Por César Bedón. Fuente: El Utero de Marita

En el Perú, nos acordamos de nuestros artistas cuando se mueren o cuando ganan algún premio en el extranjero. O cuando alguien, también en el extranjero, pone su trabajo en valor: pasó con Susana Baca, que fue “descubierta” por David Byrne a mediados de los noventa y se convirtió, al menos por un tiempo, en una cantante peruana que había que escuchar. El ejemplo puede ser arbitrario pero todos sabemos cómo son las cosas entre nosotros, los peruanos, con el cacareado “apoyo a la cultura”.

En parte, esta apatía por la música que hacemos nosotros mismos explica por qué, cuando supiste que Cosa Nuestra se llevó una Gaviota de plata en el Festival de Viña del Mar, no sabías de quiénes te estaban hablando.

El premio fue a mejor intérprete en la competencia folclórica (Alex Ramírez, ex Camaguey, se fue a Chile a cantar con esta agrupación liderada por el gran Tito Manrique).

Mi amigo Eduardo Livia, que es una autoridad en música salsa, me dice:
Alex siempre destacó por ese timbre de voz alto, especial y llamativo. Depende de él aprovechar este momento especial para proyectarse a otros mercados. Talento tiene.

Lo interesante es que Cosa Nuestra tiene años (desde 1999, dice su página de Facebook) cultivando un género que ellos han llamado “salsa criolla”, y que a mí me alucinó desde la primera vez que los escuché: salsa hecha con guitarra y cajón.

O sea, un género mutante, un híbrido. Y, juzgando por su presentación en Viña, perfectamente puede inscribirse en aquello que los gringos llaman “world music” (por cierto, uno de los antecedentes de esta clase de fusión entre nosotros es, como lo veo yo, el proyecto Los hijos del sol que armaran Álex Acuña con Eva Ayllón y varios otros músicos en los noventa: seguro recuerdas esta versión de “El tamalito”).

Entonces, mi idea para este post es muy sencilla: voy a presentarles algo de la música de Cosa Nuestra.



Hemos comenzado con “Sonero de callejón” (tema compuesto por Manrique para el Viña del Mar, cuya versión grabada pueden escuchar aquí).

Ahora quiero compartir una selección breve de sus dos primeros discos:  “Cosa Nuestra” y “Salsa Criolla”.  En estas dos producciones sería más adecuado hablar de covers, en clave de criollismo, de canciones de salsa. Da igual: el resultado es precioso. Traten de conseguir estos discos (y si los encuentran, avisen dónde).

Solo escuchen.
Así que, con ustedes, estas…
CUATRO SALSAS COMO NUNCA ANTES LAS HABÍAS ESCUCHADO


1) “Sin tu cariño”.

2) “Aparentemente”.


3) “Ganas”.


4) “Bailemos otra vez”.


A la pregunta “¿Es esto música criolla?” podría responderse con otra pregunta: “¿Importa mucho?”.

En mi opinión, la falta de prejuicio, el sentido del juego –y la difusión mediática– ayudarían a reavivar el amor por la música que se ha originado en nuestro país.

Y no hablo solo de la música criolla, desde luego, que también existe el huayno, y su presencia mediática es aún más baja.

Las radios musicales y los canales de TV deberían pensar un poquito –un poquito– en su papel como medios peruanos de difusión cultural. Hay mucha música nacional a la que no accedemos por desinterés de los programadores, y yo creo que esa música pegaría bien por el hecho sencillo de que es música muy buena.

Los dejo con estas palabras publicadas hace unas horas en el Facebook de Cosa Nuestra. ¡Salud con ellos!

EL DUEÑO DEL SONEO NEGRO
Gaviota con sabor a Perú!
Gracias DIOS , gracias gente querida!

Qué podemos decir
‪#‎VIÑAESCOSANUESTRA‬
‪#‎ElSoneroDelCallejon‬
‪#‎LoAfroperuanoPone‬
‪#‎ARRIBAPERUCARAJO

Fuente: El Vocero, Puerto Rico. Por Jennissa Marrero Morales

“Un junte histórico”, así describió su primera propuesta musical el joven percusionista Pete Perignon, quien expresó sentirse honrado de contar con la participación de los mejores músicos jóvenes de la Isla.

El disco titulado ¡Aquí Llegó! fue lanzado oficialmente hoy y cuenta con 11 temas, de los cuales dos son inéditos, uno de estos ‘Los Pasos de Mi Padre’ dedicado a su progenitor, el también percusionista Don Perignon.

“Esta producción representa mucho para mí, pues logré reunir a tantos amigos en un solo proyecto y eso me llena de orgullo al compartir este logro con ellos y juntos demostrar que podemos hacer proyectos de excelencia”, expresó.

Sobre los inicios del disco, reveló que quienes lo inspiraron a construir uno de sus más grandes sueños fueron dos jóvenes destacados en la industria, Jorge Rivera y Carlos García, integrante de la agrupación ‘Otra Nota’.

“Los considero como mis hermanos. Fueron las primeras personas a las que hablé sobre la idea y me dijeron ‘vamos a hacerlo’ y me motivaron a continuar con lo que solo comenzó como un invento de soñador”, expresó.

Pete aseguró que no le habló a su padre sobre su ‘invento’, pero al iniciar los ensayos con la orquesta y publicarlo en las redes sociales, Don Perignon se percató de que algo se tramaba.

“He tenido todo su apoyo y consejos en este proceso, pero a la misma vez me ha dado el espacio para yo desenvolverme en este negocio”, estableció.

