

Además de producir y co-arranging, escribió la mayor parte de La Salsa del Conjunto Salsa con Wayne Gorbea 78 en discoteca internacional incluye la oscuridad, cavilaciones "Los sin"; el cartel compuesto por dos trombones, una trompeta y ritmo. Seguimiento de esa etiqueta La Salsa y Charanga c 79 introdujo un sabor de charanga agregando flauta y violín a dos trombones, trompeta y ritmo. Emitido 12 pulgadas único "Ariñañara" (compuesto por Chano Pozo) y "La noche es aún joven" 80, su primer lanzamiento en su propia etiqueta Wayne Go. Dedicado Sigan Bailando 86 sobre Wayne ir a Myong; futuro miembro Libre y co-líder de Los Soneros del Barrio Frankie Vázquez siempre voz y jugaron güiro. Álbum incluye un remake de composición de Justi Barreto "Lo Que Dice Justi" (previamente grabado en Salsa Boricua), popularizado por colaborador de Wayne: arreglista, compositor, percusionista y cantante de coro Ramón "Ray" Rosado (b 26 de noviembre de 51, NYC, de ascendencia puertorriqueña).

"Estaba viajando una vez con el Grupo Niche de Colombia," recuerda Frankie. "Cuando su vocalista que Charlie Cardona descubrió era el cantante de Sigan Bailando, cantó todo 'Lo Que Dice Justi.' todos los soneos y todo. Mis pelos se peguen, porque no podía creer que este chico sabía toda la canción. El timbalero se acercó a mí y me dice: ' sabes que es como un icono en Colombia. Todas las bandas que empiezan. "Lo Que Dice Justi' es una canción que todos ellos estudian. Es como lo que tiene en Nueva York: "Bilongo". Para nosotros es 'Lo Que Dice Justi' en Colombia. Todas esas bandas de jóvenes trombón, que están haciendo esa melodía. No se puede encontrar una banda que no hace esa melodía."(extracto de francamente Frankie, el Sonero Del Barrio reacios por el hijo de John y David Barton, sitio de Descarga, 26 de diciembre de 99)

Conjunto Salsa mus. dir. y bajista Harry Justiniano partieron 87 (también teniendo junto a su hermano, conguero Angel Justiniano y Vásquez) para convertirse en mus. dir. de la charanga basada en el Bronx Charanson liderado por el pianista / Prod / compositor Héctor Serrano. Para el siguiente par de deberes dir. de años mus. fueron compartidas por el trombonista / arreglistas Dave Chamberlain y Rick Davies (b 09 de marzo de 51, Albuquerque, Nuevo México, un colaborador de Gorbea desde 85; se convirtió en siguiente dir. 89 de pleno derecho mus. mover Chamberlain Cruz control; líder del profesor Jazzismo y college). Gorbea optaron por una vanguardia de tres trombón por el Conjunto de Salsa en El Condimento 88 Martínez Records; Orlando Avilés cantaba voz, jugó güiro y escribió tres tunes incluye la pista de título (Avilés había contribuido composiciones a Gorbea álbumes anteriores y cantó en Salsa Boricua). Uno de los puntos destacados del álbum fue Chamberlain resistente y cobarde de los clásicos de Arsenio Rodríguez 48 "Tumba Palo Cucuye."

Gorbea y Salsa de Conjunto a menudo interpretada en vivo en radio WBAI de Al Angeloro mostrar Montuno (iniciado 86; más tarde evolucionó en su ecléctico mundo-beat show internacional de Nueva York emitió en WBAI hasta 91); Angeloro eligió Gorbea para liderar una jam session en el aire en honor al recientemente fallecido Charlie Palmieri septiembre de 88, desde que surgió una versión impresionante de "Tumba Palo Cucuye" por Wayne Gorbea All-Stars, la canción más popular chart-wise la compilación - el Montuno sesiones en vivo desde el estudio 'A' 95 el señor Bongo, que también incluye "Descarga (alrededor de la medianoche)" del Charanson de diciembre de 87. Gorbea hizo su debut en UK hospedándose en claves y coro (coro) con Libre marzo de 92.

