Fuente: Primera Hora, Puerto Rico. Por: Rosalina Marrero-Rodríguez

Él contribuyó a que la salsa dura tomara otro rumbo al fusionarla con estilos rítmicos modernos, pero ahora quiere volver atrás, a la esencia.

Michael Stuart promete lograr tal maroma musical en su disco por estrenar, Salsa a dos tiempos, que graba al estilo de sexteto.

“Llevo demasiados años haciendo lo que catalogo buena música, música moderna, comercial, un estilo con el que yo vine cuando saqué la producción Cuentos de la vecindad, pero llegó un momento (en) que sentí que la salsa estaba perdiendo la esencia, que es el cocolo quien va a las fiestas con su campana, su bongó, sus maracas y su güiro... Llegó un momento (en) que no se estaba haciendo salsa para el bailador, para el cocolo de corazón, se estaba haciendo salsa para vender discos”, detalla.

Y aunque el estilo de sexteto no es nuevo en su género, el salsero entiende que está innovando al rescatar la fórmula (piano, bajo, conga, bongó, timbal y vibráfono).

“Es una salsa que yo creo que la pongo en los dos mercados: en el mercado del salsero de barrio junto con el salsero de salón, porque el vibráfono le da un caché al estilo, al concepto de salsa que se está grabando y, obviamente, la temática es para el bailador, para el salsero callejero, para el salsero (al) que le gusta la salsa agresiva y eso es lo que estoy buscando”, adelanta.

Un aperitivo de su próximo repertorio lo presentará en su primera aparición en la tarima del Puerto Rico Salsa Congress hoy viernes, 31 de julio, a las 9:00 de la noche, en el hotel Caribe Hilton, en San Juan.

“Si quiero presentar un disco de esta magnitud, con este concepto de sexteto para el bailador, creo que el Congreso es el lugar perfecto, porque tienes al bailador que viene del mundo entero a competir y que lo que baila es ese tipo de salsa”, agrega el artista, quien cada vez tiene más tatuajes en su cuerpo.

Todas las canciones que comprenderá este disco independiente, excepto Niña bonita, son composiciones del propio salsero.

Destaca el tributo al maestro Tite Curet Alonso en Se liberó la rumba. “Creo que es una joya musical y bien merecida”, opina.

Salsa en dos tiempos no estará completamente exento de las corrientes rítmicas modernas, ya que tendrá temas en esa línea.

“Creo que es algo que va a gustar muchísimo, porque tiene swing, las letras son bien sensuales”, comenta sin más detalles.

En la instrumentación, Michael Stuart contó con una nueva generación de músicos.

“Le estoy dando la oportunidad a talento nuevo, pero con el oído tradicional, músicos del Conservatorio y de la Escuela Libre de Música, y vas a encontrar ahí el swing, el masacote, la esencia...”, abunda.

Este proyecto debe estar en el mercado en el mes de agosto.

Mientras, Stuart asegura que su mudanza a la ciudad floridana de Miami le ha abierto muchas oportunidades en su carrera.

“Estoy trabajando creo que el triple de lo que se supone, porque no solamente estoy trabajando en la nueva producción, sino que he estado viajando muchísimo”, afirma para descartar cualquier comentario que apunte a que está apagao.

“Muchas de las veces los fanáticos no se enteran, pero para eso están los Facebook y los Twitter, y los Whatever, que uno escribe y les deja saber a los fanáticos dónde uno está”, anota.

“El que no sabe lo que está pasando con Michael está bien fuera de la tecnología y no está pendiente a todo lo que está de moda”.

Michael Stuart “está feliz de la vida, contento, en paz”, pero no dice más sobre su relación.

Ni siquiera revela el nombre de la puertorriqueña que lo tiene enchulao.

“Es muy buena, la adoro, la quiero mucho, me trata con cariño y respeta mi carrera”, puntualiza.

Fuente: El Universal, Ecuador

“Cuando me muera no quiero que me lloren, no quiero ver que ninguno derrame ni una lágrima por mí”. Eso fue lo primero que pensó Willie Colón cuando vio el filme El cantante, que narra la vida de su amigo Héctor Lavoe y protagoniza Marc Anthony. Y lo plasmó en el sencillo Cuando me muera, con el cual promociona su disco El Malo Volumen II Prisioneros del Mambo, el primero tras diez años de permanecer alejado de las salas de grabación.

Willie Colón es considerado el salsero vigente más importante. Cuenta con cerca de 40 producciones discográficas, 13 nominaciones a los premios Grammy (uno ganado a la excelencia musical), 15 discos de oro, 5 de platino y éxitos como Gitana, Talento de televisión, El gran varón y Asia.

Aunque el Malo del Bronx anunció su retiro en el 2006; él continúa en los escenarios interpretando temas de carácter social, que lo caracterizan, porque “la salsa no es solo romance”. De visita en Guayaquil y en un diálogo con este Diario, el artista dijo que era una suerte ser invitado dos años seguidos a las fiestas julianas.

¿Willie, quién lo hizo incursionar en el ambiente musical?
Fue mi abuela Antonia, de origenLa salsa es más que ritmo, es un concepto. Una reconciliación de todos los países, fruto de la migración”. puertorriqueño, quien me inculcó la cultura latina y enseñó a valorar su música. Pero también escuchaba todo lo que me llegaba en esa época. Rock, Los Beatles, Elvis Presley y la música negra y cubana de Benny More. El Bronx y Nueva York eran una mezcla total. Como éramos pobres y solamente había una emisora de música en español que se dividía por países, una hora mexicana, otra ecuatoriana... fue como una escuela.

¿Por qué el trombón como instrumento?
Yo tenía 13 años y tocaba trompeta con un grupito en la pura acera. En ese entonces pegó mucho una canción de Mon Rivera y Joe Cotto llamada Dolores la pachanguera. Y en el interludio había un solo de Barry Rogers. Fue la primera vez que oí un trombón como rugiendo. Ahí comenzó todo. Me compré uno de pistones (parecida a la trompeta), empecé a hacer embocaduras y a aprender las varas. Formé el grupo La Dinámica. Muy pequeño en cuanto a número de integrantes, pero con mucha hambre. Con esta orquesta me contrataron por primera vez. Lo demás es conocido.

La historia de Willie Colón es extensa. Sus inicios con La Fania, sus casi 10 años con Héctor Lavoe, la fama lograda junto a Rubén Blades, con quien grabó en 1978 Siembra (hasta ahora el disco de salsa más vendido). Las peleas por asuntos económicos, su carrera como solista y los éxitos comerciales. Su receso de algunos años en la música y el retorno.

¿Cuándo decidió regresar a la música?
No pensé que iba a ser tan complicado. Encontré que todo era diferente. Calculé que me iba a tomar seis meses y resultaron casi dos años. Estoy empezando de nuevo, aunque reduciendo las presentaciones, lo cual es difícil porque a donde sea que vamos recibimos una buena respuesta y quisiera tocar más, pero no es como antes.

¿Cuál es su postura frente a géneros actuales como el reggaetón?
No estoy en contra. Hubo una controversia hace poco porque dije algo que no gustó, pero lo digo también de la salsa. Cuando se sigue haciendo exactamente lo mismo se convierte en música fabricada, se estanca el género. Tanto la salsa como el reggaetón tienen que evolucionar para mantener el interés de la gente. Cuando comenzamos en el Bronx había mucha música típica y la mezclábamos toda. Los veteranos decían que estaba mal, que eso no existía. Y cuando lo denominaron salsa fue un alivio porque habíamos creado algo nuevo. Y no solo era un ritmo, sino un concepto.

¿Eso no pasa ahora?
Estamos en una época de estancamiento. Hay unas tres corporaciones que se han apoderado de todas las compañías de salsa y de los artistas. Así es difícil competir, no hay ideas nuevas. Antes había sellos independientes y cada uno era como una guerrilla, con su propia táctica y propuesta musical y lírica. Eso hizo que el resultado fuera interesante.

En su último disco hay dos temas que hablan en contra de las drogas, ¿esa fue siempre su postura? Bueno, toda mi vida las drogas han sido un problema. En mi barrio, mi familia (una hermana suya falleció por sobredosis), mis amigos. Es la amenaza más grande que existe contra la juventud y las canciones son mi manera de exponer el tema.

¿Willie Colón sigue disfrutando de la música como en la época de Lavoe o Blades?.
En cierto modo la disfruto más porque la puedo apreciar. Antes era muy joven y todo pasaba rápido. Lo que sí no disfruto de viajar es tanto papeleo, tanta seguridad, tanta fila... ¿qué palabra que no sea grosera puedo usar...? tanta molestia no me gusta.

¿Por qué decidió hacer Cuando me muera?
Uno hace sin pensar las cosas, luego se va dando cuenta. Cuando empezaron los tributos a Héctor y se estrenó la película me quedo el sentimiento, la interrogativa de qué me gustaría que pase cuando yo me muera... y es lo que está en la canción. Pero ojalá eso no pase pronto.


Reseña del concierto

Miles de fanáticos se congregaron la noche del pasado sábado en las afueras de Tres Cerritos, en la av. Francisco de Orellana, para ver, cantar y “sacudir el cuerpo” –como decían los asistentes– al son de la música del salsero Willie Colón, quien se presentó a la medianoche.

El público esperaba bailar desde temprano, pero le tocó esperar cuatro horas para recién ver actuar al Malo del Bronx, en el concierto gratuito organizado por la Gobernación del Guayas, y cuya cita estaba prevista para las 20:00.

El show empezó a las 21:00 con la intervención de la cantante ecuatoriana Andrea Bucaram, quien además presentó su nuevo tema: Sua, sua, sua, suave, una fusión de merengue con reggaetón. Con su música, los más jóvenes empezaron a mover sus cuerpos en sus puestos. Luego se presentó la banda del cantante Marc Antonhy, llamada Son Nueve All Star.

La pésima animación del show a cargo de Carlos José Matamoros y Jessenia Hatti no agradó al público, que en varias ocasiones los abucheó, cansado de esperar la salida de Colón. “Vine desde el Guasmo con mi familia solo por escuchar a Willie y aún no sale; y esos animadores están fatales”, dijo a las 22:30 Marcia Ruales Preciado.

Luego salió al escenario la agrupación Kaoba, que empezó a levantar los ánimos con sus interpretaciones tropicales. A la medianoche, Hatti presentó a Willie Colón y su orquesta.

El público lo recibió con aplausos e inmediatamente intentó corear sus canciones. Con el tema Te conozco bacalao levantó por completo el ánimo de los asistentes, que empezaron a pedir las melodías Gitana y Asia. Colón, quien lucía bastante subido de peso, logró conquistar y complacer a los asistentes con su magistral show, que combinó el canto, la interacción con el público, los solos de sus músicos y el espectacular manejo de su trombón.

Entre los temas que cantó estaban Gitana, Juanito Alimaña y El idilio, en los que demostró ser el maestro del trombón. Su orquesta no se quedó atrás. Y el público, complacido, le agradeció con aplausos. El clímax de la madrugada del domingo llegó con un mix de las canciones de su gran amigo, el fallecido Héctor Pérez, conocido como Héctor Lavoe, a quien en sus conciertos le rinde un tributo.

