"Luis Rospigliosi Carranza fue el primero que introdujo la música de los Bravos de Cuba, Puerto Rico y Nueva York al Callao", me dice Don Carlos Loza Arellano, uno de los principales "compañeros de rumba" que tuvo Don Luis desde comienzos de los 60s, cuando se inició esa ya legendaria amistad.

Eran otros tiempos. No había internet y la música tropical, los "discos rareza", llegaban principalmente por mar. Trato de imaginar la emoción que Don Luis y Don Carlos sentían por ese entonces cuando, medio siglo atrás, se amanecían recogiendo los discos de los barcos que llegaban al primer puerto peruano.

El ritual de recogerlos y estrenarlos en El Sabroso, el local que tuvo su sitio más recordado en la Calle Constitución, epicentro de tardes y noches llenas de sabor.

Martín Gómez lo conoció en 1999, gracias a Luis Jiménez, para hacerle un reportaje para el diario El Comercio y desde entonces se forjó una amistad que solo la muerte de Don Luis, ocurrida ayer martes 30 por la noche, ha podido interrumpir. La diferencia de edades (casi cincuenta años) no importaba. Un buen trago y mejor música bastaban para que esas tertulias interminables sean imborrables para Martín y el resto de jóvenes que pudieron visitarlo los últimos años.

Ambos, Don Carlos y Martín, coinciden en la "debilidad" de Don Luis por Vicentico Valdés. Rolando La Serie y Eddie Palmieri también eran infaltables cuando de escuchar música con "El Patriarca" se trataba.

En aquellos tiempos de rockolas y radiolas, Rospigliosi (natural del Callao y de padres mollendinos, según Loza) se ganó el respeto de todos los aficionados (pre-salseros) que pasaron por su tienda a conseguir lo último, la rareza, el disco recién llegado.

Tuve la chance de conocerlo el año que pasó, cuando la Comunidad Estamos en Salsa organizó uno de sus conversatorios. Hablamos apenas unos cuantos minutos, que sirvieron para expresarle mi admiración y respeto.

Me queda claro que Luis Rospigliosi Carranza fue un pionero de la difusión de la Salsa (aunque, en ese entonces, no se llamara así) en el Perú. En su homenaje, intentemos proseguir esa noble y, a veces, incomprendida tarea. Es lo menos que podemos hacer.... ¡Un Salud por El Sabroso!

Estas fueron algunas de las canciones que cantó Rubén Blades en Lima, Perú, el pasado sábado en el Estadio de San Marcos, durante el evento Fiesta Latina 2011.

La noche de Blades empezó a las 12:30 a.m. del ya domingo 28. Sin anunciarse y de improviso, la orquesta de Roberto Delgado marcó los primeros compases de "Ojos", letra de Johnny Ortiz y arreglada originalmente por Marty Sheller

Después de "Decisiones", Blades invitó al escenario a Luis Enrique para interpretar a dúo (tal como lo habían hecho en Miami) la versión de "Plástico"

"Desde el Club Cochabamba" hasta San Marcos, Rubén Blades trajo la "Caína"...

El dúo también fue con Carlos Vives. La versión de "Juan Pachanga"...

Uno de los mejores momentos de la noche (al menos para mí), fue cuando presentó uno de los temas de su época con Ray Barretto. Del sabio Tite Curet, "Vale Más un Guaguancó"

Otro recuerdo que escuché por primera vez en vivo fue "Paula C"

Y como no mencionar este clásico, también poco cantado por Rubén en Perú: "Yo Puedo Vivir del Amor"

Para terminar este recuento, la composición de Don César Miró, "Todos Vuelven"

Gratísimo encuentro el de anoche, en casa de Martín Gómez, con motivo de saludar a Pablo Delvalle. De izquiera a derecha: Martín, Pablo, El Salsero, Isidoro Corkidi y Manuel Paredes


Ayer nos encontramos, en casa de Martín Gómez, con Pablo Emilio Delvalle, el gran investigador musical colombiano que se encuentra en Lima con motivo del centenario del nacimiento de Arsenio Rodríguez, para ofrecer dos conferencias.

La primera de ellas se realizará hoy, lunes 29, desde las 7:30 p.m. en el Centro Cultural CAFAE - SE, ubicado en la Av. Arequipa 2985 - San Isidro. La organización está a cargo de la Asociación Cultural Musical Benny Moré.

El Salsero los invita a esta reunión. Asistan y no se arrepentirán. El ingreso es gratuito

“Oye Eduardo”, me podrían preguntar: “si ya viste a Rubén Blades tres veces ¿por qué nuevamente quieres ir a verlo?”

Anoche, el cierre del Fiesta Latina 2011, a cargo del cantautor panameño, respondió esa hipotética o real pregunta. Poco más de tres horas de actuación y veintitrés canciones (al menos fue las que conté) me hacen pensar que si anunciaran una nueva presentación para mañana en la noche, ahí estaría.

El bajista y director musical Roberto Delgado

¿Motivos? Varios. La demostración que Blades mantiene, cual “vino añejo”, su sabor y calidad interpretativas; la excelente performance de la orquesta de Roberto Delgado, conformada en su casi totalidad por músicos panameños (y con el genial trombonista Jimmy Bosch, de invitado especial) y un repertorio que satisfizo mis expectativas al incluir temas poco cantados hasta ahora por Rubén.

Jimmy Bosch en el trombón

Durante el show en el estadio de San Marcos, que tuvo solo una regular asistencia, recordaba mi charla de la tarde con Delgado cuando él me aseguraba que tenían más de noventa arreglos listos para tocar. De ahí eligieron canciones como “Ojos”, “Yo Puedo Vivir del Amor”, “ Caína”, “Las Calles”, “Vale Más un Guaguancó”, “Paula C” y “Tiburón”, que alternaron con otros temas más “clásicos” del repertorio del cantautor, según el “playlist” de anoche:

1. Ojos

2. Decisiones

3. Plástico (a dúo con Luis Enrique)

4. Yo Puedo Vivir del Amor

5. Caína

6. Las Calles

7. El Nacimiento de Ramiro

8. Ligia Elena

9. Juan Pachanga (a dúo con Carlos Vives)

10. Amor y Control

11. Vale Más un Guaguancó

12. Buscando Guayaba

13. Paula C

14. Cuentas del Alma

15. Plantación Adentro

16. Ojos de Perro Azul

17. Todos Vuelven

18. Maestra Vida

19. Pedro Navaja

20. El Padre Antonio y el Monaguillo Andrés

21. Tiburón

22. Patria

23. Muévete

Carlos Vives

La Fiesta Latina había presentado previamente al nicaragüense Luis Enrique, cuya actuación no apreciamos completamente, y al colombiano Carlos Vives, quien con su vallenato puso su nota festiva en el Estadio de San Marcos.

Luis Enrique

El estelar fue sin duda Rubén Blades, quien un par de veces mostró su respeto y agradecimiento al público peruano pro haberlo acogido positivamente desde los primeros tiempos de Los Seis del Solar. Las Gracias son también para él, por esos mensajes cantados en clave, que anoche me dejaron feliz y satisfecho.

Son las cinco de la mañana y ya amanece. Todos en el barrio están descansando, pero yo sigo acá, terminando estas líneas. Y todo debido a la "lección de Salsa" del Maestro Rubén. ¡Gracias Poeta!

(Más adelante publicaremos más fotos y videos de Rubén Blades, Luis Enrique y Carlos Vives)

Hoy en Cuba y la semana que viene en Perú. El centenario de Arsenio Rodríguez es motivo de actividades que pretender honrar la vida y obra de este músico tan trascendente en el desarrollo de lo que hoy conocemos como Salsa.

En la isla grande del Caribe, Pancho Amat y su Cabildo del Son rendirán hoy un homenaje musical en la cuna del tresero y compositor, Güira de Macurijes.

Por otro lado, ya está en camino a Lima nuestro amigo el colombiano Pablo Emilio del Valle, invitado por la Asociación Cultural Benny More. "Calentando motores" para lo que serán las actividades en Lima, les presentamos un artículo de Pedro De La Hoz, remembranza sobre la figura de este "Revolucionario del Son"




El sueño de una vida. Fuente: Granma, Cuba. Por Pedro De La Hoz

Parecía un buda negro, con el tres acomodado sobre el pecho y los ojos ausentes detrás de los espejuelos oscuros. Hasta que comenzaba a tocar. Entonces se transformaba, transfiguraba el sonido, sacaba chispas del instrumento y subía y bajaba por la cadencia del son, y frenaba aquí y aceleraba allá, preciso en los acentos. Eso cuando no le daba por adentrarse en las brumas de la melancolía de los boleros.

¿Cómo sería Güira de Macurijes cuando nació unos dicen que el 30 y otros el 31 de agosto de 1911, como él mismo daría fe en la inscripción de nacimiento asentada en el Registro Civil casi tres décadas después con el sonoro nombre de Ignacio de Loyola Travieso Scull? ¿De dónde viene la historia del apellido Rodríguez, que comenzó a utilizar en Güines al integrar el Septeto Partagás a los 16 años de edad, dado que su padre era conocido como Bonifacio Travieso y consta así en los archivos de los veteranos de la Guerra de Independencia de 1895?

Fechas más o menos, nombres y apellidos que se entrecruzan, no tienen la mayor importancia. Para la música, para la cultura cubana, para su irradiación por el mundo, le bastó ser Arsenio Rodríguez. Importa, eso sí, saber que en Güira de Macurijes, un punto de la geografía matancera, la mayoría de las familias descendía de esclavos congos, de tradición cimarrona, y que en Güines, localidad de la llanura habanera, adonde emigró a corta edad, se mezclaban durante las primeras décadas del siglo pasado los sonidos de las músicas populares rurales y urbanas en las prácticas cotidianas de sus más humildes habitantes. Los sones llegados del Oriente y los toques sagrados de los ancestros alimentaron el talento del muchacho que perdió la visión en 1918, a consecuencia de la pateadura de un caballo, aunque cabe la duda acerca del padecimiento de una enfermedad degenerativa congénita, puesto que su hermana Estela también quedó ciega antes de la tercera edad.

