31 oct. 2009 0 comentarios

Especial Grammy Latino: Orestes Vilató - José Lugo - Bobby Sanabria

El próximo jueves 5 de noviembre se realizará la ceremonia de los Grammys Latinos.

Este fin de semana tendremos en nuestro blog-emisora a tres personajes de nuestra música que están nominados en distintas categorías musicales.

Conversaremos con el gran pianista, productor, arreglista y director musical José Manuel Lugo (asociado por muchos años a grandes de la música como Bobby Valentin, Gilberto Santa Rosa y muchos más) , nominado en las categorías Mejor Album de Salsa y Grabación del Año con su disco Guasábara, uno de los mejores trabajos musicales de la década, en los que reúne a una verdadera "all stars contemporánea" con un repertorio de primera.

También tendremos a toda una leyenda de nuestra música, el maestro Orestes Vilató, quien nos contará toda su riquísima trayectoria artística (Belisario López, José Fajardo, Ray Barretto, Fania All Stars, Santana, Cachao, entre otros) que este domingo 1 de noviembre celebra 50 años en la música. El gran percusionista está nominado en la categoría Mejor Album Tropical Tradicional con su disco It's About Time.

Además, tendremos también a un invitado de lujo, el percusionista Bobby Sanabria, toda una personalidad del género afro-cubano en New York. Además de músico, Bobby es un educador y uno de los más entusiastas difusores del legado musical latino en los Estados Unidos. Su disco Kenya Revisited... Live, en tributo a Machito y Mario Bauzá, participa en la categoría Mejor Album de Jazz Latino.

Asimismo, retomamos nuestra secuencia el Top 20 de Octubre, con canciones destacadas del año 2009 que venimos difundiendo en nuestras emisiones cotidianas.

Programación de LUJO este fin de semana en La Radio de El Salsero:
10:00 am - El Top 20 de Octubre
12:00 pm - Especial y Entrevista a José M. Lugo (Guasabara)
3:00 pm - Especial y Entrevista a Orestes Vilató (It's About Time)
7:00 pm - Especial y Entrevista a Bobby Sanabria (Kenya Revisited Live)
30 oct. 2009 0 comentarios

25 Años sin Pellín Rodríguez

Puchi y Michael Rodríguez, hijos de Pellín, y al medio Rafi Rodríguez, hermano del recordado vocalista



Fuente: El Nuevo Día Puerto Rico. Por Jaime Torres Torres

A veces llaman a las radioemisoras para solicitar canciones de Pellín Rodríguez y los operadores de control les responden que no hay nada en la programación.

Eso es una tragedia para Puchi, el hijo del difunto guarachero y bolerista de El Gran Combo, cuyo fallecimiento, en ocasión de su vigésimo quinto aniversario, será conmemorado este domingo 1 de noviembre con una fiesta, desde el mediodía, en la Placita de los Salseros en Villa Palmeras.

Puchi Rodríguez, quien sigue los pasos de su padre, lamentó que la industria haya condenado al olvido al intérprete de “Acángana”, “El caballo pelotero”, “Amor por ti”, “Arrebatadora”, “Rompamos el contrato” y otros éxitos que el joven cantará el domingo.

“Para ser la persona tan decente y caballerosa que fue, a mi padre Pellín no le han brindado el reconocimiento merecido. Nosotros lo recordamos todos los años y si no lo hiciéramos ya hubiera desaparecido su memoria”, dijo Puchi

Lo más triste es que la voz del cantante y comediante, apodado Popeye por su afición al mar y la hinchazón permanente de su mano derecha a consecuencia de la picadura de una abeja, desaparezca de las ondas radiales. Prácticamente dos generaciones y media han crecido con desconocimiento del legado de Pellín, quien hoy tendría 85 años.

“Deseamos que el pueblo venga y comparta ese día con nosotros y la familia, para que sea el mejor tributo póstumo”.

Andy Montañez, Paquito Guzmán, Camilo Azuquita, Luigi Texidor, Roberto Roena, Son de Madre, Salsa Clásica, Víctor Skerret, Oscarito Villariny & su Salsa Project, Darío Morales, Andicito Montañez y Ritmo Tropical amenizarán el tributo a Pellín.

Su familia, con Puchi y los hermanos de Pellín, Rafy y Alicia, la recordada voz del Dúo Rodríguez de Córdova, interpretará sus éxitos.

Por compromisos previos ni Rafael Ithier ni Gilberto Santa Rosa, dos grandes amigos de Pellín, asistirán al concierto de pueblo. En su lugar lo recordarán con el junte de El Combo del Ayer y Siempre, banda en la que Popeye coincidió con Andy Montañez, Elías Lopés y Luigi Texidor. “Tendremos a Elías, Héctor Santos, Víctor Pérez, Milton Correa y otros. Ithier y Eddie Pérez estarán en Ecuador y Gilberto, que fue su pupilo, tampoco estará, pero voy a tener a parte de los músicos originales de El Gran Combo”.

La Plaza de los Salseros está localizada en el sector Playita de Villa Palmeras, en la marginal del Expreso Ramón Baldorioty de Castro, en dirección de San Juan a Carolina.
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Bis Music y el "bloqueo musical"

Fuente: Juventud Rebelde, Cuba. Por: Yelanys Hernández Fusté

La música cubana trasciende las fronteras de la Isla. Nuestra sonoridad, prolija en cultores de géneros autóctonos y de estilos foráneos, ha abierto una brecha en el difícil mercado fonográfico internacional. Pero no es una empresa fácil.

La política dictada por Washington también afecta la comercialización de la discográfica nacional y limita a las personas de otras partes del planeta a que escuchen el son cubano, la rumba, el bolero y toda esa tradición que lleva la melodía criolla.

Para la disquera Bis Music, con 15 años en el giro discográfico, el bloqueo estadounidense es tangible cuando erige una barrera que impide acceder a los mercados, participar en ferias y certámenes del sector realizados en el país norteño, e imposibilita allí las presentaciones en vivo de nuestros artistas.

Ela Ramos Rodríguez, su gerente general, señala que, en esos términos, el territorio norteamericano nos está prácticamente vedado. «No podemos llegar con nuestros discos, ni con nuestros artistas, ni siquiera con la promoción que se les hace.

«En la actualidad con el tema de la producción discográfica tenemos que buscar mercados alternativos y fábricas en distintos lugares, lo que encarece los costos y los fletes, sin mencionar otros gastos y riesgos que hay que asumir por la lejanía.

«Desde el punto de vista de los clientes, muchos de ellos nos compran a través de terceras empresas por el temor de resultar multados si negocian con la Isla.

«Un ejemplo clásico son los Grammys Latinos. En la edición de este año, Muñequitos de Matanzas está nominado con el disco hecho por nuestra disquera, D’ palo pa’ rumba. Producido por el pianista Frank Fernández y Cary Diez, ese es un álbum que, a pesar de contar con esa candidatura y de tener una amplia promoción, no se ha podido presentar en EE.UU.

«También está por ver si se aprueba la participación de la agrupación en el evento. Aunque se han hecho los trámites para que esto sea posible, en otras ocasiones han sido rechazadas.

«Nosotros hemos sido nominados en varias oportunidades dentro de esta categoría de la música folclórica, sin embargo, la popular bailable y la tradicional, tan fuertes en Cuba, escasas veces se insertan en sus correspondientes apartados.

«Las causas son muchas. Ahí se manejan diversos intereses, sobre todo los criterios de no dejar entrar productos de la Isla porque se sabe que tienen una alta calidad y, a la hora de la competencia, pueden peligrar los demás materiales presentados.

«El bloqueo afecta fundamentalmente la promoción de nuestros artistas, quienes, a pesar de ser de primer nivel, son prácticamente desconocidos en EE.UU. El pueblo norteamericano no los conoce prácticamente porque, por lo general, no tienen contacto de ningún tipo con ellos».

—¿Las limitaciones se evidencian también en las ferias discográficas y certámenes de ese corte?

—Casi siempre cuando vamos a un evento de este tipo, muchos empresarios se interesan en la música cubana, sobre todo en la tradicional. Pero si se trata del producto terminado, a la hora de hacer una exportación o que medie un contrato, ahí mismo se termina la negociación. Prefieren comprarlo a terceros.

«Tampoco podemos llegar a las grandes distribuidoras —SONY, BMG o Universal, trasnacionales que dominan la comercialización del disco—, sencillamente porque se manejan muchos intereses políticos y no te lo permiten.

«Porque al final, si se escuchara la música y se viera al artista en vivo, eso evidentemente sería una oportunidad de negocios. Ellos tienen los oídos sordos. Tratan de desconocerlo y, por lo tanto, lo obvian. Es así con cualquier manifestación. No solo sucede con la música».

—A pesar de esta situación adversa, Bis Music continúa su labor fonográfica...

—El catálogo ha ido creciendo cada vez más y toma mayor importancia. En estos momentos tenemos cubiertos casi todos los géneros musicales, y contamos con más de 600 títulos grabados.

«Bis Music tiene a varios artistas y agrupaciones que son exclusivos de la disquera, como Adalberto Álvarez, Haila, Yumurí y sus hermanos, Elito Revé, Bamboleo y Muñequitos de Matanzas. A ellos se suman otros creadores que reciben ese tratamiento. Y a pesar del bloqueo seguimos trabajando y haciendo muy buenas producciones».
29 oct. 2009 0 comentarios

Lara Top Festival: Rubén Blades, Marc Anthony y Los Primera


Fuente: Impulso.com, Barquisimeto, Venezuela. Por: José Flores Ávila/Marianli Suárez Valera

La salsa estremeció el Metropolitano

La noche más esperada del Lara Top Festival fue un escenario a casa llena. El Estadio Metropolitano se colmó de una multitud de personas que desde tempranas horas llegó para tener un puesto privilegiado y disfrutar de un concierto histórico en la región centro-occidental.

Las entradas tuvieron una demanda considerable desde los primeros días de venta, mientras en las taquillas del estadio algunas personas adquirían sus boletos a ultima hora.

Autobuses salieron desde diferentes puntos de la ciudad para trasladar a las personas hasta las puertas del Metropolitano y, aunque con algunos contratiempos, los usuarios expresaban la algarabía y emoción por el tan esperado evento.

Bajo un cielo cubierto de fuegos artificiales que indicaban que la fiesta Top Festival acababa de empezar, la banda Koktell prendió la fiesta con temas que pusieron a bailar a los miles de espectadores en un ambiente de alegría y festividad.

Cautivaron los Primera

Servando y Florentino hicieron brotar más de una lágrima a las cientos de seguidoras que desde tempranas horas esperaban el concierto del dúo salsero que continúa rompiendo corazones a su paso.

Después de una cuenta regresiva que emulaba los latidos de un corazón emocionado, los Primera saltaron al escenario, y con guitarra en mano, Servando se dispuso a cantar Una canción que te enamore.

Con sus originales atuendos y una apariencia que cautivó a más de una Fan enamorada, Servando y Florentino se pasearon por un repertorio que recorrió desde sus primeros discos.

Gritos de euforia retumbaban en los espacios del estadio Metropolitano, mientras un popurrí de éxitos era coreado por los miles de asistentes a la primera noche de conciertos.

Con la promesa: "vamos a pasarla increíblemente rico", los hermanos Primera expresaron su satisfacción por compartir el escenario del Top Festival con unos maestros de la salsa como lo son Rubén Blades y Marc Anthony. "Somos alumnos donde ellos son directores y esperamos pasar este examen", expresaron en una pausa de sus canciones.