Un éxito una vez que una residencia de la semana durante dos meses en el club de González y González de SoHo 96 inspirado Gorbea a tomar su banda, rebautizada Salsa Picante del Libre dirigente Manny Oquendo y regresar a un trombón dos / combinación de una trompeta, en el estudio que el sólido swinging Cogele El Gusto 97 en ir de Wayne. Frank Otero (b 29 de abril de 54, NYC, de ascendencia puertorriqueña) cantó voz, habiendo reemplazado Avilés unos años antes. (Otero fue vocalista en el álbum ' 70s Andy Suárez Y su orquesta en la melodía de J.R.). "Su sonido rezuma con sassiness de Bronx," escribió mus. de Libre dir. Andy González. El álbum se convirtió en un éxito instantáneo en los clubes latinos de Reino Unido. Re-lanzamiento de Shanachie en finales 98 proporciona una distribución más amplia. En marzo de 99 Wayne y Salsa Picante proporcionan más testimonio de su popularidad UK completando una gira nacional de sellout.

Seguimiento en Shanachie con el craqueo Saboreando ' 00, descrito por deejay UK / columnista Dave Hucker como "la primera Latina versión principal del siglo XXI." Contiene 10 canciones y cada corte swings incl. el seguro de incendio bailar relleno de suelo "El Yoyo", realizada por Cortijo (incl. Invita You To Dance / Los Invita A Bailar en Seeco) y una casi 10 minutos killin' remake de Eddie Palmieri y "Estamos Chao" de La Perfecta (desde Mozambique 65 en Tico). "Solo de piano de Gorbea en esta pista demuestra ampliamente por qué ha convertido en uno de los mejores solistas pianos realizando actualmente en la afrocubana y tradición de la salsa. Evitando la glibness técnica de muchos de sus compañeros teclistas, Wayne va directo al corazón y el swing del asunto,"escribe Salsa Picante mus. dir. y primer trombonista Rick Davies. Otra gira en Reino Unido se propone para octubre ' 00.

Grabaciones de Wayne han intervenido a colaborador regular Rubén Borgas (b 04 de agosto de 49, Puerto Rico) en timbales o bongo (aparece en la reedición CD Exitos por Paul Ortiz y su Orquesta hijo Ghetto Records); otro trombonista de notables colaboradores incl. / arreglistas Ronnie Williams y Rubén Lebron y trompetista y popularizado Junior Vega. Personal de Wayne Gorbea Salsa Picante en 2000 incl. Otero, voz; Gorbea, piano de líder de coro; Richie Sanquintin b 05 de agosto de 55, República Dominicana, bajo; Davies (dir. de mus.) y Rafi Malkiel (b 14 de abril de 72, Jerusalén, Israel), trombones; Tomer Levy (b 21 de octubre de 72, Tel Aviv, Israel) y Mike Lewis, trompetas; Borgas, timbales; Juan Rodríguez (b 02 de noviembre de 46, Puerto Rico), bongo y coro; Frank Reyes (b 16 de marzo de 45, Puerto Rico), conga (interpretado por Ray Rodríguez y su Orquesta c 70 en Cotique); y Rosado, güiro y coro.

Fuente: La Prensa, Panamá

Cuando llegue el momento, Alejandra Fierro Eleta -o Gladys Palmera-, donará su colección de más de 50 mil vinilos a la escuela de música estadounidense Berkeley.

Lo hará a cambio de que la academia le otorgue becas a niños panameños, específicamente de Portobelo.

El plan no es improvisado. Ya lo conversó y coordinó con el jazzista Danilo Pérez. Sería el punto cúspide de su proyecto: ‘Escuelita del ritmo’, un centro musical en el pueblo costero de Colón en el que de lunes a viernes se recibe de forma gratuita a cualquier niño con ganas de tocar un instrumento. También aprenden inglés, conducta social e informática.

Perfil
Alejandra Fierro Eleta nació en Madrid, España. Su padre era de Asturias, mientras que su madre nació en el Istmo después que su abuelo llegara para la construcción del canal. Su colección de vinilos de música afrocubana, la mayor del mundo, la inició con la compra de ‘Metiendo mano’, de Rubén Blades.

Fierro Eleta es mitad panameña, como casi todos en Panamá. Su padre es de Asturias y su madre nació en el istmo luego que su abuelo español se estableciera allí a causa de la construcción del canal. De ahí que haya fundado la escuela en Portobelo, además de su clara pasión por la música.