Ahí cantó Periódico de ayer, Todopoderoso, El cantante, entre otros. Luego presentó a sus músicos. Su show terminó a las 02:00 con un hasta pronto.

Fuente: El Nuevo Día –Puerto Rico.

El respeto por los ritmos antiguos y la constante exploración de nuevos sonidos; el balance entre el conocimiento adquirido en la academia y la experiencia de la calle, son los elementos que hacen de Wilson “Chembo” Corniel uno de los percusionistas más versátiles de esta generación.

“Chembo”, integrante de la orquesta de Larry Harlow por 14 años y director del conjunto Chaworó, está de visita en la Isla para presentar su tercera producción de jazz latino, “Things I Wanted To Do”, en la que cuenta con los músicos invitados Dave Samuels, Ludovic Beier y Jimmy Bosch.

“Estamos integrando a la base del quinteto varios instrumentos como el acordeón, la guitarra de rock, el tres y el vibráfono, lo que le da a cada tema un color diferente. Nuestro jazz latino tiene un particularidad y es que aunque no hay cantantes, no es sólo para escucharlo, sino que se puede bailar, porque tiene tremendo tumbao”, explicó el autor del tema en promoción, ‘Buena gente’.

“Chembo” destacó el auge que ha tenido el jazz latino a nivel mundial en los últimos años, lo que le ha permitido presentar su propuesta en lugares tan distantes como Turquía, Israel, Corea, Japón y Africa. No obstante, a este niuyorrican, estudiante de figuras legendarias como Tommy López, Little Ray Romero, Cachete Maldonado y Chucho Valdés, le emociona tanto o más poder tocar enPuerto Rico.

Es por eso que estrenará su más reciente trabajo esta noche en Il Jazz en Río Piedras y mañana en el Niuyorrican Cafe en el Viejo San Juan, donde el público disfrutará de temas como ‘Habana’ y ‘The Sultan’.

El disco “Things I Wanted To Do” se consigue exclusivamente en la tienda Viera Discos.

Por: Omar Marrero / The Associated Press

San Juan - Convencido de que la nostalgia es lo que busca el público salsero, el trompetista puertorriqueño Luis González creó una orquesta que revive el sonido del fenecido percusionista Ray Barretto.

"A pesar de que hay muchos grupos e intérpretes nuevos, la gente quiere vivir del pasado y con mi orquesta los llevo a los tiempos de El Corso, el Caborrojeño y de otros clubes famosos donde tocó Barretto", dijo González a la AP la mañana del martes.

"Mis músicos tienen que escuchar la música de Barretto, estudiarla bien y juntos armar el rompecabezas durante la interpretación", añadió el músico de 54 años, quien ha trabajado con las orquestas de Barretto, Willie Rosario, Roberto Roena, Tommy Olivencia, Bobby Valentín y La Mulenze, y también tiene una vasta experiencia como director musical de Jerry Rivera, Lalo Rodríguez, Luisito Carrión, Nino Segarra y Carolina Laó, entre otros intérpretes.

Barretto, uno de los más destacados percusionistas latinos del siglo XX, fue el creador de una de las orquestas de más prestigio en la música latina, especialmente en el género salsero. Entre sus clásicos figuran "Que viva la música", "Indestructible", "El hijo de Obatalá", "Alma con alma" y "Al ver sus campos".

Su orquesta sirvió de plataforma internacional para cantantes como Adalberto Santiago, Tito Allen, Rubén Blades y Ray de la Paz.

González relató que la idea del concepto se la sugirió un amigo, el veterano promotor Héctor Maysonave, quien dirigió las carreras de cantantes como Héctor Lavoe y Jerry Rivera.

"Maysonave me preguntó un día, cenando, qué me hacía falta por lograr como músico. Le contesté que quería tener mi propia orquesta y él me contestó que pronto me traería una idea. Por dos semanas estuvo visitando todas las tiendas de discos de Nueva York donde preguntaba cuáles eran los discos de salsa de mayor venta y le decían que eran los de Barretto, Héctor Lavoe, Johnny Pacheco, Celia Cruz y muchos otros del pasado", recordó.

"Entonces me llamó y me dijo: ’Luis, el concepto de tu orquesta va ser el que tenía Ray Barretto. Monta la orquesta y toca las clásicos de Barretto, además de algunos temas originales"’.

El debut de la orquesta, cuyos cantantes son Tony Rivas, Roberto Ortiz y Rubén Román, fue en el Puerto Rico Salsa Congress del año pasado. Sin embargo, este ha sido el año de su popularización en Puerto Rico y Nueva York.

"Ahora es que estamos de lleno y ya estamos grabando nuestro primer disco", adelantó González, según el cual el disco saldría a la venta este mismo año.

El trompetista reveló que la producción incluirá temas originales que alternará en sus presentaciones con los clásicos de Barretto.

Detalló que habrá canciones de compositores como Johny Ortiz, Harry Suárez y Juanchi Hernández, y arreglos musicales de Ray Santos, Luis "Perico" Ortiz y Carlos Torres, entre otros.

"Incluimos el tema ’Spain’ de Chic Corea, que Barretto siempre lo tocaba pero nunca grabó. Yo lo grabé con un arreglo de Oscar Hernández y quedó espectacular", declaró.

Hoy 28 de Julio, Aniversario de la Independencia del Perú, queremos recordar al timbalero peruano Carlos "Peluzza" Del Carpio, radicado actualmente en la ciudad de Miami.

Hace más de tres décadas, "Peluzza" tuvo la oportunidad de alternar nada menos que con la Fania All Stars, siendo hasta la fecha el único peruano que ha integrado la plantilla de aquella legendaria agrupación de estrellas de la Salsa.

Con la autorización del propio Del Carpio, reproducimos a continuación los recuerdos que el mismo timbalero publicara un tiempo atrás en su blog: carlospeluzza.blogspot.com



Ah!, no se olviden que este jueves 30 de julio "Peluzza" está de cumpleaños, así que ¡Feliz Día por adelantado, Carlos!

Siempre me preguntan como ingrese o toque con Fania All Stars, aquí la historia que nadie publicó.

En los años de 1975, estaba regresando de una gira con la vedette de PR. Iris Chacon. Al llegar a mi casa encuentro una serie de mensajes escritos y puestos en la puerta de mi casa que decían, que debería estar esa misma tarde en el hotel Flamboyán de PR, donde se realizaba el ensayo de Fania. Dichas notas las había dejado el productor de discos mi gran amigo Rafael Viera de Viera Discos.

Yo llegue a eso de las 2 pm. y ahí estaban todos los musicos de la Fania, pero también estaban otros dos bateristas amigos, que tenían que hacer la prueba o casting.

Inmediatamente al verlos ahí y enterándome de que este toque iba a ser una prueba, Yo no quería competir con mis amigos y quería irme del lugar, porque no me sentía bien hacer una competencia con ellos, especialmente sabiendo que ellos no leían música.

En ese mismo momento el trompetista de Panamá Victor Paz, el bongoncero Roberto Rohena y el cantante Cheo Feliciano se me acercaron y me dijeron que yo tenia que ir a tocar y demostrar lo que yo sé, y que no era bueno que yo me retire del lugar con excusas. Eso me hizo pensar y me animé a esperar por mi turno de prueba, cosa que fue algo como 30 minutos de espera. Sentí que mi nombre sonaba por ahí llamándome para dicha prueba, mis manos sudaban frío, nunca me había sentido tan nervioso, en ese momento los cantantes se hicieron a un lado, ya que la canción de prueba era nada mas la balada arreglada por Richie Ray cantando Bobby Cruz el bolero canción "Tiemblas" en homenaje a "Tito Rodríguez".

Jhonny Pacheco se dirigió a mi y me decía acomódate muchacho, eso me daba un poco de tranquilidad, porque era como cuando a uno le dicen welcome bienvenido, ahí está la música, léela y acompaña a los maestros, empezó la canción y yo seguía nervioso pero no tanto como al principio, la canción se toco completa sin parar, y cuando terminó hubo un gran silencio.

Yo dije oh oh, al poco rato se me acercó el trompetista Víctor Paz otra vez y me dijo al oído 'así cholo así se toca' y eso me dio mas seguridad para repasar el numero otra vez, Cheo me dijo esta vez dale tu propio feeling y usa la música solo para guía.

A mitad de la canción se paró otra vez, y yo dije uff esta vez sí fue. Pero Richie Ray me dijo casi al unísono con Roberto Rohena: “Muchacho... muchacho... vas bien,... vas bien... muchacho vas bien”, de ahí salio ese bugaloo. Me dijo, quedas contratado, yo me puse rojo como un tomate y mi sonrisa era grande pero estaba aún nervioso, creo que ustedes me comprenden verdad?...

Luego se unió toda la orquesta para hacer "Mama Güela", arreglo de Bobby Valentin y eso si era sabroso, estaban grabando el ensayo con maquinas grandes de grabaciones,
y la batería tenia muchos buenos toques y cortes especiales de jazz, así como muchos micrófonos, todo el mundo estaba disfrutando.

Luego vino Cheo con "El Raton" y Jorge Santana en la guitarra, ahí me gocé como nunca pues me gustaba mucho el estilo que era una combinación de Salsa Rock Jazz, ritmo que yo tocaba siempre.

Luego de pasar todas las canciones del homenaje a Tito Rodríguez, le tocó el turno a Manu Dibango Soul Makoussa, había que poner mucho sabor de Rock pero latino, mamama mamama mamamakusa, se acuerdan del coro tremendo verdad.

La gira empezó al día siguiente en el coliseo Roberto Clemente de PR. luego iríamos al otro día a Venezuela, donde tocamos en el Poliedro o la Plaza de Toros, paso algo diferente, perdimos algunas cosas como mi cámara fotográfica con todas las fotos de la gira, pero todo se debía a que la fanaticada quería llevarse algo de recuerdo y agarraban cualquier cosa, pero de todas formas perdí las fotos del recuerdo y por la noche en el concierto también fue difícil debido a la cantidad de gente que había, con deseos de conocernos mas cerca, aún así el concierto fue todo un éxito, con un lleno total.

Salimos esa misma madrugada para Panamá donde llegamos a golpe de 4.30 am y esa gente tenia un carnaval montado en homenaje a todos nosotros, con orquestas en vivo, comida y cantidad de entusiasmo, nos recibían como reyes de amistad.

Nosotros que teníamos un cansancio y queríamos irnos a dormir, todo se nos quitó con la pachanga que habían formado, de ahí llegamos por fin al Hotel Azul, famoso por su gran piscina enorme.

Este hotel azul, tiene su historia, pues en un album de Tito Rodríguez en la portada aparecieron los músicos y el propio Tito, teniendo esta piscina de fondo, un lugar muy bonito y romántico.

