Copia de la Resolución Suprema que creó el Día de la Canción Criolla
Por: Agustín Pérez Aldave
Acudimos a algunos archivos en búsqueda del bendito dispositivo legal consagratorio. No estaba en la Biblioteca Nacional, seguimos indagando y, finalmente, lo encontramos. Queríamos conocer la exposición de motivos y grande fue nuestra sorpresa.
Es una Resolución Suprema firmada por el Ministro de Educación y el Presidente de la República. Es escueta, simple y no precisa qué es la canción criolla y menos qué estilos abarca. En aquellos días de 1944, seguramente se sobreentendía de sobra lo que era "la cánción criolla".
Anota el dispositivo legal: “CONSIDERANDO: Que el arte popular contribuye al afianzamiento de una conciencia nacionalista por lo que conviene estimular sus manifestaciones”. Y permite ratificar que el Día de la Canción Criolla fue un logro casi por completo del centro musical Carlos Saco.
Una revisión de lo ocurrido en aquellos días difiere también de algunas cosas que se siguen contando al respecto. Algo parecido a la famosa leyenda limeña de la sanción eclesiástica que sufrieron los practicantes del mambo cuando nos visitó Dámaso Pérez Prado en 1951. En fin...
La celebración del primer Día de la Canción Criolla tuvo lugar en varios sitios. Y no faltó algún artista andino que, en un diario, expresó su queja por lo que estimaba la postergación del género vernacular.
Les presentamos por primera vez la Resolución Suprema que dio origen a El Día de la Canción Criolla. Decía bien claro: Canción.
Fuente: El Nuevo Día, Puerto Rico. Por Marcos Billy Guzmán
De Gilberto Santa Rosa se saben muchas cosas, pues su fructífera carrera en la música latina le ha ganado el honor de ser conocido como el “Caballero de la Salsa”. Pero hay algo que la gente quizás no conoce.
“¡No falla! Todo el mundo me confunde con Tito Rojas. Recuerdo que una señora mayor empezó a decirme cosas bonitas en el aeropuerto de Miami. De momento viene la hija y le dice: ‘Mira con quien estoy... ¡Tito Rojas!’. La hija se da cuenta, pero la madre porfía (ríe)”, revela.
Pero el cantante confiesa que “a mí me encanta esa vaina. Me río y, cuando tienen total convicción de que soy Tito, les firmo (el autógrafo) como Tito”.
El recuerdo le llega a la mente a raíz de su participación en la reciente edición de los premios Las Lunas del Auditorio Nacional de México, donde cantó en una categoría de música afrocaribeña. Aunque al final ganó Calle 13, Gilberto aclara que no salió con las manos vacías.
“El premio se lo llevó René (Pérez), pero yo me llevé una foto con Tony Bennett”, comenta. “Es mi ídolo, pude conversar un poco y estrechar su mano... Es increíble encontrar a alguien tan grande con tan buen ánimo y que te trate tan bien”.
Su alegría entonces se traslada a su más reciente nominación al Latin Grammy en el renglón de canción tropical por “Me cambiaron las preguntas”, que grabó junto a Rubén Blades y coescribió para su álbum “Irrepetible”.
“El año pasado gané (el Latin Grammy) como disco de salsa y ya pregunté las reglas porque me gusta la cosa derecha. Me explicaron que es elegible como corte promocional. Y estoy feliz pues es un tema especial que marcó mi debut en la música social”, enfatiza sobre la premiación, cuya entrega será el 10 de noviembre.
Otro detalle que lo emociona es que terminará de grabar en un par de semanas un nuevo álbum que lanzará el año entrante con temas de desamor, porque “a la gente le gusta cantar sus tristezas con la salsa”, asegura.
“Siempre grabo de más y siempre me vuelvo loco. Ahora me toca decidir si mezclo boleros con salsa o si los divido”, adelanta, confiado en incluir un nuevo sencillo social.
Mientras tanto, Gilbertito se mantiene activo en una gira internacional que lo llevará prontamente a Ecuador, Santo Domingo y Colombia, donde despedirá el año “solo y nostálgico, pero entusiasta y receptivo al público”.
Recordando dos temas, extraídos de la recordada serie televisiva que el gran Tito Rodríguez tuviera por un buen tiempo.
El primero es con Eddie Palmieri de invitado al piano, para interpretar el clásico bolero "Cosas del Almas", composición de Pepé Delgado.
El segundo video es el junte de Tito con el recordado vocalista Vitín Avilés para un Medley que incluye otros dos clásicos "Cuando, Cuando" y "Cara de Payaso". Música del recuerdo....
La vocalista Vernis Hernández presentó anoche su nuevo tema "De Hoy en Adelante" en el Tumbao de Miraflores.
Esta presentación contó con la presencia del cantante boricua Tony Vega, quien llegó a Perú para "apadrinar" a Vernis, quien anunció que la cadena de locales Tumbao abrirá un nuevo local en el Sur para el próximo verano.
Por primera y única vez: “CUBA ALL STAR” LLEGA AL PERÚ
La orquesta que reúne a las máximas estrellas de la música cubana
(Lima, 27 de octubre del 2011).- Los máximos exponentes de la música popular bailable cubana de los últimos años se reunirán por única vez y por propia iniciativa en el Perú, para formar la orquesta "Cuba All Star".
Serán más de 40 músicos que se alternaran en escena e interpretarán los mejores temas que cada uno de ellos ha popularizado, además con muchas sorpresas y novedades convirtiéndose realmente en una orquesta de lujo. Así tenemos que "Cuba All Star" estará integrada por músicos cubanos de reconocida trayectoria como:
•Juan Formell y los Van Van.que obtuvo el Grammy en 1999
•Adalberto Álvarez, "El Caballero del Son" (nominado al Grammy Latino por su disco "El Son de Altura").Debemos mencionar que llega con su hija Dorgeris que es pianista
•Giraldo Piloto gran baterista y director de la orquesta Klimax.
•Alexander Abreu trompetista y director la orquesta Havana de Primera
•Maykel Blanco director de la orquesta Salsa Mayor.
•Leo Vera ex integrante de Irakere, recordemos que uno de sus temas más popular es "Soy un hombre casado"
•Emilio Frías, "El Niño", cantante quien vendrá con su esposa Gretchen Reve integrantes de la orquesta Reve.
•Lázaro Valdez pianista y director de la orquesta Bamboleo.
•Jorge Luis Cortes “El Tosco" flautista de renombre integro Irakere, Van Van y actualmente es director de NG La banda.
•Toni Cala integrante de NG La banda
•Tania Pantoja que con su angelical voz nos encantara algunos temas que interpreta en la orquesta bamboleo
•Entre otros músicos
El Perú es considerado como una de las plazas musicales más respetadas del continente americano actualmente, de allí que estos destacados músicos nos hayan elegido como sede de esta reunión única que ha generado gran expectativa a nivel local y en países como Venezuela, Colombia, Ecuador, entre otros, ya se están preparando delegaciones de fanáticos de la música cubana que quieren estar presentes en el concierto.
La orquesta "Cuba All Star" se presentará en el Estadio de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos en el marco del Cubaníssimo 2011, el sábado 17 de diciembre . Las entradas ya están a la venta en Teleticket de Supermercados Wong y Metro.
Para mayor información los invitamos a visitar el Facebook oficial de Cubaníssimo 2011: https://www.facebook.com/festivalcubanisimo
Los esperamos en este gran evento que unirá el son, la rumba, el guaguancó, la timba, la salsa, entre otros géneros musicales donde el ritmo y la sabrosura son los reyes de la noche.
Gran noticia. El próximo 17 de Diciembre se realizará en Lima el Festival Cubanissimo 2011, que reunirá por primera vez en nuetro país a una gran constelación de músicos cubanos de la actualidad, bajo el logo de Cuba All Stars.
La cita será en el Estadio de san Marcos y las entradas ya están a la venta en Telecticket de Wong y Metro:
Para que tengan una idea de los agrupaciones que brindarán sus músicos para este gran festival les presentamos el video oficial de ese próximo evento:
El director durante casi 50 años de la orquesta de salsa El Gran Combo de Puerto Rico, Rafael Ithier, asegura que el ser dedicado y responsable son las claves para que los músicos jóvenes logren una carrera exitosa.
Ithier, también fundador y pianista de la legendaria agrupación, sostuvo hoy en entrevista con Efe que a pesar de que la música está pasando por "una época difícil" en términos económicos y los jóvenes "van a encontrar más obstáculos" para convertirse en músicos, deben contar con esos atributos.
"Si se dedican, se empeñan y lo hacen con responsabilidad, van a lograr lo que tanto anhelan: ser músicos. Las cosas no se logran tan fácil, sino que hay que ganárselo", enfatizó Ithier.
Y para estimular estos valores Ithier anunció recientemente la creación de una beca de música en la Universidad Interamericana de San Juan.
El reconocido músico sostuvo que la idea forma parte de una "aportación" de la banda a los estudiantes para que "vean que estamos apoyando".
"Como no podemos estar siempre físicamente con ellos, que vean que nosotros los estamos ayudando a que se motiven en sus estudios", abundó.
La carrera de Ithier tampoco ha sido fácil, pues luego de dejar la agrupación de Rafael Cortijo y su Combo, tiempo antes de formar El Gran Combo, mucha gente del ambiente musical lo rechazó, pero continuó esforzándose hasta que su orquesta se convertió en la máxima representación musical puertorriqueña a nivel mundial.
Y para motivar a los jóvenes y la sociedad puertorriqueña se supere, el director de la llamada "Universidad de la salsa" o de "Los mulatos del sabor" lanzó en agosto pasado una nueva versión de su reconocido tema "Y no hago más na", auspiciado por el Banco Popular de Puerto Rico.
La letra de la nueva versión busca animar a los puertorriqueños a esforzarse en el trabajo con el fin de que la isla vaya "pa'lante".
Así, en lugar de retratar a un ocioso que vivía "comiendo y sin trabajar", como en la versión original de 1983, la nueva es un canto a las "ganas de trabajar" y a no dejarse desanimar por los problemas que vive Puerto Rico.
Ithier, nacido el 29 de agosto de 1926, en el Bulevar del Valle, frente a la barriada La Perla del Viejo San Juan, viene de una familia ligada a la música, específicamente su padre Nicolás, bohemio aficionado, y su tío Salvador, guitarrista y segunda voz del Trío Borinquen de Rafael Hernández Marín.