A sus 20 años, cedió a su pasión por la radio y la música latina y quiso tener su propio programa. Su padre era conservador, así que le prohibió que usara su nombre y apellido. Entonces Gladys, porque su hermano la llamaba así de broma; y entonces Palmera, por el Caribe.

Desde entonces ha transmitido de forma legal y también de medio pirata, en FM, y en los últimos cinco años a través de internet, con una emisora que lleva su mismo nombre y que se especializa en difundir música latina sin interrupciones comerciales.

Gladys costea de su bolsillo todos los gastos que genera su sueño. No quiere “ensuciar” su ideal con los principios radiales. “La radio es bussiness (negocio), y yo no hago bussiness. Lo mío es la música”, dice desde su apartamento en Madrid, mientras acaricia a Rumba, su pequeña Schnauzer.

PORTOBELO MUSICAL
Los sábados en Portobelo son especiales. En la plaza principal, donde el busto negro y sonriente de Ismael Rivera mira hacia el Atlántico, se reune un grupo de jóvenes de varias edades y dan un modesto concierto. Versionan canciones y fusionan ritmos latinos. Suenan tambores, pianos, timbales, trompetas, guitarras, bajos, flautas, batería. Son los niños de la ‘Escuelita del ritmo’, que una vez a la semana muestran lo aprendido entre lunes a viernes.

“Empezamos de la nada. Tomé unos profesores de Colón, acondicionamos unos lugares y compramos un montón de instrumentos. Entonces abrimos la matrícula gratis para todos los que quisieran ir y aprender”, cuenta Gladys. Llegó a Portobelo porque su hermana Aurora Fierro y su prima Sandra Eleta manejan allí la Fundación Bahía de Portobelo, además de un centro de congo, rescate de mujeres y talleres de pinturas.

Gladys aclara que no son academia, sino una escuelita, “sin pretensiones”, que además de la música intenta rescatar los bailes tradicionales, como el zaracunde, los diablos o el congo, incluyendo la confección artesanal de sus vestidos. “Con el pasar de los años, hemos visto grandes resultados”, destaca.

Son estos resultados, precisamente, los que la han convencido de entregar su entrañable colección de vinilos, la más grande del mundo en lo que a ritmos afrocubanos se refiere, a cambio de mayores oportunidades para los pequeños músicos.

FLUYEN LOS RITMOS
El idilio entre Fierro Eleta y la música latina comenzó a los 10 años, cuando vino a vivir a Panamá por unos meses. Se quedó en casa de su tío Fernando, en La Cresta. Allí escuchó boleros y clásicos románticos que la enamoraron de la guajira y las maracas. Más aún con la popularidad de ‘Historia de un amor’, escrita por su tío Carlos Eleta.

Continuó escuchando a Olga Guillot, Coco Sánchez y Lucho Gatica. A los 18, se compró su primer vinilo de música latina: ‘Metiendo mano’, de Rubén Blades, quien años después se convertiría en su primer entrevistado para su programa de radio ‘Sabrosura’.

Luego de tres años con ‘Sabrosura’ en una radio muy pequeña, y con la energía de una veinteañera, Fierro Eleta ya se había transformado en Gladys Palmera, y extendió su proyecto primero a una emisora que transmitía a todo Madrid, y luego a toda España. Se mudó a Barcelona y alquiló 14 horas diarias a una radio nacional que se transmitía medio legal. Después fundó una radio con sedes en Valencia, Madrid y Barcelona bajo el nombre Gladys Palmera. Durante todos estos años, engrosó su colección de vinilos hasta convertirse en una de las más importantes del mundo.

Con la crisis, perdió sus pocos anunciantes, y dio el salto a lo digital. “Yo costeo todos los gastos de la radio, porque de momento no me interesa ‘enguarrar’ la web con cuñas y tal, porque aún no se ha legislado bien la publicidad online. Con el tiempo, me llamaran, y haremos algo bien hecho; pero a mí lo que más me interesa es difundir la música”.

 Entre su contenido, está la Colección Gladys Palmera, en la que transmite parte de su tesoro. Lo hace desde su casa en San Lorenzo de El Escorial, un mítico lugar montañoso engalanado por su monasterio, construido por el rey Felipe II.