En la tarde hicimos un pequeño ensayo y conferencia de prensa, estaba lleno de periodistas y nosotros empezamos a ensayar, paso algo curioso delante de todos los periodistas, cuando me senté a los drums, alguien había tomado mi papel de música de la batería; entonces tenia que mirar el papel del trompeta quien gentilmente me hacia leerlo para seguir el ensayo, a todo esto Pacheco se da cuenta que yo no tengo mi papel, y paraliza la orquesta de momento y me dice oye muchachito donde está tu papel y yo con mi mirada no le sabía decir donde, entonces se dio cuenta que mi papel lo tenia en el atril de música nada menos que Ray Barreto en las congas.

Pacheco se acerco a Ray y le arrancó el papel del atril a Barreto y le dijo delante de todos que el no leía ni la prensa, ni los muñequitos, broma que causo risas entre todos los que sabían lo que pasaba, que por favor se me devolviera mi papel de música al baterista.

Los comentaristas parecen que no entendieron que fue lo que sucedió pero sí se rieron igual, cosa que no le gusto nada a Barreto quien enojado se paró y se fue sin decir palabra. Son cositas curiosas que pasan solo por pasarla bien y reírnos un poco.

Panamá fue algo especial, nunca olvidare la presentación que hicimos en un coliseo cerrado muy hermoso, la TV estaba trasmitiendo y la presentación de nosotros fue uno a uno, yo fui el primero en presentarme, salir del camarín y caminar hasta el escenario en medio de aplausos con clave rítmica, de verdad que animaba mis nervios y me sentía muy querido saber como ese pueblo lindo nos recibía, especialmente a su trompetista Víctor Paz. Fue una experiencia que nunca se olvidara.

La gira termino en la capital del sol Miami, con un lleno total y gente linda, lugar que me gustó mucho por su gente tan amable como son los cubanos, quienes me abrieron las puertas para poder quedarme en esta linda ciudad donde radico actualmente. Así fue que cambié de casa.

Algunas veces la prensa olvida acreditar a los músicos, y solo se anuncian los nombres y las figuras, pero se deberían siempre de nombrar a todos, porque todos son el equipo completo aunque otros tengan nombres y sean más famosos, la gente le gusta conocer a todos, es por eso que aquí nombro a todos los músicos que participaron en esta gira.

Los músicos que participaron en la gira homenaje a "Tito Rodríguez" fueron:
Director: Johnny Pacheco y su flauta.
Los pianistas:
Richie Ray. Larry Harlow. Papo Lucca. Markolino como invitado.
El Rey del Bajo: Bobby Valentin
La Guitarra: Jorge Santana
El Saxo de: Soul Makusa
El Cuatro del tremendo y único: Yomo Toro
Timbal: Nicky Marrero
Congas: Ray Barreto
Bongo y campana: Roberto Rohena
Drums: Carlos Peluzza Del Carpio.
Trompetas: Victor Paz. Juancito Torres. Ray Rodríguez, Luis Perico Ortiz
Trombones: Willie Colon. Lewis Khan. Rafi Torres, Barry Rogers.
Cantantes y Coros: Cheo Feliciano. Ismael Miranda. Ismael Quintana, Justo Betancourt, Hector Lavoe, Santitos Colon, Bobby Cruz, Pete El Conde Rodriguez, Adalberto Santiago.

A todo esto luego se unían la tremenda "Celia Cruz", el conguero: "Mongo Santa Maria" y el vibrafonista de jazz, "Lionel Hampton" quien al terminar la gira me ofreció hacer una gira con él y su banda de jazz.

Espero que hayan disfrutado de esta pequeña historia de mi experiencia musical como baterista con La Fania All Stars. Al final de la gira me dijeron que habóan grabado en
vivo, los temas "Mama Guela" con los efectos agudos de trompeta de Víctor y Juancito y "El Raton" cantado por Cheo Feliciano y la guitarra de Jorge Santana. Simplemente fabuloso.

Hoy y mañana tendremos más música de las Estrellas de Fania por La Radio de El Salsero

En mi “adolescencia” salsera, un “cuarto de siglo” atrás, las fechas de Fiestas Patrias eran sinónimo de la Feria del Hogar y de su Gran Estelar donde se presentaron importantes figuras salseras, que Perú vio por primera (y, en algunos casos, única) vez.

Aún hoy en día, cuando llegan estas fechas vienen a mi memoria los artistas que pude ver en aquellos años y es por eso que, a continuación, recordaré la década del 80, en la cual ir al recinto de la Av. La Marina en el limeño distrito de San Miguel, era rutina obligada de las vacaciones escolares para ver los stands comerciales, ir a los juegos mecánicos, comer “pollo broaster” y, sobre todo, ir al Gran Estelar.

LA FERIA DE LA SALSA

Para ser más exactos, los primeros conciertos de la Feria eran en un auditorio cerrado y con capacidad limitada y entre los primeros intérpretes salseros que estuvieron en esa tarima estuvo Ismael Miranda, quien vino acompañado por la orquesta La Terrífica de Joe Rodríguez, con “Mannix” Martínez y el gran “Pichie” Pérez en los coros

Ismael Miranda con La Terrífica en el Auditorio de la Feria del Hogar

Otra orquesta que actuó en el auditorio de la Feria fue la Orquesta La Solución que trajo como cantante estelar al desaparecido José Frankie Ruiz. De aquella ocasión no conozco que exista video de Frankie y La Solución en la Feria, aunque sí tengo en alguno de los viejos “cassetes de betamax” en Lima una grabación que ellos hicieran para América Televisión

En 1982 Celia Cruz realiza la primera de sus cuatro presentaciones (en años diferentes) en la Feria, acompañada por la Sonora de Ñiko Estrada. En esa ocasión también graba un especial para América TV, pero con pistas musicales de fondo. Recuerdo de aquel programa especial a Carlos “Caitro” Soto de la Colina, autor de “Toro Mata” gozando “detrás de cámaras” mientras Celia cantaba su composición.

Muchos años después la esposa de Soto me comentaría que la Fania nunca reconoció completamente los derechos de autor de “Caitro”, teniendo en cuenta el éxito de ventas que tuvo la versión de Johnny Pacheco y Celia de 1974, grabado también con la Fania All Stars (Live, 1978).

1983: EMPIEZA EL GRAN ESTELAR

Es en 1983 en que se inicia El Gran Estelar que traería a grandes figuras de la música, dando preferencia a la Salsa y al Rock. Ya no sería el auditorio el escenario para los conciertos principales, sino que la tarima se situaría en una gran explanada, capaz de ser presenciada de pie por miles de personas, ubicadas en orden de llegada.

El artista escogido, por la Salsa, para “estrenar” el Gran Estelar fue el venezolano Oscar D’León.

Oscar D'Leon y su Orquesta con Wladimir en "Mata Siguaraya"

Oscar era por entonces el salsero más popular en el Perú, creo que era el más vendedor de discos de la época, representado en el Perú por IEMPSA (que tenía el catálogo de la Top Hits) y llegaba a nuestro país con Wladimir Lozano en el coro. La sensación de aquellas presentaciones fue el tema “Mata Siguaraya” con un despliegue coreográfico muy llamativo de Oscar y Wladimir.

Ese mismo año D’León haría historia con sus ya legendarias presentaciones en Cuba, el en Festival de Varadero y en La Habana y Santiago de Cuba.


Recordada actuación de Oscar en Cuba: "Mira Pa'Ahí" con Sandoval en la trompeta


El cartel de 1984 fue uno de los más lujosos que festival de Salsa alguno haya tenido en el Perú. El primero en presentarse fue Rubén Blades con su recién formado grupo Seis del Solar. Hacía muy pocos días que habían publicado su disco Buscando América y “Decisiones”, “Todos Vuelven”, “El Padre Antonio y el Monaguillo Andrés” y “Buscando América”, eran discos que yo escuchaba todo el día. Recuerdo incluso que a los pocos días de haber comprado el LP, tuve que ir a cambiarlo a “Héctor Roca” porque lo rayé de tanto ponerlo en la vieja radiola Imperial de la casa.

Rubén y Seis del Solar fue el primer grupo que ví en la Feria, acompañado de mis padres y hermana. Ellos grabaron también para América un programa especial, presentado por Luis Angel Pinasco y donde estuvo como invitado César Miró, compositor de “Todos Vuelven”.

Los que estuvieron en la última noche de Rubén en la Feria recuerdan que antes de terminar el show se subió a la tarima el siguiente artista programado ese año: José “Cheo” Feliciano, quien estuvo acompañado por el timbalero peruano Aníbal López y La Unica, bajo la dirección musical de Louis García.

Fue la primera vez en Perú de “Cheo”, quien era presentado cada noche por la actriz nacional Aurora Aranda y quien ese mismo año se presentó en el Bellas Artes de Puerto Rico celebrando sus “25 años de sentimiento” en la música.


25 Años de Sentimiento de Cheo Feliciano, en el mismo año que llegó al Gran Estelar


Quien cerró la Salsa en la Feria del 84 fue Celia Cruz, quien también estuvo acompañada de La Unica de Aníbal López bajo la dirección musical de Pedro Knight.

La víspera de su “debut” en El Gran Estelar, Celia improvisó al lado de “Cheo” el bolero “Encantado de la Vida” que ambos habían cantado a dúo en el primer Homenaje a Beny Moré de Tito Puente.


Celia Cruz con Aníbal López y La Unica

Al año siguiente el Gran Estelar trae por primera vez al Perú a Roberto Blades, que se había hecho tan conocido como su hermano Rubén por su tema “Lágrimas” y al “Niño de Trastalleres” Andy Montañez, quienes compartieron tarima presentados por Luis Delgado Aparicio.


Roberto Blades, Oscar Nieves y Don Perignon descargando en el timbal (Tema: "Rosalba")


La banda nacional que acompañó a Blades y Montañez era la Sarava All Stars dirigida por el trompetista Carlos Sánchez, quien tenía en los coros (entre otros) al recientemente desparecido Julio Barreto, aunque ambos cantantes trajeron algunos de sus propios músicos, entre ellos el timbalero Don Perignon (director musical de Montañez)


Andy Montañez (Gran Estelar de la Feria del Hogar 1985)

El otro artista que se presentó en la Feria de 1985 fue Oscar D’León, esta vez sin Wladimir pero con el mismo derroche de carisma, sabor y calidad musical. Recuerdo que desde ese año iba más temprano al Estelar e incluso llevaba una grabadora de mano para tener un recuerdo de esas presentaciones.

En el show de Oscar que vi ese año, estuvieron como músicos peruanos invitados el trompetista Tito Chicoma, el tresero “Mita” y subió a tarima la cantante criolla Lucila Campos en el tema “Mira Pa’Ahí”. Años después le presté a un compañero de Estudios Generales en la U.de Lima el cassette que grabé esa noche, el cual nunca recuperé.


HECTOR, CELIA Y TITO Y EL MERENGUE

La historia de la Salsa en el Perú tiene uno de sus años más importantes en 1986. Ese año estuvo por primera y única vez en nuestro país Héctor Lavoe y su orquesta, quien marcó un antes y un después para el género en nuestro país.