Don Nicolás murió cuando Rafael tenía ocho años, lo que le empujó a buscar un trabajo para ayudar económicamente a su familia, que encontraría en el Conjunto Lucerito como guitarrista, con en el que nació su amor por la música.
A pesar de comenzar su carrera a los ochos años, Ithier soñaba en convertirse en pelotero, pero la música acaparó su vida y a los 14 años formó parte del grupo El Hawaiano, con el que ganaba cuatro dólares por noche, un montón de dinero en esa época, en sus palabras.
Tanto fue el ímpetu que tuvo por la música que Ithier descartó la posibilidad de realizar estudios universitarios en administración comercial y derecho, uniéndose así al Combo de Cortijo en 1954.
Sin embargo, tras varios problemas personales que tuvo en el grupo, Ithier decidió separarse del mismo en 1962.
Organizó una reunión en la residencia de Roberto Roena, y en junio de 1962 un grupo de músicos que Ithier decidió contratar le dio vida y organización a lo que es hoy El Gran Combo de Puerto Rico, donde Pedro "Pellín" Rodríguez se convirtió en el cantante principal.
Rodríguez más tarde estuvo acompañado por Roena, quien trabajaba con el All Stars Band de Mario Ortiz y Andrés "Junior" Montañez, bautizado luego como "Andy".
Ese mismo año, el grupo produjo su primer álbum "Menéame los mangos", en el que colaboró el cantante dominicano Joseíto Mateo, y así comenzó una era que ha recorrido el mundo entero, reconocidos como "Los mulatos del sabor".
El Gran Combo cerrará el jueves la gira "Buena Vibra College Tour" con un concierto en la Universidad de Puerto Rico de Bayamón, ciudad aledaña a San Juan.
Fuente: El Vocero, Puerto Rico. Por: Zenaida Ramos Ramos
Un huracán de pasión por la salsa arrasó en la vida del bajista Bobby Valentín en la década de los años 60 y se ha mantenido estacionario hasta el presente, cuando todavía sigue interpretando sus temas nuevos y los éxitos de antaño.
Generaciones de salseros han bailado desde su primer éxito “Huracán de pasión” en 1969, de la autoría de Tite Curet Alonso, hasta “La boda de ella” y “Libro de amor” entre otros temas. Son 45 discos grabados y más de 100 en los que ha colaborado.
“Mientras Dios me siga dando salud y yo siga creando y buscando, voy a seguir en eso”, aseguró Bobby Valentín, cuyo nombre de pila es Roberto Valentín Fred.
Oriundo de Orocovis y criado en Coamo, se inició en la música como guitarrista y trompetista antes de llegar a conocerse como “El Rey del Bajo”. Después de aprender a tocar la guitarra por sí mismo cuando tenía 7 años, estudió trompeta y solfeo en la Academia de Música José Ignacio Quintón en Coamo. Jamás olvida al maestro Juan Suárez Cruz de quien adquirió los primeros conocimientos musicales.
A los 16 años preparó sus bártulos y se encaminó hacia Nueva York donde aprendió más sobre música en la escuela superior y en clases privadas. Luego se fue puliendo con libros, pero “donde uno se perfecciona más es en la práctica y relacionándose con gente que puede ayudar a uno a seguir hacia adelante”, aseguró Bobby durante su visita a EL VOCERO.
Comenzó como bajista cuando acompañó a Tito Rodríguez en una gira en Venezuela y tuvo que tocarlo porque se enfermó el contrabajista. En 1964, tocó el contrabajo con Tito y luego se unió a la Charanga Moderna de Ray Barreto.
En la Ciudad de los Rascacielos conoció a Johnny Pacheco, director musical y uno de los fundadores del famoso sello discográfico Fania, al que se unió junto a Larry Harlow. En 1965, Bobby decidió organizar su orquesta y con el sello Fonseca difundió su primer disco “El mensajero” donde cantaba Marcelino Morales.
“En mis primeros años como músico profesional en Nueva York toqué con varias orquestas, con Joe Quijano, Willie Rosario, Charlie Palmieri, Ray Barreto y Tito Rodríguez. Siempre tenía en mente de que algún día quería formar mi propia orquesta como cualquier ambición de músico y arreglista. Cuando uno es arreglista, tiene una visión más completa de hacer una orquesta porque creas un sonido, una identidad y un estilo. De toda la experiencia que adquirí con todas estas agrupaciones fui cogiendo un poquito de aquí y de allá. Hasta finales del año 65 decidí formar la orquesta y tuvo buena aceptación porque comencé con el pie derecho”, narró el arreglista y director musical, acompañado de su bajo que compró en Nueva York hace nueve años.
Con la Fania tuvo “la oportunidad de conocer a mucha gente en el ambiente musical y de viajar a muchos lugares que jamás pensábamos que la salsa iba a llegar”. Todavía vive en su mente la presentación de Las Estrellas de Fania en Zaire, Africa, hace 37 años.
“Allí se celebró un concierto gratuitamente para el pueblo y lo auspiciaba el gobernador de Zaire. En la salsa, los ritmos son africanos. Se llevó a ese festival todo lo que se relacionaba con la música negroide. En lo que es salsa caribeña, nosotros fuimos a representarla. Fueron cerca de 200,000 personas porque fue en un estadio grandísimo. También fue impresionante cuando fuimos a Francia y a Japón”, recordó Bobby, fundador del sello discográfico Bronco.
Añadió que Cortijo y su Combo fue el único grupo que viajó por América del Sur, Centroamérica y Estados Unidos en los años 60, pero Las Estrellas de Fania y Tito Puente abrieron las puertas a muchos exponentes de la salsa. Recordó que por primera vez escuchó el término salsa en a fines de los 60 cuando fue a Venezuela con Tito Rodríguez y la usó el locutor Phidias Danilo Escalona para generalizar los ritmos tropicales.
“El ritmo de la salsa se podría decir que fue en Nueva York. El que dio a conocer el género salsa en el mundo entero, lo que es la salsa y el estilo nuevo fue el puertorriqueño”, informó “El Rey del Bajo”.
Y su orquesta ha sido parte de la difusión y perpetuidad de la salsa. Son muchos los éxitos que calaron entre los salseros que todavía quieren escucharlos en las presentaciones de la Orquesta de Bobby Valentín.
Después de “Buba” Morales cantaron en su orquesta Frankie Hernández que interpretó “Huracán de pasión”; y Marvin Santiago con quien grabó en directo desde la Penitenciaría Estatal dos discos: “Bobby Valentín va a la cárcel, Vol. 1 y Vol. 2”.
Johnny Vázquez grabó en 1976 el disco “Afuera”, uno de los preferidos de Bobby y cantó en la orquesta durante 25 años. Luiggi Texidor y “El Cano” Estremera también pusieron sus claves en el éxito de la orquesta y popularizaron temas inolvidables a fines de los años 70 y 80. También integraron la orquesta Rafú Warner, Luisito Carrión y Giovanni Lugo.
El año próximo planifica grabar un disco nuevo de salsa y otro de jazz latino con sus cantantes Alberto Teixera, Wicky González y Alexander López. Mientras tanto, sigue presentándose en diversos bailes y actividades.
“A principios del 70 me mudé de Nueva York para Puerto Rico. Vi que en Puerto Rico había unos cambios inmensos en el ambiente musical. En aquel entonces había mucha competencia en Nueva York. Aquí había competencia, pero había más oportunidad para el tipo de música y el estilo mío. Creí que aquí podía progresar más que en la ciudad de Nueva York y no me equivoqué porque entiendo yo que me ha ido muy bien hasta el día de hoy”, expresó satisfecho Bobby, padre de dos varones y tres mujeres.
Fuente: Primera Hora, Puerto Rico. Por: Héctor Aponte Alequín
Ponce. Los llamados pobres de Puerto Rico son, en realidad, los más ricos. Cuando el sistema económico y político los arrincona en la calle, se dan cuenta de que, aunque no le saquen ni un solo centavo, por sus venas corre un legado de oro: la cultura... pero no cualquier cultura.
“Ahí está África, con sus ganas de echar pa’ alante, con su fuerza para aguantar cantazos, con su alegría y ánimo de compartir... Ésa es la que está dentro de nosotros cada vez que agarramos un pandero. Somos el barrio, somos La Cuarta, somos Ponce y somos Puerto Rico. Contra todas las dificultades que nos ponen, tenemos un compromiso con la plena y la bomba, y eso es lo que representamos con esta nominación”, expresa Ángel “Papote” Alvarado.
“Ésa es la Esencia”, añade el director del grupo así llamado mientras varios de los 15 integrantes lo observan con una mirada de aprobación en una de las mesitas de Faly’s Sport Bar, en ese barrio, a pasos del campo de pelota donde celebran todos los veranos el Festival Nacional Afrocaribeño.
Esencia fue nominado por primera vez al Grammy Latino por su disco Con la fuerza de un tren, su cuarta grabación. Se trata de una producción independiente en la que cada miembro donó su talento, menciona Papote. Así, compiten en la categoría de mejor álbum tropical tradicional contra cuatro “hermanos cubanos que admiramos”: Toda una vida, de Albita; El son de altura, de Adalberto Álvarez; The Last Mambo, de Cachao; y Oye mi son santiaguero, del Septeto Santiaguero.
Para los integrantes de la agrupación, este reconocimiento es motivo de un orgullo muy profundo, tomando en cuenta que el álbum se logró luego de dos años de “sacrificio tras sacrificio”, en palabras de Héctor Gastón, el director musical.
No a ser pieza de museo
Pero, ¿por qué es un proceso sacrificado? ¿Por qué es cuesta arriba? ¿Por qué aparece el tono de lamento cada vez que se habla de los ritmos afrocaribeños? Papote y algunos de los músicos, entre ellos Kriptony Texeira, Diadel Rivera, José Luis Reyes y Elvin López, van más allá de señalar como obstáculos la poca exposición de estos géneros en la radio y en los espectáculos masivos.
Esa laguna es el resultado de una realidad histórica que con frecuencia se ignora cuando se habla de música en la Isla. “Nos hemos convertido en pieza de colección de museo”, afirma Papote Alvarado. “Y no puede ser así”, añade mientras golpea la mesa con el puño cerrado.
“Si vienen los príncipes de España, buscan la bomba. Si quieren impresionar a artistas de Estados Unidos, buscan la plena. Pero, cuando es para nosotros mismos, no la aceptamos tan fácil”, expresa el músico.