En Güines su tío Catalino Scull lo introdujo en el mundo de la percusión y un amigo de la familia, Víctor Feliciano Cárdenas le entregó la primera guitarra y el primer tres. El resto, con su enorme talento y su proverbial musicalidad, lo puso el propio Arsenio.

Tras el ciclón del 26 se instaló en Marianao. Ya ha decidido vivir para la música. Ingresó en el Sexteto Boston como tresero, pasó al Bellamar, hasta que en 1940 estableció su propio conjunto y comenzó a ascender a la gloria.

En esa década, Arsenio revolucionó el son. Aunque no fue el primero en ampliar el formato tradicional sonero con piano y tumbadora —esto último algo insólito en una época donde se consideraba el uso de este instrumento como una intromisión de negros de solar—, fue el que consagró el perfil de este nuevo tipo de conjunto.

Hay que escuchar a Rubén González o Lilí Martínez Griñán en el piano, a Marcelino (Rapindey) Guerra en la guitarra, a Rubén Calzado, Benitín Bustillo, Chocolate Armenteros o Félix Chappotín en las trompetas, a Papa Killa en el bongó, a su hermano Quique Rodríguez en las tumbadoras y las voces de Miguelito Cuní, René Scull y Pedro Luis Sarracén para entender de qué estamos hablando.

Paralelamente fue engrosando un repertorio con el que dio un salto hacia delante en la cristalización del son montuno mediante la asimilación del legado de los cantos rituales y profanos de origen congo.

Entre sus más de 200 composiciones resaltan temas que han devenido clásicos como Bruca maniguá, El guayo de Catalina, Dame un cachito pa’ huelé, 72 hacheros para un palo, Mami me gustó, Lo dicen todos, No puedo comer vistagacha, Tumba palo cucuyé, Fuego en el 23, Yo no engaño a las nenas y Tribilín cantore.

Conocido y reconocido en Estados Unidos desde finales de los 40, en la década siguiente Arsenio pasó a vivir allí, donde influyó notablemente en el desarrollo de la música latina.

Uno de sus primeros viajes a la nación norteña, donde mantuvo un largo contrato con la RCA Víctor, se debió al intento de recuperar la visión. Pero un prestigioso cirujano le dijo que era imposible restaurarla, debido a que el nervio óptico se hallaba irremisiblemente dañado. Fue entonces que compuso quizá el bolero más desolador de cuántos se hayan escrito en la cancionística cubana, Nacer y morir, rebautizado como La vida es sueño.

Entre Los Ángeles y Nueva York —el Spanish Harlem— transcurrieron los últimos veinte años de su vida. El declive comercial de los conjuntos no lo arredró. Imaginó lo que podía ser la música cubana con las ganancias del boogaloo y el latin jazz. El musicólogo norteamericano Max Salazar ha contado: "Su última grabación fue Arsenio dice, para el sello Tico, en 1968. En este LP Arsenio parece haber perfeccionado el sonido del swing son en la canción Daddy Give Me Candy, cantada en inglés por Julián Llanos. Consiste en jazz, boogie woogie y son montuno".

Quizás ahora, en medio de los fastos por el centenario de Arsenio, valga la pena repasar esta etapa de su creación. El músico falleció de una neumonía el 30 de diciembre de 1970 en Los Ángeles. Los soneros cubanos y los salseros neoyorquinos y puertorriqueños ya no podrían prescindir de Arsenio.

Quince Grammys juntos en una tarima. Esta noche se presentan en Lima el cantautor panameño Rubén Blades, con la Orquesta de Roberto Delgado, Luis Enrique de Nicaragua y el colombiano Carlos Vives.

El evento se denomina Fiesta Latina 2011 y el escenario será el Estadio de San Marcos. La cita es a partir de las 7:00 p.m.

Ya todas las figuras se encuntran en nuestro patio. El último en arribar a Lima fue Blades. La nota es del diario El Comercio




Rubén Blades alabó a Eva Ayllón al llegar a Lima para la Fiesta Latina

A su arribo hoy a Lima para brindar un concierto en el espectáculo Fiesta Latina 2011, Rubén Blades dijo que es un placer regresar a nuestro país y expresó sus ganas de comer un rico lomo saltado.

En diálogo con la prensa en el aeropuerto Jorge Chávez, el cantante panameño reiteró que tiene una cuenta pendiente con la peruana Eva Ayllón para cantar juntos “lo que ella sugiera, yo no le voy a poner ninguna condición a ella, si es una tremenda dama y una gran señora”.

Asimismo, indicó que también le gustaría realizar una presentación con Susana Baca, a quien felicitó por haber aceptado el reto de ser ministra de Cultura. En ese sentido, le aconsejó que tenga mucha paciencia, “porque la burocracia, yo le digo la burrocracia, demora todo, atrasa todo y hay que tener mucha paciencia. Y con la gente también”.

Sobre su espectáculo, no especificó cuáles serán los temas que interpretará. “El problema que tengo yo, es que como tengo tanto material, uno nunca sabe qué va a tocar; pero yo creo que tenemos una buena selección. Hay canciones incluso que no hemos hecho en mucho tiempo”, sostuvo el reconocido cantante.

La Fiesta Latina 2011 se llevará a cabo hoy en el estadio de la Universidad San Marcos. Participarán también Carlos Vives y Luis Enrique.

Fecha especial para la historia de la Salsa.

Un día como hoy (26 de agosto de 1971), cuatro décadas atrás, se realizó en el Club Cheetah de New York el segundo encuentro de la Fania All Stars, reunión de los artistas más representativos de la, por entonces, fulgurante disquera latina que, desde este concierto y gracias a sus productos resultantes (discos y película), se convirtió en la más influyente empresa de la historia de la Salsa.

De la mano de la Fania y teniendo como punto de partida esa noche de música latina, la Salsa tomó por asalto audiencias continentales que, años después, traspasaría océanos y latitudes.

Esta vez no quiero abundar en detalles o comentarios sobre el repertorio de aquella legendaria noche. Suficiente bibliografía podemos encontrar consultando libros o espacios en internet.


Solo creo pertinente rendir homenaje a los artistas que estuvieron involucrados en este proyecto, recordándolos.

Empiezo por los líderes de las orquestas más vendedoras del catálogo Fania: Johnny Pacheco (Director Musical), Larry Harlow (Productor), Ray Barretto, Willie Colon, Roberto Roena y Bobby Valentín, siguiendo por los cantantes, que siempre resultaron la atracción principal del conglomerado: Héctor Lavoe, Ismael Miranda, Pete “Conde” Rodríguez, Adalberto Santiago, Santos Colón y “los invitados” José Cheo Feliciano y Bobby Cruz.

La plantilla musical se completó con Richie Ray, Barry Rogers, Reinaldo Jorge, Yomo Toro, Orestes Vilató, Roberto Rodríguez, Larry Spencer y Héctor Zarzuela. ¿Se necesita añadir más?

Otros protagonistas de la Fania en el Cheetah fueron el productor Ralph Mercado, los animadores Symphony Sid e Izzy Sanabria y, por supuesto, el productor Jerry Masucci. De esa noche salieron el álbum doble Fania All Stars Live at Cheetah y el film Our Latin Thing, dirigido por Leon Gast, que vio la luz casi un año después, el 19 de Julio de 1972, junto al respectivo sound track, también en álbum doble.


Fecha especial para la historia de la Salsa. Y para los peruanos también, teniendo en cuenta que en Marzo pasado tuvimos ese histórico logo de Fania All Stars entre nosotros.

No sé si, como muchos dicen, la Salsa nació esa noche de jueves en New York. Lo que sí estoy seguro es que desde ese sencillo local de la 52nd Street & 8th Avenue, un grupo de músicos latinos y norteamericanos lanzaron al mundo un mensaje musical contundente y sabroso, que trajo un mensaje adoptado de inmediato como propio por más de una generación en todo el continente.

Desde el Cheetah, Fania All Stars y su música “llegaron pa’ gozar”, enarbolando el lema de “¡Quítate Tú, Pa’ Ponerme Yo!”. Cuarenta años después siguen con su mensaje entre nosotros, aún no se van. No creo que lo hagan nunca.

Nuestras condolencias al gran Cheo Feliciano....


Fuente: El Nuevo Día, Puerto Rico. Por Marcos Billy Guzmán

El cantante Cheo Feliciano confirmó el fallecimiento de su padre, Don Prudencio Feliciano.

Desde las 7:00 p.m. de ayer, los restos del progenitor del artista fueron expuestos en la Funeraria Ehret, de Río Piedras.

El cuerpo de Don Prudencio será trasladado hoy a la ciudad de Ponce, donde será velado desde las 7:00 p.m. en la Funeraria Oliver.

El sepelio, cuyos detalles precisos aún no se han revelado, será el sábado en la Ciudad Señorial.

La gran asistencia del sábado pasado al Festival Chimpun Callao provoca el siguiente comentario

"Reflexiones en Clave" por Manuel Paredes - Conductor de El Rincon Caliente

No escribimos con frecuencia de un tiempo atrás pues, por diversos motivos, últimamente se nos hace un poco difícil hacerlo (hay muchos temas pendientes sobre acontecimientos de este 2011 que “continúan en el tintero”) pero creo que si se trata del tema que abordamos en los siguientes párrafos, la oportunidad es ahora.