"El Rey de la Puntualidad" Héctor Lavoe

Seis noches multitudinarias en las que Héctor quedó para siempre como uno de los cantantes más venerados entre los aficionados peruanos, empezando siempre con puntualidad cada uno de sus conciertos, que han quedado registrados en audio y video para la historia.

En ese momento Lavoe marcó récord de asistencia para el Gran Estelar y en mi caso pude estar en cuatro de aquellas noches (excepto la primera y la penúltima del sábado), al lado de esa multitud salsera.


Héctor Lavoe en la Ferie del Hogar 1986

Adicionalmente a Lavoe, los organizadores de la Feria dieron cabida por vez primera en ese año al merengue presentando al gran Wilfrido Vargas, sin duda uno de los músicos más importantes que ha dado dicho género.


De República Dominicana, Las Chicas del Can

En 1987 el Gran Estelar tuvo protagonismo femenino. Las Chicas del Can de República Dominicana pusieron la cuota de merengue mientras que por el lado salsero estuvieron nada menos que Celia Cruz acompañada (como siempre) por Pedro Knight y nada menos que con la orquesta de “El Rey” Ernesto Antonio Tito Puente.

Se dice que en la última de las noches de esa Feria del 87, Celia y Tito batieron el record de asistencia que el año anterior había impuesto Lavoe.

Siempre Tito abría el show con su cantante Frankie Figueroa y los temas “Generación del 80” y “Qué Bueno Baila Usted” (la última noche Tito nos regaló también el “Oye Como Va”), tras lo cual aparecía “Reina Rumba” y su popular repertorio, que siempre coronaba con el espectacular “Bemba Colorá”, coreado por todos los asistentes.

“El Rey” y “La Reina” fueron uno de los momentos cumbres de la historia del Gran Estelar de la Feria del Hogar, uno de los dúos más importantes que ha tenido la Salsa y que Lima pudo ver hace ya más de dos décadas.


Celia y Tito (con Pedro Knight) en la Feria del Hogar 1987

EL GRAN COMBO, LA SALSA ROMANTICA Y EL SOL DE LA MUSICA LATINA

Pero la gente había quedado “marcada” por Lavoe y su recuerdo y la Feria decidió su regreso para el Gran Estelar de 1988. La expectativa era grande y de seguro, que “El Cantante” rompería nuevamente records de asistencia, a pesar que ya la Salsa “romántica” o “erótica” se había vuelto muy popular.

Sin embargo el 26 de junio de ese año Héctor Lavoe cae del noveno piso del hotel Regency de San Juan, dejando truncas nuestras ansias de volver a tenerlo en Perú. En su “reemplazo” (así, entre comillas) el Gran Estelar presenta al cantante Eddie Santiago, uno de los protagonistas de aquella ola “sensual” en la que navegaba la Salsa de entonces.

La cuota de Salsa “tradicional” la puso en 1988 El Gran Combo de Puerto Rico, que llegaba por segunda vez a nuestro país con todo el equipaje de sabor que siempre lo ha mantenido como uno de los pilares del género.

Charlie, Jerry y Papo con don Rafa al frente de “Los Mulatos del Sabor” se volverían con el tiempo en uno de los grupos más queridos por los salseros peruanos y uno de los “históricos” que se presentarían ese año, siendo el otro nombre “histórico” en el Gran Estelar 1988 el merenguero dominicano Johnny Ventura.

Se terminaba la década y ya la Salsa “romántica” dominaba el mercado. Es así que El Gran Estelar presenta en 1989 por primera vez en nuestro país al gran Lalo Rodríguez, quien había tenido “un nuevo despertar” en su carrera como cantante gracias a temas como “Devórame Otra Vez”, entre otros.

Aunque sus presentaciones se basaban en TODOS los temas de su más reciente disco (titulado precisamente Un Nuevo Despertar), Lalo se dio espacio para cantar “Máximo Chamorro”, tema de comienzos de la década y con una temática totalmente diferente a la que predominaba por entonces.

“Veterano” de los 70s que también ganó popularidad con el nuevo estilo del género, Johnny Zamot fue el otro artista que se presentó en la Feria de 1989 junto a su cantante Ray Sepúlveda y teniendo al peruano Ennio Gatti en el piano. Al igual que Lalo Rodríguez, el dúo Johnny & Ray, basó también su presentación solamente en temas de su más reciente disco titulado Salsa Con Clase.

El Gran Estelar cerró la década con la presencia del maestro Eddie Palmieri y su orquesta, quien se presentó por primera (y hasta ahora única) vez en Lima con su orquesta, trayendo al cantante Ray Pérez junto a Francisco Aguabella, Conrad Herwig, David Sánchez, Richie Flores, Salvador Cuevas, entre otros músicos de primerísima línea.


Eddie Palmieri con Ray Pérez en El Gran Estelar de 1990

Si bien sus presentaciones no contaron con gran cantidad de público, los pocos que estuvimos en aquellas noches de Agosto de 1990 pudimos apreciar a uno de los pianistas más importantes en la historia de la Salsa.

Recuerdo que por la poca asistencia de público no era difícil estar cerca al escenario. No puedo olvidar que muchos de los asistentes no “entendían” los largos interludios de piano solo que Palmieri hacía entre canción y canción. Me acuerdo de un moreno, ya mayor, que durante uno de las introducciones de piano de Eddie, le gritaba: “Palmieri, ya son las nueve”, tratando que cortara su solo para dar paso a la Salsa (por entonces el show duraba exactamente una hora, de 8:00 a 9:00 p.m.)

El Perú cambió con el fin de la década del 80 y la Salsa también había cambiado.

Los años han pasado y aunque ya estamos por terminar la primera década de un nuevo siglo no olvido aquellos años 80s que marcaron el comienzo de mi gusto por la Salsa y en los cuales El Gran Estelar de la Feria del Hogar fue la mejor oportunidad que tuve para ver por vez primera a varios de mis héroes musicales.

Nuestro blog-emisora está participando en el concurso “20 Blogs Peruanos” que elegirá a los mejores blogs del Perú en 20 distintas categorías.

Las categorías en las que estamos participando son 1. Arte y Cultura y 8. Entretenimiento

Si deseas apoyar a La Radio de El Salsero en este concurso ingresa acá a este link, o al botón de “20 Blogs Peruanos – Vota Por Mi Blog”, que tenemos a la derecha de nuestra pantalla (abajo del ícono del reproductor), pon tu e-mail y nuestra dirección: http://www.radioelsalsero.com

La votación se cerrará el viernes 21 de agosto del 2009 y puedes votar por nuestro blog-emisora en las dos categorías. Apóyanos

Fuente: El Nuevo Día – Puerto Rico. Por Víktor Rodríguez-Velázquez

Sus carreras marcaron la historia de la música en Puerto Rico y sus canciones han mantenido viva la esencia de la salsa. Por esto el Municipio de San Juan rendirá en agosto un homenaje a cuatro exponentes del género con una fiesta de pueblo.

De manos del alcalde Jorge Santini, los cantantes Francisco “Paquito” Guzmán, Luis “Luiggi” Texidor, Yolanda Rivera y Ángel “Cachete” Maldonado recibirán, el próximo 1ro de agosto, una proclama por la trayectoria y aportación musical de cada uno en una actividad denominada “Homenaje a los salseros del pueblo”.

El evento se llevará a cabo en la Plaza de los Salseros, en Villa Palmera en Santurce, a partir de las 5:00 p.m. y contará con la participación especial del cantante Tito Rojas, diversos grupos de baile y los propios artistas que serán parte del homenaje.
“Esta proclama viene con la iniciativa del Municipio de crear consciencia sobre la importancia de este género, cuyas letras describen estampas del pueblo puertorriqueño. Además estas personas han puesto el nombre de Puerto Rico en alto y ya es hora de que se les reconozca como debe ser”, manifestó Santini.

Para Luiggi Texidor, el homenaje lo llena de mucho orgullo. “Ese día esperamos que la placita esté llena y todo el mundo pueda disfrutar de nuestra música”, expresó el cantante, quien formó parte de La Sonora Ponceña y Fania All Stars.

“Cada uno dará lo mejor de sí en agradecimiento por su presencia y espera poder compartir con el público que se dé cita esa tarde”, aseguró por su parte “Cachete” Maldonado

La actividad forma parte de un grupo de iniciativas que se están preparando en la Capital con miras a “darle a la salsa el rincón que se merece”, explicó Santini en referencia a la próxima construcción del Museo de la Salsa de Puerto Rico y la colocación del busto de Marvin Santiago en la Plaza de los Salseros.

“Este género necesita seguir pasando de generación en generación y por eso estamos dando forma a estos proyectos y a esta actividad, que esperamos poder celebrar anualmente”, sostuvo el Alcalde.

Con sus defectos y virtudes, la Fania fue uno de los vehículos más importantes que tuvo la Salsa para hacerse conocida comercialmente en el mundo entero.

Sus diferentes artistas (por separado) y el conglomerado de las Estrellas de Fania llevaron su música a países de culturas e idiomas distintos, causando el interés del aficionado por este género musical.

Este fin de semana estamos presentando un especial titulado "La Fania en Cuatro Continentes", donde venimos emitiendo algunas de las presentaciones que el All Stars ofreciera en distintos países de América, Europa, Asia y el Africa.

Música en vivo (sábado y domingo) desde las 10:00 a.m. por La Radio de El Salsero

Cartel nacional e internacional para este fin de semana "largo", que incluye los feriados por nuestras Fiestas Patrias.

Ya está en Lima el cubano Manolito Simonet y su Trabuco para una serie presentaciones en diversos locales de la capital, entre ellos El Timbalero de La Victoria donde estarán mañana sábado 25 y el martes 28 de julio.

Quien empieza su gira por el norte del país es Víctor Manuelle, quien canta esta noche en Chimbote (Campo Ferial), mañana sábado 25 en Trujillo (Real Plaza) y el domingo 26 en Chiclayo (Real Plaza), para cerrar su tour "Muy Personal" nuevamente en "La Ley" de Lima el lunes 27.

Dentro de los nacionales, queremos destacar que esta noche (11:00 pm) es una nueva presentación de Pacho Hurtado y la orquesta Sonido Latino en el Jazz Zone con su espectáculo Héctor Lavoe Vive!!!.

El domingo 26 (9:00 pm) estará nuevamente La Efectiva en el Bohío Latin Club y la agrupación Mammayé de Coco Linares rinde homenaje a la Fania All Stars en el local De Rompe y Raja de Barranco (también el domingo 26)

Fuente: CPN RADIO

Luis Enrique, el cantautor nicaraguense radicado en Miami, vuelve al Perú despues de mas de una decada, con una super producción recien salida y que ocupa los primeros lugares de los Billboard y en Puerto Rico tiene al tema Yo no se mañana en el primer puesto por 4 semanas consecutivas.

El cantante de temas como Desesperado, Amiga, Date un Chance,Tu no le amas le temes,y No te quites la ropa,confirmó su participación en el XIII Festival Chimpum Callao el próximo 22 de Agosto en el complejo Yahuar Huaca.