“En las escuelas, en los libros, siempre hay más información de lo español y lo taíno de nuestra cultura. ¿Dónde está lo africano? Pues claro que va a ser difícil grabar esta música, si esa parte se ha hecho invisible”, apunta.
Alvarado matiza que esa invisibilidad ha sido intencional por parte del Gobierno y otras instituciones, como la educación y la religión. Como ejemplo concreto, menciona la enmienda a la Ley 223, según la cual se destina, del total de fondos asignados para la contratación de artistas, sólo el 10 por ciento a exponentes de bomba, plena, danza y trova en las actividades sufragadas con dineros públicos.
A pesar de esos esfuerzos de coerción, la plena y la bomba se cuelan en el diario vivir, aunque de manera marginal.
A los integrantes de Esencia les gustaría asistir a la ceremonia de entrega de esos galardones el próximo jueves, 10 de noviembre, en Las Vegas, Nevada. Sin embargo, no saben si tendrán el presupuesto para el viaje.
“Si no viajamos, no importa. Ya nos sentimos ganadores. Es un honor que se reconozca lo nuestro en el exterior. Eso es como si fuéramos millonarios ya, como si hubiéramos vendido millones de ejemplares”, indica Kriptony Texeira.
“Por eso, a la gente que esté pensando quitarse, les decimos que sigan pa’ alante, que vale la pena”, exhorta José Luis Reyes mientras el sol se pone en el campo de pelota de La Cuarta.
Existen en internet cientos (¿o miles?) de videos de Héctor Lavoe. Los que les traigo a continuación son dos videos largos que pertenecen (según lo indicado) a 1985 y 1986.
El primero: He visto varios videos de Héctor, pero ninguno me ha emocionado como éste. Porque yo "alucinaba" en los 80s cuando escuchaba en el programa radial Sonido Latino (de Hugo Abele) esos shows de El Corso o del Red Parrot, que con el tiempo conseguí, para "aprenderlos casi de memoria". Verlo ahora me dejó sin palabras, "me hizo" el fin de semana.
Los músicos en esa noche de 1985 en el Red Parrot son Edwin Gonzalez y Danny Jiménez en las trompetas, Orlando Peña y Orlando Oquendo en los trombones, Milton Cardona en las congas, Tito Ocasio en el bongó y Víctor Pérez en el timbal. También están en Professor José Torres al piano y John Henry Robinson III en el bajo. No tengo claro quién hace coros en esta actuación (pensé que era Chegüi Alvarez, pero "Pulpo" Colón me corrigió, aunque tampoco se acuerda de quién se trata)
Los temas son: "Mi Gente", "La Fama", "La Murga", "Déjala Que Siga" y "El Cantante".
Gózenlo de una, son 45 min.que valen la pena; si les gusta Lavoe, claro.
El segundo: Está fechado 27 Julio 1986 en Orchard Beach. Es decir sería de una semana antes que Lavoe llegara por primera y única vez al Perú. Y puede ser porque están casi todos los músicos que llegaron con Héctor a la Feria del Hogar, excepto Gilberto "Pulpo" Colón Jr. (piano) y John Henry Robinson III (bajo), quienes no estuvieron en Lima en Agosto de ese año..
Los temas de esta secuencia son: "El Rey de la Puntualidad", "La Murga", "Mi Gente", "El Cantante" y "Periódico de Ayer". Otro imperdible....
No tiene que ser 29 de Junio o 30 de Setiembre para recordar a"El Cantante de los Cantantes".
Gracias a Jaime Jaramillo (y a Orlando Godoy) por los videos. Y Gracias (de nuevo) a Héctor (donde quiera que esté) por hacer mi vida un poquito más alegre....
El músico Edmundo Ros, a quien se le atribuye haber difundido la música latinoamericana en el Reino Unido, murió a los 100 años.
"Murió anoche en forma pacífica en su casa en España, dos meses antes de su cumpleaños 101", dijo el secretario de la organización de beneficencia musical Grand Order of Water Rats.
Ros nació en 1910 en Trinidad y Tobago, hijo de padre escocés y madre venezolana.
En Caracas fue donde comenzó su carrera musical.
AP
El influyente músico anglo-venezolano Edmundo Ros, falleció el viernes en Alicante, España, apenas dos meses antes de cumplir 101 años, dijo su familia ayer sábado.
Edmundo Ros inició su carrera musical en el ejército venezolano, pero realmente se consolidó una vez que se mudó a Londres, Inglaterra, en 1937.
Douglas, el hijo de Edmundo Ros, dijo que su padre sirvió como “embajador de la música latinoamericana” en la capital británica, introduciendo en el país el ritmo de la rumba y su música fue tan popular que la entonces princesa Isabel (hoy reina de Inglaterra) tuvo su primer baile público al compás de la orquesta de Edmundo Ros, en la década de 1940.
EDMUNDO ROS
Edmundo William Ros nació en Puerto España, Trinidad, el 7 de diciembre de 1910, era hijo de una venezolana con ascendentes africanos, y su padre era escocés, por lo que poseía nacionalidad venezolana y británica. Fue un músico, vocalista y director de orquesta, conocido internacionalmente por su fusión de la música latinoamericana tradicional y moderna.
En el mundo anglosajón, se le llama con el sobrenombre de “King of Latin American Music” (“El rey de la Música Latinoamericana”).
SU VIDA
Sus padres se separaron siendo él muy joven, por lo que se trasladó en 1927 con su madre a Caracas, Venezuela, ingresando después en la Escuela Militar, época en la que se le despertaron sus aficiones musicales al entrar a formar parte de una banda militar donde tocó el bombardino durante unos 4 años y más tarde recibió una beca de música del gobierno. Vivió en Caracas hasta 1937. En junio de 1937 se trasladó a Londres, Inglaterra, para estudiar música clásica en la Academia Real de Música y pronto volvió a tocar música popular.
RECONOCIMIENTO BIEN GANADO
En 1939 formó su propia banda de rumba y en 1941 y tocaba regularmente en el elegante club “Coconut Grove” en Regent Street, que atraía a muchos miembros de la alta sociedad y se ganó el reconocimiento con la canción “Los Hijos de Buda”.
En 1946 poseía un club, una escuela de danza, una compañía discográfica y agencia de artistas. Su banda creció hasta los 16 músicos. Su álbum “The Wedding Samba” vendió tres millones de copias en 1949.
En 1951 compró el club “Coconut Grove” y lo rebautizó con el nombre de 'Edmundo Ros' Dinner and Supper Club, que se hizo popular por su atmósfera y música; éste cerró en 1965. De 1964 a 1968 regentó el internacionalmente conocido y muy exclusivo “Edmundo Ros Club”, en Regent Street, Londres.
CONDECORADO POR LA REINA ISABEL
En 1975, a la edad de 65 años, se retiró y se radicó en Jávea, en España, y el 8 de enero de 1994 dio su último concierto público, y a la edad de 100 años, Edmundo Ros todavía seguía fuerte y su majestad, la reina Isabel II de Inglaterra, le concedió la Orden del Imperio Británico, en la “Honours List”.
Según su familia, Edmundo Ros falleció pacíficamente este viernes en Alicante, España, donde se realizó el funeral privado del músico.
Mensaje de Omar Córdova. Se viene una nueva "Descarga en el Barrio", el próximo sábado 29 de Octubre
DescarGa en el Barrio, encuentro de amistad, Salsa y goce intenso.
Todos! todos los amantes de la rumba y el tambó nos juntaremos en esta reunión de carácter obligatorio. La cita es este Sábado 29 de Octubre en Jr. Cervantes 159 (entre cuadras 2 y 3 Av. Brasil). Siempre con el ambiente de familiaridad y esa mística que se respira en vuestra DescarGa.
Para que la DescarGa esté más encendida, presentamos en esta ocasión una súper edición denominada: "GRACIAS PALMIERI", dedicada a los hermanos Palmieri, Eddie y Charlie, los bravos de la película! Los hermanos Palmieri representan a los más grandes e importantes exponentes del desarrollo de la llamada Salsa. Charlie y Eddie Palmieri nos han demostrado y demuestran que su música nace del alma, esa expresión que nos hace feliz; es por eso que merecen un justo tributo. Vámonos pal' monte!
Y como aquí nadie se queda sin bailar, la programación musical será exquisita. Bloques con música Palmieromana y los más excitantes estilos de la música afrocaribe. Del Son a la Salsa más berraca. Los oídos, la cintura y los pies... gozarán de felicidad! Definitivamente una DescarGa de desbordante sabrosura!
Ya pueden adquirir sus entradas en nuestra tienda del C. C. Arenales (Av. Arenales cda. 17) Tda. 3-18. 2do. nivel - Lince. La atención es de 12 del medio día a 8 p.m. Como siempre la preventa tiene un descuentazo especial.
Tomen nota a la promoción de la preventa:
· Hasta el viernes 28 de Octubre: entradas a sólo S/. 15 soles.
· Día del evento S/. 20 soles.
Ya lo sabes, ya te lo dije, así que... Y después no me digas que a la Rumba no te invité!
NUEVA YORK - La cantante cubana Celia Cruz recordada por éxitos como “La vida es un carnaval” y “La negra tiene tumbao”, entre otros, quien cumpliría este viernes 86 años, actualmente está nominada a entrar al Salón de la Fama de Nueva Jersey.
Ante esto, los ciudadanos de Nueva Jersey tendrán que votar para elegir a los ganadores, que se darán a conocer en tres meses y que entrarán a este lugar el próximo año.
En Caracas, Venezuela, realizaron en septiembre pasado homenaje a “La Reina de la Salsa”, con el musical “Yo viviré”, escrito por Belkys, de Jesús Ávila Mirabal, que plasma su vida, así como su trayectoria musical desde que se inició con la Sonora Matancera hasta sus últimos días.
¿Quién era Celia Cruz?
Celia Caridad Cruz Alfonso nació el 21 de octubre de 1925 en Santos Suárez, La Habana (Cuba), hija de Simón Cruz y Catalina Alfonso, comenzó a cantar a los 14 años en concursos de aficionados.
Estudió teoría musical, piano y voz en el Conservatorio Nacional de Música, y empezó a recibir reconocimientos en todo el mundo.
Se integró con la Sonora Matancera en 1950, con la cual grabó temas como "Yerbero moderno", "Burundanga" y "Caramelos".
Después conoció a Pedro Knight, uno de los dos trompetistas de la agrupación, con quien sostuvo una relación que los llevaría al matrimonio, el 14 de julio de 1962, unión que duró más de 42 años.