Diré (y en adelante usaré principalmente la primera persona del singular) que las siguientes son opiniones particulares de su autor y que en nada comprometen a www.radioelsalsero.com, por lo que agradezco especialmente la tribuna que me da para expresarlas.

El tema es excluyente. El Festival Chim Pum Callao en su versión número 15. Y lo primero que tenemos que decir es sin duda expresar nuestra felicitación al Gobierno Regional del Callao porque logró el que no tengo duda era el principal objetivo del Festival, agasajar al pueblo porteño con una gran fiesta popular por su aniversario. Y vaya que lo logró, apostando por la preferencia que tradicionalmente ha demostrado tener el pueblo porteña por la SALSA. Y ello pese a la desconfianza que en los corrillos, diz que salseros, se comentaba existía por la presencia de artistas de los llamados “comerciales”. Como si lo comercial estuviese reñido con el gusto popular.

Veníamos en las semanas precedentes escuchando y leyendo, en los círculos salseros que frecuentamos, opiniones apasionadamente algunas y sensatas otras, pero mayormente pesimistas sobre el éxito del festival, debido a la “sensible baja de nivel musical con relación a ediciones precedentes”, y llegándose a decir incluso que era una falta de respeto a los salseros chalacos y a la majestad e importancia que ha adquirido el evento. En muchos casos se alentaba a no ir.

Es que los llamados “salseros de la mata” (término este que es un ejemplo más de las tantas huachaferías que solemos copiar), estaban, estábamos, acostumbrados últimamente a ver a los dinosaurios del género desfilar por el Yahuar Huaca (antiguo escenario del festival), lo cual si bien no nos cansamos de agradecer a quienes nos dieron la oportunidad de ver a tamañas figuras, por otro lado como que nos hizo perder, a los autodenominados “entendidos en la materia”, sentido de ubicación de quienes son salseros, descalificando en muchos casos a esa, ahora si, inmensa mayoría que concurre a estos eventos y consume los productos que se le ofrece (música y bebida, baile y amistad) y para lo cual le basta y, porque no, le es necesario, que sus artistas favoritos les interpreten en vivo aquellos temas de contagiosos coros y cadencioso ritmo, cuya letra la encuentran representativa de su cotidiano vivir. Y ese es el salsero que mantendrá vivo el género.

Sucede que mientras más exquisitos nos poníamos en cuanto a la presencia de intérpretes de salsa dura que venían al festival, el nivel de concurrencia a este no era mayor, sino lo contrario. Tuvieron los organizadores la feliz idea de recurrir para la producción del evento a un profesional en estos menesteres.

No en vano el señor Alejandro Mejía ha desarrollado una trayectoria importante, con la imagen de empresario serio en un campo en que estos no abundan, y cuyos exitosos eventos nos dicen claramente que no son obra de la casualidad sino más bien de un profundo conocimiento de los gustos musicales populares, en la salsa en particular. Precisamente “Jano” –como lo conocen sus allegados- ha sabido con mucho “olfato artístico” percibir el gusto musical callejero y ha traído a nuestro patio artistas que sin sonar en la radio estaban o están muy pegados en los barrios, como es el caso de los hermanos Lebrón, el Grupo Galé o últimamente “Maelo” Ruiz.

El resultado está a la vista. “Hablan las imágenes” como diría aquel locutor deportivo. Una multitud nunca antes vista en el festival Porteño colmó las instalaciones del primer escenario deportivo del Callao al punto que el “mar humano” en el momento cumbre del evento cubrió totalmente la superficie que compone el campo de fútbol, mas la pista de atletismo en aquellas partes que dan a las tribunas de occidente, sur y oriente, sumándose a ello que las respectivas tribunas en los mismos sectores estaban en un 80% aproximadamente llenas. Póngales ustedes la cifra, 40 mil, 45 mil, 50 mil personas.

Por si aquello de la masiva concurrencia fuera poco, esta demostró que estaba ahí no solo porque no había otro sitio para celebrar el día del Callao, su día, sino que con los generalizados coros a las canciones que se interpretaban demostraban que disfrutaban de un espectáculo al que habían concurrido especial y deliberadamente. De otro lado, los cronistas “especializados” nos veíamos en problemas cuando para nuestros medios pretendíamos conocer los nombres de los temas que eran interpretados, sobre todo los de “Maelo” Ruiz, paradójicamente los más coreados y, consecuentemente, conocidos por el público.

Aquí quiero hacer un comentario al margen. Asuntos de orden particular no me permitieron acreditarme a tiempo para cubrir el evento para Rincón Caliente y www.radioelsalsero.com; no obstante, a la hora que nos hicimos presente en el recinto chalaco (cuando Domingo Quiñones estaba por finalizar su participación) la organización muy gentilmente nos pudo ubicar solo en una tribuna adyacente al escenario. Esa debilidad supimos convertirla en fortaleza, o como se dice en términos coloquiales “No hay mal que por bien no venga”; pues desde esa ubicación tuvimos un panorama privilegiado de cómo el respetable apreciaba y respondía al espectáculo que se le ofrecía.

Comentar el espectáculo puramente artístico solo podría hacerlo parcialmente pues, como repito, llegué cuando estaba Domingo Quiñones por terminar su presentación, “el más buscado” lució pleno de todas sus facultades y con el carisma y las mismas ganas de agradar de siempre. Como por asuntos particulares tuve que recogerme temprano, no alcancé a ver a Van Van, pero conociendo la calidad del “Tren” y por los comentarios leídos en foros y redes sociales, gustó mucho. Nos centraremos pues en “Maelo” Ruiz y Gilberto Santa Rosa.

Sorpresivamente (para mí) el voluminoso cantante se constituyó en la revelación de la noche. Para quienes creyeron que solo estaba para completar el cartel se dieron con otra realidad. Como ya lo ha venido haciendo en sus últimamente frecuentes visitas a Perú, OTRA VEZ MAELO RUIZ volvió a sonar y fuerte, esta vez en el más importante evento salsero peruano. Aunque sus románticas canciones muy “pegadas” entre la juventud fueron el deleite de la mayoría, a nosotros nos gustó cuando interpretó un viejo éxito de su paso por la orquesta de Pedro Conga: “Tu forma de amar”.

Finalmente, el turno para comentar “lo” de Gilberto Santa Rosa. Tuvimos la suerte de apreciar sus dos shows de esta visita, el del viernes en la discoteca Vocé y el del festival al día siguiente, y aunque quisiéramos ver al gran sonero mas entregado para con el público, no dejamos de reconocer su gran calidad y profesionalidad, con una impecable interpretación de sus temas. Para el Festival y como ya se nos había informado, incorporó a su ahora tradicional repertorio romántico un par de intervenciones recordando su paso por la banda de Willie Rosario: La Mitad y el medley Lluvia-Botaron la pelota. De alta calidad. Mención especial a la orquesta colombiana de damas “D’Caché” muy bien dirigida por el bajista Boricua Johnny Torres. Particularmente el tema que más me gustó, en ambas presentaciones, fue la versión en salsa del clásico “Caballo Viejo” que permitió además el lucimiento de la orquesta en sendos solos de varias de sus instrumentistas.

A estas alturas, ustedes se preguntarán, ¿si este hombre nos dice que no le gusta escribir, cómo sería si le gustara? La verdad nos hemos extendido más de lo normal, por lo que agradezco especialmente a aquellos que han llegado hasta este punto de la lectura. Por ello y para despedirme, solo unas cuantas reflexiones, una de ellas que me agrada y comparto es aquella que propone que en futuros festivales se haga una mixtura de salsa popular y la que gusta a los exigentes. Ojalá llegue a concretarse.

Pero la más importante reflexión que nos deja el XV festival es que quienes amamos el género debemos tratar de difundirla más entre quienes no la conocen. Hay mucha gente ávida o predispuesta a educar sus oídos en la salsa; es decir, hay un campo fértil. Hay que tratar de llevar la salsa que creemos buena a sus oídos. ¿cómo? He ahí la cuestión. Creo que puede ser motivo para más de un conversatorio. Por el momento debemos tener conciencia que no somos, los “duros”, mayoría entre los salseros, ni siquiera en el Callao; y que un cartel integrado por Eddie Palmieri y la Perfecta, la banda de Bobby Valentín y SHO, solo lo veremos en sueños; consecuentemente, no pretendamos imponer nuestros gustos musicales y tal vez tengamos que aceptar que es hora de aprender a compartir espacios con aquellos que gustan de lo simple y fácil de escuchar, y con cuyo arte también podemos pasar ratos agradables.

Este fin de semana llega a Perú nuestro amigo, el investigador y escritor colombiano Pablo Del Valle. El motivo de su visita es la celebración del Centenario del nacimiento del legendario músico cubano Arsenio Rodríguez, motivo por el cual Pablo realizará dos conversatorios:

“ARSENIO RODRIGUEZ, EL PADRE DE LA SALSA”: Lunes 29 de agosto en el Centro Cultural CAFAE – SE, ubicado en la Av. Arequipa Nº 2985, San Isidro, las 7 pm

“ARSENIO Y BENNY MORE: EVOLUCION Y DESARROLLO DE LA MUSICA POPULAR CUBANA”: Viernes 2 de setiembre en la Ciudad Universitaria de la UNMSM en la Facultad de Ciencias Sociales, a las 7 pm

La organización está a cargo de la Asociación Cultural Musical Beny Moré. En ambos casos el ingreso es libre

La próxima cita salsera es el sábado que viene. El 27 de Agosto se realizará la segunda edición de Fiesta Latina, que trae a Carlos Vives, Luis Enrique y Rubén Blades, entre otros artistas.

A continuación una entrevista a Blades, publicada en la reciente edición de la Revista Caretas.