Canciones como Eres mi amor, Muchacho Solitario, Mal de Amor, Paso a paso... eran interpretadas con un fondo visual que mostraba videos e imágenes de la trayectoria de unos muchachos que han dejado huella en la juventud venezolana. Se pasearon por el escenario y disfrutaron del buen ambiente que reinaba en el Metropolitano.

Al bajar del escenario los ex integrantes de Salserín, se dispusieron a disfrutar del espectáculo que comenzaba al ritmo de El Padre Antonio, en la voz de una leyenda de la salsa como lo es Rubén Blades y se tomaron un tiempo para compartir con los medios de comunicación.

"Había una energía y fluía una vibra alucinante, ser parte de esto es toda una experiencia", expresó Servando a los medios, mientras comentaba de su reciente visita a la ciudad de México en donde estarán trabajando en nuevas composiciones.

Poesía hecha salsa

Con un elegante traje negro y con un distinguido sombrero, el poeta de la Salsa, Rubén Blades entonaba acompañado de los Seis del Solar la historia del padre Antonio y el monaguillo Andrés, una pieza emblemática de su repertorio musical.

¿Cuánto ha pasado desde esa vez que estuvimos aquí?, preguntó al emocionado público, mientras agradecía por el gran recibimiento que le brindaron en tierras crepusculares luego de cinco años de ausencia de los escenarios.

"Esa canción es para las madres que mueren sin vacaciones", expresó y de inmediato los acordes de Cuentos del alma comenzaron a estremecer el engramado Metropolitano.

Con historias que cuentan la realidad de la sociedad y mensajes que evocan una Latinoamérica unida, Blades recorrió el escenario de punta a punta, compartió con el público pequeñas anécdotas de cada una de sus canciones y soltó frases de esperanza e igualdad entre hermanos.

Canciones que llevan inmersos mensajes de libertad y de justicia, que han sido escritas hace mas de treinta años y aún continúan vigentes en el acontecer de los pueblos latinoamericanos, Decisiones, Plástico y Ligia Elena. Recordó su primer éxito con la Fania All Stars, Juan Pachanga y sacó su guitarra para entonar en acústico el tema Adan García. Cantó María Lionza con la fuerza y la entrega de un enamorado de la vida y se paseó por Todos vuelven, Patria y dedicó Buscando América a la fallecida Mercedes Sosa.

A petición del público los Seis del Solar comenzaron los acordes de la emblemática Pedro Navaja y para finalizar, como es costumbre en sus conciertos, el tema Muévete terminó de encender al público, que disfrutó de un espectáculo sin precedentes y pasó a la historia como el tercer gran concierto de Blades en tierra crepuscular.

Llegó el flaco

Con fuerza y calidez, los tropicales ritmos de Valió la Pena hipnotizaron al público en el Top Festival, cuando, con un elegante traje negro y con lentes oscuros, Marc Anthony irrumpió en el escenario y descargó toda su energía en el escenario.

En varias oportunidades se mostró conmovido por la cantidad de público presente en el estadio Metropolitano que coreaba al unísono cada uno de sus temas, mientras él pedía a la banda bajar los volúmenes de los instrumentos para poner apreciar el mágico momento.

Recorrió el escenario, lanzó besos a sus fanáticas y recibió toda la buena vibra de un público que esperó hasta las 2:00 de la mañana para disfrutar de las canciones del flaco.
Luego de un silencio que mostraba unos ojos conmovidos y unas manos que daban gracias a los cielos, Marc dejó colar al micrófono la frase "¡Que honor!", ante el majestuoso escenario, para dar paso a uno de los temas que lo hicieron destacarse en el ámbito musical como lo es Vivir lo nuestro.

Compartió con sus fanáticos, se mostró alegre y sonriente ante los miles de espectadores y se abalanzó para estrechar su mano con algunas de las personas más cercanas en el área VIP, de donde sacó una camiseta del Cardenales de Lara que ondeó al público y guardó como un preciado recuerdo.

Se entregó en el escenario y mostró su elegancia y destacado porte de estrella, interpretando sus canciones más sonadas y dejando un sabor de buena música en una noche que marcó el inicio de cinco días de fiesta Top Festival.

Regresa Rubén y Anthony continúa

Las últimas horas de la noche del martes 27 y las primeras de la madrugada del miércoles 28 de octubre representaron, para los seguidores de la salsa, ser testigos del retorno de uno de los grandes entre los grandes: Rubén Blades y la confirmación de la continuidad de otro que es, de igual manera, una auténtica estrella: Marc Anthony.

Dos estilos distintos, pero con un mismo sentido: la búsqueda de la permanencia de la salsa en la cuenca del Caribe, parte de suramérica, así como en varias ciudades importantes de los Estados Unidos y, por qué no, consolidar la proyección de la mezcla de distintos ritmos afrolatinos, hacia Europa, donde se registra una atractiva movilización de músicos empeñados, con acierto, en hacer bailar a quienes viven en países donde se ha alcanzado un desarrollo significativo, pero donde sienten especial atracción por los sonidos de los cueros, el bajo, las trompetas y los trombones, el piano y la clave.

Rubén para todos

"Escribe tú sobre Blades y Anthony", me dijeron en la redacción.
Biográficamente de ellos todo está dicho, lo nuevo es lo que viene.

Un sonido impecable, como pocas veces hemos escuchado en este tipo de eventos, se encargó de presentarnos el retorno apoteósico del abogado panameño, ex ministro de Turismo de su país, quien al momento de entregar el cargo, no dudó en buscar a los músicos con quienes conformó las legendarias agrupaciones Seis del Solar y Son del Solar.

Y es que Ralph Irizarry en los timbales, Eddie Montalvo en las tumbadoras, Reinaldo Jorge en el trombón, Oscar Hernández en el piano, Mike Viñas en el bajo, Robby Ameen en la batería, Arturo Ortiz en el sintetizador, George González en el bongó, entre otros, así como la presencia del magistral trombonista Jimmy Bosch, dijeron "Seis y Son del Solar presentes" para el retorno de la salsa social.

Esas letras marcaron una diferencia, cuando su prosa permitió una identificación más cercana del oyente hacia los problemas que afectan a los países de nuestro continente, donde abundan los barrios llenos de miseria, donde generalmente se ignora la dignidad humana.

Aunque se trata de lo popular, Blades lo hace con una clase, con una altura inigualable, sólo comparable por quien él siente una profunda admiración: Catalino "Tite" Curet Alonso. Su trabajo dignificó a esta mezcla de ritmos, estigmatizada por algunos, por desconocimiento y puso a otros tantos a pensar.

Letras de denuncia, complementadas por unos arreglos musicales que permiten admirar la versatilidad de los músicos que le acompañan, donde transmiten un ritmo contagioso que invita a bailar. Eso lo sintieron quienes vieron a Blades, especialista en intercambiar impresiones con el público cuando está en la tarima, por ello le admiran también.

Calidad innegable, un regalo, en el mejor sentido de la palabra, para los salseros, una presentación inolvidable, digna de ser repetida. No lo pierda de vista, gobernador.
Si por Rubén hubiese sido no se baja de la tarima, pero debía dar paso a Marc Anthony, a quien saludó y resaltó su respeto por el trabajo realizado.

Momento de profunda sencillez de Rubén cuando se refirió a Gustavo Dudamel, hacia quien tuvo los mejores elogios y admiración, al verlo trabajar, en fecha reciente, en Los Ángeles.

Marc en lo suyo

Una hora y algunos minutos, permitieron a más de 30 mil personas apreciar la potente voz de Marc Anthony, quien expuso el trabajo combinado que le ha resultado exitoso cuando graba temas románticos, al estilo baladas y la salsa pegajosa.

Anthony vino por una hora, cumplió y aunque dedicó una más a los asistentes, resultó impactante ver a este artista en suelo larense.

Ese público joven, el cual ha vivido la trayectoria artística de Marc, sintió como, a través de sus venas, le llegaba el mensaje, de manera especial cuando se acercó varias veces hacia donde estaban los seguidores y seguidoras.

No hay duda alguna que el precio por ver a estos dos cantantes de talla internacional, está justificado y muchos creen que resultará difícil toparse de nuevo con ellos en una misma velada.

El sabor amargo de los salseros por no contar con carteles en los recientes eventos de feria, quedó en el olvido al disfrutar del extraordinario show de Blades y Marc Anthony. Gracias por su presencia y en definitiva, los seguidores quieren escuchar más salsa en la voz de Marc en futuras producciones.


Travesía final

La salida del estadio Metropolitano, al momento de finalizar la primera jornada de conciertos, dejó mucho que desear. El colapso que sufrió la principal y única arteria vial, hizo que los miles de espectadores tuvieran que caminar, largos trechos, para conseguir llegar a sus hogares. Los autobuses para realizar el transporte de regreso, dispuestos por la Gobernación del estado, brillaron por su ausencia, mientras efectivos de la policía regional hacían todo lo posible por aminorar el tráfico en la zona.

Alrededor de las 5:30 de la mañana todo volvió a la calma. Se espera que en los próximos días el flujo de vehículos sea controlado de una manera eficientes para que este tipo de percances no se presenten.

Lo ocurrido esa madrugada, obliga a los organizadores a tomar medidas correctivas urgentes, en tanto que para futuros eventos este aspecto debe ser primordial.

La solución puede ser la construcción de un estacionamiento vertical, para brindar un cierto confort a quienes pagan por ver un espectáculo.

Falló el abastecimiento

A partir de las 11:00 de la noche, los refrescos, agua y comidas comenzaban a escasear en el área VIP. La demanda fue mayor a la prevista y en varias ocasiones tuvieron que decir "no hay" a las personas que se acercaban para calmar la sed durante el concierto.

La prensa en la penuria

Una vez más los representantes de los medios de comunicación deben pasar las de Caín en los eventos de gran envergadura. El área de prensa fue establecida en un lugar lejano de la tarima, por lo cual los medios debían caminar largos trechos para presenciar las ruedas de prensa de los artistas quienes, todavía, no se sabe si conversarán antes o después de los espectáculos.

La red wifi prometida presentó serias fallas en el sistema, mientras algunos técnicos intentaban en vano superar las dificultades el primer día de instalación.

Operativo exitoso

El operativo desplegado por funcionarios adscritos a la Policía regional en la Mega Exposición Internacional Lara 2009 y el Top Festival resultó exitoso, durante el primer día de la jornada.

Un total de 500 funcionarios han sido desplegados a lo largo de la Intercomunal Barquisimeto - Cabudare y las instalaciones del Estadio Metropolitano. Salvo algunos focos de alteración del orden público, durante la apertura del evento no se registraron incidentes de trascendencia.

Efectivos de PoliLara también colaboraron durante la salida de los asistentes al concierto de Rubén Blades y Marc Anthony. El mismo Director de Seguridad y Orden Público, coronel (GN) José Enrique Maldonado Dupuy, estuvo al mando del operativo y dirigió el tráfico en el sector La Campiña.

Aunque la mayoría del público salió complacido del estadio, se espera que para las próximas presentaciones se incremente el número de unidades de transporte público, pues fueron muchos los que debieron caminar desde el Metropolitano hasta el sector Valle Hondo para tomar un taxi que los trasladara a Barquisimeto.
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Arturo Sandoval estuvo en Chile - Entrevista



Fuente: El Mercurio, Chile. Por David Ponce

Arturo Sandoval, trompetista mundial
"Al jazz hay que prestarle atención"

"Porque no puedes pensar en que vas a sentarte en un bar a tomarte un trago, a conversar, y a la vez disfrutar la música", dice el reconocido músico cubano, figura fundamental de la trompeta en el jazz, pero también en el pop, la música incidental y la de concierto. "Hay que dar entera libertad a que la gente escoja lo que quiere escuchar. Eso es lo fundamental".