En 1960, Celia dejó Cuba para residir en México, y posteriormente en Estados Unidos.
Grabó varios discos al lado de Tito Puente, con lo que despertó el interés del público anglo y europeo por la música latina, fenómeno que en los 70 llegó a conocerse como el "boom" de la salsa.
También colaboró con Johnny Pacheco, Willie Colón, Pete "Conde" Rodríguez, Ray Barretto, la Sonora Ponceña, Fania All Stars, Dionne Warwick, Patti Labelle, David Byrne, Gloria Estefan y Wyclef Jean.
"La Reina de la Salsa" apareció además junto a agrupaciones de rock como la banda argentina Los Fabulosos Cadillacs, con la que grabó la exitosa canción "Vasos vacíos".
En 1987 develó su estrella en el Paseo de la Fama en Hollywood, y dos años después, ganó el primero de sus cinco premios Grammy, posteriormente acumuló dos más.
Tres años más tarde la Calle Ocho de Miami se nombró "Celia Cruz Way" y, en 1991, esa ciudad le dio la estrella, honor que también le han conferido otros paseos dedicados a luminarias en San José, Costa Rica, y en la Ciudad de México.
En la década de los 90 recibió el premio Éxito de Vida, de la institución Smithsonian; la Medalla Presidencial en las Artes de la República de Colombia, y el premio Éxito de Vida de los Hispanic Heritage Awards; además, la Ciudad de San Francisco declaró el 25 de octubre (1997) Día de Celia Cruz.
En 1994 recibió de manos del entonces presidente de Estados Unidos, Bill Clinton, el National Medal of Arts, conmemoración del más alto honor que se concede a las artes, en una ceremonia que se realizó en la Casa Blanca en Washington.
Obtuvo tres doctorados Honoris Causa de Yale, Florida International University y la Universidad de Miami.
Además participó en 10 películas entre las que destacan: "The mambo kings" y "The Pérez family", por citar algunos títulos.
En 2000, además de recibir una serie de homenajes, ganó el primer Grammy Latino por Mejor Álbum de Música Tropical, y en 2001 se le nominó nuevamente e ingresó al Paseo de la Fama del Jackie Gleason Theater of the Performing Arts, de Miami.
La Fundación Celia Cruz se creó en 2002 gracias a la ayuda de su esposo Pedro Knight y de su manager Omer Pardillo, con lo que se realizó uno de los sueños de la intérprete, al mostrar una vez más su dedicación y apoyo para ayudar a los demás.
"La Reina de la Rumba" cuenta en su haber con éxitos como "Cucala", "Usted abusó", "Toro mata", "Quimbara", "Vamos a guarachar", "Vieja Luna", "No aguanto más", "Oye como va", "La sopa", "Dos días en la vida", "Contrapunto musical" y "La pachanga".
"Oye como va", "La sopa", "Dos días en la vida", "Contrapunto musical", "La pachanga", "Por si acaso no regreso", "Sobreviviré" (I will survive), "La medicina cubana", "Quítate de ahí", "La llave", "Uno", "Tu voz" y "La negra tiene tumbao" son sólo algunos de los temas que caracterizaron su trayectoria.
En marzo de 2003, la cadena Telemundo le rindió un homenaje con el título "Celia Cruz: Azúcar!", con la participación de grandes estrellas de la música latina y norteamericana.
Los fondos recaudados fueron donados a la Fundación Celia Cruz en junio de ese año.
"La Reina de la Salsa" falleció en su penthouse de Fort Lee, Nueva Jersey, el 16 de julio de 2003, víctima de cáncer encefálico.
Sus restos fueron transportados a Miami y velados en la Torre de la Libertad y, posteriormente, llevados de regreso a Nueva York, donde recibió sepultura el 22 de julio, en el cementerio de Woodland, en el Bronx.
A pesar de todo su talento y los premios que recibió, Celia Cruz fue poseedora de una sencillez increíble y una alegría contagiosa; además, escribió uno de los capítulos más importantes de la historia musical afrocubana y del mundo.
Durante 2007 y 2008 se realizó en el New World Stages de Nueva York el musical titulado "Celia", basado en la vida de la cantante, con actuaciones en inglés y español, y que obtuvo cuatro premios HOLA.
Entre sus disco póstumos se encuentran "Su música por el mundo en vivo" (2008), "Inolvidable" (2009) y "La Reina y sus amigos", el más reciente.
En ese año fue lanzado el documental "Celia the Queen", bajo la dirección de Joe Cardona y Mario De Varona, que contó con la participación de artistas de la talla de Gloria Estefan, David Byrne, Quincy Jones y Andy García.
En 2010, se ha mantenido como referencia de exponentes de la música rítmica en la que se conoció con la Sonora Matancera y por la que fue incluida en los “20 iconos globales”.
Asimismo, “La Reina de la Salsa” fue nombrada como uno de los mejores iconos de los últimos 50 años, junto a cantantes como Juanes y Michael Jackson, de acuerdo a la cadena CNN y la revista “Songlines”.
Mañana Viernes 21 en el Jazz Zone de Miraflores la Orquesta Sabor y Control presentará su quinto disco, titulado El Más Buscado. La cita es a partir de las 10 de la noche.
Fuente: El Comercio, Perú LANZAMIENTO. “El más buscado” Sabor y Control presenta su nuevo disco
LA POPULAR BANDA PERUANA DE SALSA LANZARÁ SU DISCO MÁS RECIENTE MAÑANA EN EL JAZZ ZONE DE MIRAFLORES Jueves 20 de Octubre del 2011
Ya nadie puede dudar de que la salsa peruana ha encontrado a una de sus bandas más representativas en Sabor y Control.
Como para corroborar el lugar que tienen dentro de la escena local, la banda liderada por Bruno Macher lanzará mañana su disco más reciente, titulado “El más buscado”.
“Todos nuestros discos tienen mucha espiritualidad –declara Macher–. En esta ocasión hemos incluido una canción sobre un santo llamado ‘El Más Buscado’. Es un personaje que ayuda a la gente del barrio y que un día desaparece. No es un delincuente. Al contrario, con este disco queremos incentivar a los jóvenes a que se dediquen al arte en lugar de la delincuencia o el pandillaje”.
Agrega: “Por otro lado, el disco está enfocado en el tema de las cantinas, la celebración y las penas. La parte novedosa es la guitarra. Hablé con el guitarrista criollo Willy Terry y lo animé a participar tocando una introducción a una de las canciones. Willy también usó un cuatro y esa sonoridad quedó muy bien y seguro va a sorprender a los que siguen al grupo desde hace años”.
Están avisados, aficionados a la salsa buena y dura: mañana, “El más buscado” sale a la luz. Ya lo saben.
MÁS INFORMACIÓN Lugar: Jazz Zone Dirección: Av. La Paz 646, pasaje El Suche, Miraflores. Día y hora: Viernes 21, 11 p.m. Entrada: 25 soles.
Fuente: Primera Hora, Puerto Rico. Por: Mariela Fullana Acosta
La fama le tocó a su puerta cuando apenas tenía 17 años de edad. Siendo un adolescente, compartió tarima con los grandes de la salsa cuando formó parte de los integrantes de la orquesta La Fania All Star. Desde ese momento, la vida del cantante Ismael Miranda estuvo rodeada de excesos.
Pero, luego de 46 años de carrera musical y después de convertirse al cristianismo hace seis, la fama y la opulencia es lo que menos le interesa al cantante, quien acaba de lanzar su nuevo disco sacro Aferrado a ti.
“Ya yo tengo 46 años en esto y te voy a ser bien sincero, ya no estoy para estar en el limelight (luz del escenario), ni para que me den Grammys, ni para que me pongan en Billboard como que soy número uno, yo lo que estoy brindando es un servicio y yo estoy al servicio de Dios”, destacó ayer el cantante en entrevista con Primera Hora.
Y es que la carrera de Ismael Miranda ciertamente cambió desde que apostó por otro rumbo temático en su propuesta musical. Su nueva producción discográfica es ejemplo de ello, al incluir canciones con mensajes de fe y cargados de mensajes alentadores y positivos. Lo que no ha cambiado es la calidad sonora y vocal de este intérprete, que guarda en sus cuerdas vocales la misma fuerza y colores que lo han distinguido a lo largo de los años.
“Cuando uno entra a servirle al Señor, la gente piensa que se acabó el mundo y es lo contrario, ahí es que empiezas a vivir. Esto para mí es un nuevo estilo de vida que me gusta porque sé que las cosas que hago tienen sentido y no pierdo mi tiempo en otras cosas”, destacó el artista.
En su nuevo álbum, Ismael Miranda se enfocó en enviarle un mensaje a la juventud a través del tema Francotirador, primer sencillo en promoción. Esta canción aborda la historia de un adicto, quien intenta sin éxito salir del vicio. El vocalista precisó que la melodía lleva un mensaje claro a que las drogas no son el camino correcto y es evidencia de su compromiso con los más jóvenes del país.
“Mi preocupación es la juventud, porque si nosotros no logramos de alguna forma rescatar la juventud, no sé qué va a pasar con Puerto Rico”, destacó.
En este álbum, el artista también incluyó composiciones de cantantes amigos como Víctor Manuelle y Domingo Quiñones. Mientras que Gilberto Santa Rosa lo ayudó en los coros.
“Tengo hoy más amigos que nunca y los amigos que siempre tuve todavía los tengo y ahora los amo más porque ahora el amor es verdadero, no hay interés”, comunicó Ismael Miranda, quien entiende que Puerto Rico necesita “ volver a darse las manos como niños y a mirarse a los ojos”.
El nuevo disco del vocalista ya está a la venta. Para más información sobre el álbum del artista, acceda a su página web
El pasado lunes 17, el Concejo de la Ciudad de New York rindió un homenaje póstumo al promotor musical Ralph Mercado, fallecido hace más de dos años.
Con esta Proclamación, "La Gran Manzana" rinde honores a uno de los propulsores más dinámicos que tuvo al Salsa, tanto como promotor, representante y dueño de la disquera RMM.
A la ceremonia asistieron sus hijos Ralph III y Damaris, además de los nietos del recordado empresario salsero
El panameño Rubén Blades, recibió un reconocimiento de la Organización Hispana de Actores Latinos (HOLA) durante la gala anual en la que distingue el trabajo de sus miembros en teatro, cine y televisión.
Blades, que se dio a conocer como cantante y compositor en la salsa y luego se abrió paso en la actuación, así como en la política, recibió este lunes en Nueva York el premio Raúl Juliá ("Romero", "Tango bar", "The Addams Family"), que lleva el nombre del fenecido actor puertorriqueño.