Ruben Blades en Caretas Agosto 2011


Blades En su Salsa
“Se ha probado que la izquierda puede administrar eficientemente un país”.

Música : Rubén Blades conversó en exclusiva con CARETAS a días del concierto del 27 de agosto en el estadio de la Universidad de San Marcos. Evocó a la ministra de Cultura Susana Baca, su paso por el ministerio de Turismo de Panamá y a la llamada nueva izquierda latinoamericana.

Entrevista exclusiva: Susana Baca, su experiencia como ministro y la nueva izquierda latinoamericana le ponen salsa picante a su concierto del 27 de agosto en Lima.

Es un capítulo aparte en la salsografía nacional. De existir, los párrafos iniciales de aquel texto ausente deberían narrar la primera presentación del panameño en el Perú, allá por 1979. Sus paseos por el Callao junto a Willie Colón, las lecturas de César Miró, el recuerdo de la quena de los Incas y su pasión por Alianza Lima (y en un pie de página se citarían las menciones blanquiazules en clásicos como “Estampa” y “Todos Vuelven”). Sus posteriores apariciones en televisión en 1981, gracias a programas como Maestra Vida y La Torre de Babel. Los cuentos de García Márquez musicalizados en Agua de Luna (Elektra, 1987). El recital de julio de 1984, en la Feria del Hogar. Las remesas de nostalgia que enviaba a toda Latinoamérica desde Nueva York. Su amistad con Eva Ayllón. Su talento para convocar a salsólogos de bandos opuestos, como Luis Delgado Aparicio y Ronald Gamarra (y hacerlos intercambiar discos y apretones de mano). Su habilidad para interpretar las venas abiertas –y las raíces torcidas– de América Latina. Por supuesto, también sus últimos conciertos, masivos y exitosos, tanto en el 2003 como en el 2009.

El acápite de este año deberá incluir una mención al festival Fiesta Latina 2011. La noche la calentará el nicaragüense Luis Enrique, el vallenato de Carlos Vives y el representante del reggaetón romántico Joey Montana. Jugando de local, cantarán Bartola y Los Ardiles. Animará Fernando Armas. Pero la noche será de Blades, y de lo que musicólogos y estudiosos han querido llamar salsa narrativa, salsa social, focila o salsa intelectual. Dialécticamente hablando, de la síntesis y superación de la salsa. No se diga más. Habla, Bleids.

–¿Qué piensa de la designación de Susana Baca como ministra de Cultura?
–Creo que la capacidad para ejercer un cargo se demuestra con el ejercicio de la oportunidad. El que una persona sea artista no significa que sea incapaz de ocupar una posición administrativa. Es ridículo que para tener un carro se exija una licencia de conducir pero no para tener hijos. O que se encuentren más veterinarios en el servicio exterior de un país que graduados de diplomacia.

–¿Ha hablado con ella? La han comparado con usted y Gilberto Gil.
–No he conversado con ella. Le deseo la mejor de las suertes. Espero que tenga presupuesto y apoyo total del Presidente. Es un puesto que produce mucha envidia y alta expectativa.

–¿Qué recuerda de su paso por la política? En el 2004 fue candidato presidencial. Y del 2004 al 2009 fue ministro de Turismo de Panamá.
–Mi servicio público me honra. Me hizo menos egoísta, más solidario y más paciente.

–¿Volvería a postular a algún cargo público? En “La Perla” ironiza sobre su pasado político junto a Calle 13.
–No estoy desencantado con el trabajo público. Quizás existan otros momentos en el futuro.

–¿Cuál es su posición con respecto a la piratería, a la libre descarga y a este regreso a los conciertos para solventar presupuestos?
–La piratería es el hurto descarado del trabajo ajeno. Es el artista quien decide cómo y cuándo regalar su creación y las condiciones para eso. Ya yo lo he hecho y es una cuestión personal. Mi regreso al escenario es simplemente una continuación de lo que hacia antes de ser un servidor público. Agradezco que todavía se interesen por mi trabajo.

–¿Qué extraña de un país salsero como el Perú?
–El escenario de Perú siempre ha sido agradable para mí pues el apoyo ha sido constante.
Es un público que sabe y conoce. Cuando te quieren es para siempre, si mantienes respeto y calidad por lo que haces y por el público que te apoya.

–¿Cómo evalúa a la izquierda latinoamericana, la llamada nueva izquierda?
–Se ha probado que la izquierda puede administrar eficientemente un país. A mí eso no me sorprende. Tampoco que encontremos gente que no escapa a la mediocridad, simplemente por entonar demagogias y prometer lo que no tienen capacidad para producir.
Eso está en la derecha, en el centro, en la izquierda, arriba y abajo. La izquierda siempre ha sido un campo donde se encuentra todo tipo de elemento. La estupidez representa un frente muy amplio e internacionalmente presente, desgraciadamente para todos.

–¿Cómo entender al llamado eje bolivariano?
–Para los que continúan enredados con la necedad del comunismo, vean hacia El Salvador. Cuando en 1982 escribí “El Padre Antonio y el Monaguillo Andrés”, apoyando la lucha contra la dictadura, algunos me llamaron comunista, subversivo y muchas peores cosas. Hoy, el presidente de El Salvador, representando al Farabundo Martí, fue electo por el voto popular. Mauricio Funes puede resultar uno de los mejores presidentes, Dios así lo permita. Ya nadie le grita que es un subversivo, porque es obvio que ha existido un progreso. Pero falta mucho más, empezando por un replanteamiento de la organización social y de nuestros códigos y leyes, utilizando al ser humano como el punto del enfoque para el plan nacional y no basándolo en un modelo económico. Ni el capitalismo, ni el comunismo funcionan por eso. (Carlos Cabanillas)

La actual Ministra de Cultura del Perú, Susana Baca, entrevistada por el New York Times. la nota es de James C. McKinley Jr.


By JAMES C. McKINLEY Jr. Published: August 19, 2011

Success was a long time coming for Susana Baca, the Afro-Peruvian folk singer who was recently named minister of culture for the new populist government of President Ollanta Humala of Peru. She is the first black member of the Peruvian cabinet and the first musician to hold the position.

Ms. Baca was 51 and working in relative obscurity when David Byrne discovered her in the mid-1990s and put her stirring rendition of “Maria Lando” on his compilation “Soul of Black Peru.”

Since then she has recorded six albums on Mr. Byrne’s label, Luaka Bop, and her reputation as an ambassador of Afro-Peruvian music to the rest of the world has grown. She won a Latin Grammy in 2002 for best folk album when a European label reissued “Lamento Negro,” the forgotten record she had made at the Egrem studio in Cuba in 1986.

Critics have lauded the plangent quality of her voice and the way she plays with folk forms, combining rhythms of different genres and tinkering with traditional lyrics, sometimes even setting poetry to folk tunes.

Her new album, “Afrodiaspora” (Luaka Bop), departs from her ballad-heavy sets rooted mostly in Peruvian rhythms. She takes an up-tempo tour of African-influenced music across the Americas, singing not only Peruvian festejos and landós, but also a Colombian cumbia, a Cuban son, a Puerto Rican bomba, a Brazilian coco, a funk tune about New Orleans, a Mexican son jarocho.

Now 67, Ms. Baca has never been a member of the political or social elite of Peru, where racial and class divisions run deep, though for decades she was an outspoken advocate for Peruvian blacks. Rebuffed as a musician, she founded the Instituto Negrocontinuo in Lima to preserve black folklore and music.

The request from President Humala, a former general turned left-leaning populist, to lead the culture ministry came out of the blue as she was preparing to go on a tour of the United States and Europe to promote “Afrodiaspora.” She will appear on Sunday evening at City Winery in the South Village. She spoke on the telephone recently about the new album and her appointment. Following are edited excerpts.

Q. Tell us how you ended up being named minister of culture. Did you know before the election that it was a possibility?

A. It was a big shock. The ministers of culture have always been archaeologists and anthropologists, sociologists, but never an artist. I thought about my mother, and how I would have liked that she were alive to know that her daughter, from a humble background, who has struggled a lot in life, came to have such an important post in this country.

Q. You have never moved in the circles of governmental power in your country. When you were a girl, was it even possible for a black woman to dream of becoming a minister?

A. Not just when I was a girl. It was only a short time ago that we managed to become respected, to have status. Among common people there is this mentality, and this we have seen in the social networks during the second round of the election of President Humala. There were terrible, racist things said on the networks. Racism against Indians. Strong racism. It was regrettable and sad that in this country there still are people who despise blacks and Indians and natives of the Amazon.

Q. Tell us about this new album. It seems like a tour of the music of African people in the Americas. You draw on traditions from Cuba, Peru, Mexico, Brazil, Puerto Rico, even New Orleans. Why did you choose these songs?

A. I wanted to show the Africanness of America. Our Africanness. To celebrate this Africanness. That is what has happened on this album. In choosing the songs, it is marvelous to see that when we interpret music of Puerto Rico, and a bomba dance seems to be so much ours, because the rhythm, well, it’s not the same, but it’s similar. What excites me so much, for example, is how one can manage to make a funk song end in a Peruvian festejo, and you don’t lose authenticity.

Q. Is there a particular track on this album that is special for you?

A. The one from New Orleans. It was important to do this work because I lived in New Orleans and got to know the musicians there, but I couldn’t get anything started because of Katrina. When I do this song, I remember all that I lived through, and I think it is a homage to the music of that beautiful place that is New Orleans.

Q. You were forced to leave by Katrina. How long were you there?

A. I went up for about a month. I arrived for the celebration of Louis Armstrong’s birthday, and there was a lot of music, a lot of food. It seemed to me I was in paradise. All of a sudden the hurricane came, and everything was transformed.