Es un reconocido músico de jazz, pero incluso un ámbito tan amplio y libre como ése se hace estrecho para Arturo Sandoval. El fundamental trompetista cubano puede ser encontrado en diversas corrientes del jazz, en bandas sonoras para cine y TV, en la música de concierto o en la industria del pop. Como cuando tocó "If I ain't got you" con la cantante y pianista Alicia Keys en los premios Billboard latinos de mayo de 2004, o con el superestrella Justin Timberlake en "Señorita" para los premios Grammy de febrero del mismo año.

-En lo de Timberlake yo me subí al escenario sin haberlo conocido -recuerda ahora Sandoval por teléfono desde su casa en Miami, unos días antes de llegar a Chile donde actuó en Santiago ayer miércoles 28-. Me invitó a tocar en unos premios Grammy y yo ni había oído la canción nunca. Prácticamente conversamos después de que se acabó el evento. Pero fluyó sumamente espontáneo, orgánico y fácil. La buena música siempre se encuentra en un punto. Yo vengo de otra formación y de otra época, pero esos dos muchachos son talentosos y tienen buenas canciones.

La época y la formación de la que viene Sandoval son su cuna en Cuba, donde nació en 1949 (el próximo 6 de noviembre cumple sesenta años), y el adiestramiento musical que recibió desde joven, para luego iniciar una carrera en instancias como la reconocida orquesta isleña Irakere, antes de abandonar la isla por su pública oposición a Fidel Castro y establecerse en EE.UU. en 1990. Y tampoco se queda en un solo instrumento. También toca piano y canta, como lo prueba su más reciente disco, Rumba Palace (2007).

-Sí, sí, ahí grito un poco -confirma Sandoval.

-¿Sorprende a la gente verlo cantar o tocar piano?
-Creo que es una reacción favorable. Ya te digo, la mayoría de la gente piensa que uno sólo toca trompeta, pero cambiarse a otros instrumentos hace un poquito más placentero el show, más entretenido. Para mí lo más importante es sentirme completamente libre en el escenario, cambiar de aquí p'allá sin ningún tipo de complejo ni compromiso con nada.

Maestro Sandoval

"Sí, toco uno o dos numeritos en el piano ya veces canto algo, toco un poco de percusión. En la música de jazz por supuesto lo fundamental es la improvisación. Pero el repertorio que hacemos es una cosa variada, como lo he hecho por muchos años. Música cubana, latin jazz, straight ahead jazz, una canción, un bolero. De todo un poquito pa' entretenernos nosotros también".

-En esta gira hay cinco fechas en Brasil, otras en Santiago, Buenos Aires, México. ¿Es diferente tocar para esos públicos, hay algo latinoamericano común?
-No necesariamente. Uno tiene su propuesta y es lo que quiero compartir con el público. No pienso hacer cambios de un país a otro. La música y lo que hacemos es universal. En cualquier latitud del mundo el público que conoce este tipo de música pues la disfruta, la entiende y tiene sus características bien parecidas.

El maestro Sandoval llegó a Chile con el respaldo de discos como Classical album (1994) y su concierto para trompeta, My passion for the piano (2001) y su repertorio para ese instrumento, Trumpet evolution (2003) y la historia de la trompeta según Sandoval, Live at Blue Note (2005), grabado en ese célebre club de jazz neoyorquino, y Rumba Palace (2007) con su pulso latino.

-Rumba Palace y Blue Note son dos lugares. ¿Qué tanto se parecen esos discos a esos escenarios, y qué tanto si diferencian entre sí?
-Son discos completamente diferentes. El Rumba Palace fue hecho con big band y es de música cubana. Son todas mis composiciones de cómo siento la música cubana actual, un tratamiento con una orquesta grande. Y lo otro es una presentación en vivo. Es una buena muestra de lo que yo casi siempre hago, con muchos estilos.

-¿Siendo latino, entre esos dos se siente menos cercano a Rumba Palace?
-Eso no es realmente lo que yo hago siempre. Es un disco que me pidieron, compuse todas las canciones, pero el disco en vivo en Blue Note refleja mucho más lo que el público vio en Chile.

-En el disco My passion for the piano, ¿qué le interesó de "Esta tarde vi llover", de Manzanero, para grabarla?
-Oí esa canción por muchos años, desde que estaba en Cuba, por supuesto. Manzanero es un compositor increíble, un hombre muy prolífero que ha escrito una cantidad de cancines lindísimas. Y me enamoré mucho de esa canción porque oí una versión que grabó Bill Evans, con Eddie Gómez en bajo.

-¿Y la versión suya se parece más a Manzanero o Bill Evans?
-No, es más bien bolero. La de Bill Evans es más jazz.

-¿Ha tenido ocasión de presentar su Concierto para trompeta, o quedó sólo en su disco clásico?
-Claro que sí. No el disco completo, porque cuando uno toca programas de música clásica luego se hace una fusión con programas más variados para la misma orquesta.

-¿Y qué rol juega ahí lamusica incidental?
-Hay que estar en función de la escena, pero es un tabajo muy interesante que cada vez que he podido hacer lo he disfrutado mucho.

Vampiros en La Habana, la banda sonora

Un nexo más cercano con Chile tiene Arturo Sandoval. Él es el compositor de la música de la película de dibujos animados "Vampiros en La Habana", muy difundida en el circuito de cine-arte en Chile en los años '80.

-Ah, eso fue, y sigue siendo todavía, un éxito rotundo. Es una película de animación, pero más bien para adultos. Es increíble, muy simpática. Esa película se quedó en el argot popular de la gente: la gente hablaba como los personajes. Y sigue hablando. Las frases de los personajes se metieron muy adentro de la gente en Cuba.

-¿El jazz no tiene esa llegada tan directa, echa de menos eso?
-El jazz es una música un poquito más elitista, de las personas que lo entienden y han dedicado un buen tiempo a comprenderla, estudiarla y saber oírla. Porque no puedes pensar en que vas a sentarte en un bar a tomarte un trago, a conversar, y a la vez disfrutar la música. No es así. Al jazz hay que prestarle atención, entender lo que está pasando en el escenario, tener una idea de las habilidades de las personas.

-Entre todas estas músicas que ha grabado, ¿tiende a ser menos compleja una obra popular?
-Bueno, si lo ves como un solista, como instrumentista, por supuesto tocar un concierto exige una dedicación y un esmero. Tu técnica y tu manera de expresión tienen que ser mucho más refinadas y perfectas. La música popular en general tiene más de libertad, no es tan ceñida a una cosa escrita, a una partitura, tú me entiendes.

-¿Y el jazz se aproxima más a esa libertad o a la disciplina?
-Por supuesto (que a la libertad). El jazz tiene de los dos, necesitas un control del instrumento, de lo contrario vas a tener más limitaciones que cosas que expresar. Pero en el jazz hay mucha más libertad para expresarte. Al estar improvisando estás creando simultáneamente.

-¿Por eso mismo no aprecia más a ese público que al del pop?
-No, yo no miro en menos a nadie. No, hombre, creo que hay público para todo y hay que dar entera libertad a que la gente escoja lo que quiere escuchar. Eso es lo fundamental.

-¿Esa idea de libertad desde cuándo está en su trabajo, desde cuando vivía en Cuba?
-Siempre ha estado en mi manera de expresar. Mucha gente, sobre todo críticos, a lo mejor no lo han entendido bien, o no lo han apreciado, porque la gente a veces quiere enmarcarte dentro de un estilo y que no te salgas de ahí.

-¿Pero por ejemplo el título de su primer disco en Estados Unidos, que es "Vuelo a la libertad", tiene una connotación política?
-Es todo lo relacionado a lo que encierra la palabra libertad. No tiene fronteras, limitaciones ni ataduras. La libertad plena es lo más lindo que existe en la vida.

-¿Qué tan en contacto sigue hoy con la música en la isla?
-He oido unas cuantas cosas de las grabaciones de grupos actuales que me llegan. Hace veinte años que no voy a Cuba, no te puedo decir con exactitud los nombres, pero trato de escuchar todo. Uno no puede dar la espalda a nada de lo que está pasando en la música.

Juanes en La Habana: "No vi nada de eso"

Si tiene que elegir un disco entre los que ha grabado, Arturo Sandoval no tiene dudas: su favorito es Trumpet evolution, donde se hizo cargo de grabar versiones de trompetistas tan diversos como los tradicionales Louis Armstrong, Bix Beiderbecke y King Oliver, los referentes del bebop Dizzy Gillespie, Fats Navarro y Clifford Brown y otros nombres más recientes como Chet Baker, Harry James, Miles Davis, Roy Eldridge, Maynard Ferguson y Wynton Marsalis.

-Es el que más me gusta de todos los que he hecho hasta ahora. Es el número uno para mí en la lista -recalca-. Es un trabajo bien serio, sinceramente comparte con el público mi pasión por el instrumento y por la música que se ha representado a través de la trompeta. De eso se trata ese disco. Es realmente un trabajo muy estudioso de la evolución de la música a través de la trompeta.

-¿Y el planteamiento fue aprender el modo de cada uno de ellos o recrearlos al estilo suyo?
-Nunca tuve en mente recrearlos al estilo mío. Al contrario, (quise) hacer grabaciones con la tecnología de hoy aplicada a las piezas exactamente como ellos las tocaron y grabaron. Demuestra una gran dedicación el control que se necesita para hacer diecinueve canciones representando a diecinueve individuos de épocas y estilos muy disímiles.

-Uno de esos trompetistas elegidos es Fats Navarro. ¿Hay un antecedente latino ahí con el que se haya identificado?
-Sí, la familia de él venía de Cuba, de muchos años, y él se crió aquí en Estados Unidos. Teodoro Fats Navarro. Ese hombre fue un trompetista de jazz increíble. Era el trompetista de Charlie Parker, imagínate tú, y en la época del esplendor del bebop, con Dizzy Gillespie, Clifford Brown y toda esta gente en su apogeo, fue uno de los principales de ese grupo, incluyendo a Dizzy Gillespie. Fats Navarro era increíble.

-¿Qué rol tuvo Quincy Jones en ese disco: productor, coproductor?
-Coproductor. El productor fui yo. Él me ayudó sobre todo a escoger el repertorio.

-A propósito de Quincy Jones, ¿qué impresión le causó la muerte de Michael Jackson?
-Es una pérdida irreparable. Ese muchacho tenía un talento extraordinario. Increíble. Una pena que se haya muerto tan joven. Todavía tenía muchas cosas que compartir, teníamos mucho que aprender de él. Era todo musicalidad.

-Y algo más reciente: ¿qué le pareció el festival organizado por Juanes en La Habana?
-Yo no lo vi. Estaba trabajando en California, no vi nada de eso.

-¿Alguna impresión general entonces, como músico o cubano?
-No quiero comentar sobre eso.

-Y, ahora que viene al cono sur, ¿conoció a Mercedes Sosa?
-Claro, la conocí también, en Cuba precisamente, hace muchos años. Por supuesto (su muerte) fue lamentable. Una mujer con una voz extraordinaria. Siempre uno se entristece cujando se muere un buen artista. Sería muy bonito rendirle un homenaje. Tendría que pensarlo para hacer una cosa como se merece ella.
28 oct. 2009 1 comentarios

La Cuna Blanca de Raphy Leavitt


Un 28 de Octubre de 1972 un fatal accidente automovilístico acabó con la vida de Luisito Maisonet, trompetista de La Selecta de Raphy Leavitt.

De esa experiencia trágica es que surgió la inspiración en Leavitt para componer uno de los temas más emblemáticos de La Selecta, titulado “La Cuna Blanca”.