En la parte vocal de esta propuesta musical participaron Willito Otero, Carlos García, Norberto Velez y Gerado Rivas de NG2, Juan Vélez, Julio López, Alex López, Héctor Giovanni, Anthony García, Juan Pablo Díaz y Villariny Salsa Project.

Otras figuras de la industria invitadas para formar pare del proyecto fueron Luis ‘Perico’ Ortiz, Jerry Rivas, Luisito Carrión, Víctor Manuelle, Sammy Vélez, Pedro Pérez, Sammy García y Victor Vázquez.

La presentación oficial del disco se efectuará el próximo 12 de marzo en Downtown, en Hato Rey, a las 8:00 de la noche. La entrada al evento es gratis.

Fuente: El Vocero, Puerto Rico. Por: Vicente Toledo Rohena

El pianista y compositor Arturo O’Farrill habló vía telefónica con EL VOCERO desde Suiza, donde participó junto a su cuarteto de jazz, durante cuatro presentaciones ‘repartiendo palos’ en la Europa central. El también arreglista, sigue de plácemes, con la celebración en días pasados de su segundo premio Grammy.

“El hecho de presentarnos durante estas noches corridas por acá en Suiza, es sencillamente un privilegio poderlo hacer. Más, cuando se toca con gente que amas, con la música que amas y el público que amas, qué más se puede pedir”, apuntó O’Farril, quien viajó junto a sus hijos, Zachary (baterista) y Adam (trompetista); y el bajista puertorriqueño Carlos de Rosa.

El más reciente disco de O’Farril y su Afro Latin Jazz Orchestra, obtuvo el premio Grammy por el Mejor Album de Jazz Latino con ‘The Offense of the Drum’. El también hijo del legendario músico Chico O’Farril, ya había logrado la distinción del Grammy en 2009, con la producción ‘Song of Chico’, en un homenaje musical que le brindó a su patriarca.

“La idea de hacer este disco es resaltar la importancia del tambor. La batería y la tumbadora son instrumentos muy importantes que se utilizan en diversas ocasiones y momentos. Los tambores eran vitales en los frentes de batallas Napoleónicos y su sonido puede ocasionar daño o liberar. La ricura de nuestra herencia latina nos regala más de 37 clases distintas de barriles a través de Puerto Rico, Cuba, Colombia y Perú, por mencionar algunos países. Sin duda, tenemos que estar más presentes en el mundo de jazz con nuestra música”, dijo el pianista.

‘The Offense of the Drum’ es una producción que evoca la importancia y el poder de los tambores que permanece bien arraigada en la herencia cultural del músico de padre cubano y madre mexicana. Para O’Farril, África es la raíz de esta música y el orgullo de la herencia africana y latina es inquebrantable.

El disco representa un trabajo excelente, que logra muy buenos matices, enlazados de ritmo, cadencia y sabor. ‘Cuarto de colores’, ‘The mad hatter’ y ‘Iko, iko’, son piezas interesantes de la grabación. Además, el músico ofrece un tributo a los puertorriqueños, su cultura y lucha por sobrevivir en Nueva York, con el tema ‘They Came’; un corte bien logrado donde junta el ‘rap’ con los toques latinos, y aborda con su letra el ejemplo y coraje de como los boricuas luchan y subsisten cuando llegan a un país que no es el de origen. El corte tiene la colaboración de ‘Chilo’ Cajigas y Jason Lindner.
O’Farril expresó su cariño por Puerto Rico y la conexión que siempre ha tenido con grandes músicos puertorriqueños con los que ha colaborado como los hermanos Andy y Jerry González, el trombonista Ángel ‘Papo’ Vázquez, entre otros.

O’Farril viene de grabar en Cuba, en semanas pasadas la producción discográfica ‘La conversación continuada’, en donde combinó músicos de la Habana y norteamericanos en un proyecto dedicado a Chano Pozo y Dizzy Gillespie. Según el músico, existe una conversación pendiente que se sigue dando en el cielo entre estos grandes exponentes y colaboradores de la música afrolatina, porque tenían una visión de futuro, evolución y desarrollo de la música afrocubana y afrolatina.

“Estoy muy optimista porque mientras grabábamos el disco en Cuba, se dio el anuncio del presidente sobre las propuestas de apertura con Cuba”, dijo.

Egresado del Conservatorio de Música de Brooklyn y el Instituto de Música Aaron Copland de Queens, O’Farril es un defensor incansable de los ritmos latinos y ferviente creyente de que el jazz latino debe tener más presencia por la importancia y gran aporte del género. Como una petición muy especial del trompetista Wynton Marsalis, director de programa del Lincoln Center, O’Farrill creó en 2002 la Afro Latin Jazz Orchestra para interpretar obras del género latino y del jazz afrocubano.

Una rápida visita en Cali, Colombia....

Fuente: El País, Colombia




El reconocido bailarín Jaime Castro o mejor 'Jimmy Boogaloo', uno de los íconos más representativos de la denominada vieja guardia de la salsa en Cali, falleció en su casa este martes a los 75 años de edad.

Según confirmó su amigo cercano y director de Swing Latino, Luis Eduardo Hernández 'El Mulato', 'Jimmy' padecía de una enfermedad cerebrovascular, motivo por el cual se encontraba postrado en una cama desde hace un año.

"Él fue lo máximo. Es una pérdida enorme para la cultura de la salsa", dijo Hernández al lamentar la muerte de su amigo y recordarlo como la versión más grande de la rumba caleña.

'Jimmy', experto en bailar mambo, fox y guaracha, fue el primer animador en los grilles de moda en los años 60's y 70's en Cali. Con Amparo Arrebato, Talembi King, Los Mellizos, Ofelia y Watusi, entre otros, marcaron toda una época del baile.