"Es un honor que me asocien con el nombre de Raúl Juliá, a quien admiraba, un puertorriqueño que no sólo dio muestras de gran talento, sino de preocupación social", dijo Blades en el evento, en el que dedicó el premio a su fallecida madre, Anoland, a sus compañeros actores "y sobre todo a Panamá".
El cantautor y actor panameño destacó que Juliá (1940-1994) fue un "gran talento" y "excelente" no sólo en su trabajo como artista sino como persona, que tuvo "una gran pasión" por lo que hacía.
"Estamos recordando a Raúl y para mi eso es un honor enorme", reiteró Blades, exministro de Turismo de Panamá bajo la Presidencia de Martín Torrijos (2004-2009).
El grupo puertorriqueño de salsa N'klabe informó que sacará el próximo diciembre su nuevo disco, "Aires de Navidad", que incluye éxitos de Willie Colón y Héctor Lavoe, así como colaboraciones de la Sonora Ponceña y el dominicano Sergio Vargas.
Algunas canciones grabadas por N'klabe de la primera edición de "Asalto navideño" (1971) de Colón y Lavoe son "Aires de Navidad", "Canto a Borinquen", "La murga", mientras que de la segunda publicación del legendario disco producido por el sello Fania destaca "La banda".
El disco "Aires de Navidad" incluye además el tema "La parranda Fania", de la producción "Feliz Navidad" (1979), también de ese sello discográfico.
Otras canciones incluidas son "Canción", junto al director y pianista Papo Lucca y su agrupación La Sonora Ponceña, y las remezclas de "Aires de Navidad" y "Canto a Borinquen", junto a Vargas y el bachatero dominicano Deecoy, respectivamente.
Deecoy grabó también con N'klabe el tema inédito "Que se sepa".
N'klabe señaló hoy en un comunicado que con este disco busca que la juventud disfrute de las canciones con las cuales ellos crecieron, despertar la nostalgia de sus padres y unir a los países latinoamericanos en la época más importante del año.
Felo Torres, líder de la orquesta boricua, agregó que "Aires de Navidad" es "más que un disco", es "uno de los proyectos más especiales" que han hecho como grupo.
"Es una responsabilidad muy grande el 'regrabar' estos temas que fueron interpretados originalmente por una leyenda de la música, pero lo hacemos con mucho respeto y mucha alegría. Es un privilegio", admitió Torres.
Fuente: Primera Hora, Puerto Rico
Con el interés de traer alegría a la comunidad Latina de todo el mundo, la agrupación N'klabe presenta para esta Navidad una producción musical muy especial.
"Aires de Navidad" es la pieza en la que los artistas rinden homenaje a la época navideña de Fania en un compilado de los temas navideños más queridos y recordados de este importante sello, con el propósito de brindarle a la juventud la oportunidad disfrutar de estos temas, despertar la nostalgia musical de nuestros padres, y unir los países latinos en la época mas importante del año.
"Para nosotros esto es más que un disco. Es uno de los proyectos más especiales que hemos hecho como grupo. Es una responsabilidad muy grande el regrabar estos temas que fueron interpretados originalmente por una legenda de la música, pero lo hacemos con mucho respeto y mucha alegría. Es un privilegio.", expresó por escrito Felo Torres, líder de N'klabe.
El sencillo escogido para representar este proyecto es el éxito "Aires de Navidad", el cual trae la esencia de lo que es la Navidad tradicional, la salsa de Fania y el "vibe" único que tiene N'klabe.
El tema, que va a estrenar el próximo mes en la radio, tiene una versión especial en donde se une Puerto Rico, República Dominicana y Colombia al fusionar las voces de N'klabe con las de los maestros Sergio Várgas y Jorge Celedón respectivamente.
En las próximas semanas estarán filmando un vídeo correspondiente a este tema en Nueva York, Puerto Rico, República Dominicana y Colombia.
Cuando en el año 2003 se formó el grupo (compuesto hoy por Felo Torres, Roberto Karlo Figueroa y José Rubén Ruíz) su objetivo era llegar a la juventud, especialmente a los latinos que crecieron escuchando salsa, pero que no la reconocen como género musical de su generación.
"Conozcan a la gente, oigan las historias, compartan la pasión: Por Amor al Mambo", es lo que dicen Marsha Baxter y Doyle Dean, los productores del documental For The Love of The Mambo, protagonizado por Mambo Legends Orchestra y que verá la luz el año que viene.
Por ahora, vean el trailer donde aparecen entre otros José Madera, Mitch Frohman y Johnny "Dandy" Rodríguez. En especial, vean también como se emociona Sonny Bravo al recordar un episodio muy especial con El Rey Tito Puente y a Cita Rodríguez, entonando unas frases de "Abrázame Así", la gran composición del recordado Mario Clavell (fallecido en Marzo de este año)
El salsero Víctor Manuelle comparte con varios artistas urbanos en su nuevo trabajo, con el que agradece a los latinos por su apoyo y dedica el tema "Busco un pueblo", que le da título al disco, a la comunidad inmigrante.
El disco, del que dijo tendrá "un sonido más refrescante, urbano" sin dejar la salsa, saldrá al mercado en noviembre luego de poco más de un año alejado de los estudios de grabación, en los que recorrió los países latinoamericanos y europeos con su música.
Víctor Manuelle aseguró a Efe que compuso el tema "Busco un pueblo" dedicado a los inmigrantes que viven en este país sin documentos y que luchan por salir adelante.
"Luego de muchos años de escribir al amor y desamor, uno tiene que unirse a una causa y ser portavoz de un mensaje", dijo y agregó que el tema fue inspirado en los latinos sin documentos que afrontan problemas con las leyes migratorias y que son abusados en este país.
"El tema habla de un pueblo latino dispuesto a luchar y echar pa'lante. Los apoyo y con esta canción quiero decirles que me uno a ellos, aunque por ser puertorriqueño no tenga sus mismos problemas" migratorios, sostuvo el sonero.
El puertorriqueño dijo además que busca que el público ponga atención al tema y que dedica el disco a todos los latinoamericanos que han apoyado su carrera.
"Todos los países que visito me reciben con las puertas" abiertas, sostuvo el puertorriqueño, que compuso cinco temas para su nuevo álbum.
El cantante está promoviendo el primer tema "Si tu me besas", en el que se escucha el ritmo de la bomba, de la autoría del venezolano Oscar Hernández, del que dijo ha recibido reacciones "increíbles" del público tras publicarlo en iTunes.
Destacó que es la primera vez que graba bomba en uno de sus discos. "Llegó el momento y que mejor que hacerlo con un tema romántico", indicó.
Aseguró a Efe que durante sus presentaciones en América Latina ha podido ver la reacción a la salsa de un público joven y quiso integrarlos a su nuevo proyecto a través de cantautores urbanos como Wyse y Nacho, del dúo de Chino & Nacho.
"Esa lírica juvenil, combinada con mi sonido conforman esta propuesta", dijo además a Efe y agregó que para este proyecto lo que ha hecho es traer artistas urbanos al género de la salsa.
"Traje gente de otros géneros para hacer salsa, por eso mi disco es ciento por ciento salsa. No van a encontrar reguetón u otros géneros urbanos", aseguró Víctor Manuelle, quien para este proyecto grabó el tema "Ella lo que quiere es salsa" con Voltio y Jowell y Randy.
Recordó que cuando la salsa nació como género era la música urbana de aquél entonces porque hablaba de las cosas que ocurrían en las comunidades. "Cuando la salsa se movió a ser más romántica, surgió el género urbano de la necesidad de los jóvenes de expresarse", destacó.
Víctor Manuelle también tiene como invitado en su disco al cantante dominicano de música sacra Marcos Yaroide, con quien grabó la balada "Llegaste tú".
No es la primera vez que el salsero hace colaboraciones con artistas urbanos, pero, destacó, es la primera vez que les lleva a cantar sólo salsa, sin fusionar los géneros.
Aseguró que hacer este proyecto "era necesario en mi carrera y en el género porque tenemos que darle la oportunidad a jóvenes con otra visión, que tienen con otro oído musical y que nos dejen saber cómo es que quieren escuchar la salsa".
"Nuestro género es muy tradicional, muy respetado porque tiene formas de tocarlo e interpretarlo pero tenemos que entender que hay jóvenes con nuevas influencias y tenemos que darle voz a esa creatividad", sostuvo y aseguró que el interés por la salsa sigue creciendo en América Latina, en plazas no tradicionales para el género como Chile y Argentina.
Víctor Manuelle regresa a nuestro país para un concierto este viernes 14 de octubre, en el cual presentará de su nuevo disco titulado “Busco un pueblo” el single promocional “Si tú me besas”.
LA SALSA SIGUE FUERTE
“Luego de visitar tantos países alrededor del mundo me doy cuenta que la salsa sigue siendo uno de los géneros más aclamados a nivel internacional. Sé que sólo es cuestión de hacer unos cambios que vayan acorde a estos tiempos y el gusto de la juventud y las nuevas generaciones, sin perder la escénica de nuestros ritmos tradicionales”, comentó el artista.
Las entradas para ver a Víctor Manuelle este viernes 14 de octubre en discoteca Vocé de Lince y están a la venta en Teleticket de Wong y Metro.
El pasado domingo 9, el timbalero Orlando Marín celebró sus 60 años de músico en New York. A continuación un fragmento de la celebración en el restaurante Don Coqui (cortesía de Richard Pagan) y una nota (en inglés) publicada en el New York Times
At 77, ‘Last Mambo King’ Refuses to Let the Rhythm Fade By MEREDITH HOFFMAN
With a red vest gleaming against his smart black suit, the Last Mambo King took center stage. Orlando Marin screwed on the timbales with white-gloved hands, eyed his fellow musicians, and then — bam! — mambo filled the South Street Seaport lounge. His brush stroked a cymbal; he sang out in Spanish and bobbed his head.
But on their Friday happy hour, most of the tipsy young revelers tried to block out the silver-haired 77-year-old and his band — they raised their voices or turned to a game on television. A few jokingly twirled for half a minute, then strutted out the door to the rain. Apart from Mr. Marin’s bouncing hips, the truest dancers were the harbor’s rocking ships, visible through the window.
This was far from the 1950s and the packed Palladium Ballroom in Midtown, where couples shook and spun to Mr. Marin’s number one hit “Se Te Quemó La Casa.”