A continuación, recordamos la letra que se ha inmortalizado en la voz sentida de Sammy Marrero y una nota aparecida hace unos días en El Nuevo Día de Puerto Rico



La Cuna Blanca
(Autor: Raphy Leavitt)
(Canta: Sammy Marrero)

Se ha escapado un angelito...

Miren donde vá
volando se ha ido
aquel viejo amigo
a la Virgen fue a adorar.

Mi mente no captaba
el por qué de esa visión
aquella cunita blanca
que mis sueños quebrantó.

Ahora mis ojos lloran
se entristece mi canción
se encuentran doce potencias,
ay!, reunidas en oración.

Que nadie grite
que nadie llore de sentimiento,
si aquel amigo solo se ha ido
al descanso eterno.

Coro:
Nadie se atreva a llorar,
dejen que ria en silencio.

Si te ofendí cuando
te gritaba en aquellos sueños
por Dios te juro que no sabía
que habías muerto.

¿Por qué lo lloran, caramba?
¿por qué lo lloran?
si ese hermanito ya esta en la gloria.



Te has marchado
tu trompeta queda en silencio
permite hermano que yo te cante
esto tristes versos.

Oyeme Padre celestial,
no me lo prives de tu bondad.

Adios Luisito compañero de mi vida
allá en el cielo, Dios te bendiga.




Fuente: El Nuevo Día, Puerto Rico Por: JAIME TORRES TORRES

Desde el balcón de su casita en Puerta de Tierra observaba a Cao acercarse a paso lento, triste y cabizbajo. Desorientado, el hombre de mediana estatura y en sobrepeso, recorría el barrio. Hubo quienes lo vieron llorar y ahogar sus penas con el licor para sobrellevar, como si estuviera muerto en vida, la infidelidad de su amada.

Rafael Angel Leavitt Rey, entonces un jovencito, lo seguía con su mirada hasta que se perdía por la calle San Agustín de su natal Puerta de Tierra. Su soledad era tan avasalladora que hasta los perros realengos le sacaban el cuerpo, ahuyentados por su devastadora melancolía.

Con el tiempo, cuando sus estudios universitarios en el Recinto de Río Piedras le abrieron los ojos y sensibilizaron su corazón para cultivar el arte de la composición, le dedicó la canción “El solitario”.

La escribió en 1971 inspirado en la historia de su “band boy”. Esa fue la primera canción que interpretó en un ensayo de su orquesta La Selecta el cantante Sammy Marrero, voz que durante 38 años le ha impartido aliento a la poesía urbana de su director Raphy Leavitt, quien lo fue a buscar al residencial Falín Torrech de Bayamón.

En las inmediaciones de las calles San Juan Bautista y San Agustín, Raphy no sólo descubrió la tragedia de Cao, sino que se enfrentó, cuan “payaso” que se ha olvidado que debe fingir, a la tragicomedia del amor que se burló de él.

Allí, impactado por las imágenes de los vecinos y amigos que regresaban de Vietnam mutilados o en ataúdes, inspiró canciones como “Soldado” y “Mi barrio”, su clamor por el cese de las trifulcas entre los residentes de Puerta de Tierra y los de La Perla. “El barrio me ayudó a descubrir muchas realidades de la vida; muchas cosas que uno ignora. Yo venía de una comunidad pobre y me enfoqué en su realidad y en la de los muchachitos curtidos por el fango de arrabal como lo plasmé en “Corazón de niño”.

Esa composición apareció en su primer elepé “Payaso”, cuya canción homónima, durante casi cuatro décadas, ha sido como un himno obligado en cada aparición local e internacional de La Selecta, tanto que a petición popular la tiene que tocar una y dos veces.

Nunca, sin embargó, Raphy había hablado de la historia detrás de “Payaso”. “Fue una experiencia muy privada. De ese dolor fue que pegó La Selecta. Es sobre el daño que hacen muchas mujeres a hombres que las quieren y los pisotean a gusto y gana”.

La decepción, que caló profundo en su interior, lo convirtió en un fumador compulsivo que diariamente consumía cinco cajetillas de cigarrillos.

Cada experiencia y vivencia de este hombre sensible y temperamental hallaba eco en el pentagrama. De otra manera no hubiera concebido los versos de “La cuna blanca”, la canción más popular en la trayectoria de La Selecta, escuchada hasta en los velorios y despedidas de duelo de los seres queridos de la presente generación de jóvenes.

Cada vez que cae un muchacho en un punto de drogas o cuando matan a un inocente, por altavoces en el camposando resuena “La cuna blanca”. La compuso a la memoria de su amigo, vecino y trompetista Luisito Maisonet, fallecido trágicamente en un accidente automovilístico en una autopista de Connecticut en que por poco muere Raphy, que sufrió la fractura de la cadera izquierda.

“Nunca olvidaré el 28 de octubre de 1972. En sueños tuve una visión en que Luisito se me aparecía en la habitación del hospital y sólo me miraba, vestido de negro, cuando el resto de mis músicos vestían de blanco. Luego supe que había fallecido”, recuerda llorando.

Raphy se recuperó lentamente y Borinquen Records, sello de Darío González que los contrató receptivo a la sugerencia del locutor de Radio Voz Luis Raúl Striker, distribuyó el disco “Jíbaro soy” en 1973, año en que La Selecta se consolidó como la orquesta que con más elocuencia expresaba los sentimientos del pueblo. Uno tras otro, desde “Herido”, “Lamento jíbaro”, “Niñez” hasta el “El Buen Pastor”, “Como el moriviví” y “Falsedades”, se sucedieron los éxitos, matizados siempre por el buen gusto, el respeto al público, la honestidad y la sensibilidad.

Entre amanecidas, con la asistencia de su esposa y secretaria María Milagros, el pianista Raphy Leavitt educó a sus hijos Rafael José y Sheila Marie, dos profesionales de provecho para la sociedad.

Sus hijos le suplicaban que dejara de fumar y en todas las despedidas de año encendía un tabaco y le imploraba Dios que lo ayudara a neutralizar su vicio. La petición fue escuchada al atardecer del Viernes Santo de 2003, cuando de promoción en Los Ángeles por poco se muere de un paro respiratorio.

A los 61 años, mientras se encamina al cuadragésimo aniversario de La Selecta, la vida de Raphy Leavitt está libre de humo, pero desbordante de salsa y una musa renovada presta a arrullar, con la ternura de “La cuna blanca” y la franqueza de “Payaso”, al alma de Puerto Rico.
27 oct. 2009 1 comentarios

En recuerdo a Teobaldo "Choni" Garrido

Ayer lunes 26 de Octubre falleció Teolbaldo “Choni” Garrido, uno de los difusores radiales que tuvo el Perú. Recuerdo que en los 80s, solía escuchar en Radio Libertad el programa “Ritmos del Caribe” (uno de los buenos programas que los “historiadores de la Salsa” injustamente dejan de lado) que conducía don Max Sánchez, teniendo precisamente a don Teolbaldo como uno de sus principales colaboradores.

Ahí escuché mucha música cubana. No puedo olvidar los temas del disco Timeless de Palmieri, que eran un clásico en la programación de “Ritmos del Caribe”.

No lo conocí en persona, así que tomo prestado, con la venia de Adolfo Flores, una semblanza del blog de la Asociación Cultural Beny Moré, en recuerdo de don Teobaldo.

¡Paz en su Tumba!


Fuente: Asociación Cultural Musical Benny Moré.

Hay personas que se ganan el cariño y afecto de la gente, hay personas que además de eso entregan su vida por amor a la música, ese bendito bicho que nos hipnotiza y que hace de nosotros un estilo de vida.

Hoy se fue al cielo Teobaldo Garrido muy conocido por sus amigos como “Chony” ..Recuerdo sus frase “Campeon” su peculiar modo de saludar, su amor por la Isla de Cuba, que tanto anhelo conocer y llego a conocer. De la vez que beso el suelo Cubano, de las veces que intercambiaba sus discos de acetato con grandes amigos, como Don Máximo Sánchez, Andrés Tasayco, su espíritu Aliancista del cual era hincha acérrimo, recuerdo la primera vez que fui invitado a su casa: “Campeón cuando veas en el cuarto piso pintado de Blanco y Azul esa es mi casa”.

Contaba con orgullo de ser tal vez el único peruano que pudo ponerse el sombrero de Benny More, cuando fue a Santa Isabel de las Lajas en el museo de sitio, parecía un pariente más de los Moré, fácil pasaba como Cubano, cuando me contaba que fue a ver a Irakere, a los Van Van la primera vez que llegaron a Lima, cuando con su grabadora junto a Don Máximo Sánchez se acercaron a entrevistar al trompetista Jorge Varona en una presentación que realizó en el Sachmo junto a Chucho Valdez..”Recuerdo que nos aproximamos y Jorge Varona era saludado por el Dr. Delgado Aparicio de pronto ellos se presentaron como integrantes del programa “Ritmos del Caribe” y de frente le dijeron : Don Jorge queremos entrevistarlo pero de los recuerdos que tuvo cuando tocó en la Banda Gigante de Benny More…y más de uno se quedo impávido desconociendo tremenda trayectoria de Jorge Varona.

“Campeón, recuerdo cuando fui a ver a Los Van Van a la Feria Internacional del Pacifico ,Tremenda Orquesta, o cuando fui a saludar a Formell una vez que se presentó en la concha acústica de Jesús Maria. Te cuento que estuve con Richard Egues , lo llevamos a casa de Máximo Sánchez y tuvimos una tertulia increíble…

Don Chony tal vez es ó era uno de los pocos peruanos que posee la mejor Videoteca de música cubana en todo Lima, se convirtió en un referente muy importante para los amantes de la cubania, fue fundador de los famosos “Zandungueate” donde se ponían los videos desconocidos de agrupaciones cubanas que jamás alguien había visto, además que difícil era conseguirlo, pero ahí estaba.

Recordaba otra acnedota:…Prepare unos videitos sabia que Omara Portuondo vendría a Lima, un día me atreví llamar al Maria Angola, le dije a la recepcionista -Por favor con la Sra. Omara – inmediatamente me pasaron con ella, me contestó le dije: Sra Omara disculpa la intromisión, pero tengo un regalito muy especial para usted, ella le dijo – de que se trata- unos videitos que espero se acuerde usted de cuando fueron grabados.

En ese mismo momento tomo un taxi e inmediatamente fue al hotel, de pronto en el Lobby del hotel estaba Omara y de frente ella se acerco y le dijo: ¿es usted quien me llamo?- Chony contestó – Sí Sra., le tengo este video, le enseño unos videos con personalidades de la música cubana que ella se había olvidado que en algún momento habían grabado, se emocionó Omara le agradeció de corazón y fue su invitado especial.

Es bueno reconocer quienes fueron los pioneros, es un mérito lo que han hecho ,Chony “El padre de la timba en el Peru” fue un visionario de este genero, el primero en ponerlo en su programa de radio, el primero en ganarse el respeto de los timberos, pero por eso no dejo de escuchar siempre a La sonora matancera, el conjunto de Cheo Marquetti, la salsa de Richie rey y Bobie Cruz, Ismael Rivera, no solo se ciño a la música Cubana que amo si no que también entro a otros genero y acepto la salsa puertorriqueña sin animo político ni animo de crear polémicas.