Por su parte, Carlos Paz, bailarín del espectáculo Delirio, lo recordó como un hombre carismático, noble y muy feliz.

"Compartimos muchas tarimas y muchas cosas. Recuerdo que tenía un oído increíble, era polifacético, es de las personas que nunca se olvidan", dijo Paz, bautizado por 'Jimmy Boogaloo' como 'el resortes colombiano’, (por su rapidez al bailar).

Además, Paz, quién también era su amigo cercano, le realizará un homenaje a 'Jimmy Boogaloo', el próximo domingo 1 de marzo en la discoteca Épica, ubicada en el sector La Luna, en Cali, a partir de las 2:00 p.m.

"Este homenaje al que asistirán todos sus conocidos ya lo tenía planeado desde hace mucho tiempo, entonces, ahora lo realizaremos con más ganas. Se mostrarán videos, fotos y recordaremos sus peculiares y picantes dichos", agregó Paz.

Entre las anécdotas y recuerdos que Carlos Paz tiene de 'Jimmy' está su capacidad de movilizar a la gente. "Era el dueño de los lunes en Cali, los balnearios de la época El Estambul, Portal de Pance y Brisas en Jamundí se llenaban cuando él era el que animaba. Nunca faltó un lunes durante 27 años. La gente lo seguía".

Alejandro Ulloa, docente universitario y reconocido investigador de la música salsa, se mostró conmovido ante la lamentable muerte de una "de las grandes figuras de la música".

"Era una persona muy alegre, tenía una magnífica capacidad para dialogar con la gente. Lo recordaremos por su buen humor; pues era un gran animador en las discotecas de Cali, ya que le gustaba hacer reír y contar cuentos jocosos", dijo Ulloa.

También, el reconocido periodista de farándula Montedgardo recordó que cuando llegó de Barranquilla fue 'Jimmy' quien le dio su primera oportunidad: laborar en 'Honka monka', para ejercer el arte de la fonomímica.

"Fuimos grandes amigos y estoy muy triste por la pérdida, pero estoy más triste porque nunca se le realizó un homenaje en la Feria de Cali", dijo su amigo Montedgardo.

El periodista agregó que 'Jimmy ' fue el mejor animador de toda la historia de la rumba en Cali. "Nunca olvidaremos su manera de bailar y sobretodo que fue el primer Director del Ballet de la Salsa."

"De él me llevo los mejores recuerdos, sobretodo porque en la calle me confundían con él: me decían 'Jimmy' ya te recuperaste y no saludás, eso nunca lo olvidaré", agregó Montedgardo.
Andrea Buenaventura, directora de la Fundación Delirio, lo cataloga como "la esencia pura del bailarín de salsa, apasionado, cálido, alegre y solidario. Se nos fue un gran bailarín y un buen amigo".

Igualmente, la secretaría de Cultura de Cali, María Helena Quiñónez, recordó que en la pasada versión del Festival Mundial de Salsa se le rindió un sentido homenaje, acto al cual no asistió a raíz de sus problemas de salud.

"Lamentamos la muerte de este destacado artista, que marcó una época en la historia musical de la ciudad. 'Jimmy Boogaloo', le enseñó a los caleños y los amantes de los ritmos caribeños, cómo se debía 'azotar baldosa', dando una clara muestra de destreza, con sus particulares movimientos de cintura y de piernas", dijo Quiñónez.

'Jimmy Boogaloo', a quien se le atribuye la creación del denominado 'Pasito Cañandonga', es recordado por adueñarse de la pista en grandes bailaderos de antaño, como el 'Honka Monka' y 'Picapiedra'. También hizo parte del primer 'Ballet de la salsa' que nació en Cali.

La velación se realizará este martes a partir de las 2:30 p.m. en la funeraria La Ascensión, ubicada en la carrera 36 # 4D - 29, barrio San Fernando, detrás del Hospital Universitario del Valle, HUV.

El percusionista y compositor cubano Luis Tata Guerra murió este martes en Venezuela, a los 81 años de edad.

Guerra estaba ingresado en un hospital de Caracas desde el 18 de febrero por su "delicado estado de salud".

Tata Guerra nació el 9 de junio de 1934 en Guanabacoa, La Habana. En 1956 emprendió un viaje a Colombia con la orquesta Cuban Swing y permaneció en ese país por cuatro años.

En 1960 llegó a Venezuela, donde tocó con grupos como Los Melódicos, la orquesta de Porfi Jiménez y Aldemaro Romero. Además acompañó en la percusión en Caracas a Tito Rodríguez, Miguelito Valdés, Rolando Laserie, Daniel Santos, Olga Guillot, Rubén Blades, Paco de Lucía, Tito Puente y muchos otros.

Además, fue miembro de la Orquesta de Venezolana de Televisión, durante 23 años, de 1965 a 1991.
Sus composiciones han sonado en República Dominicana, España, Cuba, Puerto Rico, Colombia y Venezuela.

Antes de morir se desempeñaba como conductor del programa Raíces Caribeñas, transmitido por el canal de televisión de la Asamblea Nacional Venezolana.

Recordamos a Tata en una entrevista realizada el año 2006 por el portal Herencia Latina:

Tata Guerra, Fidias Danilo Escalona y Tito Puente


Por© Alfredo Churión D.
Especial Para Herencia Latina
Maracay -Venezuela

Por  primera  vez hace su aparición en nuestras páginas  de Herencia Latina  el carismático músico, compositor y ahora hombre de televisión Luis “Tata” Guerra. Como siempre, conversar con él es una verdadera delicia. Siempre con una sonrisa y un chiste a flor de labios se dispone, en esta ocasión, a rememorar algunas de las cosas olvidadas en la primera entrevista y a contarnos algo de su actualidad.