En su tiempo libre, se dedica a limpiar, etiquetar y plastificar su colección de vinilos. Los quiere mantener en un estado perfecto para cuando llegue el momento de donar su legado para que los niños de Portobelo tengan una oportunidad en Berkeley. Todo sea por amor al arte.

Esta tarde falleció en Los Angeles el pianista barranquillero Al Escobar.

¿Quién fue Al Escobar?... Para dar respuesta a esta pregunta compartimos una nota publicada años atrás en el portal Herencia Latina, donde se detalla buena parte de la trayectoria del desaparecido músico colombiano.

Al Escobar - Un Pianista de Categoría
Fuente: Herencia Latina. Por: Nestor Emiro Gómez

  Toda su vida ha llevado prendida a su ciudad natal Barranquilla en lo más profundo de su corazón, no obstante haber tenido que separarse de ella por una decisión que tomara su padre de radicarse en el exterior, cuando solo contaba con siete años de edad. Las imágenes de sus vivencias en esta ciudad, aun permanecen en el recuerdo de Álvaro Escobar, no importa cuantos escenarios haya recorrido por todo los Estados Unidos, el área del caribe y demás países donde ha presentado sus grandes virtudes musicales. Y conste que han sido muchísimos los escenarios trajinados en su brillante y extensa trayectoria de más de 50 años de vida artística, al lado de figuras tan importantes como Pupi Campo, Noro y Esy Morales, Miguelito Valdez, Tito Puente, Celia Cruz, La Lupe, Mongo Santamaría, Jack Contanzo y demás personalidades no tan solo de la música latina, sino también  del mundo anglosajón.

Y aunque su nombre se ha destacado y es reconocido en el ambiente musical hispano de los Estados Unidos, no ha ocurrido lo mismo en su querida tierra natal, donde son muy pocas las personas que conocen su trabajo. Es el caso nuestro cuando en 1997 nos encontrábamos en San Juan de Puerto Rico asistiendo a un encuentro de coleccionistas y tuvimos oportunidad de ver un video del programa Nostalgia de la TV de la Isla, donde se presentaba Miguelito Valdez. En el show, Miguelito cantaba acompañado por un dúo compuesto por piano y bajo. Y cuando en el programa el maestro Pedro Flores le pregunta por los nombres de los miembros del dúo cuán grande no seria mi sorpresa al escuchar a Miguelito decir que el pianista era Al Escobar natural de Barranquilla, Colombia.

Y mucho mayor fue mi impresión, en el momento en que, después que Al ejecutó un magnifico solo de piano, el famoso cantante cubano se  dedicó a elogiarlo diciendo: «Yo no sabia que en Colombia se tocaba el piano tan lindo».  Este episodio debió ocurrir, en los años 1970 o 1971, época en la que Al Escobar se encontraba viviendo en Puerto Rico. A partir de ese momento y gracias a la colaboración del gran coleccionista de videos Jaime Jaramillo, quien me obsequió una copia del mismo, comencé a difundirlo entre el mayor número de personas posible, con el fin de conseguir alguna información sobre la vida de Escobar. Durante todos esos años que siguieron fue muy difícil ubicarlo, hasta que por fin apareció en los Ángeles, donde fue localizado por una gestión adelantada con el concurso del músico Arturo López Viñas,  el Sr. Rafael Bassi y del periodista de Los Ángeles Guido Herrera Yance.

Su infancia en Colombia

Álvaro Escobar Páez nació en Barranquilla el 8 de Marzo de 1930. Recuerda que su mamá le decía que había nacido un sábado de carnaval. Su Padre fue el destacado músico tolimense Gabriel Escobar Casas, quien vino a trabajar a Barranquilla y aquí conoció a doña Inés Páez, oriunda de Santa Marta, con la cual contrajo nupcias. El señor Escobar trabajaba para ese tiempo como director de la banda de la policía. Se distinguió por ser un ferviente promotor de los aires musicales nacionales, especialmente del bambuco. Su composición más famosa es  el bambuco «Serenito De Mayo». Tiene el honor de haber aparecido en la primera película sonora hecha en Colombia en 1937, acompañando al dúo venezolano Ravengar-Espín.