Q. On this album there are two covers of songs by the Mexican singer Amparo Ochoa and the Cuban songstress Celia Cruz. How did they influence you and your music?

A. Celia Cruz I have known since I opened my eyes. My mother adored her. I saw her on television singing with La Sonora Matancera, in the era when she sang with them. And she was singing Yoruba songs. It fascinated me.

Q. And Amparo Ochoa?

A. I met her in Cuba in the 1970s. She arrived and went directly from the plane to the stage and started to sing and sing and sing. Later we passed several days together there, her singing a Peruvian festejo and me learning “La Maldición de Malinche.” We shared a lot.

Q. How will you be able to balance your duties as a minister and your music career?

A. It’s going to be very difficult. Although I have a first-rate team working here, I think that the job’s going to eat into my work as a musician. But I’m not about to give up music.

Impresionante asistencia la noche de ayer al Estadio Miguel Grau para el Fetival Chimpun Callao

Anoche se realizó la edición 15 del Festival Internacional Chimpun Callao. El escenario fue el Estadio Miguel Grau del primer puerto chalaco que se vio colmado por una gran cantidad de asistentes, una de las más altas de los últimos años.

La velada internacional se abrió a las 9:20 de la noche con la intervención de Domingo Quiñones, el sonero boricua que interpretó muchos de sus éxitos, entre ellos "Río abajo va" y "Lamento de Concepción", cerrando su presencia en el Callao con un medley dedicado a Héctor Lavoe.

Inmediatamente terminada la actuación de Quiñones , subió a tarima Maelo Ruiz, quien causó alboroto entre los asistentes que coreaban cada una de las canciones del voluminoso cantante. Sin duda Ruiz se ha convertido en uno de los salseros más populares del momento y el público gozó con el canto del también boricua.

Ambos, Domingo y Maelo, fueron acompañados por la orquesta nacional Mangú

Cerraron el festival el gran Gilberto Santa Rosa acompañado de la orquesta femenina D'Caché, y Juan Formell y Los Van Van, quienes le dieron el toque cubano a la noche de Festival en el Estadio Miguel Grau

Santa Rosa estuvo en lo suyo. Se dio un espacio para incluir en su repertorio algunos temas de su época con Willie Rosario, pero basó su presentación en sus temas de solista, que fueron muy bien recibidos por la multitud que ya abarrotaba el Miguel Grau.

Como suele hacerlo en sus últimas presentaciones, Gilberto también le metió mano al timbal.

Los Van Van llevaron la energía y alegría de siempre con su música. "Aquí el que Baila Gana" fue el primer tema en su primera vez en el Festival, en una presentación que mantuvo contentos a todos quienes gustan de la timba y del sonido del "Tren de Cuba".

En resumen, esta 15 edición del Chimpun Callao tuvo un importante éxito comercial. Esperamos que en las sucesivas ediciones no se pierda el espacio para contar también con exponentes de "Salsa Dura".

Domingo Quiñones, Maelo Ruiz, Gilberto Santa Rosa y Juan Formell, esta tarde en la Conferencia de Prensa del XV Festival Chimpun Callao

Se van calentando los motores. Hace instantes se realizó, en el hotel Sheraton, la Conferencia de Prensa del XV Festival Internacional Chimpun Callao, que se llevará a cabo mañana, sábado 20, en el Estadio Miguel Grau.

Gilberto Santa Rosa y Juan Formell

El encuentro con la prensa contó con la presencia de todas las figuras internacionales que estarán mañana en tarima.

El legendario Juan Formell, líder de Los Van Van que estarán por vez primera en el Festival

Esta edición del festival, reconocido dentro y fuera de nuestro país, será especial pues tendrá por vez primera en el escenario a Juan Formell y Los Van Van de Cuba, lo mismo que a Gilberto Santa Rosa "El Caballero de la Salsa".

El tremendo sonero boricua Gilberto Santa Rosa promete una gran noche de Salsa en el Callao

Quien regresa a la tarima del Festival, una década después de su anterior presentación es Domingo Quiñones, quien Gracias a Dios se mostró muy recuperado después del problema de salud que lo aquejaba meses atrás.

"El más buscado" Domingo Quiñones

La nota romántica la pondrá el también boricua Maelo Ruiz, otro "debutante" en la tarima del Miguel Grau.

La cita es para mañana sábado 20, desde las 7:00 p.m.

Maelo Ruiz

Ayer fue el lanzamiento del primer DVD oficial del Maestro Eddie Palmieri.

Fueron dos los eventos realizados ayer en New York, a propósito de "Eddie Palmieri 50th Year Anniversary", que es como se titula este nuevo producto que el renombrado pianista dedica a su esposa Iraida y que tiene una notas escritas por el también músico John Santos.

El primero ocurrió ayer por la tarde en uno de los locales de la tienda Best Buy, donde el propio Palmieri estuvo firmando autógrafos.

Entre los asistentes pudimos ver al sensacional trombonista Jimmy Bosch, quien hizo su cola y luego se acercó a Eddie para que le autografiara el DVD.

El otro evento fue por la noche, cuando Palmieri se presentó con su orquesta en el Copacabana, celebrando el lanzamiento de este trabajo que incluye una entrevista realizada por Felipe Luciano y la filmación de un concierto del 2005

A continuación les traemos dos notas más, la primera de El Diario La Prensa y la segunda (en inglés) de Larry Blumenfeld para el Wall Street Journal.

Gracias a don Luis Jiménez por las fotos que acompañan la presente nota

Eddie Palmieri tiene su alma en Harlem

"Gracias a los puertorriqueños se crearon grandes fusiones de jazz latino y salsa"

Por: Rebeca Herrero

Nueva York — Eddie Palmieri cumple 50 años de carrera musical y aun así, es como si el tiempo no hubiese pasado. Su humor genuino lo lleva consigo en dichos como "el amor y el interés fueron al campo un día, pudo más el interés que el amor que le tenía", parafraseando "Muñeca", uno de sus éxitos.

Aunque nació en 1936, para Palmieri su edad es solo de 24 años. "Yo le resto un año a mi vida cada cumpleaños", dijo con humor uno de los músicos más respetados de salsa y jazz latino.

Durante una entrevista ayer en Manhattan, Palmieri ordenó un mofongo relleno de mariscos para su esposa, Iraida Palmieri, una mujer de Ponce, Puerto Rico que el músico vio por primera vez en el Palladium cuando apenas era una jovencita. Ya cumplieron 55 años de casados.

Luego de conocerse, pues ella frecuentaba el famoso club, Palmieri supo que tenía que hacer su vida al lado de ella. Hoy tienen cuatro hijos. "Nos casamos en la Iglesia de la 111 y avenida Lexington, la misma que fue ocupada por los Young Lords años después", aseguró, refiriéndose al grupo boricua nacionalista.

Palmieri se crió en el 60 de la calle 112 en "Spanish Harlem". "Se debería de llamar Via Palmieri, pero tienen otro nombre", dijo con humor el artista influenciado por los mejores amantes del jazz como Art Tatum, Bobby Timmons, Bill Evans, Horace Silver y la música cubana de los 30 y 40.

"Los puertorriqueños fuimos los que seguimos la tradición de la música cubana; gracias a nuestra gente se crearon grandes fusiones de jazz latino y salsa", dijo el ganador de nueve premios Grammy.

Su mamá era de Puerto Rico. "Tuvo que cruzar las montañas de Coamo para llegar a Ponce, llegó a Nueva York en un barco, fue costurera y ella fue la que nos enseñó a estudiar música. "Ella llegó a Nueva York en el 1925 y mi padre en 1926. Mi abuela la caía a escobazos a mi papa porque no le caía bien", confesó el autor de grandes éxitos como "Azúcar Pa Ti", "Vámonos Pal Monte" y "Cachita". Hoy el lugar donde vivía es un campo de beisbol, de la liga infantil de Harlem. En aquella época existían edificios bajos que se le conocían como "tenements".

"En esos tiempos tomábamos clases de piano que costaban una peseta (25 centavos) y ella nos llevaba a que aprendiéramos piano clásico. Era la era la depresión, te ganabas cinco pesos a la semana. Pero mi mamá se ganaba entre 35 y 45 pesos semanal, eso era un dinero que no existía", dijo Palmieri.

El papá de Palmieri era electricista. "Eventualmente abrió un "luncheonette" en El Bronx. Aquí trabajó toda la familia, mi abuela cocinaba rellenos de papa, a mi me gustaba todo lo que cocinaban", contó sobre su pasado cuando residió en el Sur del Bronx. "Yo cargaba las cajas de botellas para ayudar a mi papa".

Palmieri llamó su hermano Charlie, quien falleció en 1988, "su inspiración".

"Mi hermano y yo siempre fuimos muy unidos, solo que él era mucho mayor que yo, pues me llevaba 10 años. Pero él me guió por mi carrera, le debo mucho", narra el compositor, que ahora reside en Queens. "El era definitivamente el genio en el piano", confesó el prolífico pianista.

Su hermano tocaba en el Park Palace, en la Quinta Avenida y la calle 110, "y ahí venían todos los músicos- no había muchos bailes, lo que había era ‘supper clubs’. La gente venía a cenar, y había un show en vivo. En El Barrio – era la época Machito y Federico Pagani- y Charlie tocaba y al final de la noche- todo El Barrio le estaba esperando afuera", recordó la leyenda puertorriqueña.

Aunque el músico boricua es conocido por ser pianista, empezó su carrera tocando los timbales.

Reveló que dejó los timbales por el piano, "porque pesaban mucho, mi mamá me dijo que no estuviera cargando eso, que me iba a lastimar la espalda".

Buen consejo para Palmieri, ya que eso significó el nacimiento de un virtuoso del piano.