Nunca fue franelero de nadie, avalaba la calidad musical, y se gano el respeto de todos los que lo conocimos.
Descanza en Paz Chony’’’’ La Rumba recien empieza¡¡¡¡ La Asociación Benny More te dice Gracias por todos los conocimientos que nos distes y que de seguro no olvidaremos .
26 oct. 2009 0 comentarios

Tito Nieves estuvo en Bellas Artes


Fuente: Primera Hora, Puerto Rico. Por: Elmer González

El cantante Tito Nieves ofreció el primero de dos conciertos el sábado en la noche. Fue una celebración colectiva en la que el vocalista festejó su primera presentación en el Centro de Bellas Artes de Santurce y el público disfrutó de los éxitos salseros más sonados del artista en las pasadas tres décadas de trabajo profesional.

El auditorio, en su mayoría mujeres, recibió al cantante con una ovación mientras que el intérprete de “Lo que son las cosas” mostraba en su semblante una actitud de agradecimiento y modestia que proyectó a lo largo de las dos horas de la velada.

La tarima se llenó de ritmo y movimientos con el tema “Soy cantante” con el respaldo de una orquesta poderosa de músicos locales y la primera de tres intervenciones de un cuerpo de bailarines dirigido por el coreógrafo Tito Ortos.

Luego comenzó el desfile de temas en su mayoría de corte románticos con los que Nieves se consolidó en el mundo de la salsa a partir de la segunda mitad de la década de 1980. El público lo acompañó cantando: “Tu cárcel”, “No me vuelvo a enamorar”, “De mi enamórate” y “Desde que te tengo a ti” entre otros.

El cantante, nacido en Río Piedras el 4 de junio de 1959 y criado en Brooklyn, recordó sus años musicales en La Gran Manzana con la interpretación de “New York, New York”, el emblema musical del fenecido Frank Sinatra, con un arreglo de la onda del “Swing” de las grandes orquestas norteamericanas. Aquí se unió a la coreografía de los bailarines arrancando aplausos por su agilidad y dotes de bailador. Luego siguió cantando en inglés “I’ll Always Love You” que grabó en el 1989.

Sus años con el sello RMM de Ralph Mercado fueron recordados con un tributo a Tito Puente y Celia Cruz quienes fueron sus compañeros en la misma casa disquera. Mientras cantaba “La salsa vive”, compartió el escenario con la caracterización de los personajes de Puente y Celia a cargo de los actores Ramón Saldaña y Anissa Gathers, respectivamente.

Recordó momentos de “gran tristeza como padre” al referirse a su experiencia de perder un hijo. Con la pieza “Fabricando fantasías” compartió el dolor de ese suceso con todos los que podían identificarse con la situación. Fue un paréntesis emotivo y de reflexión que puso un contraste marcado en el contexto festivo de la ocasión.

Un popurrí trajo a la memoria los años con el Conjunto Clásico. Con una pantalla de fondo que proyectaba imágenes y vídeos de esos años, el intérprete de “Los Rodríguez” comenzó a cantar “El pregonero” y salió inesperadamente de la tarima para un cambio de ropa. Fue sustituido por el juvenil Manny Delpín quien terminó la pieza interpretando muy bien fragmentos de “El piragüero” y “Panadero”.

Nieves se despidió con otro popurrí de éxitos románticos y regresó poco después para el final con el tema “I Like It Like That”, una de las consignas musicales de la era del “Boogaloo” en Nueva York en la segunda mitad de la década de 1960.

Sin mayores superfluos escénicos, el concierto fluyó en una atmósfera de camaradería. Hubo comentarios espontáneos y jocosos. En sus pocas intervenciones habladas, Nieves no cesó de expresar su orgullo y satisfacción por el concierto en Bellas Artes lugar al que se refirió coma “la sala más importante de su carrera profesional”.

El vocalista, a quien se le diagnosticó cáncer en la garganta en el 1984, se escuchó afinado, seguro y en clave aunque su dicción no es una de sus virtudes.

En un momento poco usual en este tipo de espectáculo, Nieves llamó a Nélida Acevedo, productora asociada del evento, para entregarle una placa de reconocimiento por la “gran labor y todos los momentos difíciles que superó, durante el proceso de producción” según dijo.

En fin, fue una gran noche para el llamado “Pavarotti de la salsa” y para sus fanáticos que no escatimaron en expresar su aprobación con aplausos y frases de apoyo a su ejecutoria musical.
25 oct. 2009 0 comentarios

Entrevista en Argentina a Juan Formell


Fuente: Página 12, Argentina. Por Cristian Vitale.

Levanta las manos y se nota: Juan Formell, legendario fundador de los legendarios Van Van, tiene problemas con los dedos. Sobrehuesos como montañitas de arena emergen donde se unen índice, pulgar y meñique con el resto de la mano. “Se me trababan y hubo que operar. Fue hace cinco años y, pese a que estoy bien, ya no tengo la misma movilidad”, cuenta él, con más alegría que quejas.

La intervención fue en Cuba y salió bien, pero nunca más pudo tocar el instrumento que –casi– lo vio nacer: el contrabajo. Como efecto, su rol musical dentro del gigante combo de 15 músicos que aún recorre el mundo quedó “relegado” a la guitarra eléctrica en tres o cuatro canciones.

El resto es pura relación pública: da conferencias, contesta reportajes, recibe premios, escribe, compone y mantiene al tanto al mundo sobre el devenir del emblemático grupo salsero.

Da detalles sobre el DVD registrado hace dos años en el Teatro Carlos Marx, sobre el último disco –Arrasando–, que ya no cuenta exclusivamente con composiciones suyas, sobre el recital del sábado 24 en el Luna Park –donde sí estará presente– o sobre los preparativos para el concierto postre de diciembre en La Habana… el final de la gira que Los Van Van encararon para festejar sus cuarenta años de existencia. “La verdad es que ya no puedo soportar una tournée de uno o dos meses: los ómnibus, los aeropuertos y los aviones me cansan”, redondea Formell. Tiene 67 años.

–¿Sigue teniendo poder de “veto” en última instancia?

(Risas.) –Bueno, en realidad lo que hago es supervisar que no se abandone el estilo que marcó al grupo desde siempre. Estoy muy atento a eso. Es cierto que nosotros siempre tuvimos una mirada renovadora sobre el género: incluimos instrumentos que no caían bien a los tradicionalistas, pero nunca nos corrimos del género. Nunca. Y los cambios siempre fueron paulatinos, no de golpe. Eso sigue pasando y la verdad es que la orquesta puede trabajar sola, sin mí. No hay problemas.

Y la orquesta trabaja sola. El enorme teatro Caupolicán de Chile no está lleno –hay dos mil personas–, pero el calor suple los huecos. La orquesta sale a transpirar camisas en medio de la fresca Santiago. Samuel Formell –hijo y delfín de Juan– es quien dirige hoy esta máquina humana del ritmo.

La escena es austera y las banderas de Cuba y Chile se entrelazan. Fiesta y sudor. Cada quien, en su rol, es un experto. No hay errores, sólo dificultades de sonido que van mejorando sobre la marcha. Suenan piezas de todas las épocas (“Anda, ven y muévete”, “Aquí, el que baila gana”, “Esto te pone la cabeza mala”, “Si no te quieres tú, quién te va a querer”, “Ven, ven, ven”) y la gente corea las letras, hasta las últimas.

Yenisel Valdes, cantante y única mujer de la orquesta, arenga a la masa: “¿Dónde están las chicas que aguantan solas? ¿Las que dejaron al marido en la casa?” y más de medio teatro –la parte femenina– grita presente. Deviene “Después de todo” –hit hot del último disco– y los estribillos se repiten. Salsa y timba. Picaresca cotidiana. Casino y despelote. Songo y Buey Cansado: una noche más de Caribe transportado al frío Pacífico sur.

–¿Confianza total en el hijo?

–Mira, él se crió así, con nosotros y de gira. El mismo dice que se acuerda que a los tres años, cuando nació la orquesta, andaba con nosotros para todos lados. Después fue al conservatorio y se hizo músico, pero ya lo traía en la sangre. Lo está haciendo bien.

–¿Qué reflexión hace de estos cuarenta años de vida de la orquesta?

–No sé en qué momento me asusté al ver la cantidad de años que íbamos cumpliendo (risas). Se dio todo de golpe. Fíjate, yo venía de la Orquesta Revé, y anteriormente era un músico de cabaret, de orquestas de radio y televisión. Tocaba contrabajo de jazz hasta que una cantante ya fallecida escogió cuatro temas míos para un disco de ella.

Por entonces había una gran orquesta en Cuba, la Orquesta de Música Moderna, que para mí era como inalcanzable, y ella me propuso hacer los arreglos. Ahí cambió mi vida, me empecé a dedicar más a la composición y a la orquestación. Así entré en la Orquesta Revé, que era típica, sin muchas pretensiones, y le fui cambiando el sonido.

–Paso anterior y necesario para formar Los Van Van…

–Claro, porque trasladé mi intención. Al principio fue como una especie de transición en mi vida, la de experimentar con una orquesta de guaracha y ver qué pasaba, pero resultó que los años empezaron a pasar y la gente se iba enamorando de nosotros, todos los días. Así, llegamos a los cuarenta años. Parece mentira.

Pero pasaron muchas cosas en el medio. “Hubo que hacer cambios sobre la marcha, y los afrontamos –sostiene Formell–; por ejemplo, cuando tenés un cantante que pega en el público y se te va, te obliga a hacer modificaciones. El número musical sigue, pero a ese cantante que entra, tú tienes que hacerle su repertorio. Entonces, tuve una época prolífica en la que componía y componía cada vez que se iba un cantante.

En un momento había grabado más de 200 temas y, cuando tomé conciencia, dije: ‘Esto hay que defenderlo’. El público te obligaba. Cumplimos 20, 30 años, agregamos trombones, violines eléctricos, pusimos sintetizador, han muerto músicos, otros se han ido y Los Van Van siguen.”

–¿El único que queda desde el principio es usted?

–Y Julio Noroña, que hace percusión menor. El resto se fue integrando sobre la marcha.

–¿A qué alude específicamente el término Van Van?

–Es muy simple. Pero históricamente surgió una leyenda que lo sacó de su significado inicial, el que yo le había dado cuando nació la banda.

–¿Algo relacionado con la zafra no?

–Algo así. Cuando nació el grupo, en Cuba se produjo una zafra azucarera que se llamó Los diez millones van, y la frase “Van Van” se puso muy de moda. Para cualquier cosa que tú fueras a realizar, pero que pareciera imposible, te decían: “Oye, ¿de qué van van?”. Y eso se empezó a manejar entre los artistas: “¿Cómo hacemos para traer a tal músico…? Bueno, esto tiene que ir, van van,” y así fue quedando como nombre.

Fue algo poco rebuscado, pero después se creó un mito alrededor de eso. Que el nombre tenía que ver con la zafra de los diez millones o que a mí me habían mandado a crear la orquesta para apoyar la campaña. Eso no existió, como tampoco que la orquesta era la oficial del gobierno. Apenas éramos unos músicos jóvenes que queríamos hacer un cambio en la música cubana.

–De todas formas, siempre fueron afines al proyecto revolucionario cubano.

–Claro, y sin restricciones de ningún tipo. Yo siempre hice, literalmente, lo que me dio la gana. Escribía la música que quería, le ponía los cambios que me venían a la mente y ya.

–¿Hasta qué punto transformaron la salsa?

–Voy con un ejemplo: Buena Vista Social Club fue genial. Rescatar todos esos artistas que estaban retirados como Ibrahim Ferrer u Omara Portuondo fue positivo, pero Van Van es otra cosa. Es un grupo que se ha adaptado a las diferentes épocas buscando timbres y sonoridades internacionales, pese a que yo defiendo la idea de no hacer cambios profundos en el estilo, sino paulatinos, porque en Cuba se han metido géneros que, a mi criterio, no me dan muy cubanos.