Como todos sabemos, “Tata” debe ser poseedor de un Récord Guinness no oficializado como el músico que ha acompañado- en vivo y en grabaciones-  a un mayor número de intérpretes: desde Daniel Santos y Leo Marini hasta Las Cuatro Monedas, Los Darts y Pekos Kanvas, pasando por leyendas como Germán Fernando, Kiko Mendive, Juan Legido y Estelita del Llano.

Sus innumerables composiciones han sido además grabadas por artistas de la categoría de Celia Cruz, Oscar D’ León, Mon Rivera, Tito Rodríguez, Barbarito Diez, Larry Harlow, Pete “Conde” Rodríguez, Mongo Santamaría, Johnny Pacheco, Cheo Feliciano, El Gran Combo, Rolando La Serie, Dimensión Latina, El Clan de Víctor, Chico Salas, Arabella, Culebra Iriarte, Canelita Medina, Federico y su Combo, Kiko Mendive, Los Melódicos, Los Hermanos Rodríguez,  Lucho Macedo, el Pavo Frank, Sonero Clásico, Sonora Matancera, Tania, Tony Monserrat, Tulio Enrique León y Víctor Piñero entre muchos otros.

Sale de su Cuba natal ―en donde ya había tocado en cabarets y con la Orquesta Almendra― en el año 1956 con rumbo a Colombia. Allí se integra a la Orquesta del Hotel del Caribe, en Cartagena,  con la que permanece durante cuatro años. La orquesta es contratada en 1960 para actuar en el Circulo Militar de la Ciudad de San Cristóbal. Pero en ese año se disuelve y cada uno de los músicos toma su camino. Nuestro artista se viene a la capital junto al cantante “Chiqui” Tamayo y al poco tiempo ya podemos encontrarlo en las filas de las orquestas de Pedro J. Belisario y de Víctor Piñero y sus Caribes. Así prácticamente comienza una relación de amor y trabajo con Venezuela que ya se acerca a los cincuenta años.

“En la actualidad estás haciendo televisión “Tata” ¿Cómo es esa experiencia para ti?”
“ Ya es fácil, pero el primer día fue difícil. Ese fue un proyecto que vino porque el Presidente el Canal de la Asamblea Nacional me conoce desde hace mucho tiempo.  Y siempre me decía que viniera a hacer un programa en el canal. Así que al igual que a Compay Segundo... ¡Me descubrieron! Menos mal que no a los 94 años como a él, sino a los 72”

El programa que produce y anima “Tata” se llama “Raíces Caribeñas” y busca el rescate de valores de la música afrocaribeña. Al músico se le dificultó al principio la comunicación con los entrevistados –generalmente tamboreros de diferentes regiones del país-, pero poco a poco se ha ido acostumbrando. Y es más: en cada una de estas expediciones consigue mayores afinidades y similitudes entre nuestra percusión, la cubana y la africana.
Ya lleva doce programas realizados y su contrato se vence en diciembre; sin embargo, considera que lo más seguro es que sigan, porque falta aun  conocer la percusión de muchas regiones. Ha visto a través de estos viajes a gran cantidad de intérpretes que lo han dejado asombrado. Y recuerda con especial admiración a un señor de 94 años en Birongo con quien tuvo la oportunidad de tocar.

“¿Significa esto que tu actividad profesional se ha parado un poco por el programa?”
“Me quita un poco de tiempo hasta para componer. Hace media hora hablaba con Zervigon, el director de la Orquesta Broadway, quienes me acaban de grabar un tema en su más reciente CD y me pidió algo de material para su próximo disco”

“Tu que has tocado y grabado con tanta gente ¿Tienes a alguien con quien estés haciendo un disco?”
“Pues mira: acabo de terminar de grabar con Rosa Virginia Chacín un nuevo disco y ahora comienzo con Luis Cruz quien acaba de reagrupar a Los Naipes con una nueva voz femenina. Una muchacha de Valencia. Esto es una primicia para ti”

“¿Cómo ves tú el fenómeno de que a pesar de que la piratería ha matado a la industria disquera cada día se graba más y cada día hay más estudios de grabación?”
“Yo creo que muchos artistas se han dado cuenta de que si les queman el disco se hacen populares también porque todo el mundo lo tiene, aunque no cobres nada por regalías. Lo bueno al final es que te lo pasen por radio a cada rato y se pegue. Aunque a mi no me gusta nada eso de la payola”

“¡Ajá! Has tocado un tema bien importante. Háblame de eso”
“Chico: yo nunca he estado de acuerdo. Sé que existe, pero hace años tu pegabas un disco sin ella. ¿Porqué tu le vas a pagar al dueño o al musicalizador de una emisora de radio si son ellos los que deberían de pagarle a los músicos o a los cantantes, porque ellos están viviendo de nosotros? La Asociación de Músicos – que está moribunda- debería tomar cartas en el asunto junto al Gobierno.

Yo tengo una denuncia porque hoy en día se utiliza mucha música de fuera para las cuñas comerciales: Nat “King” Cole, Manzanero, Hector Lavoe, Willie Colón y muchos más. Y eso está completamente prohibido. SACVEN tampoco toma cartas en el asunto”

“¿Que opinas del reggetón?”
“Cuando yo escucho el reggetón/ se me para el corazón/ porque lo mío es rumba y son. Esos son cosas que pasan y no dicen nada, aunque tengan su validez porque todos los días hay que inventar algo nuevo. Es un ritmo que se ha pegado, aunque no creo que dure mucho, porque tiene similitud con ritmos del Caribe Británico como la soca, etc.”