El Sr. Gabriel Escobar, fallecería en Nueva York el 8 de enero de 1953 y su cuerpo fue trasladado a Barranquilla para brindarle honores militares en la catedral Iglesia de San Nicolás.

Desde pequeño Álvaro aprendió a leer música, bajo la orientación de su padre. Siempre lo acompañaba a los conciertos que ofrecía la banda de la policía todos los domingos, asistiendo conjuntamente con su madre y hermano. Su niñez transcurre en ciudad natal entre los conciertos, los juegos, las carreras en el parque, hasta que deciden viajar a la ciudad de Nueva York por iniciativa del señor Escobar Casas, en búsqueda de una mejor educación para sus niños. Allí, mientras sus  hijos desarrollan actividades escolares propias de su edad, el señor Escobar hace lo suyo, estudiando en el New York College of Music, promocionando el bambuco, al cual tuvo que cambiar la escritura rítmica de 3/4 a 6/8, para que pudiera ser bien ejecutado por los músicos de la National Broadcasting Company. Precisamente, en un artículo publicado el diario El Colombiano de Medellín el 21 de septiembre de 1951, escribió lo siguiente:
 
«En mi libro All Latin American Rhythms for the Modern Orchestra (Edward B. Marx, New York, 1950), describo este ritmo en seis por ocho, y parece que esta dando buenos resultados, pues algunas orquestas americanas y latinoamericanas están incluyendo en su repertorio bambucos y pasillos».

En 1945, el joven Álvaro regresa a Barranquilla por disposición de su padre, ya que en un arranque de travesura se fue de su casa y se enlistó en el ejército norteamericano, en plena guerra mundial. Ya en Barranquilla entra a estudiar en el viejo colegio Biffi, sin abandonar sus estudios de piano, esta vez, con el profesor Aurelio Vásquez Pedrero. Es la época en que conoce a Pacho Galán y se hace gran amigo de Luis Alfonso Meza (pianista de la Jazz Band de la emisora Atlántico), quien, en ocasiones especiales,  le brinda la oportunidad de tocar con  la orquesta. Es también el momento en que forma su primer grupo musical con unos muchachos de su vecindario. El grupo tenía una instrumentación que comprendía bongoes, clave, marímbula y piano, con la cual se atrevieron a presentarse en la inauguración de un local comercial. Fue allí donde los vio el propietario de las Emisoras Unidas, el señor Roncallo, y los invitó para que se presentaran en su estación de radio. A partir de esa experiencia Al se sentiría tan bien que decide entonces dedicarse completamente a la música. Sin embargo, pronto tiene que abandonar el grupo porque en 1946 regresa nuevamente a Nueva York.
 

Al Escobar en el piano, con la Orquesta del maestro Pupi Campo, para finales de los años 40s.
Foto de Al Escobar, cedida a Herencia Latina.


Inicio de una carrera exitosa en Nueva York

Después de regresar de Barranquilla en el año 46, una de las primeras diligencias que Al hace en Nueva York, es afiliarse a la Unión de Músicos de la ciudad, la Unión  802.  Acto seguido se dedica a estudiar, recibiendo clases privadas y a trabajar con grupos locales, por un tiempo aproximado de año y medio. Así se mantiene hasta que un músico cubano que trabajaba con Pupi Campo, lo lleva al grupo, con el propósito de vincularlo. Inmediatamente entra a la orquesta, en virtud de la destreza  que demuestra tener para leer, con gran facilidad, las partituras del piano.  Pupi tenia una agrupación con ocho músicos. Él tocaba las maracas, usaba un sombrerito de fieltro y bailaba enfrente. Pero entonces decidió hacer la orquesta más grande y prestigiosa, para lo cual llamó a Tito Puente, cuando aun no era famoso. La misión de Puente era reorganizar y dirigir la orquesta. Entonces les hace una prueba a todos los músicos y solo quedaron tres, entre ellos Al Escobar. Es ahí, donde todo empezó.

Mas tarde Tito sale de la orquesta para organizar su propia banda y, un año y medio después, llama a Al Escobar para que trabaje con él. Para esa época, ya el gran timbalero había hecho sus primeras grabaciones para la compañía RCA y ahora es Escobar quien tiene la oportunidad de grabar con Puente. Efectivamente, para el 15 de agosto de 1950 participa en la grabación del álbum “Yambeque”, y aparece ejecutando un solo de piano en el tema “Swinging The Mambo”. También actúa en el famoso Palladium, con Tito.