"Me siento realmente feliz de regresar al Perú y de cantar por primera vez al Callao en el festival mas popular y uno de los mas famosos del mundo salsero" señalo Luis Enrique.

"Hasta en dos ocasiones estuve a punto de ir al festival Chimpum Callao ahora si se concretará porque mi manager ya firmó el contrato para estar desde el 20 del proximo mes en Perú" subrayo el interprete considerado el Príncipe de la Salsa.

En la nueva producción de Luis Enrique esta el éxito Yo no se mañana pero tambien figura una canción compuesta por Gianmarco :Parte de este juego.

Fuente: EFE

La jueza Sonia Sotomayor pronto tendrá una canción que celebrará sus logros y que el público podrá escuchar por primera vez en noviembre en el conocido centro de espectáculos Symphony Space en Manhattan.

El pianista de jazz de origen cubano Arturo O'Farrill fue comisionado por este centro, el Museo del Bronx y financiación privada, para escribir un tema dedicado a Sotomayor, nominada por el presidente Barack Obama para el Tribunal Supremo del país.

El Senado de EE.UU. realizó la pasada semana audiencias en torno a su nominación y se espera que vote sobre ello en los próximos días.

"Es un encargo increíble y una oportunidad para mí para explicar cómo me siento acerca de tener nuestra primera latina en la Corte Suprema", señaló hoy el músico a la edición digital de NY1.

"Es un momento maravilloso. Estoy orgulloso por ella, por nosotros, por (el presidente Barack) Obama. Es un momento importante en la historia de nuestra nación", afirmó O'Farrill, quien aún no tiene un título para el tema, pero adelantó a NY1 que será una explosión de alegría.

El mes pasado, el portal de All About Jazz dedicó un interesante reportaje sobre O'Farrill, el cual presentamos a continuación

Arturo O'Farrill: Upholding the Latin Tinge
By R.J. DeLuke - All About Jazz

Arturo O'Farrill, an extraordinary pianist, admits he came out of the bebop school of playing, a Bud Powell disciple, and his strong chops would attest to that. He didn't pursue the music of his father—the great Chico O'Farrill—in his younger days, but he came upon it as he studied the music. He came to not only appreciate it, but his excellent bands embody it.

He's led two Latin big bands, one celebrating his father's music (the Chico O'Farrill Afro Cuban Jazz Orchestra) and the other—the Afro Latin Jazz Orchestra—examining more broad influences. The latter's Una Noche Inolvidable (An Unforgettable Night), (Palmetto Records, 2005) was nominated for a 2006 Grammy and its Song for Chico (Zoho Music, 2008) won the 2009 Grammy Award for Best Latin Jazz Album.

The Latin roots and influences O'Farrill so diligently and eloquently reflects today didn't come about via some "discovery" in the 1940s, he avows. Sure, when Dizzy Gillespie encountered the captivating rhythms of Cuba in that golden age of jazz, he began to highlight them, especially after hiring percussionist Chano Pozo. The rhythms spread rapidly, as Dizzy was a major figure whom people religiously followed. But O'Farrill notes that the influences were there at the beginning of jazz and are a part of its essential fabric.

"The roots of Latin and jazz are the same," says O'Farrill. "New Orleans at the turn of the century was a very Caribbean city with a lot of trade and commerce with Mexico and Cuba. Many of the musicians that came back and forth between Cuba and New Orleans and much of the Caribbean brought with them some of the rhythms that infected and inflected a lot of what we call jazz. I don't think the implications of those Latin and Caribbean rhythms have yet been appreciated or understood by the general jazz public. At least on the critical or historical level.

"The truth of the matter is that Jelly Roll Morton said that without the Spanish tinge, it isn't jazz. He understood the rhythms we associate with jazz are as much Cuban and African-American as they are from New Orleans. In some ways, I think the listener understands that, almost more than the jazz critic, the jazz musician and the jazz historian; all of which have a vested interest in keeping the story the way they want to maintain their supremacy in the issue.

"But I think the true jazz listener, the true jazz lover, understands the rhythms are infectious because they are part and parcel of the root of jazz. The true jazz listener understand that you can't sit still listening to that music. And it doesn't detract from the idea that it is jazz. In fact, it enhances it ... Why is it so infectious? Because it is jazz. It is not Latin jazz. It is jazz. It is part of the root, the foundation. Any jazz listener, and jazz fan, will recognize the truth right away.

"Some of the great, great jazz musicians understood this—Jelly Roll Morton, Dizzy Gillespie, Sonny Rollins, it goes on and on and on. Rhythms of the Caribbean are inter-fused with everything we call jazz. It's only jazz historians, jazz educators, jazz institutions that insist on slicing a little piece of pie, a little tiny morsel, and calling it Latin jazz. It's in their interest to maintain this facade. Because then they can control it. I know it sounds very dark," says O'Farrill, who then switches gears to lighten things, noting that music and feeling and art is what's important. The remarks are not made in a bitter fashion, but rather explanatory. In fact, he's affable and genial. But he speaks his mind.

O'Farrill deals with the whole breadth of jazz in his projects, whether with small or large groups. But he's a keeper of the Latin flame, for sure.

A recent live performance of the Afro Latin Jazz Orchestra showed it as all-inclusive. Different styles of music had their moments in various numbers. Different Latin rhythms. Straight bebop. Wild and mild. And there was humor as well. It's an exciting aggregation but, even on the heels of its Grammy win, the best may be yet to come.

"We're getting ready to go into the studio in July and record some amazing new music that nobody else is playing, nobody else can play unless you have that kind of openness," says O'Farrill. "We're going to be recording music from Peru, Argentina, Colombia. Music that is really cutting edge. Exciting and infectious. You'll listen to this record and you'll want to get up and dance and you'll want to sit down and listen."

It was in the 1990s that O'Farrill was playing with the Chico O'Farrill Afro Cuban Jazz Orchestra when New York City's Jazz at Lincoln Center was in its infancy. O'Farrill wondered aloud if Wynton Marsalis could find a way to give the Latin big band tradition a home base.

"I certainly didn't expect him to open up Jazz at Lincoln Center as a possible home for the Latin jazz big band tradition ... In 2001, he said he would love to do that at Jazz at Lincoln Center. So we began our run at Jazz at Lincoln Center in 2002," O'Farrill says. "We've performed all over the world, incredible concerts for Jazz at Lincoln Center and worked with many great artists. We have a very wonderful and satisfying residency."

The band has since moved to Symphony Space in New York City. Having the cachet of JALC played a role in getting the new venue, as well as establishing a profile visible by the National Academy of Recording Arts and Sciences. However, he says, "Let's not attribute it all to Jazz at Lincoln Center. I have very good credentials from having established the Chico O'Farrill Orchestra at Birdland for 14 years, and a long and well-articulated career in many performance venues."

The Chico O'Farrill Orchestra begins its 14th year at Birdland in November. "It's interesting to note that there really is very little crossover [of band members] between the orchestras. There are about three or four members that I keep in both bands. That's because I love to have key position players that I trust in leading the sections. That's my comfort zone."

The two orchestras are different in their presentation as well.

"I love my father's orchestra and I love my father's music. They sometimes call Chico O'Farrill the Duke Ellington of Latin music. I think that's almost like a sideways compliment. Because we [the Latin music community] don't have to have a Duke Ellington or any corollary jazz artist in our tradition. We have our own jazz greats," he says. His father "was really a unique and singular voice in the world of Latin jazz, if we must separate the two. He deserves his own cannon, his own orchestra and his own history. One of the things that I sought to do was to protect that legacy and to make sure the music of Chico O'Farrill and Chico O'Farrill-inspired composers is protected.

"On the other hand, the Afro Latin Jazz Orchestra is supposed to reflect the larger interpretation of the whole of Afro-big band tradition. To that end, we do a lot of other music. We perform everything from real technical dance music to cutting-edge work by brand new composers ... We don't sound like a museum orchestra. We've made a real commitment to the incredible swing and rhythmic propulsion of our greatest orchestras. [It is] a modern orchestra in that it appropriates all the equipment and language we need to fully express and experience the music that we call jazz. The Chico O'Farrill Afro-Cuban Jazz Orchestra is an amazing orchestra in its own right. But we don't really get to play much outside of Birdland. Whereas the Afro Latin Jazz Orchestra gets to do a lot, lot less playing, but a lot more traveling and a lot more expanding of the repertoire."

O'Farrill was educated at the Manhattan School of Music, Brooklyn College Conservatory, and the Aaron Copland School of Music at Queens College. Growing up in New York City (he was born in Mexico), he had the typical piano influences common to young aspiring musicians: Bill Evans, Chick Corea, Herbie Nichols and Thelonious Monk, among many others. He also likes classical pianist Arturo Benedetti Michalangeli.



Arturo O'Farrill (seated at piano) with the Afrio Latin Jazz Orchestra
"I can also think about the artistic integrity of a master like Jimi Hendrix. I can honestly say that on some level, Jimi Hendrix has impacted my life and my music as much as McCoy Tyner. I think those things are important. In other words, people who made bigger impressions on me as artists, than particularly as technicians.

"I think you can't separate craft from art," he says. "People who stand up for what they believe; people who change, or at least try. I think the hardest thing in he world is to create art and not to replicate. People who follow their voice. My father was one. He could've replicated and played safe with commission money. Instead he followed his voice. He followed the inside of his heart. What his heart told him to do, he wrote. Consequently, he has some great masterpieces."

But the music of his father didn't register with the young piano player right away.

"I kind of rejected my upbringing and my background and thought of Latin music and traditional jazz as very corny," he says. "I grew up playing traditional jazz, but certainly not Latin. I think it had to do with a misunderstanding I had. Sometimes I attribute it to just growing up and rejecting your father and mother's values, which we all do. Kids do that. I think it's very important that they do. Whether you had a good upbringing or a bad upbringing is secondary to the fact that you rebel. Everybody rebels ... When I was a kid I was a Bud Powell clone."

"In my late 20s, I started understanding how graceful, elegant and really complex Latin music is. It was an epiphany for me. I credit Andy Gonzalez, Pablo Vasquez and my father, and people who opened up that world to me. They played me a lot of music and talked to me about ... the uniting of mind and passion. Those two things are not separate.

"There's a beautiful grandeur in music that comes from a very simple, but not simplistic, approach to rhythm. Very difficult music to play well. If you write out the rhythms to this music—exactly—and hand them to a professional percussionist, they'll play rhythms but they won't swing. If you give them to guys that really do this, it's marvelous. That always intrigues me, the idea that in the hands of one person, the rhythm can groove like crazy. But that same rhythm played exactly correctly, in the hands of another person, can sound stiff as a board."

O'Farrill played piano with the Carla Bley Big Band from 1979 through 1983. He also performed with a variety of others, including Gillespie, Steve Turre, Freddy Cole, Jerry Gonzalez and the Fort Apache Band, Lester Bowie and Harry Belafonte.