–¿Se está defendiendo del re-ggaetón?

(Risas.) –Van Van nunca dejó de tener el sabor cubano, y lo hemos defendido mucho. No tiene nada que ver con el reggaetón cubano, que nació a partir de lo que se hizo en Puerto Rico. Entiendo que los muchachos son buenos músicos, pero me da la sensación de que suena a otra cosa, que no es ni siquiera la conga cubana. No me cierra, pero se ha metido mucho en la gente. Y, la verdad, es lo único que nos hizo sombra en ese sentido.

–¿Cómo va la Cuba post Fidel? ¿Cómo la ve usted?

–Si bien el país ha tenido una estabilidad desde el punto de vista económico, en los últimos años hubo hechos que atentaron contra ella. Por ejemplo, los ciclones han hecho mucho daño. Han coincidido con una recesión mundial, y el gasto de reservas fue impresionante. Diría que ha hecho tambalear el sistema, y para colmo va y se enferma Fidel. Hoy hay una situación económica dura, pero sin duda se va a salir.

–¿Y Obama? ¿De qué manera se vive su gobierno desde la Isla?

–Las relaciones están mejorando de la forma que deben mejorar, sin presiones de ambas partes. Esta última cosa de que los estadounidenses puedan viajar a Cuba sin ningún tipo de restricciones es una fuente turística muy importante para Cuba. Es turismo y punto, porque al norteamericano siempre le gustó Cuba.

–¿Y a ustedes les gusta Estados Unidos?

–Mirá, allí hay muchos latinos, muchos millones y, donde quiera que lleguemos, les resulta cómoda nuestra música.

–¿En Miami también? Allí se concentran los más acérrimos opositores a la Revolución.

–Bueno, hemos tenido problemas con un sector de la comunidad, pero no con toda. La gente misma nos confesaba que le gustaba Van Van, pero que había un sector poderoso, con mucho dinero, que no quería que actuáramos. Tuvimos problemas, y fue en el único lugar. En el resto del mundo, siempre se nos recibió bien. Muy bien.

–¿Cuál es su postura global respecto de la Revolución?

–Yo creo que los hombres tienen su historia, y Fidel ha sido un gran hombre. La propuesta desde el punto de vista social fue muy buena, pese a haber estado bloqueado y presionado por Estados Unidos. Hubo errores, claro, pero el resultado final es que Cuba, en los últimos cincuenta años, ha ganado en muchas cosas y ha perdido en pocas.

El hecho de tener asegurados ciertas cosas como la inexistencia de mortalidad infantil por falta de alimento, o de atención; o la existencia de carreras universitarias gratuitas para todos, son logros sociales enormes. Quizá Cuba no ha llegado a realizar todo lo que pensó, pero hay una juventud que viene con las ideas de Fidel y que las va a defender a muerte. No creo que Cuba cambie drásticamente de sistema. Para nada lo creo.
24 oct. 2009 0 comentarios

Hoy Batacumbele en Puerto Rico


Fuente: Batacumbele.com

¡El sábado 24 de octubre de 2009 se celebrará un acontecimiento único en el ámbito musical y cultural de Puerto Rico: BATACUMBELE... “El Regreso” - Los Originales - en otro junte para la historia!

En 1979 surgió en Puerto Rico un grupo único con su propio sello y estilo afro caribeño, conformado por un grupo de jóvenes talentosos que se dieron a la tarea de innovar basándose en las más firmes tradiciones afro-latinas y creando una verdadera explosión -BATACUMBELE- quienes cambiaron toda la estructura rítmica de lo que se estaba tocando en la Isla. Fusionaron jazz con los tambores africanos, ritos santeros, el songo cubano y los ritmos tradicionales de Puerto Rico, como la bomba, la plena y la música jíbara.

Al presente... y a través de tres décadas, cada uno de sus integrantes ha mantenido exitosas carreras artísticas recorriendo las mejores plazas del Mundo, y ahora, una vez más se re-encuentran para celebrar su trigésimo aniversario y añadir otra huella en su historia: BATACUMBELE: “El Regreso” – Los Originales.


Batacumbele - “El Regreso” – reunión con los Originales y Grandes Invitados:

Eric Figueroa (pianista, Director Musical)
Jerry Medina (voz y trompeta)
Angel "Cachete" Maldonado (percusión)
Eddie "Gua-Gua" Rivera (bajo)
Richie Flores (percusión)
Pablo "El Indio" Rosario (percusión)
Anthony Carrillo (percusión)
Endel Dueño (percusión)
Jimmy Rivera,(Batería)
José Luis "Chegui "Ramos (voz)
José "Joe" Cordero (coro)
Héctor Veneros (Sax Tenor, flauta)
Ángel "Papo" Vázquez (Trombón)
Piro Rodríguez (Trompeta)
Ricardo Pons (flauta, barítono y clarinete)

Le invitamos a este evento histórico en una de las mejores plazas de todo Puerto Rico para un evento de este calibre: El Coliseo de Carolina, de los pocos en la Isla que poseen una instalación acústica para eventos musicales. Batacumbele gozará de un montaje técnico insuperable, garantizando a los Artistas y al Público un evento inolvidable.
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Celia Cruz

Celia Cruz en 1982. Auditorio de la Feria del Hogar de Lima Perú, con la Sonora de Ñiko Estrada


El 21 de Octubre que pasó, recordamos un año más del nacimiento de la gran Celia Cruz. Con tal motivo, ese día estrenamos nuestra sección "Periódico de Siempre", recordando algunas notas de la prensa limeña durante la visita de Celia a Perú en 1966.

Este fin se semana, nuestra programación íntegra recordará mucho de la música que la cubana grabó en sus más de cinco décadas de actividad musical. Todo eso desde las 10:00 am

Además, presentaremos a las 11:00 am una entrevista a Celia, realizada en Lima en 1984 por Ñiko Estrada Jr.

Ñiko es hijo de don Ñiko Estrada, percusionista peruano (ya fallecido) que acompañó a Celia en varias de sus visitas (1957, 1966, 1982) a Perú.


El percusionista Ñiko Estrada al lado de Celia Cruz. La foto data de 1957.


Mucha AZUCAR este fin de semana en La Radio de El Salsero

Entrevista y fotos cortesía de Ñiko Estrada Jr.

23 oct. 2009 0 comentarios

Esta noche La Efectiva en el Jazz Zone


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Johnny Pacheco complacido con su próximo homenaje


Fuente: Agencia EFE

El compositor y director de orquesta dominicano Johnny Pacheco se siente complacido por el reconocimiento que un grupo de artistas, en cuyas carreras dejó huella, le ofrecerá el 14 de noviembre en Nueva York en lo que asegura será un "banquete musical".

Pacheco subirá ese día al escenario, como ha hecho muchas veces en su exitosa carrera, para dirigir a los soneros Cheo Feliciano, Ismael Miranda y Adalberto Santiago, el bajista Bobby Valentín, el pianista Papo Lucca, el bongocero Roberto Roena, el timbalero Nick Marrero, el violinista Alfredo de la Fe y el cuatrista Yomo Toro, como en los tiempos de la legendaria banda Estrellas de Fania.

"Para mí va a ser una reunión familiar", dijo a Efe el músico, quien eligió los temas para el espectáculo "Johnny Pacheco, el maestro, su historia y su música" a realizarse en el teatro United Palace, en el corazón de la comunidad dominicana de Nueva York.

Las canciones se remontarán a las décadas de los 70 y 80 de la llamada "salsa gorda", que fueron éxitos de la famosa banda, que reunió a los mejores artistas de la época y que fundó junto al abogado Jerry Masucci, explicó el director, quien tiene cinco décadas de carrera y que ha sido objeto de múltiples homenajes por su aporte a la música latina.

El espectáculo también cuenta con otras estrellas latinas, encabezadas por su compatriota, Johny Ventura, a quien el público escuchará cantando un son cubano, al sonero boricua Domingo Quiñones y al también salsero dominicano Michael "El buenón".

"Tengo a Johny Ventura, que siempre ha cantado merengue, cantando un son. Esto va a ser no solo un acercamiento distinto, sino que lo van a gozar", señaló con satisfacción Pacheco, una leyenda viviente de la música latina.

El concierto tendrá dos partes; la primera será un recorrido por las etapas musicales de Pacheco, desde la Charanga (género musical cubano que se destaca por la utilización del violín y la flauta) y el tumbao, con la participación de la orquesta de Isidro Infante, y la segunda que culminará con la salsa de la Fania, según los organizadores.

El músico, que en 1960 organizó su primera orquesta: Pacheco y su Charanga, señaló además a Efe que le complace ver el éxito que han tenido de forma individual los ex integrantes de la Fania, a quienes, recordó, "elegí con una pinza, uno por uno, pero ellos tenían talento, lo que hice fue abrirles avenidas para que se destacaran más y viajaran".

"Los cantantes se han mantenido en el mismo tono de voz que cuando cantamos en el 'Cheetah', tienen una resistencia increíble", dijo al referirse al concierto que marcó la formación de la Estrellas de Fania, en 1971, en el desaparecido club nocturno del oeste de Nueva York.

El también productor, que formó un exitoso dueto con el cantante puertorriqueño Pete "El conde" Rodríguez, conocido como "Los compadres" señaló que no olvida los momentos compartidos con los artistas de Fania.

"La experiencia no solo de cuando viajamos, sino en el escenario, es una cosa muy bonita porque como director, siento una fuerza musical que es increíble y eso se ha logrado con las Estrellas de Fania", comentó Pacheco.

Igualmente, aseguró que entre lo mejor de su carrera guarda con cariño los viajes junto a quienes considera como una familia. "Estar con esos elementos, que son los mejores, y la experiencia con Celia (Cruz), es una cosa fantástica", aseguró.

"Me siento muy dichoso de tener la oportunidad de dirigir a esos 'caballos' (excelentes músicos) como dice Cheo Feliciano. Cuando estamos en las tarima no hay egos, todos nos llevamos bien, es una familia muy bonita, hay armonía y una de las cosas que más me gusta es el compañerismo que existe", indicó.

Compartió que a pesar del tiempo transcurrido y de que la mayoría de los cantantes y músicos, que son puertorriqueños, viven en su país, mantienen una estrecha relación.

"Siempre nos llamamos para saber cómo van las cosas, la familia", reveló Pacheco, que ha colaborado con leyendas del Jazz y de la música popular de EEUU como Tony Bennett, Quincy Jones, George Benson, Sammy Davis, hijo y Stevie Wonder así como también con luminarias de la música latina como Pérez Prado, Xavier Cugat, Tito Rodríguez, Tito Puente y la reina de la salsa, Celia Cruz.
22 oct. 2009 0 comentarios

Dizzy Gillespie

Por Norma Livia Daza para La Radio de El Salsero

El día 21 de Octubre tiene un significado muy especial ya que es la fecha en que nacieron dos grandes figuras de la buena música mundial. Como ya hemos recordado un 21 de Octubre nació Celia Cruz pero también nació el gran Dizzy Gillespie en el año 1917 en Cheraw, Carolina del Sur, Estados Unidos de Norteamérica.

Mucho se ha escrito sobre el gran Dizzy, como es justo. Desde mi punto de vista Gillespie fue un trompetista que siempre vio más allá y empujó la música hacia adelante. Ya en sus inicios, cuando la mayoría de los trompetistas tenían como modelo al gran Louis Armstrong, él seguía el estilo de un innovador y difícil Roy Eldridge con sus frases fluídas y ligadas.