Regresa nuevamente a Colombia

Por motivos comerciales, la familia Escobar regresa a Barranquilla en 1951. Al señor Escobar Casas le habían entregado la dirección de la recién creada compañía de discos en esta ciudad, Atlantic Records. Mientras tanto, Al se dedica a trabajar como solista en el Patio Andaluz del Hotel de El Prado. En razón de que el trabajo en Barranquilla estaba un poco escaso, Al se traslada a Bogotá a laborar en un bar restaurante con un cuarteto. Después de tres meses se regresa a Barranquilla, donde es llamado por la Radio Cadena Occidental (RCO) de Cali. Parte entonces para la capital del Valle y forma una banda  con dos trompetas, tres saxofones, bajo, timbal, cantante, batería y el piano. «La llamé “Los Picadilly Boys”, como la primera orquesta que tuvo Tito Puente. Tocábamos los mambos de Pérez Prado que estaban de moda y música de arreglos que Tito me regaló. Allá en Cali,  estuve unos seis meses», comenta Al.

En 1952 deben volver a Nueva York, ya que el maestro Escobar tuvo diferencias con los propietarios de la Atlantic, al querer formar un sindicato de músicos al estilo de la Gran Manzana y por eso deja a la compañía. Pero en enero del 53, ocurre el lamentable fallecimiento del maestro Gabriel Escobar.

Poco después, Álvaro entra a trabajar en la orquesta que acompañaba a Miguelito Valdez en los EUA.  Trabaja también con la banda de Machito por una temporada y con la orquesta de Ismael "Esy"  Morales, no sin antes  compartir escenario con Noro Morales. Logra presentarse en el famoso Show de TV de medianoche de Jack Paar, de la cadena NBC, con la orquesta de Pupi Campo.  Entonces decide trasladarse a la ciudad de Los Ángeles, donde se desempeña como pianista de algunos grupos, para luego unirse a la orquesta del bongosero Jack Constanzo, a mediados del 57.

Al Escobar en el piano, con la Orquesta de Tito Puente para los años 50s.
Foto de Al Escobar, cedida a Herencia Latina.


Primeras grabaciones con su orquesta

Por razones de trabajo, Constanzo debe dejar su grupo, en momentos precisos en que Al recibía una propuesta para que organizara su propia banda y amenizara los bailes del club Village de Los Ángeles. Circunstancia muy oportuna para solicitarle a Contanzo, le permitiera utilizar a sus músicos para conformar la nueva orquesta. Constanzo no solo estuvo de acuerdo con la solicitud, sino que también la agradeció. De esta manera nace la gran Banda de Al Escobar. Con la que se movió por todos los sitios más importantes del ambiente musical del Oeste norteamericano. Nombres como El Hollywood Palladium de Los Ángeles, El Hotel Beverly  Hills, Ciro’s, El Club Virginia, Casa Escobar, PJ’s, The Rounders, El Capri, The Hollywood Sunset’s Ad-Lib Room, Fire & Frame, La revista musical del club Sevilla, El Stardust Hotel de Las Vegas ( Nevada), El Hotel Golden Bank y Hotel Wagon Wheel en Reno (Nevada) y muchos más, aplaudieron y disfrutaron de la espectacular música de la Gran Banda de Jazz Latino de Al Escobar. Precisamente fue esta la época en que, en una de sus actuaciones, recibió una invitación del sello Cadence para que grabara su música.

Efectivamente, en 1957 graba su primer álbum llamado “Al Escobar’s Rhythmagic” con una banda que contó con la participación de figuras como los trompetistas Pete Condolli, Marvin Brown, John Dolny y Johnny Audino; los trombonistas Bob Enevoldsen, Herbie Harper y Dave Well; el corno francés Jim Sharry, los saxofonista Deck Houlgate y Herbie Stwart; en el bajo, Fred Provincio; en las congas, Modesto Duran; los cantantes Johnny Cheda, Pollito Caserín y Menchita Mejia; mientras en el piano estaba Al Escobar.  Con una ligera variación de este personal, graba en 1958 su segundo trabajo para Cadence Records titulado  “Rhythmagic Vol II”.