“Debes de tener miles de anécdotas. ¿Por qué no me cuentas algunas?”
“ Mira, la verdad es que cuesta recordarlas cuando te lo piden. Pero así por encima, recuerdo una vez que tocando con los Hermanos Rodríguez en las Islas Canarias estábamos tomando unas copas de vino. Yo no tomo, pero me puse sabrosón  y cuando estábamos tocando me han entrado unas ganas de orinar que tuve que decirle al trío que tocaran “Caballo Viejo” para correr al baño, porque si no, hubiera puesto la gran... ¡orinada!
Y de verdad que yo no tomo. Pero un día me tomé como diez cervezas y llegué a mi casa armando un zaperoco. Pero después me di cuenta de que las cervezas que me había tomado no tenían alcohol.
Pero la mejor sucedió cuando todavía estaba en Colombia. En el grupo en el que tocaba, al bajista y al pianista le daban ataques de epilepsia de vez en cuando. Y un día que estábamos tocando “Cañonazo” le dio el ataque a los dos a la vez. ¡Y el público aplaudía y rugía porque creía que eso era parte del show”

"Tú eres un músico sano “Tata”. ¿Cómo has hecho para mantenerte alejado de todos esos vicios viviendo en ese mundo durante tantos años?”
“Esa pregunta me la han hecho siempre. Uno de los primeros consejos que le escuché a mi papá fue el de mantenerme alejado de todo lo que fuese droga. Y siempre le hice caso. Y cada vez que me han ofrecido algo les digo que yo nací con mi nota natural. Tengo mi swing  natural y no necesito nada de eso ni para tocar ni para componer. Y eso se lo recomiendo a todos los jóvenes. No hace falta ni droga ni licor para tocar ni para componer”

“¿Tienes canciones nuevas en la actualidad?”
“¡Tengo muchas! Tengo cinco para la Orquesta Broadway y una que compuse hace tiempo para Oscar de León que se llama “El Cabillazo de Benny Moré” - (Nota: basada en una célebre anécdota del Benny quien propinó un cabillazo al empresario artístico Max Pérez por incumplimiento de pago) – y hay otra dedicada a las mujeres venezolanas que dice que “en Venezuela, hasta las malas están buenas”. Todos los días estoy inspirado”.

Aparte de eso tiene varios números guardados para Gilberto Santa Rosa; algo relacionado con la recuperación del danzón y la creación de un nuevo ritmo cuyo nombre no quiere dar por ahora. Y no deja de manifestar su admiración por percusionistas como los “Nenes” Quintero y Pacheco; “Mandingo” Rengifo, Pibo Márquez, Luisito Quintero y Orlando Poleo.

Y manifiesta además, continuar dispuesto cada día a superar su propio y particular récord Guiness porque “He acompañado y grabado con todo el mundo... ¡Y los que me faltan!”

Edición de octubre de 2006

Cristina, la hija del recordado creador de Niche Jairo Varela, y Oscar D'León


"El Sonero del Mundo" Oscar D' León, una de las leyendas vivas de la salsa, realizó hoy una visita muy especial al recién creado museo en honor al Maestro Jairo Varela, director del Grupo Niche.

El sitio, ubicado en la Plazoleta del mismo nombre, en el sector central de Cali, está siendo manejado por Cristina Varela, quien en nombre de sus hermanos y del Grupo Niche, está realizando la labor social y cultural concerniente a mantener viva la memoria del gran maestro de la salsa colombiana. Todo con la colaboración permanente de las autoridades culturales de Cali y del escritor Umberto Valverde.

La visita de Oscar D' León se dio gracias al interés del mismo artista por conocer el lugar en donde se mantiene el recuerdo de su gran amigo y colega musical. Oscar D' León sorprendió a los asistentes cuando hizo oficial la entrega de las partituras originales de su emblemática canción: "Llorarás". De igual forma, el músico venezolano recibió de parte de Cristina Varela una réplica de la famosa fotografía en donde sale ella, a corta edad, junto con su padre y Oscar D' León.

Cristina Varela por su parte anunció que en marzo del presente año empezará la segunda fase del museo consistente en la instalación de objetos como partituras, instrumentos y documentos de la colección personal de Jairo Varela. Es importante recordar que la primera etapa rescató fotografías destacadas de la vida familiar y musical del artista colombiano.

El museo a la fecha acumula miles de visitas realizadas no sólo por caleños sino por turistas de toda Colombia y de países como Puerto Rico, Estados Unidos, México, Perú, Ecuador y Venezuela.

Esta tarde/noche se entregaron los Premios Grammy Edición 2014.

En las categorías latinas los ganadores fueron:

Best Latin Pop Album: Tangos - Rubén Blades, que meses atrás se había hecho acreedor del Latin Grammy al Best Tango Album.

Diez años despúes de haber recibido su último Grammy "norteamericano", este premio nos hace recordar cuando en la Edición 1999 Blades y su disco Tiempos ganaron el Premio al Best Latin Pop Performance.

Ya son siete los Grammys que Blades ha recibido en su carrera (1986 - Escenas, 1988 - Antecedente, 1996- La Rosa de los Vientos, 1999 - Tiempos, 2002 - Mundo y 2004- Across 110thh Street junto a la Spanish Harlem Orchestra fueron los anteriores) y once si consideramos los Latin Grammy (2003 - Mundo, 2010 - Cantares del Subdesarrollo, 2011 - Todos Vuelven Live Vol.1 y 2, 2014 - Tangos)

Best Tropical Latin Album: Más + Corazón Profundo - Carlos Vives, disco que también se había ganado un Latin Grammy 2014 como Best Contemporary Tropical Album.