"I've played with a lot of great jazz musicians with tremendous, tremendous joy. Yet the older I get, the more I realize there is no Latin jazz. There is no jazz. It's music born out of joy. It's improvisatory. It comes from the diaspora experience. There's a common thread from Albert Ayler to Gerry Mulligan to Louis Armstrong. There is a common cultural aesthetic value. It hasn't really been defined yet. But Tito Puente had it. Sonny Rollins has it. Freddie Hubbard had it. It's a miraculous thing. This music is part of the gift for the new world that was borne out of so much suffering and oppression and socio-economic trial and tribulation."

He adds, "Jazz institutions, jazz educators have a very monochromatic view of what jazz is. They preach that. It helps them maintain their jobs, their revenue streams. That's a harsh accusation, but I don't think it's done out of maliciousness. I just think they aren't open ... I go out and do clinics all over the country and all over the world and band directors go to me, 'Wow. Why isn't this music readily available. Why do we have access to eight hundred Duke Ellington charts, but we don't have access to one mambo?'"

Jazz, in all its forms, regardless of how one labels it, has had difficulties in the U.S. market and its geniuses have always been undervalued and appreciated by the general public. It's something the greats of the past have endured and taken in stride.

Says O'Farrill, "One of the reasons [jazz] has trouble is because we've made it irrelevant. We've made it culturally elite, socio-economically elite. As educators and spokespeople, we have not made it accessible. We've defined it as art music. One of the big controversies is: We made it to Lincoln Center. We are now a culturally-institutionalized art form and that has validated us. Let me tell you the truth. We didn't need that validation. We didn't need to be treated like classical musicians. Because we already had one of the rarest, rarest of gifts: a living art form. All we've really tried to do by putting it in that setting is tried to sterilize it.

"That's just my opinion, but a living art form does not need validation. Ask young jazz musicians across the country. They're alive; they're trying to move the agenda forward. They're trying to mix it up. They're trying to create new art forms. They're trying to distinguish themselves. They're not interested in classicization. They're interested in making their music accessible to their fellow musicians and friends and family and people they love. I think they're going to be the wave of the future. Jazz, at any point, could become very popular again. It's just that the powers that be control so much of the public perception of jazz."

O'Farrill is involved in education and hopes to do what he can to present the music as art in an accessible fashion.

"The Afro Latin Jazz Alliance has residencies in the New York City public school system. I travel all over the country. We do a lot of educational work. I'm also a professor of jazz studies at Purchase University, the State University of New York. I'm very committed to education. Not jazz education—just education of the mind. I challenge students. I give them different interpretations of the history of jazz. I tell them they are living pages in the history of jazz. Jazz was not invented by one person. It was not limited to one geographic area."

But he continues to push for the recognition and appreciation of the Latin elements that are part of his heritage, and the heritage of the music.

It is incredibly important to fight for cultural truth," O'Farrill says. "What's interesting to me is that if you put (the music) into the hands of a guy like Chico O'Farrill or a really gifted composer ... in his hands, you get this thing where he creates pieces that as much listenable-to as danceable-to. It's almost the perfect blend of what jazz is. It's music for the head, it's music for the feet, it's music for the heart, it's music for the hands. It transcends the experience of passive listening.

"Even if you don't dance. Even if you don't move, it becomes something, to me, that really crystallizes the possibilities for music of the new world."

Selected Discography:

Arturo O'Farrill & Claudia Acuna, In These Shoes (Zoho Music, 2008)
Arturo O'Farrill & the Afro Latin Jazz Orchestra, Song for Chico (Zoho Music, 2008)
Arturo O'Farrill, Wonderful Discovery (MEII Enterprises, 2007)
Arturo O'Farrill, Live in Brooklyn (Zoho Music, 2005)
Jazz at Lincoln Center's Afro-Latin Jazz Orchestra with Arturo O'Farrill, Una Noche Inolvidable (An Unforgettable Night), (Palmetto Records, 2005)
Jim Seeley/Arturo O'Farrill, The Jim Seeley/Arturo O'Farrill Quintet, (Zoho Music, 2005)
Arturo O'Farrill Trio, Cumana, (Pony Canyon, 2004)
Arturo O'Farrill Trio, Blood Lines, (Milestone, 1999)
Carla Bley Band, I Hate to Sing, (ECM, 1984)

Fuente: Primera Hora – Puerto Rico. Por: Rosalina Marrero-Rodríguez

En el cuerpo de Willie Rosario habitan dos personas distintas: una, familiar, religiosa y tranquila, y otra, capaz de poner a bailar hasta a dos pies izquierdos al sonar el timbal.

Con esta dualidad nos topamos hace unos días, cuando el llamado Rey del Swing o Mr. Afinque abrió las puertas de su hogar en Carolina para conversar con Primera Hora sobre su vida y carrera, en la antesala a su decimotercera participación en el Puerto Rico Salsa Congress el viernes, 31 de julio, en el hotel Caribe Hilton.

¿Qué hace cuando está fuera del escenario?

“Hago ejercicios por la mañana, no bebo ni fumo y trato de alimentarme lo mejor posible dentro de las condiciones”, dijo para romper el hielo.

Otra actividad que disfruta es la lectura, en especial sobre la historia hispanoamericana. “Me gusta leer mucho sobre Cuba, República Dominicana, como uno ha ido tantas veces a tocar a esos países, pues uno se interesa y cada vez que uno va por allá, trae libros y además me divierto mucho”, agregó, quien, como católico, también gusta de leer la Biblia.

Algo que le regocija tanto o más que la música es su familia.

El percusionista, de 79 años, oriundo de Coamo, se casó hace 50 años con Ada, “una bailarina del cará” que conoció en el Club Caborrojeño en Broadway.

“Era un club donde yo tocaba; ella dice que cuando yo estaba tocando, ella se fijaba mucho en que siempre tenía los zapatos bien brillados, como que me veía limpio, y eso le gustó a ella, y a mí ella me gustó porque eran 19 años, pero había proporción en todos los sitios: piernas, arriba, atrás... Todo el mundo la (piropeaba) pero me tocó a mí”, contó riendo.

Junto con Ada, el músico procreó a sus cuatro hijos, Fernando, Maritza, Elizabeth y María de los Ángeles, quienes lo han hecho abuelo de seis nietos: Fernandito, Yuaquim, Gabriel, Gerardo, Martín y Alondra Paola.

“Yo soy un papá, creo que un papá bueno, un papá que siempre ha respondido, no solamente en las cosas materiales, sino en las afectivas”, afirmó con su voz pausada.

Willie Rosario mostró aptitudes para la música desde niño. Intentó la guitarra y el saxofón, pero “nada de eso me satisfacía”. “Las cuestiones rítmicas -por el contrario- sí las sentía, sentía bien chévere eso”.

Su orquesta la formó en 1958 en la ciudad de Nueva York, tras estudiar comunicaciones y hasta trabajar por ocho años como reportero radial en la emisora Wado en la Gran Manzana. También fue vendedor de cervezas y empleado del departamento de correo de la joyería Cartier de la Quinta Abvenida.

“Cuando estás empezando, tú no generas el dinero que necesitas para tu familia, y esto es una profesión que tienes que trabajar fuera para que en la casa no falte nada”, comentó quien ha vivido bien desde que logró hacer un nombre en la música.

Entre sus influencias, Willie menciona a Tito Puente, Tito Rodríguez, Johnny Seguí y Machito.

“Tito Puente fue una inspiración para mí, pero yo no podía tocar al estilo de Tito Puente porque él sentía la música de una forma y yo la sentía de otra”, detalló.

“A mí me entusiasmó más, como dicen, tocar afincado, o sea, cuando hice mi orquesta, estaba pensando en el bailador y de esa forma tú tienes que tocar los números que tengan una definición, que tengan cuerpo, que se note todo y para eso, como se dice en el argot musical, hay que tocar afincado; eso quiere decir, tocar compacto para que la gente pueda bailar rítmicamente”.

¿Quién lo nombró Mr. Afinque?

“Yo no sé quién me puso eso, creo que eso fue algún locutor puertorriqueño; yo sé que a mí unos me dicen Mr. Afinque, otros me dicen el Rey del Ritmo, que me lo puso un locutor en Nueva York, y el Rey del Swing, eso me lo puso Shorty Castro, pero eso de Mr. Afinque, no sé específicamente”.

Para el hacedor de cerca de 50 discos (no sabe exactamente cuántos ha grabado), la salsa nunca va a decaer.

“La salsa para mí no es un género musical, la salsa para mí es un concepto musical, donde entra el mambo, la guaracha, el chachachá, el guaguancó, la pachanga, el son montuno...”, especificó.

“Lo que necesitamos son orquestas jóvenes que puedan emular a Bobby Valentín, a El Gran Combo de Puerto Rico, o a mí, que sigan por ese carril de salsa dura, no la salsa romántica o la salsa erótica, esas cosas que no tienen mucha fuerza; la salsa dura es para despertar a la gente, para tenerla viva”, apuntó.

Entre las orquestas que poco a poco van creciendo destacó a Don Perignon.

Willie Rosario tiene los arreglos listos para regresar al estudio de grabación, pero no tiene prisa.

En esta etapa de su vida, se da el privilegio de ser más selectivo de las cosas que quiere hacer.

Y no es para menos. Después de 50 años trabajando, es justo complacerse a sí mismo. “Yo soy un tipo realizado, pero en la música quisiera hacer tantas cosas, como hacer un cedé de latin jazz, pero el latin jazz que yo conocí, no lo que tocan por ahí”, concluyó.

Los JPF Awards son los premios de la Just Plain Music Organization, que acoge a más de 50.000 profesionales de la música en Estados Unidos, y que están enfocados a resaltar las producciones independientes en todo el mundo en cerca de cien categorías

Estos galardones, que se entregarán el 29 de agosto en Nashville, Tennesse (USA), consideran dentro de sus categorías los géneros musicales del Latin Jazz y la Salsa.
A continuación los albums y canciones nominadas

Albums de Latin Jazz y Salsa

Canciones de Salsa

Canciones de Latin Jazz

Chucky Acosta, Javish Victoria, Adib Melgen y Elías Santana, miembros del Conjunto Quisqueya


Fuente: El Nuevo Día de Puerto Rico. Por Limarys Suárez

El sabroso sabor del merengue se sintió eldomingo con fuerza en el estadio Hiram Bithorn, en Hato Rey, cuando miles de dominicanos y puertorriqueños se unieron a bailar y contonear su cuerpo bajo el rico ritmo tropical y el candente sol que azotó en la segunda edición del Festival Brugal del Merengue.

En homenaje al Conjunto Quisqueya, quien hacía cuatro años que no cantaba en suelo boricua, cerca de 12,000 merengueros le dieron rienda suelta al movimiento de caderas y de cintura, y bailaron sin parar toda la tarde y entrada la noche.

Con su mismito sabor, el Conjunto Quisqueya agradeció el reconocimiento recibido y lo dedicaron a su fallecido compañero Aneudy Díaz.

“Esto es una experiencia inolvidable. Estamos sumamente contentos y que viva el merengue”, expresó en un aparte con El Nuevo Día Javish Victoria.