Nueva York otra vez

El espíritu aventurero de Al hace que se incorpore al elenco de la revista y show musical de la famosa actriz y cantante norteamericana Eartha Kitt, en calidad de director y arreglista de la orquesta. Deja  Los Ángeles para acompañarla en una gira nacional. Con ella hace un recorrido que incluye a Philadelphia, Chicago, Boston, Bufalo, El Concord y termina en el Copacabana de Nueva York. Después de un año de correrías con la revista, decide establecerse nuevamente en Nueva York, aproximadamente, hacia 1966.  En esta ocasión organiza  su orquesta con músicos de la Gran Manzana, con la cual le corresponde acompañar a grandes estrellas de la canción como Celia Cruz, Xiomara Alfaro, La Lupe y muchas más, en el Club Nocturno Seclucione. Trabaja también en el Chataeu Madrid y en las montañas de Catskills.


Estancia en Puerto Rico

Estando en Nueva York, un amigo suyo de Puerto Rico que era propietario de una cadena de hoteles en la Isla y en los Estados Unidos, le ofrece la oportunidad de abrir un Club Nocturno en el Hotel Borinquen de San Juan. Al no lo piensa dos veces y se marcha para la isla del Encanto. Comienza su nueva actividad empresarial en el club que llama “El Atico”, presentando grandes orquestas como El gran Combo, El Apolo Sound de Roberto Roena, La Sonora Ponceña, Ismael Rivera, Cheo Feliciano, Willie Rosario y muchas más. Después que el Club adquiere un gran prestigio,  en el transcurso de los cinco años que duró el contrato firmado por Al Escobar y,  porque el Hotel cambia de propietario, los nuevos dueños deciden no renovar el contrato. Por esa razón el maestro Escobar tiene que dejar el club y enrumbarse hacia Miami, donde su amigo boricua le promete cederle un espacio en uno de sus hoteles, para que continúe su labor musical. Sin embargo, el negocio familiar tuvo que enfrentar un inesperado revés económico, que los lleva a la pérdida de los hoteles.  En estas circunstancias, a Al no le queda otra opción que dedicarse a trabajar por su propia cuenta.

En la temporada que estuvo en Puerto Rico, logra grabar par el sello Tico, el álbum “El Sonido Moderno de Al Escobar”. Esta grabación se realizó en Nueva York en 1969, por solicitud que le hicieran desde esa metrópoli. Todo el proceso fue desarrollado allí, con músicos residentes la Gran Manzana, entre quienes estuvieron Víctor Paz, Tito Puente, Johnny Rodríguez jr y todos los demás, de primera línea.


Miami su nueva sede

En Miami Al trabaja en algunos sitios como el Bar Americano de Harry del Hotel Eden Roc, en el Hotel Fountain Bleu, en el Holiday Inn. Así permanece por una temporada aproximada de dos años, cuando comienza a desempeñar una laboriosa actividad musical en los cruceros que se desplazan por todo el mar Caribe. Al escobar trabajó en un periodo de más de veinte años en los barcos MS Southward, SS Britanis, Dolphin, Skyward, Norway, Mardi Grass, Boheme y terminó  entregando su ambientación musical  a la compañía Royal Caribbean Cruise Line.


Residencia definitiva en Los Ángeles
 
El espíritu andariego de Al Escobar, al fin parece haberse decidido por establecer su residencia definitiva en Los Ángeles.  Para ello existen muchos motivos. Además de que allí viven sus tres hijos, ha logrado mantenerse trabajando en lo que más le gusta: la música. Actualmente cuenta con un grupo de Jazz Latino y Salsa, el cual permanece actuando en distintos sitios como el restaurante Spazio, el Bar y Gril Holly Street, Restaurante Floridita, Havana Sunset, Hotel Berverly Hills y fiestas privadas.

Este colombiano que ha puesto el nombre de su país muy en alto, la última vez que estuvo en su ciudad fue para principios de los años ochenta, cuando viajó con una compañía de espectáculos que presentaba la revista Hollywood Sobre el Hielo. Él estaba a cargo de la dirección musical del show. Ahora, recuerda y añora a su ciudad, esperando poder regresar y re-encontrarse muy pronto con ella.