But Mr. Marin will not let the real mambo die.
“He really is the last man standing from that era,” said Bobby Sanabria, a Grammy-nominated percussionist and bandleader who grew up inspired by Mr. Marin’s tunes. “He represents a period of music that is majestic. You can’t talk about the history of New York without talking about mambo.”
Mr. Marin still seems to live in that era of 1950s New York, with mambo celebrities like Tito Puente, Tito Rodríguez and Machito slamming dance halls with the Cuban-born beats.
Mr. Marin recalls, at age 11, asking God’s help to represent his fellow Puerto Ricans. Mambo, meaning “a conversation with the gods” in the Central African language Kikongo, was his answer.
After his first high school mambo dance class, he taught himself timbales — shallow, high-tuned drums — and started a neighborhood band in the South Bronx, with a future Grammy winner, Eddie Palmieri, then a 14-year-old prodigy.
That was 60 years ago, when Mr. Marin was 16. Salsa en la Calle via Youtube
“He still plays the old style — he hasn’t conformed to what you call ‘salsa,’ ” said Jose Conzo Sr., a music historian and former archivist for Tito Puente. Mr. Conzo lamented the new commercialized name that serves as an umbrella for mambo, cha cha and other Latin rhythms. “When you look at the definition of salsa, it’s tomato sauce — you can’t dance to it!”
Mr. Marin performed with Charlie Parker at the Hunts Point Palace in the Bronx, and with 100 other soldiers on the Ed Sullivan show after winning the All-Army Entertainment Contest while he served in Korea.
His orchestra graced the Taft Hotel’s hopping Saturday night dances, where Edwin Torres, now an 80-year-old retired judge, met his wife.
“It’s the most beautiful dance conceived of,” Mr. Torres said. “I’m greatly saddened that the younger Latino people aren’t into it like we were.” He added, “I guess it’s inevitable.”
When Mr. Puente died in 2000, Mr. Marin, who has released seven albums, proclaimed himself the Last Mambo King, and his surviving contemporaries allowed him the title. True, the music legends Eddie Palmieri and Johnny Pacheco are still performing, said Mr. Conzo, but Mr. Palmieri plays more jazz, and Mr. Pacheco does not play as often as Mr. Marin.
For Mr. Marin, who says he sometimes felt shut out of the record industry in the 1960s, this is his time to represent. In recent years he has won Latin music lifetime achievement awards, including the 1999 Bobby Capo Award.
So now, Mr. Marin is celebrating, with a blowout 60-year anniversary performance Sunday night at Don Coqui, a Puerto Rican restaurant in New Rochelle, N.Y. His son, Orlando Marin Jr, will be on bass, as he has been for the past 20 years in his dad’s band.
“It’s a blessing to play with him,” said the younger Mr. Marin, though he conceded that he would play mambo much less after his father is gone.
But Mr. Marin does not plan on stopping.
“As long as I’m alive,” he said, “I’m like a little kid.”
Otro personaje entrañable de la cultura popular cubana fue Ignacio Villa, conocido artísticamente por su apelativo de Bola de Nieve.
Con motivo del centanario de su nacimiento y de conmemorar 40 años de su muerte, el sitio web La Jiribilla de Cuba, le dedica su más reciente edición. A la memoria del "Mesié Julián"
El Salsero con uno de los músicos cubanos más importantes de todos los tiempos, Chucho Valdés
Cuando se habla o escribe sobre Chucho Valdés no hay elogio exagerado. Su obra sigue marcando huella en la historia del jazz y de la música cubana. Son "los Pasos de Chucho".
Valdés fue el responsable principal de Irakere, sin duda el grupo cubano más importante de la segunda mitad el Siglo XX, con el cual mostró sus dotes de pianista virtuoso, atrevido creador y exigente director, marcando toda una época al fusionar como pocos la música contemporánea, la hoy llamada "World Music".
Chucho, el hijo de Bebo, está cumpliendo 70 años. Estas pequeñas líneas van como homenaje en vida al artista que, ahora en un nuevo siglo, mantiene su vigencia en todos los escenarios del planeta.
A continuación una entrevista publicada al gran pianista cubano, con motivo de su cumpleaños 70
Chucho Valdés en sus 70 primaveras
Fuente: Prensa Latina, Cuba. Por Jorge Petinaud Martínez
La Habana (PL).-"Gardel dijo que 20 años no es nada, y yo sostengo ahora que 70 tampoco". Al iniciar la séptima década de su existencia, el pianista cubano Dionisio Jesús Valdés (Chucho) es, según sus propias palabras, "uno de los seres humanos más felices de esta tierra".
Nacido en Quivicán, La Habana -hoy provincia de Mayabeque-, el 9 de octubre de 1941, este gigante físico y del pentagrama ofreció esta entrevista exclusiva durante el homenaje que el guitarrista, director de orquesta y compositor Leo Brouwer organizó para celebrar ese cumpleaños y medio siglo de admiración y trabajo común.
Visiblemente emocionado en un salón del hotel Meliá Cohíba, Valdés se muestra exultante ante el humidor en forma de piano con 70 habanos marcados con una anilla especial en la que está estampado su rostro.
Más allá, las obras de arte y las flores obsequiadas por la Casa de África del centro histórico habanero, la Asociación Cubana de Artistas y Artesanos, la Sociedad General de Autores y Editores (Sgae), el hotel Meliá Cohíba, la Basílica Menor de San Francisco de Asís y la agencia de turismo Cuba Travel.
Sin desdeñar los lauros profesionales, cuando las palabras fluyen como agua de manantial al calor de la emoción, el músico mundialmente famoso, ganador de Grammys latinos y estadounidenses, insiste en otros temas que le resultan más entrañables.
"He tenido muchos premios, el primero la música, para la que nací con ciertas facultades. Otro, muy grande, mis padres, ambos preocupados por mí y que siempre me quisieron, al igual que mi familia, en especial mis hijos".
Interrogado acerca del III Festival Leo Brouwer de Música de Cámara que con cinco conciertos y tres conferencias entre el 30 de septiembre y el 7 de octubre le rendirá tributo, en especial con una Fiesta de la luz, el autor de Misa negra evoca esa amistad. "Uno de los premios más grandes que he tenido fue en el año 1961. Yo trabajaba aquí al frente, en el bar Elegante del hotel Riviera. Tenía 19 años y tocaba en un grupo. Interpretábamos música cubana nada más.
"Un día de esos que no había público, toqué una sonata de Mózart para mí mismo. Había una sola mesa con tres jóvenes, uno con lentes, un mexicano que era concertista y otra persona.
"Cuando terminé, el de las gafas me llamó y me dijo: "está buenísimo el Mózart caribeño que tocaste". Después se presentó, acababa de regresar de perfeccionar estudios de guitarra en Estados Unidos, era Leo Brouwer. Yo tenía 19 años y él poco más de 20.
"La gran sorpresa fue que poco tiempo después me mandan a buscar del Teatro Musical de La Habana. Brouwer fue la persona que habló para que diera el salto del bar Elegante a una buena orquesta.
"Estaba él, que componía y dirigía la orquesta, y yo lo aproveché al máximo. Le saqué clases de armonía, me revisaba todos los arreglos, me arreglaba todos los problemas. Ese es otro de los grandes premios.
"Fue donde se me abrieron las puertas, gracias a él. Fue una escuela el Teatro Musical, y realmente, cuando pasé a la Orquesta Cubana de Música Moderna, no quería dejar el teatro porque me sentía muy bien allí. Ya Brouwer no estaba en 1967, pero fue una escuela, desde donde pasé a la Moderna.
"Otro premio fue haber trabajado con todos los directores, desde Rodrigo Pratts, González Mantici, Duchesne Cuzánâ��, pasé por las manos de todos ellos. En 1960 casi toda la música que se escribió para cine, si no era Pura Ortiz, era yo quien estaba al piano.
"La música de Leo, todo lo que se hacía, y con Duchesne dirigiendo, que estaba especializado en la música de cine, cortos, películas (Lucía, Cecilia, Memorias del subdesarrollo), todo eso lo hacía yo.
"Grabé el último disco de Gonzalo Roig. La última vez que se sentó a dirigir fue en los Estudios de la Empresa de Grabaciones y Ediciones Musicales (Egrem). Ya estaba enfermo y en su último disco, dirigido por él, yo estaba en el piano.
"Internacionalmente, también trabajé con mucha gente. Hice el último disco de Josephine Baker, que se grabó en Cuba en 1966 con la orquesta del Teatro Musical, y con muchos directores extranjeros. Y eso ha sido un premio, esa escuela, ese camino".
-Pudiera parecer que su vida profesional transcurrió sin dificultades...
-"Hay momentos buenos y malos, y uno tiene siempre que ir adelante y saltar los obstáculos y vencer las barreras, aclara.
En la época de Irakere fue difícil hacer el grupo. Costó como cinco años para que lo reconocieran porque la Orquesta Cubana de Música Moderna era una institución, y al irnos los más jóvenes, quizás un poquito los más destacados, podía ser un problema, fue una dura lucha pero al final se resolvió".
Brouwer recuerda que el joven Chucho Valdés no persistió en sus proyectos hasta que venció las barreras burocráticas y abrió una senda que hoy lo coloca en la vanguardia mundial del jazz.
En alusión a otros amigos, el fundador y artífice principal de Irakere recuerda que en esa época ya había compuesto su famosa Misa negra y se le ocurrió grabarla.
"Encontré un grupo que se llamaba Tema IV-Carlos Alfonso, L Valdés (integrantes en la actualidad de Síntesis), Silvia Acea y Eliseo Pino-, ellos interpretaron la primera versión en el Teatro Auditorium Amadeo Roldán. Todavía está ahí, la tengo en un cassette.
"Todo lo demás ha sido trabajar, agradecer a quienes me han ayudado", enfatiza el actual director de Los mensajeros Afrocubanos.
-¿Cómo se ve a los 70 en relación con los inicios?
-Conceptualmente soy el mismo entusiasta, el mismo que quiere hacer cosas, que no para de trabajar; porque hay músicos que viven de la música y hay otros que viven para la música. Yo soy uno de estos últimos. Lo más importante en nuestra vida es hacer música, y tratar de hacerlo lo mejor posible. Es la forma de respetarnos a nosotros mismos y al público que se interesa por lo que hacemos.
He recorrido la música cubana desde el siglo XVII y XVIII, a través de Cervantes, Saumell, Lecuona, pero también de Sindo Garay, Arsenio Rodríguez, Matamoros, Ignacio Piñeiro, si no conoces el pasado nunca vas a llegar al futuro.