Gloria Gaynor entrega el Grammy al Best Tropical Latin Album a Carlos Vives


Segundo Grammy "anglo" para el colombiano, que el 2001 había ganado en Best Traditional Tropical Latin Album por Déjame Entrar y que ya tiene en su haber nueve gramófonos, sin contamos los Latin Grammy

Best Latin Jazz Album: The Offense of the Drum - Arturo O'Farrill, que representa el segundo Grammy en su carrera musical, tras recibir el 2008 el mismo premio por el disco Song for Chico

Fuente: El Comercio, Perú. Por: Antonio Alvarez Ferrando

Pedro Claver Nalmy Cabrera,  o simplemente Pachito Nalmy, una de las voces históricas del Callao antiguo, falleció hace dos días (2 febrero) a los 80 años de edad. El deceso se dio por muerte natural en su casa ubicada en la urbanización Good Year en Los Olivos, contó a El Comercio su hijo Pedro.

Pachito, su nombre artístico, fue llamado así en los años 50 cuando deleitaba al público en el entonces concurrido Club Bilis del jirón Colón del Primer Puerto. Cantaba tan parecido a Panchito Riset que la gente que no llegaba a entrar al local se trepaba los muros pensando que era el cubano quien lo hacía.

Se cuenta que uno de los temas preferidos de Nalmy era “Pachito E’ché”, del compositor colombiano Álex Tovar, y por ello quedó con ese apelativo. Sus primeros temas los grabó con una orquesta del colegio Dos de Mayo del Callao, donde estudió, integrada por destacados músicos como el trompetista Félix Limo Buendía y el pianista Charlie Palomares.

Luego de adquirir experiencia en otras agrupaciones chalacas, da el gran paso en su carrera en 1962 cuando conforma la orquesta Papo y su Combo Sabroso, de Ernesto Menéndez Lema. Dicha agrupación, integrada toda por músicos chalacos, revolucionó el movimiento de ese entonces al incluir trombones de vara como parte de su estructura.

“Fue la primera orquesta de salsa del Perú. Su repertorio incluían los éxitos de Eddie Palmieri, Mon Rivera y Ricardo Ray. Ya no era el sonido tradicional, sino algo distinto, muy agradable para el oído del bailador, del conocedor”, destaca Jorge Eduardo Bancayán, animador y locutor del recordado programa Hit Parade Latino de Radio Libertad.

Yolvi Traverso, colega y amigo de Bancayán, recuerda a Nalmy como un cantante de voz fuerte pero afinada. “Lo que hizo junto a Papo y su Combo fue una revolución. La fuerza de los metales y es voz le dio un giro al movimiento tropical de esos tiempos, gobernado por la matancera y la nueva ola, marcando la pauta de orquestas que saldrían más adelante”.

En plena época de los pantalones palazo, locales, bares y auditorios de las radios se rebalsaban de gente que iba en busca de ese sabroso ritmo. Paralelamente grandes bailarines de barrio como “Rulo”, “Payaso” y Sixto Urrutia reinaban el escenario chalaco con sus novedosos pasos.

El trabajo de esta agrupación chalaca queda registrado en la producción “Papo y su Combo Sabroso”, grabada bajo el sello Virrey y apadrinada por don Luis Rospigliosi Carranza, dueño del mítico bar "El Sabroso" y el más importante coleccionista de discos, a tal punto que abastecía a los programas radiales de aquel entonces.

Los recortes periodísticos de la época dan cuenta de este álbum que dejó verdaderas joyas de la salsa como “Estamos chao”, “Melina”, “El Rey” y “Tirándote Flores”, entre otros.

La calidad de su voz y dominio de escenario llevó a Pachito a participar en los años 60 en el recordado programa de talentos “La escalera del triunfo”, animado por Augusto Ferrando quien quedó admirado de su talento. Años después Ferrando encontraría a Nalmy imitando al cubano Rolando LaSerie, en un show en Miami Beach.

Se cuenta que luego de ese encuentro, “El Negro”, al pasar a Panamericana Tv, envió a su producción a buscar a Pachito casa por casa en jirón Zepita en el Callao, para que participe en la reconocida “Peña Ferrando”. Tiempo después se reencontrarían en el programa “Trampolín a la fama” para repetir la magnífica imitación..

Además de estar en Papo y su Combo Sabroso, Nalmy fue parte de agrupaciones muy importantes como la Sonora de Nelson Ferreyra, Sonora Casino de Hugo Macedo, Sonora Callao, Sonora Mocambo, la orquesta de Andres de Colbert, la agrupación del pianista Alfredo Linares, solo por contar algunas. Posteriormente desarrolló una carrera como solista.

Pachito era el último integrante con vida de Papo y su Combo Sabroso y uno de los testigos presenciales de toda esa movida musical desde la llegada de la salsa al Perú, a través de los buques que anclaban en el puerto del Callao. Con su muerte se cierra un capítulo que ya no podrá ser contado en primera persona. Solo quedan los discos como registro sonoro de una época de oro.

 

Una buena noticia: el próximo martes 17 de marzo llegará por vez primera al Perú uno de los músicos más importantes de todos los tiempos en la historia del jazz norteamericano: el trompetista Wynton Marsalis.

Hace instantes, en su página web, Marsalis anunció que Perú será parte de la 2015 Jazz Across The Americas Tour que comienza el próximo 27 de febrero en New York y que recorrerá también Puerto Rico, Islas Vírgenes, México, Venezuela, Chile, Uruguay, Brasil y Argentina.