Hoy, Palmieri estará firmando autógrafos durante la venta de su DVD oficial en la tienda Best Buy ubicada en Union Square, Manhattan. Los primeros 200 invitados podrán participar de un Q&A exclusivo, moderado por Erica Gonzalez, editora ejecutiva de este rotativo.

También ofrecerá un concierto en el Copacabana Club ubicado en 268 de la calle 48 oeste a las 9:00 pm presentado por Rossana Rosado, gerente general de El Diario La Prensa. El evento será a beneficio del programa EXODUS, organización con base en El Barrio que reubica en la sociedad a los ex convictos.

The Power of the Patriarch

By LARRY BLUMENFELD, New York, for Wall Street Journal

Eddie Palmieri slid into a booth at the Copacabana, next to a column resembling a plaster cast of a palm tree. The décor was a throwback to this newly reopened Manhattan nightclub's namesake, a mid-20th-century hotspot. It recalled a moment when mambo was ascendant and the Afro-Cuban musical tradition deepend its elemental presence within New York's cultural identity.

Mr. Palmieri grew up in that environment. Now 74, as a pianist and a bandleader he is the patriarch of Latin music in the U.S.

"It was important that commercial radio played the Latin orchestras back then, which doesn't happen anymore," he said. "We could all hear the Machito Orchestra, the Tito Puente Orchestra and the Tito Rodriguez Orchestra—the three heavies—every day. I heard it when I was out playing stickball in the street."

Mr. Palmieri was born in Harlem to Puerto Rican parents, who moved the family to the Bronx when he was 6. His uncles played guitar and sang boleros. His father was an electrician, his mother a seamstress. The whole family invested in a luncheonette called El Mambo. "I manned the juke box," he said. "The best one in the neighborhood."

Mr. Palmieri, whose style as pianist is devastatingly percussive, first fell in love with the timbales, the metal-cased drums associated with Latin music. "I played timbales for a while," he said. "But my mother wanted me to be a pianist, so she bought me heavy metal cases to lug around the drums. She'd say: 'Your brother doesn't have to carry those cases. When will you learn?'"

Mr. Palmieri began, he said, as "Charlie's little brother." Nine years his senior and a distinctive pianist himself, Charlie was already playing with Tito Puente's orchestra when Mr. Palmieri was in his teens. It was Charlie who, in 1956, helped Mr. Palmieri gain the pianist spot in a group led by Vincentico Valdés, who had sung with Mr. Puente.

That's the moment originally intended for commemoration through a new "50th Anniversary DVD" (Eddie Palmieri Music), documenting a 2006 concert by Mr. Palmieri's orchestra at Bushnell Auditorium in Hartford, Conn. Though it was delayed due to technical issues, the DVD release works even better now, anniversary-wise: Leading his orchestra through two sets at the Copacabana on Tuesday night in celebration, Mr. Palmieri will mark 50 years since the formation of his first group, Conjunto La Perfecta.

With its unusual frontline of two trombones and a flute, La Perfecta announced a new sound—bold and hard-edged, in stark contrast to the plush Afro-Cuban orchestras and more courtly charangas, featuring violins and flutes, of the day. This instrumentation owed to practicality, said Mr. Palmieri; production budgets were limited and trumpeters (the more common lead horns) commanded high fees. But La Perfecta more reflected a partnership formed at a Bronx social club, Tritons, between Mr. Palmieri and trombonist Barry Rogers, whose own powerhouse playing matched the pianist's intensity. "He was a true genius," said Mr. Palmieri. "And our minds melded."

La Perfecta was innovative in other ways. The group shattered the recording format's customary 3½-minute barrier with its 8½-minute 1965 hit "Azúcar," one of several classics reprised on the new DVD. "We had no choice," said Mr. Palmieri. "It was already a hit in the streets for two years, so there was no way we were going to change the way we played it." By 1968, the group was gone (Mr. Palmieri has revived it, thrillingly and in slightly altered form, since 2002).

Mr. Palmieri's career traced a restless and inventive path without ever losing its footing in dance-oriented rhythms, always showcasing his remarkable piano playing—characterized by pungent harmonies, stinging dissonances and sheer power. Several of his recordings can be credited with helping develop nascent styles, from salsa to Latin jazz. And a 1981 album titled simply "Eddie Palmieri" (commonly called "The White Album") is a masterpiece that defies category, as beautifully orchestral (with arrangements that include French horn and bassoon) as it is hard-driving.

Though his music has long blended modern jazz with Afro-Cuban rhythms, jazz did not come easily to Mr. Palmieri. "I hated jazz when I was younger because I couldn't comprehend it," he said. Again, the relationship with Rogers was key, at first through exchanged albums. "I'd give him a Celia Cruz and he would give me a Thelonious Monk," he said. "I'd give him one by [Cuban trumpeter] Chappotín and he'd give me Miles Davis's 'Kind of Blue.'"

Once immersed, he found the challenge of Latin jazz daunting. "How do you satisfy the jazz musician's desire for harmonic complexity, what he needs to solo, while also getting the right reaction out of the rhythm section, which is an entirely different kind of complexity?" he asked. "How do you satisfy both, and not have one less important than the other?" He did so definitively with his 1994 album "Palmas," introducing what he calls his Afro-Caribbean jazz group, still the most elegant and forceful expression of such balance.

A 1975 Time magazine article on salsa music's rise began with an image of Mr. Palmieri at the piano. But for him, the word "salsa" is a misnomer. "It shows a lack of respect for specific rhythmic patterns that each have proper names," he said with a wince. He winced more deeply at the mention of the Grammy Awards, despite having won nine to date, including the first ever for Latin music, in 1975, for his album "The Sun of Latin Music." Regarding a recent decision by the National Academy of Recording Arts and Sciences to eliminate 31 categories, including Latin jazz, he said: "It's an insult that hurts. It's a Grammy scar. And it makes no sense."

Yet his eyes brightened as the conversation returned to musicians—to, say, trumpeter Brian Lynch, with whom he's worked for more than 20 years, including the Grammy-winning 2006 collaboration "Simpático" ("he keeps pushing me to take more and more chances"), and to bassist Luques Curtis, whose performance on the DVD came early in his assocation with Mr. Palmieri. "He's filled up my soul in brand-new ways," he said of Mr. Curtis, "but I can't hold him. He's just that good."

Any conversation with Mr. Palmieri eventually gets around to musical theorist Joseph Schillinger, whose ideas he absorbed through studies with the singer and guitarist Bob Bianco.

With animated gestures, Mr. Palmieri described mathematical principles underlying the manipulation of musical axes to establish balance and create imbalances. It took Schillinger's ideas, he said, to finally unlock for him the secrets of the classic Afro-Cuban dance orchestras. "What Schillinger helped me to understand is that there is a way to engineer excitement through musical structure. I don't guess that I'm going to excite you. I know it."

Nos llega la noticia de la muerte de Dave Tucker, quien fuera por varios años trompetista de la Orquesta de Tito Puente.

Tucker grabó con muchas agrupaciones, entre ellas las de Bill Evans y Roy Román e incluso participó en el primer disco de Eddie Palmieri y su Conjunto La Perfecta (1961).

Este es el video de lo más reciente de El Gran Combo de Puerto Rico, su tema "Echar Pa'lante", estrenado hoy día a nivel mundial. Con un nuevo mensaje...

Fuente: Primera Hora, Puerto Rico.

El Gran Combo reveló hoy una nueva versión del tema "No hago más na'".

Difundida por las ondas radiales en horas de la mañana de hoy, la nueva versión del Gran Combo cambia la alusión al personaje que vive del "cuento" sin trabajar.

"Qué bueno es vivir así, con ganas de trabajar", indica la nueva versión.

La iniciativa de El Gran Combo, que forma parte de una campaña publicitaria privada, surge en momentos en que los últimos números del Departamento de Trabajo indican que el 60 por ciento de la población de mayor de 16 años está fuera de la fuerza laboral.

Esta cifra sólo cuenta a las personas que están desempleadas, pero que están buscando trabajo. La cifra sería más alta si incluyera a las personas que están fuera de la fuerza laboral sin buscar empleo, perfil que se describe en el tema original de "No hago más na'" de El Gran Combo.

"Al escoger esta canción y cambiarle la letra, creímos que era positivo, porque es un grupo bueno, que la gente lo quiere mucho", dijo Rafael Ithier, director de la orquesta en entrevista radial con NotiUno. "No es que fuera necesario, pero más bien que pudiera ser eficiente porque la gente lo podía aceptar con humildad y creo que la gente lo va a absorber de esa manera".

"Es una pequeña contribución que hemos hecho para exhortar a la gente. Tenemos tantos problemas… los muchachos jóvenes, sobre todo, que no están tendiendo conciencia de la vida y de lo que es la responsabilidad. Los que nacimos en otra época vemos esto (sociedad) tan diferente a lo que era antes", agregó. "Eso es a lo que queremos exhortar a la gente. Si el mensaje contribuye a eso, estamos contentos, porque lo hemos hecho con el mejor deseo de que lo oigan y que lo absorban y lo puedan asimilar".

Por su parte, el secretario del Departamento de Trabajo, Miguel Romero, felicitó la iniciativa de El Gran Combo.

"Es un mensaje bien positivo. En aquel entonces, cuando se lanzó esta cañón por primera vez, era el tiempo de vivir así, sin hacer más nada, pasándola bien. Ahora es qué bueno es vivir así, con ganas de trabajar. Es un mensaje de echar para adelante", sostuvo Romero. "Hay mucha gente que quiere trabajar, pero hay mucha gente que vive del cuento… Hay que El Gran Combo lo está haciendo bien. Hay que felicitarlo. Hay que adoptarlo como prácticamente un himno de vida, de que hay que seguir luchando y que la batalla no se ha perdido".