Asimismo Adib Melgen, integrante del grupo de merengue, agradeció a todos los presentes y rindió homenaje póstumo al fallecido productor Paquito Cordero, quien fue la primera persona en darles la oportunidad de presentarse en la televisión.

Mientras, para bajar la intensa temperatura que casi asfixiaba, miles aprovecharon para tomarse su ron Brugal y otros su cervecita fría.

Las frituras de todas clases no faltaron ni las papas asadas, así como la piña colada.

Entonando “La Toita”, “Bebo hoy, bebo mañana”, “María Cristina” y “Los limones”, el Conjunto Quisqueya enardeció a la multitud que coreó la frase “pónmelo ahí que te lo voy a partir”.

Antes de su participación, Joseph Fonseca también hizo lo propio y, con su movimiento seductor de caderas y cintura, enloqueció a muchas de sus fanáticas quienes le gritaban alborotadamente al ritmo de “Noche de copas”, “Que levante la mano” y “Dame una oportunidad”.

La apertura estuvo a cargo de los conjuntos puertorriqueños Karis y Limi-T 21.

En la tarde la lluvia cayó con fuerza, pero los seguidores que vinieron a bailar no se amilanaron y empapados por la mezcla de sudor y del agua que refrescó el calor siguieron contoneando su cuerpo.

La merenguera del patio Gisselle fue la única mujer boricua que puso a gozar a los asistentes con “Quiero estar contigo esta noche”, “Esa no es mejor que yo” y “Lo mío es mío”.

“Este festival nos da la oportunidad de seguir manteniendo vivo el género y funciona como un termómetro para que la gente vea que todavía hay muchos que les gusta el merengue”, señaló la merenguera.

Luego le siguió Milly Quezada, quien expresó sentirse muy feliz de cantar por segundo año corrido en la segunda edición del Festival Brugal del Merengue en el suelo boricua, pero que lleva 41 años celebrándose en la vecina isla de la República Dominicana.

“Es la segunda vez que estoy participando y a mucha honra y compartiendo la alegría y orgullosa por sentirme tan querida por los boricuas como por los dominicanos. Me parece fabuloso que Brugal siga haciendo este festival”, expresó en un aparte con El Nuevo Día.

Al cierre de esta edición (lunes 20) faltaban por cantar Quezada, Manny Manuelle, Joe Veras y Sergio Vargas.


Y esta semana la edición 42 del Festival en Santo Domingo

Fuente: Listin Diario de República Dominicana

Santo Domingo.- La empresa Brugal y la Secretaría de Turismo anunciaron la celebración del “Festival del Merengue Santo Domingo Brugal”, a realizarse del 24 al 26 de julio en la avenida Francisco Alberto Caamaño Deñó (Del Puerto). En esta actividad participarán las más renombradas orquestas de merengue, que se darán cita al lugar en la última semana de este mes, continuando una tradición de más de 40 años.

En su entrega número 42, en la noche inaugural actuarán las orquestas de Eddy Herrera, Jovanny Polanco y Rubby Pérez, y se ofrecerá un concierto con los artistas del merengue clásico: Frank Cruz, Vinicio Franco, Francis Santana y Joseíto Mateo, en la Plaza España, a partir de las 7:00 de la noche, como un atractivo adicional de esta nueva versión del Festival del Merengue Santo Domingo Brugal 2009.

Esa misma noche se le rendirá tributo al Conjunto Quisqueya, agrupación a la que se le dedicará el Festival y recibirá un reconocimiento de Brugal y de Turismo, por sus más de 30 años dedicado a la música.

La siguiente noche (sábado 25) le tocará el turno a los grupos musicales José Peña Suazo, Banda Real y Omega; Luis (Terror) Días, presentará el concierto “Los merengues de Luis Días”, en la Plaza Fray Bartolomé de Las Casas, de la Zona Colonial, a las 9:30 de la noche.

El domingo 26, los expertos Huchy Lora y Rafael Chaljub Mejía abordarán el tema “El valor del merengue típico”, en el Museo de Las Casas Reales, desde las 6:00 de la tarde.

El gran cierre será el domingo 26, con Fernando Villalona, El Cieguito de Nagua y Sergio Vargas, mientras que de Puerto Rico actuará el grupo Mayombe.

Fuente: Filmeweb.net por Oscar Díaz Rodríguez.

Lila Downs, Sacbé, Chano Domínguez, Inés Canepa, La India, Los Van Van y The Cuban All Stars se convirtieron en la presencia latina del Festival Internacional de Jazz de Montreal (FIJM) en su edición número 30, dándole al encuentro musical de reconocimiento mundial, magia y explosión de ritmos.

En Montreal, Canada y a través de la información de Francisco Ortiz Velázquez (Comunvission Canadá), los latinos aportaron la mayor alegría al festival internacional, gracias a los ritmos que se viven en los países de América Latina y cuyos exponentes de inmediato los pusieron a bailar y latirles fuerte los corazones.

Aún hasta el más frío espectador movió la cabeza, hombros, manos y cintura cuando escucharon la rumba, la salsa, el bossanova, el merengue y todas esas cadencias contagiosas que se funden con el impacto sonoro de las percusiones para entrelazarse con las maracas, los violines y los metales.

La presencia latina en FIJM actuó en la primera semana, aunque Giovanni Artéaga, extraordinario saxofonista cubano, fue programado para tres presentaciones a lo largo del Festival, gozado de la presencia de muchos artistas de la América hispana y portuguesa, como la uruguaya-quebequénse Inés Canepa y sus ritmos provenientes de su tierra natal.

El maestro de piano flamenco Chano Domínguez y su clarinete, La India, salsera de Puerto Rico y ahijada de Celia Cruz, cuya voluptuosidad en el escenario se combina con esa potente voz que arranca despechadas canciones de desamor o alegres cantos al idilio y a la vida.

Desde Brasil llegó impetuoso el dúo que conjuga la sensualidad y el ritmo del pop brasileño con el jazz americano: Luciana Souza y Romero Lubambo. Ella, una gran dama del bossanova y él, gran guitarrista.

También disfrutamos del grupo mexicano-canadiénse People Project, con el “Quezo”, de México y Philpe, de Ottawa, quienes hacen explotar una mezcla musical con ritmos de jazz de todo el mundo.

Y el domingo se vivió toda una experiencia musical, con la presentación de Bomba, músicos canadienses de Alberta y de origen chileno, a quienes se han integrado los cubanos de las percusiones y del violín como un músico invidente, Luis Orbegoso, de Perú, cuya luz emana del corazón con un fuerte sentimiento y mucha alegría.

Ellos combinan el funk-jazz con la rumba, la salsa, la timba y otros ritmos de Cuba, Perú, Chile y México.

Se ha presentado también Rafael Zaldívar, la nueva sensación quebequénse del jazz-piano, tanto en quinteto como en trío; el maestro de la harmónica, el cubano-canadiénse Carlos del Junco, así como el compositor y pianista mexicano, Héctor Infanzón, quien fusiona el jazz con elementos del folclore de México y la música afrocaribeña.

Para continuar a lo grande la participación latina en este Festival estuvieron por segundo año consecutivo los hermanos Toussaint del grupo Sacbé, Eugenio, Fernando y Enrique, trío que ha marcado un hito en la historia del jazz mexicano y que se presentaron en un concierto el 10 de julio, junto al extraordinario saxofonista quebequénse Jean-Pierre Zanella.

Sin duda, las que arrancaron gritos bravíos y fuertes ovaciones, fue la cantante mexicana Lila Downs, quien no se presentaba en el FIJM desde 2004. Ella volvió con la alegría de la música ranchera y sus fusiones con rap, rock, blues, música oaxaqueña, cantos indígenas y folclore latinoamericano. Lila Downs también ofreció el concierto especial el 10 de julio.

Estuvo también otra diva mexicana, Magos Herrera, quien aporta las tendencias que han definido su carrera musical: El jazz, el bossanova, el soul y los ritmos latinos. Ella estuvo en el festival internacional el domingo 12.

Finalmente, ese mismo día, domingo 12, el Festival cerró su trigésima edición, con un programa denominado “Fiesta cubana”, en el que intervinieron los artistas de la Afro-Cuban All Stars, el grupo Van Van y Ben Harper. Presencia latina. Todo un estilo de apreciar el jazz y sus fusiones, envuelto en ritmos burbujeantes que hacen gozar al alma con frenesí.

Fuente: Prensa Latina. Por Jorge Petinaud

Moscú, 19 jul (PL) En el reencuentro con el público de San Petersburgo constatamos que Buena Vista Social Club y su música ya tienen hondas raíces en Rusia, Afirmó hoy la directora de giras internacionales de la orquesta, Kyra Carbonell.

En declaraciones a Prensa Latina por vía telefónica desde la denominada Venecia del Norte, la promotora cultural calificó de bello y emocionante el concierto ofrecido este domingo en el escenario de la sala BKZ Oktyabrskii.

Conocedores del repertorio, eran muchos los que no solo bailaban y aplaudían, sino también coreaban muchas de las canciones, comentó.

Esta comunión entre artistas y público satisfizo las expectativas creadas en la segunda ciudad más importante de Rusia en los días previos.

Solo los músicos de Buena Vista Social Club son capaces de transmitir al mundo los incendiarios ritmos y apasionados bailes de la Isla de la Libertad y un mar de alegría, anunció en Internet del Centro Cultural Adelante, de esa urbe.

Carbonell destaca que el mismo ambiente cálido caracterizó la participación de la orquesta la víspera por segundo año consecutivo en el festival Viva Cuba, de Moscú.

Estamos muy contentos de este nuevo encuentro con los moscovitas bajo un sol radiante. En julio de 2008 el festival transcurrió bajo un torrencial aguacero, y miles de personas vinieron con paraguas o se mojaban, evocó.

La directora de giras recordó que a finales de marzo la agrupación había participado en la temporada de conciertos del Barvija Luxury Village, de las afueras de Moscú.

En abril-mayo hicimos una gira de 12 conciertos por toda Europa, incluyendo Turquía, Praga y Budapest, con gran éxito de público y crítica.

Mencionó como algo especial en cada regreso a Cuba las actuaciones de todos los miércoles en la playa de Varadero, donde siempre encuentran muy cálida acogida.

En relación con el verano actual, informó que se encuentran en medio de un periplo iniciado en Portugal de 26 conciertos, y que incluyó una gala a la que califica de inolvidable en la sede de la Opera de Viena, en Austria.

La programación del resto del año incluye en octubre y noviembre casi 30 conciertos en diversas ciudades de Gran Bretaña, y después presentaciones en Luxemburgo, Bruselas, varias urbes francesas y Gijón, España.

Buena Vista Social Club tiene dos secretos, y por eso goza de tanta demanda en todo el mundo, señala Carbonell.

En primer lugar, como dice su director musical, Jesús (Aguaje) Ramos, mantienen la fidelidad a lo que siempre fue este proyecto. No intentan cambiar el concepto original.