Repito y no exagero, Marsalis es uno de los más grandes del Jazz no de ahora, sino de todos los tiempos y su visita a Perú reviste gran significado.

Wynton también es un entusiasta admirador de la música del Caribe. Prueba de ello son sus colaboraciones con artistas latinos como Chucho Valdés, Pedrito Martínez o Rubén Blades, a quien acompañó en Noviembre pasado en un concierto de gran nivel musical. Incluso tiene como Director Musical de la Jazz at Lincoln Center Orchestra (uno de sus proyectos más admirables) al contrabajista latino Carlos Henríquez.

Hace casi diez años que Marsalis no visitaba América del Sur (el año 2010 estuvo en Cuba). Esta vez regresa nada menos que con la JLCO. Insisto, es una buena noticia

Esta mañana Cuba y América Latina han perdido a otra figura emblemática de su cultura popular: Celina González, la recordada cantante, compositora e integrante del legendario dúo Celina y Reutilio, falleció esta mañana tras una larga enfermedad.

Nacida el 16 de marzo de 1928 en la provincia de Matanzas, Celina González Zamora se convirtió en una de las voces más reconocidas en la isla en el ámbito musical, en cuya obra destacó las raíces campesinas y la influencia de las religiones africanas.

No solo en Cuba sino en Perú, Colombia y otros países más, el dúo que conformó al lado de su esposo Reutilio Domínguez, hizo historia con muchísimos temas bailables destacando, sin lugar a dudas, el recordado "A Santa Bárbara", mundialmente conocido por su coro: "Que Viva Changó, Señores".

La gala de los Premios Cubadisco 2010, fue una de las últimas apariciones en público de Doña Celina. Para aquella oportunidad, Marianela Dufflar le realizó una entrevista al paso, que recordamos ahora:

-¿Qué es para usted Cuba?

- ¿Cuba?, Cuba es todo para mí, a Cuba la llevo en mi alma, en mi corazón. En Cuba nacieron mis abuelos, mis padres, mi marido Reutilio, a quien tanto amé, nacieron mis 5 hijos. Aquí en Cuba nací yo y es donde me quiero y me voy a morir.
¡Mira que yo he viajado!, pero como Cuba, nada. Por eso es que escribí el “Punto Cubano”, por mi amor a Cuba, por mi amor a lo campesino y defendiendo siempre a la música campesina, que ya ocupa un lugar importante, el lugar que merece, el que yo quería que tuviera.

Celina con Adalberto Alvarez, en el homenaje del Cubadisco 2010 a La Reina de la Música Campesina


-Si le pidiera ahora, que de todas sus canciones, eligiera una ¿cuál sería?

- Para mí, no es una sola, para mí serían dos, “Punto cubano” y “Santa Bárbara”. Son canciones que forman parte de mi vida no solo como artista, sino como ser humano. Son dos canciones muy queridas. Me dieron mucha satisfacción y aún me la siguen dando.

¿Cuál es la cualidad humana que más admira?

- La honestidad.

 ¿Cuál es la cualidad humana que más le duele?

- La envidia y la ambición.

 ¿Qué es lo que más le gusta de Cuba?

- Lo que más me gusta de Cuba es el Pueblo, su honestidad, su nobleza, su valentía. Cuba tiene un pueblo que no se queda callado, que no se deja humillar, es un pueblo bueno, es un pueblo muy cariñoso, que entrega todo con mucho amor. Esa manera de ser, de entregarse con pasión, eso lo admiro mucho y es lo que me hace sentir orgullosa. Por eso de Cuba, lo que más me gusta, es el Pueblo.

El año 2011 Mireya Fanjul escribió la biografía "Celina González, Una Historia de Amor". El Maestro Cristóbal Díaz Ayala escribió en Cubaencuentro.com la siguiente reseña que da cuenta del libro y su personaje principal:

Celina González, una historia de amor

"Cuando Celina escribe y graba A Santa Bárbara, en 1948, está haciendo historia: está fusionando las culturas campesina o guajira de Cuba con la afrocubana"
Por: Cristóbal Díaz-Ayala, San Juan

Así titula la escritora cubana Mireya R. Fanjul, su biografía de Celina que es también la de su compañero por muchos años, Reutilio. Y estaba haciendo falta un ensayo como este. Celia Cruz, posiblemente la cubana más importante del siglo XX, tiene varias, de las cuales la mejor es la escrita por el colombiano Dr. Héctor Ramírez Bedoya. También tiene más de una Benny Moré.

Indudablemente Celia y Benny son mucho más conocidos dentro y fuera de Cuba que Celina, quien comenzó su carrera artística cultivando el género musical cubano más antiguo, —el origen del punto cubano se produce en el siglo XVIII—; pero es también el género que menos importancia tenía, y desgraciadamente tiene, en Cuba y fuera de ella. El mérito grande de Celina fue que desde los fines de la década de los 40 rescató del olvido, con sus composiciones y su voz junto con Reutilio, ese género musical, y además, empezó a incursionar en la música afrocubana, fusionándola con la guajira.

Y eso es más importante para la historia de la música cubana, y hasta la social, que los grandes éxitos universales de Celia y Benny. Eso no se había hecho antes en Cuba; eran dos géneros completamente aparte, que además reflejaban una situación social real: el campesino o guajiro cubano, por regla general cultivador de la tierra propia o alquilada, discriminaba al afrocubano, la mayoría de los cuales trabajaban como asalariados en la industria azucarera —trabajo que solo cubría algunos meses del año—, o en otras labores parecidas. Y esto se reflejaba en la música, a duras penas el guajiro había aceptado el son como forma bailable, género de origen afrocubano. Cuando Celina escribe y graba A Santa Bárbara en 1948, está haciendo historia: está fusionando las culturas campesina o guajira de Cuba, con la afrocubana.