Fuente: El Nuevo Día, Puerto Rico. Por Frances Rosario

El Gran Combo de Puerto Rico lanzó una nueva versión de su canción “Y no hago más na’” para pedir a los puertorriqueños que luchen por mejorar la calidad de vida.

“En el 1962 un grupo de compañeros nos unimos para llevar alegría a los pueblos con nuestra música… Nosotros vamos a reescribir una de nuestras canciones más conocidas y queremos que todos, todos la canten”, indicó Rafael Itier, director de la orquesta, antes de que los miembros del grupo gritaran: “Hagamos que Puerto Rico eche pa’lante”.

En el mensaje, divulgado en varios medios radiales, hablan los músicos y cantantes de la reconocida orquesta de salsa sobre la misión que tenían para fundar a El Gran Combo. La misma es llevar alegría a los pueblos a través de la música.

Indicaron que trabajaron fuerte por triunfar, ya que eran tiempos difíciles.

“Hoy todavía seguimos luchando contra las adversidades que día a día nos trae la vida. La batalla no se ha perdido. Nuestro Puerto Rico no está pobre de esperanza. Vamos pa’lante. Vamos a soñar. Vamos a pensar en grande. Así lo hicimos nosotros en aquel entonces y lo continuamos haciendo ahora. Tenemos que ser positivo. No esperes que nadie lo haga por ti”, indicaron varios miembros del grupo, antes de pasar a la nueva versión de la canción.

“Que bueno es vivir así, con ganas de trabajar… que bueno es vivir la vida echando pa’lante y nunca pa’tras”, indica la nueva versión.

La antigua versión decía: "Que bueno es vivir así, comiendo y sin trabajar”.

Este esfuerzo de El Gran Combo ocurre en momentos en que el alza en la criminalidad, el desempleo y la crisis fiscal del Gobierno ha deteriorado la calidad de vida en Puerto Rico. Problemas en el sistema educativo y alza en trágicos casos de maltrato de menores y mujeres también han marcado este año al país.

En una entrevista radial (NotiUno), Itier aceptó que la nueva canción surge como un esfuerzo publicitario que le recomendó una agencia de publicidad.

Dijo que la intención de la canción no es criticar a la juventud ni entrar en aspectos políticos. Señaló que lo que promueven es el respeto y responsabilidad por la vida, sobre todo, en el sector joven del país.

“Un mensaje de esta índole, en este momento, no es que fuese necesario, es que podía ser eficiente y la gente lo podía aceptar con humildad”, expuso.

Ithier indicó que la agrupación se encargó de escribir la letra con la intención de llevar un mensaje positivo.

“La idea del mensaje es esa que conservemos a Puerto Rico tan bonito como es… y que llevemos el ejemplo que se puede. Nosotros somos pequeños en tamaño, pero en empuje y en corazón somos un continente. Eso es lo que queríamos hacer”, precisó el director de El Gran Combo.

Ithier también dijo que con este esfuerzo buscan “reciprocar tanto cariño” que les ha dado el pueblo.

El superintendente de la Policía, Emilio Díaz Colón, fue uno que de los que al escuchar la promoción, salió a felicitar a El Gran Combo.

“Felicito al señor Rafael Ithier por ese mensaje positivo para nuestro pueblo”, indicó.

Pidió a la ciudadanía que contribuyan a mejorar la calidad de vida y crear conciencia para tener una mejor calidad de vida.

“A veces hay muchos ojos que ven, pero bocas que hablan. Lo que necesitamos es que por lo menos cuando dos ojos vean, haya una boca que hable”, precisó el funcionario, al señalar que solo así pueden procesar a los criminales.

Nueva versión del clásico de El Gran Combo

Mira la letra de la canción nueva y compara con la versión anterior de "Y no hago más na"

El Gran Combo de Puerto Rico lanzó hoy una nueva versión de su famosa canción "Y no hago más na", con el propósito de animar al público puertorriqueño a trabajar y a gozar de una mejor calidad de vida.

Mira la nueva letra:

Yo me levanto por la mañana.

Salgo de casa bien elegante,

listo pa’ echar pa’ alante,

nunca pa’ atrás, pa’ atrás.

Hoy le meto mano al día.

Esa es mi filosofía:

derechito por mi vía,

nunca pa’ atrás, pa’ atrás.

De las seis hasta las doce,

el día me lo aprovecho.

Me gano mis habichuelas

aquí o allá, nunca pa’ atrás.

A las doce aprieta el hambre.

Busco almuerzo en la guagüita.

Pa’l frente voy en la fila

con los demás, nunca pa’ atrás.

Si me da sueño como a las tres,

yo lo espanto con café.

Y si se pone dura la cosa respiro hondo

y rompo a cantar:

A la la, a la la, a la la lara la lara.

Y a la hora de la salida,

lo recuerdo como ayer,

el sermón de mi viejita

diciendo “mi’jo hay que laborar.

De cabeza y nunca pa’ atrás.”

Si me estanco en el tapón,

lo convierto en vacilón.

Aprovecho la ocasión:

un momentito pa’ relajar.

A la larara la la la.

Me acuesto a dormir con sueños,

y mi motor pongo a descansar,

listo pa’ arrancar mañana

nunca pa’ atrás, pa’ atrás.

¡Qué bueno es vivir así, con ganas de trabajar!

Versión anterior:

Yo me levanto por la mañana,

me doy un baño y me perfumo,

me como un buen desayuno

y no hago más na', más na'.

Después yo leo la prensa,

yo leo hasta las esquelas,

o me pongo a ver novelas

y no hago más na', más na'.

A la hora de las doce

yo me como un buen almuerzo

de arroz con habichuelas

y carne guisada, y no hago más na'.

Después me voy a la banca

a dormir una siestita;

y a veces duermo dos horas

y a veces más, y no hago más na'.

Y me levanto como a las tres,

y me tomo un buen café,

me fumo un cigarillito con mi guitarra

y me pongo a cantar.

Y a la hora de la comida

me prepara mi mujer

un bifstec con papas fritas

con ensalada y mil cosas más.

Me lo mango y no hago más na'.

Luego me voy al balcón,

cual si fuera un gran señor,

a mecerme en el sillón,

Con mi mujer a platicar.

¡Ay!, cuando se me pega el sueño

enseguidita me voy a acostar,

y duermo hasta por la mañana

y no hago más na', más na'.

Qué bueno es vivir así, comiendo y sin trabajar.

¡Oigan!, yo nunca he doblado el lomo

y no pierdan su tiempo, no voy a cambiar. ¡Qué va!

Qué bueno es vivir así, comiendo y sin trabajar.

Señores, si yo estoy declarado en huelga, ¡sí!,

¡mi mujer que me mantenga! ¿Oíste?

Qué bueno es vivir así, comiendo y sin trabajar.

Qué bueno, qué bueno, qué bueno,

qué bueno es vivir la vida,

¡comiendo, durmiendo y no haciendo na'!

Oiga compay, ¿usted sabe lo que es estar en un sillón mece que te mece?

Esperando que lleguen los cupones del Seguro Social...

¡Así cualquiera!

Qué bueno es vivir así, comiendo y sin trabajar.

Recibiendo la pensión por loco,

de loco yo no tengo na', ¡listo que soy!

Qué bueno es vivir así, comiendo y sin trabajar.

Qué bueno...

Traen un plato de mondongo,

arroz, habichuela y carne guisá, para empezar.

Qué bueno es vivir así, comiendo y sin trabajar.

¿Quién trabajará? ¿Quién, yo?

Búscate a otro, yo ya hice lo que iba a hacer.

Dos entrevistas realizadas a Eddie Palmieri, con motivo del lanzamiento (mañana martes 16) de su primer DVD Oficial.

Esta es de esta mañana, en Univision:

y esta es de Associated Press:

Palmieri lanza primer DVD y hace balance de 50 años de carrera

POR CLAUDIA TORRENS

THE ASSOCIATED PRESS

NUEVA YORK -- Pregúntele a Eddie Palmieri, el legendario pianista e innovador de la rumba, si se arrepiente de no haber hecho algo en 55 años de carrera y le sorprenderá con lo siguiente:

"Aprender a tocar el piano, bien tocao", dijo el lunes durante una entrevista con la AP. "Ser tocador de piano es una cosa. Ser pianista es otra".

Con esa humildad y buen humor, el músico de 74 años de origen puertorriqueño sigue subiéndose a los escenarios de todo el mundo y deleitando a miles con su manejo de las teclas y sus ritmos de mambo, guaracha y cha cha cha.

El martes lanza al mercado su primer DVD oficial, en conmemoración de 50 años de carrera, y planea tocar en el emblemático club Copacabana, en Manhattan.

El ganador de ocho premios Grammy tradicionales y un Latin Grammy habla con nostalgia de los tiempos de Tito Puente, Machito o Celia Cruz, cuando la salsa tenía "arreglos con tanta tensión y resistencia que el ritmo llegaba a un clímax increíble".

"Eso ya no ocurre", añadió el músico. "La gente joven no tiene la oportunidad de saber lo que es. Las radios dicen que es salsa pero es Latin pop y luego ponen a un rapero. No tiene nada que ver con la música que es importante para mi".

Palmieri, quien acaba de regresar a Nueva York tras tocar en Veracruz, México, y anteriormente en Brasil y Europa, dirige tres orquestas distintas y habla con pasión de cada una de ellas. El DVD, que se venderá exclusivamente a través de su portal de internet y las tiendas Best Buy, muestra un concierto que realizó hace cinco años en Hartford, Connecticut. El músico espera que el regalo sea disfrutado por sus admiradores, quienes podrán gozar así de su música.