Tienes que conocer las raíces, hurgar en el pasado para poder trabajar un presente y, por supuesto, un futuro.
Son muy importantes los músicos que dejaron un legado para que podamos existir hoy, siempre habrá que decir, Ernesto Lecuona, Arsenio Rodríguez, Cervantes, Saumella, y si uno conoce la historia, inclusive si puede conocer cómo vivieron y se desarrollaron musicalmente, además de su música, eso le va a servir, independientemente a tu trabajo de superación personal, que es otra historia.
Yo estudio mucho y respeto mucho a los que dieron lugar a lo que hoy sucede, a Roldán, a Caturla, a todos."
El camino de los Grammy
Nominado 15 veces y ganador de una verdadera colección de Grammys entre las versiones latina y estadounidense de este lauro, avalado por académicos y de gran repercusión internacional, Chucho Valdés los prestigia.
Obtuvo el primero en 1979 por el disco Irakere, nombre de la banda de jazz que fundó en 1973 y dirigió hasta su desintegración.
Esta agrupación constituyó uno de los motores que revolucionaron el panorama musical cubano en los inicios de los años 70 junto al Grupo de Experimentación Sonora del Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC) y la orquesta Van Van entre las charangas.
En 1997, Habana, donde intervino con la orquesta Crisol (músicos estadounidenses, puertorriqueños y cubanos), del trompetista estadounidense Roy Hardgrove, le aportó otro gramófono.
Live at the Village Vanguard, grabado durante una actuación en Nueva York del cuarteto que Valdés integraba junto al bajista Frank Rubio, el percusionista Roberto Vizcaíno y el baterista Juan Carlos Rojas, fue premiado con otro Grammy en 2001.
El músico "todo terreno" sorprendió en 2002 con Canciones inéditas, trabajo discográfico de aire intimista, ganador de la versión latina de estos premios en la categoría de mejor álbum instrumental pop.
Nuevas Concepciones, un anticipo de cómo el pensamiento musical del artista se proyectaba hacia el siglo XXI, significó en 2004 un nuevo gramófono en el apartado mejor álbum de jazz latino.
Otro Grammy mereció ese mismo año por su participación en Buenos hermanos, del inolvidable Ibrahím Ferrer, a quien acompañó en las obras La música cubana, Hay que entrarle a palos a ese, Fuiste cruel y Boliviana, tema de su inspiración.
Junto a su padre Bebo, Chucho Valdés conquistó en 2009 la corona en la categoría de jazz de los Grammy latinos por el disco Juntos para siempre.
Meses después, en abril de 2009, el autor de Mambo influenciado y la cantante mallorquina -con ancestros en Guinea ecuatorial-, Concha Buica, se reunieron en los estudios habaneros Abdala, convocados por el guitarrista y productor español Javier Limón.
El resultado fue una auténtica fusión de almas en 11 horas de éxtasis creador, y cumplieron con creces el objetivo de rendir tributo a la legendaria compositora y cantante mexicana de ascendencia costarricense Chavela Vargas -a través de su repertorio-, en el aniversario 90 de su natalicio.
Buica entregó la voz y el temperamento que, desde su debut discográfico en 2005, le han permitido revolucionar la canción española y el jazz en ese país.
Una mención especial para los autores seleccionados: Rosario Sansores y Carlos Brito, José Alfredo Jiménez, Juan Zaizar, Álvaro Carrillo, Agustín Lara, Armando Tejada Gómez y César Isella, Mario Clavel y Enrique Fábregat.
De regreso ya de todos los despliegues de virtuosismo, dueño de un toque inconfundible a escala universal y sabio en todas las expresiones de la música, Chucho Valdés aportó con su piano la profundidad necesaria para reflejar la emoción, el desgarro ante el amor frustrado y el aroma de ron del espíritu chaveliano.
En sus orquestaciones, el flamenco, la ranchera, el jazz, el bolero, la guajira, el guaguancó y el cha cha cha amalgaman raigambres telúricas.
Digno respaldo aportaron los integrantes de su cuarteto Lázaro Rivero (el Fino, contrabajo), el baterista Juan Carlos Rojas (el Peje) y Yaroldy Abreu (percusión latina y menor), a quienes se sumaron el trompetista Carlos Sarduy y Javier Limón en la guitarra flamenca.
Como colofón, el artista plástico cubano Eduardo Roca (Choco) aportó una pintura para la portada, toque de distinción para que El último trago constituya un inolvidable regalo. Sorprendentemente, se excluyó el nombre de Chucho Valdés como nominado por El último trago, finalmente ganador del Grammy Latino en música tropical tradicional en 2010. Pero a nadie le cabe duda de que a su talento, sobre todo, se debe el encanto misterioso de toda esta música con aroma y sabor de Havana Club.
Apenas unos meses después, el maestro y sus Mensajeros Afrocubanos cautivaron a la Academia estadounidense y conquistaron otro gramófono con Los pasos de Chucho.
Experimentación, virtuosismo y espontaneidad convierten en una obra jazzística excepcional este disco, cuyo contenido abre un nuevo camino dentro de la música cubana, según el gigante de setenta primaveras.
"Representa un nuevo rumbo en lo que respecta a la tímbrica, a la mezcla del folclore afrocubano con el jazz y con las raíces sobre todo.
"Hemos transformado la rítmica, la métrica del afrocubano la convertimos en asimétrica, o sea, cambiamos los compases tradicionales, que son seis y los pasamos a cinco, a siete, como una especie de mezcla, de un compás regular a uno irregular, y eso cambia todo el concepto de la clave, del ritmo y de la misma melodía. Te obliga a ir buscando nuevos caminos", puntualiza.
La crítica especializada reconoce esa nueva ruta y destaca que Chucho Valdés y los Mensajeros afrocubanos aportan un sonido ultracontemporáneo al jazz, una música de vanguardia en el siglo XXI.
Yo tenía la edad de mi hija Alexandra cuando vi por última vez a Perú en un Mundial, el de España 82.
Desde entonces, un par de veces cerca y en varias otras lejos, nos hemos quedado fuera de la fiesta. 30 años de ausencia.
Esta noche empezó de nuevo ese camino y, aunque esto es de largo aliento, es inevitable que la ilusión regrese. El Fútbol, otra vez…
Perú le ganó a Paraguay por 2-0 en el primer partido por la Serie de Clasificación para el Mundial Brasil 2014. Paolo Guerrero fue quien anotó los dos goles nacionales.
Aunque se trata de una ronda de 16 partidos y este es apenas el primer paso, creo que vale la pena festejar. Por el buen segundo tiempo, por la actitud y compromiso mostrados, repito, esto da para ilusionarse.
El segundo capítulo será en Santiago de Chile. El próximo martes....
Otro grande de la música cumplió años el pasado 5 de Octubre, el cubano José Luis Cortés, uno de los músicos más importantes de su generación, quien acaba de lanzar al mercado su disco doble Mis 22 Años.
A continuación una reseña del nuevo trabajo musical de "El Tosco" y una extensa entrevista de Rafael Lam para Prensa Latina.
"Mis 22 años es la más reciente producción de NG la Banda, a propósito del Aniversario 22 de su fundación. Esta contiene obras conocidas y otras de estreno, pero que en su mayoría no habían sido incluidas en discos de la agrupación.
Después del CD Bailemos, editados por EGREM en el año 2007 y dedicado a la música de Juan Almeida, esta es la más reciente entrega, que abarca obras de la actualidad de dicha agrupación, después de muchos años. Coexisten en este disco doble temas conocidos como: Rap de la muerta, Obsesión - el clásico de la música puertorriqueña- junto a otras como Un pedacito de tu corazón o Calabaza, de más reciente aparición.
Con Mis 22 años NG la Banda permite que disfrutemos de su estilo de siempre que lo distingue dentro del mundo de la música bailable cubana; hoy son reconocidos como uno de los iniciadores de la timba, modalidad que en la década del 90, José Luis Cortés impusiera con sus aportes al bailable cubano.
Participan en este disco innumerables invitados que ocupan diversos roles: vocalistas, instrumentistas, coristas, y figuras muy importantes que se han unido para festejar y aportan un granito con su admiración y respeto a dicho acontecimiento. Excelente disco donde puede encontrar timba, bolero, mambo, latin jazz y sobre todo el virtuosismo de músicos estelares que bajo el mando de José Luis Cortés se mantienen en la vanguardia de la música cubana."
José Luis Cortés y NG, los reyes de la timba Escrito por Rafael Lam para Prensa Latina
José Luis Cortés revolucionó la música bailable cubana en la década de 1990, a fines del último milenio. Desde los tiempos de Pérez Prado y Arsenio Rodríguez no había existido una música tan irreverente, revolucionaria, rica, viva y universal.
Pérez Prado fundió el danzón con el son, el iyesá y lo jazzístico. Arsenio Rodríguez logró una síntesis compleja: son montuno oriental con elementos afrocubanos y la fuerza de la clave cubana. Cortés hizo un coctel explosivo con el son, la guaracha, el mambo y la rumba (la timba moderna), una especie de funky a lo cubano.
Tengo en mis manos las opiniones de Chucho Valdés, Juan Formell y César Pedroso (Pupy) sobre Cortés, el Tosco como lo llaman afectuosamente sus colegas:
" Me ayudó mucho en mi trabajo con la banda Irakere, hizo algunas composiciones y arreglos, especialmente en el preludio de la timba moderna", subraya Chucho Valdés. "Ponía, en las presentaciones, energía, entusiasmo, fuerza. Inventaba coros, se le ocurría cualquier cosa, nació para la música, era como un camaleón en la orquesta".
"Fue el quien elevó la timba y la hizo más grande, más abierta en la música global, dentro de su propia banda, tiempo después. Dominaba la escena como nadie, tiene mucha gracia para comunicar, tiene la movida de Olofi (deidad del panteón yoruba, en la mitologia religiosa africana). Le puse una tarea muy difícil con el saxofón, pero se superó como nadie. Fue de los mejores músicos que pasaron por Irakere".
"Fue un motor impulsor de la orquesta Los Van Van, el primer número que compuse en esa orquesta, me lo orquestó José Luis", opina Pedroso. "Desde que se puso la flauta en la boca, la primera vez, supimos que era un verdadero genio de la música moderna. Richard Egües dijo que Cortés era lo más grande que había en la flauta contemporánea. Entró con la flauta de sistema y eso cambió a muchos".