Fue uno de aquellos músicos inquietos que, en la década de 1940, después de tocar en las Big Bands de moda (perteneció a las orquestas de Cab Calloway, Benny Carter, Charlie Barnet, Earl Hines, y hasta Duke Ellington), llegaban a pequeños clubes como el Minton’s Playhouse a tocar, al decir de Thelonious Monk de manera inconsciente, la nueva música que inventaron de ritmo vertiginoso y acordes complejos la cual se les dio por llamar Be Bop (germinado en un ambiente de alta competencia entre los músicos), al lado de todos los íconos del Jazz Moderno.

En plena efervescencia del Be Bop de conjuntos pequeños, él quiso tocarlo en big band cuando se supone era un formato ya abandonado por las nuevas ideas musicales. Mantuvo su orquesta constantemente de 1946 a 1950 llegando hasta Europa y dejando huella imborrable en París en 1948, ciudad siempre con los ojos abiertos ante el verdadero arte por encima de cualquier otra consideración.

Y, uno de sus aportes más recordados, atraído siempre por la percusión y por aquella revolución natural que iniciaran Machito y su cuñado Mario Bauzá con el llamado Cu Bop, invitaría a formar parte de su orquesta en 1947 a ese otro mítico músico, percusionista reverenciado hasta por los grandes , Chano Pozo.

Nos detenemos acá un poco por obvias razones y les mencionamos algunos detalles del acercamiento de Dizzy con la Música Afrocubana: Gillespie ya conocía la percusión afrocubana y la clave desde la orquesta de Cab Calloway que tenía como director al gran Mario Bauzá.

Cuando Machito forma su orquesta incluyendo a Bauzá y músicos norteamericanos de Jazz, Gillespie toca con ellos en Jam Sessions con regularidad a inicios de la década del 40. Durante 1946 y 1947 Gillespie toca con los percusionistas Diego Iborra y Billy Alvarez, devotos del Be Bop lo que le incita a pedir a Bauzá la recomendación de un percusionista, y así llegó Chano Pozo.

Después de ensayos para ensamblar las diferencias del ritmo del percusionista cubano y la lógica de los jazzmen en Septiembre de 1947 la orquesta de Dizzy Gillespie se presenta en el Carnegie Hall en un concierto histórico presentando a Chano en la percusión.

A fines de año graban el primer grupo de temas históricos Algo Bueno, Cubano Be Cubano Bop y Cool Breeze se presentan en el Town Hall estrenando Manteca y Tin Tin Deo. Vuelven al estudio, graban Manteca, Ool Ya Koo, Good Bait y Minor Walk y parten hacia París donde se presentan con la acogida debida.

Al otro año, entre varias presentaciones destaca una que incluye al gran Charlie Parker (Septiembre de 1948); en medio de una gira Pozo regresa a Nueva York y es asesinado el 02 de Diciembre. Así termina su brillante asociación.

Son muchas las huellas de su acercamiento a la música afrocubana pero mencionaremos su asociación con músicos como Bobby Rodíguez, René Hernández, Ubaldo Nieto, José Mangual, Mongo Santamaría y Cándido entre otros en su disco “Afro” (1954), con Machito y Chico O’Farril en “Afro Cuban Jazz Moods” (1976) y sus viajes a Cuba en 1977 y 1985 en donde encontrará fervientes seguidores como nuestro conocido Arturo Sandoval de quien también fuera maestro y Gonzalito Rubalcaba.

Con su forma de ser abierta y siempre dinámico enseñó sin egoísmos, tan seguro de lo que sabía, a varias generaciones de músicos desde Miles Davis hasta Wynton Marsalis, para nombrar los más conocidos. Fue un hombre que, en contraste con sus colegas Maestros del Bop nunca se dejó llevar por los complejos o los vicios.

Dizzy Gillespie, uno de los padres del lenguaje del bebop llevó éste a través de los estilos que marcarían la historia del Jazz, el Latin Jazz, el cool bop, el hard bop incluso la fusión con el Rock y la música brasileña. Es curioso que quien comenzó siendo todo lo contrario a Louis Armstrong, sea mencionado a continuación de éste cuando a alguien se le pregunta por las figuras más grandes del Jazz.
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Latin Music in USA: Capítulos finales

Aunque se refieren a otros géneros latinos, el lunes 19 la cadena de televisión norteamericana PBS presentó los capítulos finales de su serie Latin Music USA.

Si les resulta de interés,
aquí pueden accesar al Capítulo 3, referido a La Onda Chicana

Finalmente,
este es el Capítulo 4, titulado Divas y Super Estrellas. En la tercera parte de este capítulo se titula Un Uevo Sonido en la Salsa, presentando a India, Sergio George y Marc Anthony y también hay una parte dedicada al reggaeton
21 oct. 2009 0 comentarios

Periodico de Siempre: Celia Cruz, 1966




Hoy 21 de Octubre los salseros recordamos un cumpleaños más de “Reina Rumba” Celia Cruz.

Su figura ha sido motivo de libros, documentales, obras teatrales y homenajes en disco, actuaciones. En el buscador Google, aparecen más de 1’500,000 (un millón y medio) de entradas con su nombre (debe ser el/la artista más buscada y referenciada en el Internet) y, obviamente ha sido motivo de miles de artículos sobre su figura en medios virtuales e impresos.

Incluso quien esto escribe, presentó en el desaparecido portal PeruSalsa.com (el primer portal dedicado a este género musical que apareció en Perú y del cual formamos parte muy activamente) un artículo titulado Celia Cruz: La Guarachera del Mundo, que después fuera reproducido por los portales
La Conga de Estados Unidos y Busca Salsa de Francia.

Este artículo fue referenciado por la prestigiosa investigadora cubana María Argelia Vizcaino en
una nota de sus Estampas de Cuba sobre Celia.

Esta vez queremos recordar a “La Reina de la Salsa” estrenando una nueva sección titulada Periódico de Siempre, nombre que hace referencia a la composición de Ramón Rodríguez que grabara Cheo Feliciano en su disco Profundo (Vaya, 1982).

En esta sección presentaremos algunos recortes periodísticos de épocas pasadas, que recuerdan el paso de varias figuras musicales por nuestro país.

En esta primera versión de Periódico de Siempre traemos parte de la cobertura que la prensa limeña hizo de la visita de la cubana a Perú en el año 1966.

Hasta hoy, creíamos que esa había sido la segunda visita de Celia a Lima, pero según los recortes que presentamos, la de 1966 habría sido su tercera temporada en Perú.




El recordado diario Ultima Hora del martes 20 de setiembre de 1966 publica que Celia llegó con su esposo Pedro Knight y que ensayaba para su debut del viernes 23 (a la derecha aparece una nota que informa del suceso del bolerista nacional Lucho Barrios en el hermano país de Chile).



Al día siguiente, miércoles 21, el también desparecido diario La Prensa titula “Celia Cruz es Bastante Supersticiosa: Vestirá de Blanco la Noche del Debut” e informa de una breve visita de Celia y Pedro por la Plaza San Martin y que en esa, su tercera vista a Perú, se presentará en el Canal 5 y en el Grill Bolívar. Celia comenta también que acaba de grabar un disco con Tito Puente.




La Crónica del jueves 22 de setiembre anuncia también el debut de Cruz en Canal 5 y recuerda su paso por la Matancera.




La columna de espectáculos de Francois Guzmán en Ultima Hora del sábado 24 de setiembre de 1966, comenta brevemente “Celia Cruz y su esposo Pedro Knight estuvieron de acuerdo: la Sonora de Ñico Estrada se esforzó y cumplió”. Estrada sería el músico nacional que acompañó a su comadre Celia en más de una visita de la cubana a Perú.



Finalmente, el viernes 30 de setiembre Ultima Hora da cuenta de las últimas presentaciones de La Guarachera de Cuba en los programas de Canal 5: Cancionísima, La Revista de los Sábados y El Hit de la Una, comentando “Como se dice en criollo, le han sacado el jugo”. Tras dejar Perú, la cubana viajaría a Guayaquil, Ecuador.


La semana que pasó, fue homenajeada en el Mes de la Hispanidad en Miami

Fuente: Notimex, México.

La cantante cubana Celia Cruz, reconocida como "La Reina de la Salsa" y por su frase "­Azúcar!", fue homenajeada en Miami en el marco de los festejos del Mes de la Hispanidad, mediante sus éxitos musicales y un par de documentales.

La trayectoria de la artista se destacó con las presentaciones de: "Yo soy Celia Cruz", producido y dirigido por Hugo Barroso, y "Azúcar, Celia en muñequitos", del caricaturista Arístides Pumariega, dirigido por Rebeca Ulloa.

La Serie Dos Orillas del Recinto Interamericano del Miami Dade College, coordinada por Mercedes Cros Sandoval, en colaboración con la Academia de la Historia de Cuba, celebró así el miércoles 14 de octubre, en el Mes de la hispanidad, el "Homenaje a Celia Cruz".

Hija de Simón Cruz y Catalina Alfonso, la intérprete latina nació el 21 de octubre de 1925 en Santos Suárez, La Habana, Cuba, donde a la edad de 14 años ya cantaba en concursos de aficionados.

Estudió teoría musical, piano y voz en el Conservatorio Nacional de Música, y empezó a recibir reconocimientos en todo el mundo.
Comenzó a cantar con la Sonora Matancera en 1949, con la cual grabó temas como "Yerbero moderno", "Burundanga" y "Caramelos".

Después conoció a Pedro Knight, uno de los dos trompetistas de la agrupación, con quien sostuvo una relación que los llevaría hasta la unión del matrimonio por más de 42 años.

En 1960 dejó Cuba para residir en México y posteriormente en Estados Unidos. Se casó el 14 de julio de 1962 con Pedro Knight, y para ese entonces, ya tenía la ciudadanía estadunidense. Celia y Pedro no tuvieron hijos.

Grabó varios discos a lado del maestro Tito Puente, con lo que despertó el interés del público anglo y europeo por la música latina, fenómeno que en los años 70 llegó a conocerse como el "boom" de la salsa.

Así como con Johnny Pacheco, Willie Colón, Pete "Conde" Rodríguez, Ray Barretto, la Sonora Ponceña, Fania All Stars, Dionne Warwick, Patti Labelle, David Byrne, Gloria Estefan y Wyclef Jean.

"La Reina de la Salsa" apareció además junto a agrupaciones de rock como la banda argentina Los Fabulosos Cadillacs, con la que grabó la exitosa canción "Vasos vacíos".




20 oct. 2009 0 comentarios

Tito Nieves se prepara para Bellas Artes (Actualizado)

Fuente: Primera Hora, Puerto Rico. Por : Rosalina Marrero-Rodríguez

Tito Nieves no tiene dos pies izquierdos. Asegura que baila mejor de lo que canta. Para evidenciarlo, confiesa que conoció a su esposa, Irma Nieves, “bailando, bailando...”, como dice el éxito de Frankie Ruiz. “Así fue que conquisté a mi mujer, a mí me encanta el baile”, comenta mientras ensaya las coreografías para su debut este sábado en el Centro de Bellas Artes de San Juan.

Cuenta que, mientras realizaba una presentación en la ciudad de Los Ángeles, en California, sacó a bailar a Irma y desde entonces, no se han separado. Tienen 18 años de matrimonio.

“Yo bailo mejor de lo que canto”, sostiene para que no queden dudas sobre sus habilidades para sacudir su nueva figura.

El llamado “Pavarotti de la Salsa” se muestra entusiasta con los ensayos de las coreografías junto con el bailarín Jhesus Aponte, de la academia Rhythms, de Tito Ortos.

“Quiero dejar lo mejor de mí en ese escenario y después que yo logre esto, la otra sala que para mí es sumamente importante es el teatro Tapia”, comparte el salsero, quien cantará con el acompañamiento de unos 17 músicos.