Nacido en el Spanish Harlem de Manhattan en 1936, Palmieri empezó a estudiar piano de pequeño, al igual que había hecho su hermano mayor y músico de salsa, Charlie Palmieri. En la década de 1950 empezó a tocar en la orquesta Eddie Forrester, para unirse después a la orquesta de Tito Rodriguez y acabar formando después su propia banda, llamada La Perfecta, en 1961.

La Perfecta se hizo famosa por sustituir las trompetas por trombones. Inspirado por músicos de jazz cubano de las décadas de 1930 y 1940, como Jesus López y Lili Martinez, Palmieri sorprendió a muchos con un estilo innovador que mezclaba la salsa con sonidos de funk, jazz y soul.

El músico ganó su primer premio Grammy, en 1975, por el álbum "The Sun of Latin Music". El momento fue histórico para él, ya que se trataba de la primera vez que la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación (NARAS, por sus siglas en inglés) reconocía a los músicos hispanos con la categoría Latin Music.

Otros de sus trabajos más exitosos fueron "Azúcar Pa Ti" (1965), "Unfinished Masterpiece" (1975), "Palo Pa Rumba" (1984), "La Verdad" (1987) y "Simpático" (2006), con el que ganó su último Grammy.

Aunque nunca ha ido a Cuba, asegura que "la lleva en el corazón", ya que con sus músicos aprendió las estructuras de la orquesta, basando así los 36 álbumes de su carrera.

"No hay otro país que puso al mundo a bailar como Cuba", señaló. "Es increíble lo que ofrecieron. Luego fueron los puertorriqueños aquí los que comprendieron lo que salía de la isla".

Palmieri se ha convertido ahora en uno de los principales críticos de NARAS por la eliminación que la academia hizo de la categoría de Latin Jazz en los premios Grammy.

"Es criminal hacer eso porque los que más sufrirán ahora son los jóvenes músicos", dijo el artista. "Ahora hacen que sea imposible ganar. Creo que es la mayor falta de respeto en nuestro género".

La Academia de Grabación anunció en abril la reestructuración de los premios, asegurando que todos los campos serían tratados con igualdad. NARAS también señaló que algunas categorías habían sido eliminadas porque no se recibían suficientes solicitudes musicales.

A pesar de la noticia, el músico boricua no pierde el ánimo y ya planea sus conciertos en San Antonio, Texas, e Israel, donde seguirá difundiendo sus ritmos tropicales.

"Hay pa bien y para rato", dijo riendo. "Muerto no se puede vivir".

Fuente: Peru21.com

Más de 250 mil personas asistirán este mes a festivales de salsa, así como a presentaciones de artistas de este género en discotecas, no solo en Lima, sino también en regiones como Arequipa y Cusco, prevé el empresario Carlos Gonzales.

“Hay un mayor interés de los peruanos por la salsa y eso se refleja en la buena asistencia que están registrando los conciertos, las discotecas, la mayor llegada de artistas y el incremento del mercado en provincia”, manifestó el también gerente general del Grupo Tumbao.

Asimismo, indicó que en agosto se realizarán dos festivales: el Chimpún Callao, que reunirá a Gilberto Santa Rosa, Maelo Ruíz y la orquesta Los Van Van; así como Fiesta Latina, que trae como figura principal a Rubén Blades, Luis Enrique y Carlos Vives. Solo en ambos espectáculos se esperan a 75 mil personas.

Hace algunos años las discotecas dedicadas al rubro de la salsa no estaban en la capacidad de traer a cantantes del exterior como Oscar D’ León y Tito Nieves, pero ahora la gente está dispuesta a pagar un mayor precio por las entradas, refirió Gonzales.

Además, reveló que un artista que se presenta en uno de esos locales puede cobrar entre US$40 mil y US$50 mil por cada show que hace en el país y que las localidades pueden llegar hasta S/.200.

“El pago de los intérpretes o bandas debe salir de las entradas y las ganancias, del consumo de los asistentes”, añadió el empresario, tras detallar que el 40% de los ingresos de las discotecas proviene de la venta de licores, en su mayoría cerveza.

El tan esperado DVD del Maestro Eddie Palmieri saldrá al mercado el próximo martes 16 de agosto.

Se trata de "Eddie Palmieri 50th year Anniversary DVD", que se venderá exclusivamente en su sitio web www.eddiepalmierimusic.com y en la tienda Best Buy de Union Square, en Nueva York.

Este primer DVD oficial de Palmieri contiene una presentación filmado en el Auditorio de Bushnell en Hartford y una entrevista realizada por Felipe Luciano

Poco es lo que hay que agregar respecto a la carrera musical de Eddie, uno de los salseros más influyentes e importantes de todos los tiempos. Nueve veces ganador del Premio Grammy, el pianista definió con su Conjunto La Perfecta un patrón y estilo agresivos, distintos al "boato" de las big bands de los 50s.

Aquí un trailer de este trabajo musical que estará disponible desde la próxima semana

Fuente: El Espectador, Colombia. Por: Juan Carlos Piedrahíta B.

El cantante puertorriqueño celebra el próximo año medio siglo de carrera artística y pronto sacará un álbum dedicado al bolerista Fernando Álvarez.

Para un salsero como usted, ¿cuál es la diferencia entre salsa y son?

La salsa es el nombre universal que tiene manifestaciones tradicionales como la guaracha y el guaguancó. A todo eso le dicen salsa, gracias a la influencia de los puertorriqueños que vivían en Nueva York durante la década de los 60. Yo cantaba con el Gran Combo números que no decía que eran salsa y ahora los canto con el mismo arreglo, y los anuncian como salsa.

Hay otros dos términos que también son similares: el bolero y el filin, en los que usted profundizó con el disco ‘AM/PM’ con Pablo Milanés. ¿Cuál es la relación entre uno y otro?

Los boleros que uno canta como jazzeados, esos son el filin. Comencé cantando boleros en mi adolescencia y ahora ya soy un dinosaurio del estilo salsero. A los 16 años tenía un trío en el bachillerato y ahí jamás pensé en meterme a la salsa. Antes de ese disco con Milanés hice tres de boleros con Ismael Miranda.

Incluso, hay un proyecto con el que usted pronto regresará al bolero, ¿o no?

Así es. Dentro de poco saldrá un homenaje al cubano Fernando Álvarez.

¿Cuál es el alimento que les dan en su natal Saturce para producir músicos tan reconocidos?

No sé. Ahí nació también el Sonero Mayor, Ismael Rivera. Creo que las olas ayudan a guarachar, porque en mi barrio también se criaron Daniel Santos y Vitín Avilés, la primera voz de los Panchos, así como Luis Perico Ortiz.

¿Cómo ha sido la evolución de la salsa?

Creo que la salsa ha sido cíclica. Ha ido y vuelto, y se ha fusionado con estilos sonoros como el rock y el raggaetón.

¿Qué pasó con el salsatón que usted hizo?

Fue una experiencia genial y por eso los retos a mí no me amilanan. Con el Gran Combo llegamos a grabar Matilde Lina, que es un poema hermosísimo. Leandro Díaz no ve, pero tuvo la sensibilidad para identificar que cuando Matilde camina, hasta sonríe la sabana.

¿Usted llegó a la salsa con Rafael Ithier y el Gran Combo de Puerto Rico o antes tuvo aproximaciones con el ritmo?

Antes de entrar al Gran Combo estuve seis meses en el grupo de Luis Morales, hermano del pianista Noro Morales. Cuando estaba en esa agrupación, Ithier llegó a mi casa por recomendación de Samy Ayala y él me guió por los caminos de la salsa, en los que estoy desde hace 50 años.

Estuvo con el Gran Combo 15 años, pero después lo invitó Rafael Ithier para hacer una gira por Japón… ¿cómo fue eso?

Mis relaciones con el Gran Combo siempre han sido muy buenas y me voy con ellos a pararme en escenarios en Oriente.

¿Cuáles le dejaron cantar?

Canté todas las mías: Las hojas blancas, Un verano en Nueva York ,Vagabundo y el repertorio con el que me hice conocer.

¿Qué enseñanza le dejó el Gran Combo de Puerto Rico?

Rafael Ithier es mi mentor. A él le debo la fuerza que tengo en la voz, porque se encargó de los arreglos y a medida que pasaba el tiempo me ponía a cantar más alto. Recuerdo que él me decía: “Eso es un músculo y si no lo ejercitas no se pone fuerte”.

Cuando llegó a la Dimensión Latina, a reemplazar a Oscar D’León, ¿cómo encontró el panorama de la salsa en América Latina?

La salsa era un hit en ese entonces allá. Me recibieron con mucho cariño y con gran felicidad. Debo decir que he vivido tres etapas en mi vida: con el Gran Combo, otra con la Dimensión y ésta como solista y con mi orquesta, en la que cantan mis hijos (Andy, Harold y Liza).

¿Qué significa para usted ser el fundador de la Dinastía Montañez?

Los artistas estamos más tiempo con el público que con nuestras familias, y saber que mis hijos están ahí conmigo es una maravilla. Con ellos grabé algunos temas de Tite Curet Alonso. Creo que al único que le pasa lo mismo es a Oscar D’León, quien también está en la agrupación con sus hijos.

Usted participó en ‘La boda’, en ‘El atentado’ y en ‘Cien años de perdón’, tres películas. ¿Cómo se vio?

Algunas de esas películas ganaron premios internacionales. Casi todas esas cintas eran muy sociales, pero también he hecho muchas obras de teatro. Incluso, en una de ellas, canté zarzuela.

¿Cuál tema de salsa le falta cantar?

Muchas. Lo que quiero es seguir caminando. Ya soy un dinosaurio, pero le pido a papá Dios una prórroga de 30 o 40 años.