"En España no nos conocían, allá estaban todavía en el mundo del cantante Antonio Machín. Entonces el Tosco hizo los arreglos de tres temas y nos ganamos el público. Sabía muy bien ponerse en la moda. Impulsaba a Formell a hacer muchos cambios en la orquesta. Lo admiro y lo quiero como un hermano". (César Pedroso/ 2008)
"Chucho Valdés y yo iniciamos lo que fue el preludio de la timba, pero es José Luis Cortés quien agarra, sintetiza y concreta el boom de la salsa y la timba de la década de 1990", acuñó Formell en 1998, en el festival Matamoroson
Ayer cumplió 60 años sin que decaiga el impulso creador que lo sostiene. A manera de recuento, surgió este diálogo con Prensa Latina.
Rafael Lam: Su familia materna tiene ascendencia africana , muchos de ellos eran percusionistas de congas y carnavales.
José Luis Cortés: Nací el 5 de octubre de 1951, en la central provincia de Santa Clara, mi madre tenía ese origen, mi padre era percusionista de una charanga de circo; un día pasó por el pueblo de La Salud con el circo y terminó llevándose a mi mamá, Aida González, Farramola, para el humilde barrio de El Condado.
Era un barrio de músicos naturales. Yo absorbía toda esa música a través de ellos y de una victrola que había en una bodega donde trabajaba. Eran los tiempos en que la orquesta Aragón, con su flautista estrella Richard Egües y la voz melosa del chino Pepe Olmo, eran los dueños del sonido; Benny Moré, el mejor, y una larga lista de reyes de la música cubana que nunca morirán.
R.L.: -¿Qué ocurre a raíz del triunfo de la Revolución?
J.L.C.:-Fui testigo, como todos los santaclareños, de la guerra de los rebeldes contra la dictadura de Batista, del descarrilamiento del tren blindado, los bombardeos de aviones y las heroicidades de Che Guevara. Entonces vino una etapa distinta, y fue así como obtuve una beca en la Escuela Nacional de Arte (Ena) para estudiar música.
Antes había pedido una beca para la Escuela de Pesca, pero quiso el destino que me hiciera músico. Sin ese cambio social en la isla no hubiera sido nada, yo vengo de muy abajo y aquí estoy, entre los que luchan por lo más grande de la cultura cubana.
R.L.: -Hábleme de sus experiencias en la Ena
J.L.C: -Muy temprano supe que tenía que ponerle el extra a todo, dar mi vida por el estudio de la música. Al irme de El Condado, le dije a mi madre: "Me voy a sacrificar para mantener esta familia cueste lo que cueste".
Así lo he hecho. Tengo cinco hermanos y dos hijos. Pero volviendo a la Ena, había en aquellos tiempos mucha confusión acerca de la verdadera música cubana, su importancia y validez. Unos tenían los ojos en Europa y otros en la música electrónica de moda.
Creo que en las escuelas de arte y de música, lo primero debe ser aprender a conocer la verdadera cultura. Eso lo tenía muy claro.
R.L.: -¿Cómo fueron sus estudios en la Ena?
J.L.C.: -Empecé con el violín, después me embullé con la flauta, pero en la realidad puedo tocar la percusión, el saxofón, la flauta, el piano y el bajo. Tuvimos los mejores maestros de los entonces países socialistas europeos, dueños de una tradición sinfónica muy seria.
R.L.: -¿Mientras estudiaba, tocaba en algunos grupitos musicales?
J.L.C.: -En la Orquesta Típica y fui el director de la jazz band de la escuela.
R.L.: -¿Cómo llega a la orquesta Los Van Van?
J.L.C.: -Me lleva el chelista Masillí, grabé con ellos una vez, entonces me pusieron a trabajar y acepté.
R.L.: -Se asegura que Formell le guardó una plaza de músico.
J.L.C.: -Es cierto, eso me salvó. Los Van Van son una escuela, estuve con ellos unos diez años.
R.L.: - En su anterior cumpleaños, Formell me confío que usted, desde la Ena, siempre supo lo que quería en la música, que aportó mucho a Los Van Van
J.L.C.: -Yo le sugería los metales a Formell desde aquellos tiempos, al fin se pusieron los trombones en 1982. Hice arreglos de temas muy populares y compuse algunas cosas para la orquesta.
R.L.: -¿Cómo llega a Los Irakere?
J.L.C.: -En 1980, a propuesta de Oscar Valdés, el cantante y percusionista. Dentro de Irakere, tuve que estudiar como nunca lo había hecho, mis labios sufrían heridas. Chucho, como gran maestro que es, me enseñó a hacer la música con toda la precisión que se necesita, para tener un oficio de verdad.
R.L.: -En 1988 cambias de Irakere para Nueva generación (Ng).
J.L.C.: -Ng La Banda que manda, eso comenzó con una serie de discos experimentales llamados Abriendo el ciclo, A través del ciclo, Siglo I a.n.e y Siglo II a.n.e., lo concertante y lo bailable fundido. Finalmente todo eso devino una nueva música, una nueva escuela y un nuevo timbre, concepto, estilo y sonido.
R.L.: -¿Tuvieron que luchar mucho para emprender el nuevo camino?
J.L.C.: -Conseguimos un poco de dinero para lo más necesario, no teníamos la llamada "plantilla" para poder tocar oficialmente; pero algunos como Ana Lourdes Martínez de la Empresa de Ediciones y Grabaciones Musicales nos apoyaron, dijeron que podríamos llegar a ser la mejor orquesta y anduvieron muy cerca.
R.L.: -¿Es la gira por los barrios de La Habana lo que le permite esa experimentación?
J.L.C.: -Pues claro, esa gira obligaba a hacer una música auténticamente bailable, sin poliritmias extrañas. O haces la música que acepta el bailador o te arruinas, esa es la ley. En el Salón de La Tropical no se puede jugar con el bailador él es el quien manda y decide.
R.L.: - Pero, al principio yo sentí que Ng estaba haciendo una música muy complaciente con los "oidores" de música, con la intelectualidad, con los conocedores de música
J.L.C.: -Esas cosas pasan al comienzo por las exigencias de la técnica escolar, pero la música para bailar no la hacen los intelectuales, la hacen los músicos sin prejuicios, junto al público conocedor de los ritmos y los pasos de baile.
R.L.: -¿Entonces?
J.L.C.: -Me la jugué al todo por el todo, por la música del pueblo, solamente así se triunfa en lo popular.
R.L.: -En síntesis ¿qué aporta Ng La Banda a la música bailable contemporánea?
J.L.C.: -En la música de finales de siglo XX hacía falta un cambio profundo, Ng lo puso todo o casi todo sobre la pista. Lo primero fue rescatar el tumbao tradicional y darle una nueva tónica, lo que hacía Peruchín nieto, no es lo que hacían cincuenta años atrás. Los "metales del terror" inventaron efectos muy atrevidos, nuevos giros.
R.L.: -¿Cuál era su manera de dirigir a los músicos?
J.L.C.: -El director tiene que saber lo que quiere, y hacerlo todo si es posible. Tiene que mirar a los ojos, a la cara de los músicos y llevarles el tiempo a los bailadores, que no están pintados en la pared. Así hicimos el tema Échale limón, le pusimos tumbaos al reggae.
R.L.: -Yo me encontraba ese día en el estreno de Échale limón, en el Anfiteatro de La Habana Vieja, en 1991.
J.L.C.: -Entonces pudiste comprobar que nuestra música se hacía interrelacionada con el público presente; primero, una presentación del estribillo de la canción, para que la gente coreara los temas en la parte final.
R.L.: -Fui testigo presencial de ese momento y los estrenos en La Tropical de las piezas Por qué tu sufres y El trágico. Pasando al concepto musical, ¿cómo surge el concepto de hacer música bailable?
J.L.C.: -Cada músico tiene su aché, su dote natural, eso es algo bien complicado, yo estuve tocando muchos años con gente que sabía tocar música, conocí orquestas insuperables como La Aragón, La Banda Gigante del Benny Moré.
Toqué con Los Van Van, los reyes de la música bailable, Irakere la mejor banda del mundo en ese estilo. Entonces soy como la síntesis de todo eso. Pero sin cabeza, no hay nada.
R.L.: -Pude comprobar algo que nunca había sucedido con la música bailable cubana. Cuando inició la nueva y revolucionaria música, ninguna banda cubana intentó imitarlos y mucho menos en el exterior. Ni siquiera hoy día han podido reproducir el concepto Ng en otro país. Solamente pasados dos años, uno de sus músicos, con uno de sus cantantes, pudo hacer un proyecto siguiendo la línea Ng.
J.L.C.: -Te puedo decir que muchos instrumentistas en los metales intentaron tocar con Ng y no pudieron afrontar los complicados y difíciles pasajes de los "metales del terror", que en Brasil llamaron los "metales alucinantes" y en Nueva York "los metales centellantes".
Algunas de las críticas de especialistas en la prensa de los Estados Unidos, América Latina, Europa y Japón colocaron a Ng la banda en la vanguardia.
Por ejemplo, Peter Watrous (The New York Times) considera a Ng como "una de las bandas más florecientes de la música popular cubana". Ben Tavera King, del Express-News, escribió: "Ng la banda, es probablemente la mejor banda de salsa del hemisferio occidental".
Y Richard Gehr de Spin, World Best, afirma: "la mejor música popular brilla con una sofisticación mágica: NG La Banda".
Casi todo en la orquesta fue novedoso.
R.L.: -Muchos músicos pensaban que solamente el jazz era una música de empaque internacional.
J.L.C.: -El jazz es muy grande, también nosotros somos grandes, ellos lo saben, por eso, desde la colonia, se unen a la música cubana. En la década de 1940 los jazzistas se funden con Machito y Los Afrocubanos (lo cubano con lo estadounidense). Los ritmos cubanos han alimentado la música de los Eestados Unidos. Las cosas son como son.
R.L.: -Cuando se estrenó Ng, brindaron los músicos y prometieron que si al año la banda no triunfaba, abandonaban el proyecto y cada uno para su casa. ¿El proyecto sigue siendo triunfador?
J.L.C.: -Ng es una banda clásica de la música bailable, hace temas de siempre y temas actuales, tocamos lo sinfónico, el jazz cubano y la música bailable. Ahora estamos preparando un disco llamado Mis 22 años, en el que participan Chucho Valdés, Juan Formell y los grandes de la música bailable actual. Ng todavía puede dar muchas sorpresas.