Su Chan Chan de Compay Segundo, los temas que ejecutaba al piano Rubén González, el Dos Gardenias con el que Ibrahim Ferrer conquistó el mundo, o las piezas en las que vibraba el contrabajo de Orlando (Cachaíto) López mantienen su aire, opinó.

La segunda causa de tanta demanda en todo el mundo en estos momentos de crisis global, subrayó, es que precisamente esa situación provoca el deseo de escuchar y bailar una buena música.

Los artistas cubanos aportan una alegría, un optimismo que a veces no se encuentra en las grandes ciudades del mundo industrializado, concluyó la promotora cultural.

Victor Manuelle llega esta semana nuevamente al Perú para realizar cuatro presentaciones, como parte del Zenda Fest 2009.

Victor Manuelle y su orquesta estarán compartiendo tarima con los intérpretes de cumbia Tommy Portugal, Los Caribeños de Guadalupe y Clase A el próximo viernes 24 en el Campo Ferial de Chimbote, el sàbado 25 en el C.C. Real Plaza de Trujillo y el domingo 26 en el Real Plaza en Chiclayo.

Previamente el boricua estará el jueves 23 en la Discoteca La Ley de Lima

Fuente Agencia EFE. Por Concha Barrigós

Sólo los dedos de Paquito Hechavarría saben el secreto de su dueño para hechizar al piano y sublimar ese sonido tan especial que los cubanos llaman "tumbao".

"A lo mejor", bromea en una entrevista con Efe, tiene que ver con que es un músico "jazzista, rumbero, sonero, danzonero y jodedor" pero también "un hombre serio" que "se botó" a Miami en 1962.

"El jazz es una música negra pero habemos unos cuantos blanquitos que tocamos un poco", presume risueño Hechavarría (Cárdenas, 1939), con motivo del lanzamiento en España de su último disco, "Frankly", una ofrenda a su admirado Frank -Sinatra, "of course"-.

Este "prodigio dotado de un perfecto tono", que ocupó la banqueta del piano al lado de los míticos Senén Suárez, el Conjunto Casino y la Orquesta Riverside cuando sólo era un adolescente, allá por la Edad Dorada de la música cubana, está "pero que bien satisfecho" del disco, "el mejor" de su carrera, grabado cuando lleva ya 47 años de exilio a la espalda.

El que está considerado uno de los más grandes pianistas cubanos, trabajó en los principales cabaret de La Habana, abandonó el país -con un "tú ya sabes" esquiva el por qué- y comenzó una nueva vida en Miami, donde tocó durante diez años acompañando a Sinatra o Sammy Davis, entre otros.

"Frankly", describe Hechavarría es un "hermanamiento" de los grandes estándares americanos que llevaron a Sinatra al éxito, léase Irving Berlin, Cole Porter, Richard Rodgers, Cy Coleman o Bart Horward, con el cancionero popular -el American Songbook- sazonados con "poliritmos" cubanos.

"Change partners", "I love Paris", "The lady is a tramp", "Fly me to the moon", "All of me", "Sweet Lorraine", "Oh you crazy moon", "I've got the world on a string", "Love is a many splendored thing", "Just in time", "Witchcraft" y "I'm gonna sit right down and write myself a letter" tejen su "cautelosa" elección de los temas del cantante norteamericano "que no mueren nunca", "del tiempo de cuando Sinatra era Sinatra".

Este disco "delicioso" se grabó en The Studio de Nueva York en diciembre de 2007 y acaba de salir de la factoría de Fernando Trueba Calle 54 Records, producido por él y Nat Chediak, con músicos de la talla de Andy González (contrabajo), Danis Prieto (batería), Pedro Martínez (percusión), Phil Woods (saxo alto), Brian Lynch (trompeta) e Ileana Santamaria (coros).

"Cuando Nat, que es 'fanático' mío y siempre me ha usado para todo, me dijo que quería hacer este disco pensé que estaba bromeando pero ahora estoy muy orgulloso porque me parece que es lo mejor que he hecho, no sólo por lo mío sino porque la gente que ha colaborado es increíble, de primera", explica.

Desde la autoridad que le dan su experiencia y sus años asegura que es "difícil" que se repita "otro Sinatra u otro Sammy Davis" y por eso también le parece complicado que en Cuba, "donde siempre están saliendo buenos músicos", se reproduzca una generación como la suya.

"A veces hay cosas que no suceden por segunda vez", dice con algo de inmodestia pero también de pesadumbre Hechavarría -"la 'h' -precisa- se la puso mi papá para despistar a la marina cubana y que le dejaran alistarse, pero es un apellido bien vasquito"-.

No tiene claro si los cubanos exiliados en Estados Unidos han cambiado "el color" del jazz americano: "puede que sí, que se vaya poniendo de otro color, pero hay un género como el reageton o la bachata que a mi no me gusta. A quien le guste, buena suerte pero el jazz de verdad seguirá siendo jazz".

Edgar Nevarez (izquierda) con Javier Marrero (derecha), protagonistas de "Back on the Block"

Fuente: El Nuevo Día Puerto Rico. Por Jaime Torres Torres

Es un trompetista egresado con honores de Berklee en Boston y viene a devolverle el protagonismo a los músicos de la salsa con la producción “Back On The Block”, distribuida días atrás por Combo Records.

Edgard Nevárez, director de La Trópica, retoma el taller que inició en 1979 junto a su compañero de estudio Tommy Villariny, hoy uno de los trompetistas de mayor prestigio de la salsa y el jazz latino.

Durante poco más de un lustro La Trópica compartió escenarios con Raphy Leavitt y La Selecta, Wilfrido Vargas, El Gran Combo, Héctor Lavoe y Willie Colón & Rubén Blades. Entonces grabaron con TTH y Combo Records, reapareciendo tres décadas después para renovar los arreglos y versiones originales de cortes como “La cantaleta”, “Pequeñas cosas”, “Dentro de poco tiempo” y otros que presentan en “Back On The Block”.

El cantante es Javier Marrero, la voz de una propuesta de salsa caliente, bomba y plena para el bailador con letras fieles a la tradición de la narrativa urbana, inspiradas en la cotidianidad de los barrios populares.

Consciente de que el romanticismo en la salsa redunda en numerosas producciones, La Trópica le canta a situaciones del diario vivir, con alusiones a la perseverancia en medio de la contrariedad, a los valores patrios y al progreso en la era de la revolución médica y digital.

“Son las letras que le gustan al pueblo. Le llegan porque son parte de sus vivencias culturales”, dijo Marrero.

“Eso se perdió por el romanticismo de la balada. Los éxitos de los 70 todavía suenan, habría que ver si los de baladas siguen sonando en salsa. Aquí tratamos de acaparar todos los géneros”, añadió Edgard, autor de “Pronto te veré”, “Aprovechemos el tiempo” y “Don Lalo”, evocadora del lelolai del monte.

Con el lanzamiento de “Back On The Block”, La Trópica emprenderá la conquista de mercados sudamericanos que Edgard ha visitado junto a las orquestas de Tommy Olivencia y La Selecta. El disco compacto ya se consigue en los establecimientos del País.

Este fin de semana estaremos repasando la discografía del gran Rubén Blades en La Radio de El Salsero.

Mùsica de la Orquesta Dismenos, Nacho Molino, Los Salvajes del Ritmo, Pete Rodríguez, Ray Barretto, Fania All Stars, Larry Harlow, Willie Colon, Louie Ramírez, Luis Perico Ortiz, Danilo Pérez, Los Rabanes, Bobby Valentin, Spanish Harlem Orchestra y, por supuesto, la discografía de Blades como solista, todo este fin de semana desde las 10:00 am (hora del Perú; -05 GMT)

Este especial estará dedicado a la memoria del periodista deportivo Micky Rospigliosi, gran aficionado salsero fallecido el día de ayer

Hace una semana se estrenó en los Estados Unidos el documental “Soul Power”.


Basado en la legendaria pelea de boxeo entre Muhammad Alí y George Foreman, realizada en Zaire en 1974, el documental recoge momentos del espectáculo musical montado con motivo de esa pelea, que tuvo como protagonistas a músicos como James Brown, Miriam Makeba y a la Fania All Stars, que presentó como atracción especial a Celia Cruz.

Ayer jueves 16, el mundo de la Salsa recordó los seis años de la partida de la “Reina” Celia Cruz. Esperamos poder ver en algún momento “Soul Power”, que nos traerá nuevamente a Celia y la Fania en Africa.

Presentamos a continuación una reseña del documental, aparecida en el blog sobre cine del peruano Jorge Bazo Escudero y el trailer oficial (en inglés) del documental


SOUL POWER: "EL" DOCUMENTAL DEL SOUL

Estaba viendo vía CNN las exequias de Michael Jackson, pero no pude evitar la tentación de seguir buscando algunas novedades, así que buscando posters nuevos en Impawards hallé el de Soul Power (cae a pelo con Michael y su estilo musical), uno de los documentales que hacen historia, 93 minutos de pura energía musical afroamericana...

Como ya es una muletilla del blog, partamos desde el principio: Soul Power surge de un material filmado en Zaire en 1974 y reorganizado por Jeffrey Levy-Hinte que muestra cómo fue posible que los grandes genios del rhythm & blues y el soul se juntaran allí mientras ocurría la famosa pelea del siglo entre Muhammad Alí y George Foreman. Un poco de historia...

El 30 de octubre de 1974, el promotor Don King organizó en Kinshasa un combate para que Muhammad Ali intentara recuperar la corona de los pesos pesados contra el aspirante y contundente George Foreman. Paralelo a este evento pugilístico, el músico Hugh Masekela y el productor Stewart Levine programaron una serie de conciertos que a la postre se convertirían en uno de los eventos músicales más importantes del S.XX en suelo africano: Zaire'74.

James Brown, BB King, Bill Withers, Celia Cruz, The Spinners y Miriam Makeba (sí, la de Pata Pata) entre otros grandes artistas de esa década ofrecieron tres noches de música que fueron recogidas por la cámara del director Leon Gast y editadas bajo el título de When We Were Kings en 1996. Lo curioso es que en ese documental Gast mostraba solamente el fenómeno deportivo de Zaire'74, quedando muchas horas de material original almacenadas en un depósito de Nueva Jersey durante más de 20 años.

Tras algunas trabas legales, los rollos fueron visualizados por el realizador que decidió crear Soul Power, este documental que describe la trastienda del histórico evento y que llega este 10 de julio a las salas de los EEUU. Levy-Hinte, que participó a su vez en la edición de aquel otro documental, toma otro camino, dejando que esos tres días ofrezcan las complejas situaciones de su montaje y mostrando la fascinación que generaba en estas tremendas estrellas de la música poder tocar en semejante volcán político.

La música consigue en Soul Power refractar mil aspectos del mundo y de las personas, porque aunque todo pasó hace 35 años, el documental es tan novedoso y moderno que el tiempo adopta la apariencia de un accidente. Un espectáculo hecho música y tributo a una época turbulenta política, sexual y racial que marcaron la historia...esperemos verla en algún momento.




Acá el site oficial de la película, donde figura una reseña sobre la Fania All Stars