La historia de esta mujer es la que narra la autora, en un estilo que bien califica el autor del prólogo, Miguel Barnet, como “bosquejo biográfico-lírico”. O sea, en estilo sencillo pero muy ameno nos va contando los pormenores de esta larga e interesante vida, apelando al interés del lector pero sin perder el rigor de conceptualizar los sucesos más importantes de ella.

Sorprende un poco que el libro comience con una oración en yoruba, parte de la liturgia de la religión de los orichas o santería, y en esa misma línea una alabanza a los ancestros, al parecer reflejo del sentir de la autora y su biografiada. Una especie de homenaje a esa religión tan arraigada en la población cubana, dentro y fuera de la Isla. Y ya cronológicamente situados en 1928, año del nacimiento de Celina, Mireya comienza su relato en el que siempre describe el entorno de manera que el lector, cubano o de otros países, entienda mejor el transcurso de esa vida campesina: su encuentro con Reutilio, hábil guitarrista a quien se une en 1943 en matrimonio y en dueto musical, ya situados en la región oriental de Cuba; sus luchas y primeros éxitos, en un campo tan competitivo como siempre lo ha sido el de la música en Cuba —máxime desenvolviéndose básicamente en el área de la música guajira—; sus encuentros con figuras como el recitador Luis Carbonell y el compositor Ñico Saquito, ambos ayudando a la pareja, especialmente el segundo, del que la autora atinadamente incluye en el texto una minibiografía, y quien es la persona que los puso en contacto con “Suaritos”, dueño de la emisora habanera del mismo nombre, por muchos años la tercera más importante del país, de quién también nos trae una sintetizada biografía.

Será este personaje quien los contrate para una breve temporada en la Habana. La descripción que hace la autora de esa ciudad que en 1948 ven los ojos de la pareja de artistas, está muy bien lograda. La pareja debuta por Radio Cadena Suaritos, y el éxito es instantáneo. Pocos meses después pasan a trabajar a la emisora RHC Cadena Azul, de mayor importancia pues se escuchaba en toda Cuba. Ya en los comienzos de los años 50 hacen sus primeros discos, graban también jingles o anuncios cantados, actúan en teatros, cabarets, fiestas; llegan a tener programas radiales en varias emisoras al mismo tiempo. Parece increíble que solo dos voces y una guitarra, con algún acompañamiento rítmico pudieran tener más éxito que una orquesta. Todo el mundo quiere escuchar estas canciones que son al mismo tiempo un himno a una deidad religiosa católica y un orisha de la religión de los yorubas: Santa Bárbara y Shangó. Con Celina y Reutilio sale del closet el sincretismo religioso cubano, escondido por siglos. Harán lo mismo con San Lázaro y Babalú Allé o la Virgen de Regla y Yemayá. Pero Celina no abandona su veta guajira; brotan deliciosas creaciones como Soy guajiro del monte, Yo soy el punto cubano, entre otras. Al mismo tiempo interviene en varias películas.
Mireya nos va narrando en detalle todo este proceso fabuloso que continúa hasta el triunfo de la revolución cubana en 1959. En la siguiente década los cambios de política del nuevo gobierno en cuanto a las religiones afrocubanas reduce su repertorio solamente a lo guajiro. Celina se divorcia de Reutilio en 1964 pero sigue cantando y grabando con otros grupos. Aunque ya había hecho alguna gira antes fuera de Cuba con Reutilio, en 1984 viaja a cantar en Rusia y Bulgaria, y ese mismo año hace su primer viaje a Colombia, a Cali. Ya para entonces está cantando con ella su hijo Lázaro. Aquí comienza esa relación tan hermosa e intensa de Celina con el pueblo colombiano, con innumerables giras a lo largo y ancho del país, que va narrando Mireya con lujo de detalles. Colombia, decididamente, la adopta.

Pero no es solo Colombia; increíblemente Inglaterra la reclama, y allí va en 1984; en 1989, será México el país que queda cautivado con esta voz que sale de la tierra misma. También visitará Mozambique, Zambia y Angola, y las Islas Canarias en 1992; en 1994, Argentina, y Suecia en 1998.

Anécdotas, grabaciones con sellos disqueros internacionales como Odeón, Emi y Tumi, todo esto va describiendo el libro.

Estando en Miami en enero del año 2000, visitando a su hija y nietos que residen allí, sufrió un infarto cerebral, fue atendida en el Jackson Memorial Hospital de la Florida, donde estuvo once meses. Después fue trasladada a Cuba, donde siguió varios meses más bajo tratamiento médico. Con las limitaciones que una enfermedad de este tipo dejan, Celina viajó en 2001 a Venezuela a recibir un homenaje en Caracas. Y sigue viva en Cuba, recordando su hermosa carrera, el cariño de pueblos como el colombiano, que la hicieron suya. Ha recibido un sinnúmero de premios que el libro detalla. Y recoge también fotos de los objetos religiosos de Celina, que pueden ser imágenes de las vírgenes católicas u objetos de la liturgia de los orishas. Hay, además de una gran cantidad de fotos, una discografía de la artista.

Por el papel que desempeñaron no solo en su música, sino en la historia social de Cuba, este libro es muy importante para cubanos y también para los colombianos, por el cariño que este pueblo siempre le ha tenido.