Tratándose de su primer concierto en Bellas Artes, el artista quiere complacer al público con los éxitos románticos que han dado forma a sus más de tres décadas de carrera.

“Esperé tanto, que quiero darle todo de mí”, manifiesta.

Temas como Fabricando fantasía, No me queda más, El sonámbulo, La salsa vive y Le gusta que la vean, unidos a otros de sus tiempos en el Conjunto Clásico, serán parte del repertorio.

Ese proceso de seleccionar los temas, admite, no ha sido fácil, porque no acostumbra escuchar su música. Para lograrlo, se dejó llevar por las canciones que han sonado fuerte en la radio.

Terminado este compromiso, el cantante continuará la grabación de un disco inédito, con composiciones de su tío Miguel Ángel Amadeo, quien fue autor de muchos de los éxitos del legendario Héctor Lavoe.

Este disco saldrá al mercado en 2010.

Proyecta, además, rendirles tributo a los maestros Rafael Hernández y Pedro Flores.


Acá también presentamos la nota de El Nuevo Día, también de Puerto Rico

Fuente: El Nuevo Día, Puerto Rico. Por Ana Enid López

A Tito Nieves le molesta escuchar cosas negativas sobre Héctor Lavoe. Reconoce que no se puede esconder que la vida del “Cantante de los cantantes” fue tortuosa, pero él prefiere recordar a su amigo como el genio de la música que fue y como el artista del que más aprendió sobre el género de la salsa.

Fue en 1978 cuando Tito entró como corista a la orquesta de Héctor Lavoe. Y aunque ya llevaba varios años cantando con la Orquesta Cimarrón, estar en una tarima al lado del intérprete de ‘Mi gente’ encaminó definitivamente el rumbo del “Pavarotti de la salsa”, como lo bautizó el maestro Johnny Pacheco.

“Ese año grabé un disco con La Fania junto con el gran compositor Johnny Ortiz y se empezó a correr la voz de que había un nuevo cantante en la calle. Entonces Héctor (Lavoe) me llamó para ver si podía formar parte de su orquesta en sustitución de José Mangual. No lo podía creer, porque él era mi ídolo y de pronto iba a estar en el escenario con él. Para mí eso ha sido lo más impactante de mi carrera”, relató Tito Nieves, quien se toma muy personal todo lo que se dice públicamente sobre el “Rey de la puntualidad”.

“Héctor fue mi padrino, una influencia muy grande. Por eso me molestan las cosas negativas que sacan de él, porque pocos lo conocieron como ser humano. Por ejemplo, la película ‘El cantante’ creo que no tuvo mucho éxito porque los productores se enfocaron demasiado en el aspecto de las drogas. Pero esa vida oscura no puede opacar su éxito musical. Héctor no estaba arrebata’o las 24 horas y el público se enamoró de él como artista”, opinó Tito, quien también admiraba “la sencillez” de Lavoe.

En el 1979, Tito se integró al Conjunto Clásico, grupo con el que se mantuvo hasta 1986 y con el que produjo éxitos como ‘El piragüero’ y ‘El solitario’. Pero un año más tarde tocó fondo y se vio obligado a hacer una pausa en su carrera.

“Estaba en un momento bien difícil con la adicción al alcohol y las drogas. Tuve varias recaídas, como muchos de mis colegas, pero creo que eso era parte de mi destino. Yo me crié en una buena familia y fui monaguillo, así que nunca supe lo que era el vicio hasta que entré a la música. Veía a otros colegas y comencé a hacerlo como un vacilón, hasta que me hice adicto”, confesó.

“Ya llevo 19 años sin usar drogas”, añadió. “Me sometí a un tratamiento experimental y gracias a Dios conté con la ayuda de mi familia, porque sin eso uno no tiene nada”.

En el 1988 inició su carrera como solista apoyado por Ralph Mercado y su sello RMM.

“Mi primer éxito en esa etapa fue ‘Sonámbulo’ y de ahí seguí hasta el sol de hoy”, recordó el artista, quien se destacó por sus influencias de la música anglosajona.

“Como me crié en Nueva York crecí escuchando la música de Los Beatles, los Jackson’s Five, Donny Osmond y Frank Sinatra. Pero lo latino siempre se mantenía, porque la ciudad tenía la marca boricua”, explicó.

En efecto, uno de los mayores aciertos en la historia de Tito Nieves fue cantar salsa con letras en inglés. De su repertorio, el tema ‘I Like It Like That’ lo colocó en un nivel internacional.

“Cuando le llevé a Ralph Mercado la idea de hacer salsa en inglés no le gustó. Me dijo que eso había pasado de moda, pero me dejó grabar una, ‘I‘ll Always Love You’. El éxito fue tanto, que para el próximo disco me pidió que grabara dos y de ahí en adelante siempre incluíamos uno o dos temas en inglés en los discos”, explicó.

En años recientes, Tito señala su colaboración con el cantautor mexicano Marco Antonio Solís como otro de los momentos trascendentales en su trayectoria, en la que ha llevado su música a lugares tan distantes como África, Turquía y Japón.

Tito considera que en 35 años ha hecho una aportación importante al género, pero le emociona aún más saber que, tras sobrevivir duras pruebas de vida como perder un hijo y sobrevivir al cáncer, le queda mucho más por ofrecer. Con esa emoción cantará por primera vez en la Sala de Festivales del Centro de Bellas Artes Luis A. Ferré el próximo sábado, 24 de octubre, en dos funciones a las 8:00 y 11:00 p.m.

“Ese es un deseo que por fin se me va a dar y por eso estamos preparando un espectáculo diferente. Vamos a tratar de abarcar la mayor cantidad de temas posibles y hasta me van a ver bailando como nunca antes. Pero no voy a contar las sorpresas, porque los quiero impactar”, concluyó el artista, que espera lanzar un nuevo disco el año entrante.
19 oct. 2009 2 comentarios

Paquito D'Rivera en Mexico



Paquito D’ Rivera: el jazz es la perfecta democracia
“Creo que sólo hay dos tipos de música: buena y mala”

Fuente: La Jornada, Mexico. Por Ernesto Márquez.

“Después de mi padre Chucho Valdés es la persona más importante en mi carrera”, confiesa de manera inesperada Paquito D’ Rivera tras un largo tiempo de no verse con quien fuera su amigo y cómplice de mil aventuras musicales. De muchos es conocido que la distancia tomada por Paquito respecto a Chucho se debe sobre todo a la incompatibilidad ideológica: el saxofonista sigue disintiendo de gobierno revolucionario de la isla, mientras que el destacado pianista le apoya.

“Chucho Valdés fue mi mentor y quien me diera la primera oportunidad profesional –precisa D’ Rivera. Yo empecé con él cuando tenía 13 años, Fue la primera persona que me apoyó, me inició en la ejecución jazzística y por lo tanto mi principal referente.”

A punto de marchar al Festival Internacional Cervantino, en el que se presentó ayer domingo en la Alhóndiga de Granaditas con la Zinco Jazz Band, Paquito D’ Rivera habló en exclusiva con La Jornada. Es el único jazzman que abarca tan amplia gama de música latinoamericana (Panamericana el tema que toca en el documental Calle 54 es un ejemplo) en su ejercicio tonal.

–¿Qué gana la música tradicional latinoamericana al involucrarse con el jazz?

–La música en Latinoamérica es más rica, sobre todo ritmáticamente, que la música de Estados Unidos; de todos nuestros países el que mejor mezcla armonía y melodía es Brasil. Ahora bien, el jazz es un género que es rico en armonía y melodía, pero un poco más débil ritmáticamente: pienso que al juntarse ambos elementos ganan y eso los hace más universales porque es más fácil entenderlos en su conjunto.

–¿Podría hacer una reflexión sobre el jazz y el quehacer jazzístico?

–El jazz es la perfecta democracia. Yo no he descubierto ningún sistema político o social que se comporte con tal respeto hacia los demás como el jazz. Eso fue lo que me atrajo. Una estructura solidaria en la que si uno está haciendo un solo instrumental los demás ayudan a que se luzca. Esa filosofía no la encuentro en ninguna estructura social.

“El concepto jazzistico es la democracia perfecta –insiste–. Si elegimos a alguien hay que ayudarlo a que haga su trabajo bien hecho. Yo pienso que el jazz a veces es temido por los sistemas totalitarios debido a ese carácter eminentemente democrático”.

–Un músico que desde el jazz se traslada constantemente a la música clásica, ¿cómo resuelve desde su perspectiva la dicotomía música popular-clásica?

–Mira, como dijo Duke Ellington, sólo hay dos tipos de música: buena y mala.

–Leonardo Acosta dice que combinar el jazz con la música clásica es un ejercicio de alto riesgo.

–Sí, es de alto riesgo, pero hay que saber sortearlo. El secreto radica en el estudio.

–Dadas las técnicas, desarrollos, estilos y tendencias en las que se ha ejercido el saxofón en uno y otro género, ¿no resulta contradictorio en algunos casos?

Ensayo de Paquito D’ Rivera en el Zinco barFoto Guillermo Sologuren
–No, yo no creo que la aproximación al jazz y el clásico del saxofón sean contradictorios. Son sólo maneras diferentes de ver las cosas. Y la manera en que te aproximes al instrumento. Y tú sabes que el tipo de cosas que tocas en un escenario clásico es un estilo diferente que cuando tocas el jazz.

–¿Es más fácil ser un músico de jazz que de música clásica?

–No es fácil ser un músico de jazz, tienes que conocer tu música, tener muchos recursos, una conciencia del jazz, un conocimiento de los tratamientos latinos a los sonidos. Es fácil tocar música latina, sólo es tónica y acordes dominantes, pero con el jazz se tienen que hacer cambios más intrincados, movimientos que tienen que ser fusionados con el sentimiento latino.

–Ha publicado los libros Mi vida Saxual y ¡Oh, La Habana!, mismos que escribe fuera de la isla y en los que narra experiencias vividas en los primeros años de la revolución cubana, ¿La escritura se presentó en usted cómo un desahogo, un paliativo a la tristeza o cómo un ajuste de cuentas?

Paquito no responde porque la risa se lo impide.

–¿Cómo un ajuste de cuentas?, yo no soy un mafioso chico. La novela trata sobre la vida de los artistas en La Habana de los años 50, cuyas historias yo escuchaba en la tiendita de música que tenía mi papá por lo que casi 99 por ciento de los personajes de esa novela son reales y no tienen nada que ver con vendetas.

–Durante su gira de celebración por los 50 años como músico confesó su deseo de tocar en Cuba, ¿sigue pensando en ello?

–Claro, mi máximo sueño es poder volver a tocar para mi gente, en mi propio país, sin ser considerado un ciudadano de segunda. Tocar para mis compatriotas, de todas las mentalidades y pensamientos políticos, sin que eso sea importante.

–¿No es utópico?

–No si ustedes me ayudan…

Paquito ríe. Este hombre es una combinación de buen humor, compromiso y música.

Y de eso nos dará un banquete basado en un menú variado que va del swing al danzón, del blues a la bossa nova; del más emblemático jazz latino a ritmos caribeños. Entre los temas elegidos escucharemos Memories, de su autoría, Sing, sing, sing de Louis Prima, Andalucía de Ernesto Lecuona y Dindi de Antonio Carlos Jobim.

Incluye en este programa un homenaje a Benny Goodman por el centenario de su natalicio (30 de mayo de 1909), alguien que le ayudó a decidir su vocación.

Paquito D’ Rivera y la Zinco Jazz Band se presentarán para el público capitalino mañana martes en el Zinco bar: Motolinía y 5 de Mayo, Centro Histórico.